viernes, 23 de octubre de 2009

La editorial valenciana Campgràfic continúa con su valiosa labor en el campo de la tipografía con la publicación de textos relacionados con dicha disciplina y que, de no ser por ellos, aún continuarían inéditos en castellano.
En esta ocasión presentan “Romper las reglas” un volumen editado con motivo de la exposición del mismo nombre celebrada en el Museu Valencià de la Il·lustració i de las Modernitat (Muvium) que recoge textos relacionados con el diseño, la tipografía y el cartelismo suizo firmados por diferentes autores, algunos de ellos estrechamente relacionados con el tema, como Bettina Richter, Armin Hofmann y Wolfgang Weingart.
El libro cuenta además con numerosas ilustraciones y trabajos de la época, que ponen de manifiesto la calidad y capacidad de ruptura que durante los años ochenta desplegó el diseño gráfico suizo, habitualmente asociado al racionalismo, la mesura, el equilibrio y otros conceptos heredados de movimientos vecinos geográficamente como la Bauhaus, pero que en esa época coqueteaba con fenómenos como el punk y los movimientos estéticos más underground.
Un libro que demuestra que el buen hacer de Campgràfic como editorial no sólo está en el mero hecho de publicar libros y hacerlo muy correctamente sino en su inteligencia a la hora de elegir qué títulos incluye en su catálogo.

Romper las reglas. Tipografía suiza de los turbulentos años ochenta. VV. AA.
Campgràfic. 238 páginas. Español.

jueves, 22 de octubre de 2009

Si en un hipotético futuro consiguiéramos que en los lineales del supermercado aparecieran los trabajos que se recogen en este “@Supermarket: Package designs”, el acto de ir a la compra sería una actividad cultural semejante a la de visitar un museo o asistir a un concierto.
De nuevo, la editorial nipona PIE Books nos sorprende con un libro en el que se recopila una muestra de diseño realizado para productos del sector de la alimentación.
Más de un centenar de magníficos ejemplos procedentes de todo el mundo, aunque con predominio de los realizados en Japón por razones obvias, presentados de una forma atractiva gracias a las ilustraciones realizadas con la técnica del collage Natsko Seki y Taiko & Associates y que sirven de separación a las diferentes secciones del libro.
Además de las virtudes gráficas de los trabajos seleccionados, cabe destacar la innovación en los envases que se ha producido en los últimos tiempos y el hecho de la paulatina incorporación al sector de la alimentación de recipientes y contenedores que, por su forma y aspecto, parecían más propios de sectores como el de la limpieza doméstica o el automovilismo. Una arriesgada innovación que funciona y enriquece un mundo como el del packaging, en el que parece que está todo inventado pero que no deja de sorprendernos.

@Supermarket: Package designs. Foods, drinks and various consumer products.
PIE Books. 160 páginas. Inglés / Japonés

miércoles, 21 de octubre de 2009

Para varias generaciones, Alianza Editorial es sinónimo de libros asequibles, cuidados y de calidad. Colecciones como Libro de Bolsillo, Alianza Tres o Alianza Forma forman parte del paisaje doméstico de muchas familias españolas gracias a una política que no fija sus miras en las fluctuaciones del mercado ni apuesta por un libro efímero.
Este es el caso de “Desvestidas. El cuerpo y la forma real” un interesante tratado del Catedrático de Historia del Arte Carlos Reyero que arroja una nueva mirada a obras de arte cuya característica principal es el desnudo. Una nueva forma de abordar estas obras pensada para perdurar en el futuro gracias a un planteamiento que rompe con la idea acuñada en el XIX, que afirmaba que las mujeres representadas en los cuadros o esculturas no estaban desnudas sino “desvestidas”. Para Reyero, la representación femenina en el arte responde, además de a cuestiones estéticas, a una evidente atracción física hacia la mujer representada por parte del autor.
Una interesante teoría ilustrada con más de un centenar de imágenes que, a diferencia de lo que sucedía con los títulos clásicos de Alianza Forma en los que abundaba la fotografía en blanco y negro, están impresas a todo color.
“Desvestidas. El cuerpo y la forma real” tiene visos de convertirse en un título clásico de esta colección. Un libro que compartirá estantería con “La escultura. Procesos y principios” de Rudolf Wittkower, “La interacción del color” de Josef Albers, “Historia de la Arquitectura” de Kostof o “El diseño gráfico en España” y “El diseño gráfico: desde los orígenes a nuestros días” de Satué.

Desvestidas.El cuerpo y la forma real. Carlos Reyero.
Alianza Editorial. 400 páginas. Español
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martes, 20 de octubre de 2009

Javier Cosnava firma el guión de este álbum que narra la vida de los habitantes de Ciudad Jardín, una urbanización residencial apenas a un kilómetro de distancia de un campo de concentración, en la que viven las familias de los oficiales encargados de la gestión del mismo.
Una historia basada en hecho reales, cuya crudeza ha tenido que ser rebajada con objeto de que resulte verosímil al lector, hecho que nos da una idea de las atrocidades cometidas contra los prisioneros durante su internamiento.
Además del interés histórico, “Un buen hombre” cuenta con el atractivo de estar ilustrado por diez dibujantes, que dan forma a la historia principal a través de los puntos de vista de los diferentes personajes. Una decisión que, a pesar de los distintos estilos de cada uno de estos profesionales o su experiencia (a algunos se les nota más veteranía que a otros), no afecta a la unidad del proyecto que se lee como una obra homogénea, gracias a, entre otras cosas, al establecimiento de unas pautas para uso común, algunas de las cuales se pueden ver al final del libro en forma de bocetos de los personajes. De esta forma, los ilustradores pudieron recrear a cada uno de los actores de este drama sin renunciar a su estilo personal y evitando que el lector se despistase al ver que sus rasgos cambiaban de un autor a otro.
Por último, el libro se completa con un prólogo de Rosa Torán, Historiadora y Presidenta de “Amical de Mautaushen y otros campos” y un breve anexo en el que el autor detalla, a través de fotografías y textos, cuáles son los escenarios y los personajes reales en los que inspiraron “Un buen hombre”.

Un buen hombre. VV. AA. Glénat.
78 páginas

lunes, 19 de octubre de 2009

A petición del público, Sins entido reedita en tapa dura “La vida es buena si no te rindes”, uno de los mejores títulos de su catálogo y del dibujante canadiense Seth, que declara en él su amor por los tebeos, los grandes maestros del género y sus personajes, como Schulz y la pandilla de Snoopy, Reg Smythe y su Andy Capp, Hergè y Tintín, Dr. Seuss y antiguos dibujantes de la mítica New Yorker, donde también publica el propio Seth.
Un lanzamiento que, de paso, se adelanta al “George Sprott: (1894-1975)”, el trabajo más reciente del canadiense y que será publicado en España por Mondadori.
Dividido en seis partes y realizado en un asombroso bitono, “La vida es buena si no te rindes” es un tratado de cómo debe de ser un buen álbum de cómics, empezando por el título y acabando en los materiales que se adjuntan al final del mismo y que completan la narración, aunque no lo suficiente como para que el lector consiga discernir si la historia de la que acaba de ser testigo es real o una completa invención.
“La vida es buena si no te rindes” narra las peripecias de un dibujante, trasunto del propio Seth, que intenta reconstruir la vida de Kalo, un desconocido ilustrador de los años 30 y 40, a través de las pocas viñetas que ha publicado a lo largo de su carrera. Una aventura que nos lleva por tiendas de libros de segunda mano, pueblos perdidos de Norteamérica, visitas a antiguos conocidos y familiares de Kalo, mientras el autor reflexiona sobre la infancia, los recuerdos, los tebeos y la vida moderna.
La vida es buena si no te rindes. Seth. Sins entido.
200 páginas. Español.

domingo, 18 de octubre de 2009

Tomando como referencia “Me acuerdo”, Libro de Gorge Perec inspirado a su vez en “I Remember” de Joe Brainard, Zeina Abirached recopila en este libro algunas de sus vivencias durante su infancia en el Beirut asolado por la guerra.
Un libro que, a pesar de su vínculo con Perec, funciona más como una segunda parte de su “Juego de las golondrinas” que como un verdadero homenaje al escritor francés.
En este aspecto, el libro adolece de las mismas pegas que su antecedente, su excesivo parecido estético y narrativo con Marjane Satrapi, algo que si sigue repitiéndose en el futuro puede lastrar, hasta el punto de frustrarla, la incipiente carrera de Abirached.
Si se deja a un lado este hecho (y esa tipografía ornamentada y un tanto infantilista empleada por la autora) lo cierto es que el libro tiene a su favor ciertas virtudes, como que es breve, de sencilla lectura, con algunos recursos narrativos brillantes y ameno.

Me acuerdo. Beirut. Zeina Abirached. Sins entido.
96 páginas. Español.

sábado, 17 de octubre de 2009

En los últimos tiempos estamos asistiendo, por evidentes motivos de mercadotecnia, a un abuso del término “novela gráfica” para definir lo que toda la vida han sido tebeos y posteriormente cómics. Sin embargo, “Tamara Drewe” no sólo encaja a la perfección en la definición que del término novela gráfica acuñó su creador, Will Eisner, sino que incluso podríamos decir que la excede.
En ocasiones, la nueva obra de Posy Simmonds funciona como un tebeo con mucha letra y, en otras, como un libro ilustrado. En ambos casos, el resultado es realmente sorprendente gracias a la maestría de Simmonds para el dibujo y su talento narrativo para urdir una trama compleja y divertida, con diferentes niveles de lectura, y que pone de manifiesto muchas de las posibilidades que posee el cómic como expresión artística.
Se echa a faltar, sin embargo, un mejor uso de las tipografías por parte del autor a la hora de separar esos diferentes niveles de lectura. Un descuido que afea el conjunto y que, por una vez, no es exclusivo de la edición española, pues ya estaba presente en la edición original inglesa.
Un problema que radica en el abuso por parte de los dibujantes de tipografías digitales por resultar más cómodas que las rotuladas a mano, olvidando que, en ocasiones, y especialmente cuando nos encontramos ante un dibujo en el que tienen mucho protagonismo el trazo y las texturas, las tipografías realizadas con ordenador resultan demasiado frías, impersonales, distantes, hasta el punto de no conseguir integrarse en el conjunto de la página.
Salvo esta objeción, que pasa a un segundo plano en el momento en el que el lector se zambulle en las relaciones de los diferentes habitantes de Stonefield, “Tamara Drewe” es uno de los trabajos más interesantes de los editados últimamente en el mundo del tebeo.

Tamara Drewe. Posy Simmonds. Sins entido.
272 páginas. Español.

viernes, 16 de octubre de 2009

A pesar de que forma parte de una colección de cuadernos editados por la Universidad Politécnica de Valencia, “Retórica tipográfica” no tiene nada que ver con ese tipo de publicaciones universitarias que responden más a las necesidades de los profesores de los diferentes departamentos para afianzar su carrera profesional, que a las necesidades científicas de la disciplina o a las demandas de conocimiento de los alumnos.
La primera de sus diferencias es su cuidada presentación, en la que destaca una correcta maquetación y un muy buen uso de la tipografía, como no podía ser de otra manera. La segunda es un contenido que aborda uno de los temas clásicos del diseño gráfico no desde el punto de vista de la estética sino del de la percepción y la semiótica.
Un libro de sencilla lectura que, si bien no descubre nada nuevo, aclara de forma amena muchos de los conceptos relacionados con el uso y aplicación de la tipografía.
Un título cuya única pega radica en el hecho de que, a consecuencia de su breve extensión, reproduce gráficamente muy pocos de los ejemplos a los que se hace mención en el texto.
Tal vez en un futuro, “Retórica tipográfica” disfrute de una edición en la que este pequeño detalle pueda ser subsanado para beneficio del libro y, por supuesto, de sus lectores.

Retórica tipográfica. Alberto Carrere.
Cuadernos de imagen y reflexión nº8.
Universidad Politécnica de Valencia.
134 páginas. Español.

jueves, 15 de octubre de 2009

Europa ha sido la cuna del diseño contemporáneo. Desde el movimiento Art&Crafts a la renovación de escuelas como Bauhaus, sin olvidar el modernismo o el Art Noveau, Europa ha tenido mucho que ver a la hora de guiar el desarrollo de esta disciplina durante el siglo XX.
Patiendo de esa premisa, los editores de “100% Graphic Design Portfolio” han querido analizar, o mejor dicho poner de manifiesto, el buen el estado del diseño europeo actual, acudiendo para ello a los diseñadores más jóvenes y sus propuestas.
El problema es que joven y europeo no es necesariamente garantía de buen diseño, como tampoco lo es un abundante número de páginas o una cuidada presentación a la hora de determinar la calidad de un libro.
Por eso, a pesar de las buenas intenciones y la magnífica presentación de “100% European Graphic Design Portfolio”, la sensación que deja tras su lectura es un tanto insatisfactoria.
Es indudable la gran calidad de muchos de los estudios representados, sin embargo, su elevado número, sumado a la poco acertada elección de los trabajos publicados, no juega a favor del resultado final. Tanto es así, que el lector llega a pensar que está ante uno de esos anuarios en los que es posible aparecer previo pago de una cuota a la editorial responsable de la publicación aunque, por lo que hemos podido averiguar, no sea así.

100% European Graphic Design Portfolio. Pageone.
408 páginas. Inglés.

miércoles, 14 de octubre de 2009

Pablo Correa ha diseñado y seleccionado los trabajos incluidos en “Just for you”. Una colección de piezas procedentes de distintos lugares del mundo cuyo denominador común es que todas ellas están vinculadas afectivamente con el diseñador que las firma.
Tarjetas, carteles, ilustraciones, recordatorios de nacimientos, invitaciones de boda, envoltorios para CDs, cuadernos de viaje, felicitaciones navideñas, chapas, muñecos de trapo... y otras muchas formas de transmitir afectos a través de piezas visuales son algunos de los ejemplos que se incluyen este libro, cuyo diseño encaja perfectamente con su contenido. Un logro fruto de la inteligencia al mezclar la estética racionalista con el caos o el orden y el desorden, conceptos estrechamente relacionados con los sentimientos y los afectos.
Un libro que muestra otra forma de hacer diseño, mucho más libre, sin algunas de las ataduras derivadas de los encargos y que prueba que los diseñadores también tienen su corazoncito.

Just for you. Designs from the heart. Pablo Correa.
Índex Books. 300 páginas. Español / Inglés
Enciclopédico libro en el que se recogen trabajos recientes en el campo de la señalética, diseño de interiores para tiendas y comercios, diseño expositivo y stands para ferias y congresos.
A pesar de que en muchos casos este tipo de trabajos tienen un carácter efímero, es sorprendente cómo en esta disciplina, el diseño despliega una capacidad de experimentación sorprendente y unos presupuestos que, al menos aparentemente, no reparan en gastos. Esa puede ser la explicación de que muchos de los ejemplos que aparecen en este libro sorprendan por la combinación de las técnicas clásicas del diseño con las nuevas tecnologías de sectores como el vídeo, la iluminación o la arquitectura.
Un libro perfecto para los diseñadores relacionados con este tipo de proyectos, que también resultará interesante para los especializados en diseño gráfico que tengan curiosidad por ver cómo se aplican los elementos gráficos de las diferentes empresas en grandes dimensiones y superficies que no tiene nada que ver con el papel u otros soportes semejantes.

Display, comercial space & sign design. Vol. 36. Rikuyosha
362 páginas. Inglés / Japonés
Es difícil definir el contenido de este libro. ¿Es un libro sobre diseño real? Ese que puede presentarse a cualquier cliente y producir a gran escala con técnicas al alcance de cualquiera ¿O es sobre diseño ideal? Ese que se fabrica al detalle en pocas unidades y de forma casi manual.
Para sus responsables, “The 4th element” es una recopilación de llamativos e interesantes trabajos promocionales de todo tipo procedentes de cualquier lugar del mundo; para el lector será una fuente de ingeniosas propuestas de comunicación comercial con sorprendentes producciones. Sin embargo, ambos estarán de acuerdo en que muchas de los trabajos de este volumen parecen complicados de llevar a cabo en procesos a gran escala. Nos referimos a esos cuadernos cosidos a mano, las encuadernaciones artesanales en fieltro, plástico y otros materiales, las cubiertas bordadas, las impresiones en serigrafía, los troqueles de hojas interiores y los estuches para libros o envases para bebidas. Trabajos que conviven en sus páginas con productos menos elaborados desde el punto de vista de la forma, pero imaginativos e innovadores en su diseño y concepto.
Por último, y para que su propuesta no pueda ser tachada de incoherente, los editores de “The 4th element” han decidido presentar su libro de una forma poco usual pero susceptible de ser llevada a cabo en una producción seriada, para lo cual han optado por una encuadernación en tela morada, con estampaciones en dorado en el lomo y unas imágenes lenticulares en la portada y contraportada.

The 4th element. Design from here, now and beyond. Artpower.
256 páginas. Inglés.

miércoles, 8 de julio de 2009

Fernando Montañés, periodista especializado en Publicidad, Marketing y Comunicación, firma este libro que repasa el medio siglo de vida de uno de los productos españoles más representativos: el whisky DYC. Con un tono ameno y abundantes anécdotas curiosas, que diferencian este producto de otros similares, Montañés comienza su narración remontándose a los orígenes de este tipo de licor para, a continuación, explicar el cómo y el por qué del nacimiento de una marca de whisky nacional en la España de los años 50. Como era de esperar, tratándose de uno de los mayores expertos en publicidad del país, Montañés, además de referencias a la evolución empresarial de la marca y la compañía, realiza un interesante estudio de la comunicación de DYC, desde sus teasers que anunciaban el lanzamiento de un desconocido producto llamado DYC allá por los años 60, hasta la actualidad con campañas como “Gente sin complejos” u “Ocho años. Ni un minuto menos”, destinadas a promocionar las diferentes variedades de este destilado, sin olvidar esas campañas que, aún en la época de la dictadura, colocaban a la mujer en el mismo plano que el hombre a la hora de anunciar DYC.Un libro muy bien editado, de correcto diseño, interesante contenido que dice mucho y bien del por qué del éxito de esta marca de licor. 

50 años DYC. El éxito de una marca. Fernando Montañés.
124 páginas. Idioma: Español
La recopilación en un solo volumen de los diferentes álbumes de La ascensión del Gran Mal puede ser considerada, sin riesgo a equivocarse, una de las noticias más importantes de la temporada en lo que al mundo del tebeo se refiere. Las únicas dos pegas que se pueden sacar a esta magnífica iniciativa de Sin sentido es el hecho de que esta nueva edición de la obra de David B se presenta con un título más explícito pero menos evocador y misterioso al original y un formato diferente, menor en tamaño. Respecto a ambos asuntos suponemos que algo habrá tenido que decir el autor, pues resultan elementos esenciales de la obra y no entenderíamos que nos escandalizamos ante la modificación de, por ejemplo, las películas cuando se doblan, se interrumpen con publicidad o se colorean y no cuando los álbumes son hinchados y deshinchados, reducidos y aumentados según las necesidades del mercado. Salvo esto, resulta todo un lujo poder disfrutar de una de las historias más interesantes y complejas que ha dado el cómic en los últimos años. Un tebeo que narra la historia de una familia cuya vida gira en torno a la enfermedad de su hijo mayor y para la cual buscan todo tipo de soluciones, desde aquellas relacionadas con la medicina ortodoxa, hasta la inmersión de todos sus miembros en comunas macrobióticas. Una historia que evoluciona en tratamiento, lenguaje y recursos a medida que evolucionan y crecen sus propios personajes. De esta forma, el David B. Niño o adolescente no habla como el David B. Adulto, como tampoco lo hacen sus padres, esperanzados y llenos de energía al principio del libro y agotados y envejecidos al final del mismo. Un libro complejo, duro, pero muy interesante, pues nadie ha dicho que los teneos tengan que ser necesariamente una sucesión de chistes y dibujos divertidos.

Epiléptico.La ascensión del Gran Mal. David B.
Ediciones Sins entido. 676 páginas. Idioma: Español
La editorial Gustavo Gili continúa editando títulos de su colección Claves del diseño. Monografías que analizan de manera detallada, tanto en el aspecto teórico como en el práctico, temas como los logotipos, los folletos y, como en el caso que ahora nos ocupa, el packaging y los folletos. Firmado por Capsule –empresa fundada por Brian Adducci y Aaron Keller que actualmente aglutina en su equipo a diseñadores, abogados y escritores dedicados al desarrollo de marcas– y adaptado a la realidad española por Felicidad Cirugeda, Packaging y Folletos son detalladas guías con las que enfrentarse a cualquier proyecto de este tipo con cierta seguridad.
Además de una introducción acerca de qué es el packaging, qué son los folletos, su importancia para las marcas y su influencia para los consumidores, los libros contienen trucos y consejos para armonizar diseño con, por ejemplo, las normativas sanitarias, sus logotipos o los textos legales; análisis de ejemplos prácticos y una galería final con trabajos en los que se detallan los datos de la autoría y el cliente. Aunque normalmente este tipo de títulos parecen pensados para estudiantes de diseño, lo cierto es que ambos títulos resultan muy útiles para profesionales que ya estén en activo gracias a su sencillez, su facilidad de lectura y su capacidad para resolver dudas y aportar soluciones en momentos de urgencia y dudas. 

Claves del diseño. Packaging/Folletos. Capsule. Versión española de Felicidad Cirugeda.
Gustavo Gili. 192 páginas. Español

Siete historias breves que se entrelazan y acaban (o empiezan, ya que la sucesión de los capítulos se hace del siete al uno) en una escena donde todas confluyen y se explican. Un álbum de ilustración cuya narración se construye sin necesidad alguna de palabras y en el que las imágenes contienen una gran carga onírica dando lugar a dormitorios en los que brotan árboles, cajeros automáticos amenizados por mujeres enmascaradas y monos saltimbanquis o camas que viajan por el mundo descubriendo lugares o asistiendo a traumáticos hechos como el atropello de una niña que corre para recuperar su globo. Ejecutado en tono grises con una técnica que aglutina texturas de plumilla, grafito, pinceles y aguadas, Pejac apenas emplea el color. Tan sólo lo hace para destacar algunos elementos de la escena que suelen ser objetos relacionados con el personaje que la protagoniza. Vuelo rasante es, en definitiva y a pesar de pequeños fallos de principiante (como generar imágenes con texturas a base de clonar o pegar otros trozos sin difuminar las juntas), un interesante ejercicio que demuestra la calidad de Pejac como ilustrador y narrador y le augura un interesante futuro en ambas disciplinas.

Vuelo rasante. Pejac. Viaje a Bizancio Ediciones
58 páginas. Idioma: Español
Veinte años después de su publicación en lengua inglesa y más de quince de su traducción española, Cátedra reedita el Poder de las Imágenes de David Freedberg, un ensayo que, como el propio autor reconoce en el prefacio, “no trata sobre la historia del arte” sino sobre “las relaciones entre las imágenes y las personas a lo largo de la historia”. Junto con esta puntualización, la novedad aportada por Freedberg reside en que, a diferencia de lo que sucede con otros tratados similares, el suyo no se centra únicamente en la producción artística que podríamos definir como elevada o académica, sino que analiza también la influencia de las imágenes populares como exvotos, máscaras africanas, fotografías de actualidad, figuras de cera de personajes del siglo XX etc.Un texto que, a pesar de su juventud, se ha convertido en un clásico de la estética y que, sin ser un libro de los que un diseñador acostumbra a tener sobre la mesa del estudio, su lectura aclarará muchos conceptos y servirá de útil bagaje para desarrollar proyectos de comunicación, como fueron en muchos casos esa piezas que ahora consideramos artísticas y que en muchos casos fueron utilizados en el pasado como medios de transmisión de mensajes y conceptos religiosos y políticos.

El poder de las imágenes. David Freedberg. Cátedra.
500 páginas. Idioma: Español

En un mundo como el del tebeo, liderado en los últimos tiempos por tendencias estéticas vinculadas al manga japonés, sorprende ver cómo en los últimos tiempos hay autores que están bebiendo de fuentes más cercanas, si no geográficas sí culturales, como pueden ser las obras de Alberto Breccia. Ese es el caso de autores como Jorge González autor de Fueye o del que ahora nos ocupa, Andrés G. Leyva, cuyo trazo, narración y temática recuerdan al maestro argentino. Evelyn es, por tanto, una historia gótica de vampiros, construida con sombras, claroscuros y texturas que se lee de un tirón y deja buen recuerdo. Un trabajo que sin ser memorable no desentona en absoluto con el resto de novedades presentes en las librerías y al que se le pueden sacar pocas pegas. La más destacable, el hecho de que el trazo manual de los dibujos y el rotulado por ordenador de los gritos, ruidos y expresiones (no de los bocadillos) no hacen un buen maridaje, algo que últimamente pasa desapercibido a los autores pero que saca de la historia al lector por advertir cierta incongruencia entre ambas estéticas.Además de la historia en sí, el álbum contiene en sus últimas páginas una especie de regalo para el lector. La oportunidad de asomarse a la chistera de G. Leyva y conocer algunos de sus trucos a la hora de desarrollar Evelyn. Anotaciones, story boards, bocetos de los personajes y hasta una pequeña escultura de uno de ellos. Pistas que nos cuentan algo más sobre este autor, por ejemplo, que tiene personalidad artística suficiente como para desarrollar con éxito un estilo propio sin manierismos y en territorios no explorados por otros dibujantes.

Evelyn. El extraordinario caso del doctor Corman. Andrés G. Leyva
Sins entido. 64 páginas. Idioma: Español

A todos nos gusta que nos regalen cosas cuando acudimos a un establecimiento, incluso si se trata del calendario de varillas de bambú que dan a la salida de los restaurantes chinos. De hecho, en alguna ocasión hasta estaríamos dispuestos a comprar dicho calendario para llevarnos un recuerdo de nuestra última visita o de cómo nos sentó el cerdo agridulce siempre que estuviera un poco mejor diseñado de lo que está. Pues bien, para los dueños de restaurantes chinos, de comercios en general y de los diseñadores que trabajan para ellos, la editorial PIE Books ha publicado Premium Novelties. Un libro en el que se recogen multitud de ejemplos de regalos promocionales o de productos de merchandising vinculados a una marca que pueden ser comercializados por ésta para incrementar de forma extra los ingresos del negocio. Corbatas, bolsas de tela con el logotipo y otros motivos decorativos relacionados con la compañía, cajas de cerillas, mascotas de peluche o resina, camisetas, chapas, cds y, claro está, calendarios, son algunos de las ideas que se pueden encontrar en este libro, aunque hemos de advertir que la alta calidad de los productos que se muestran está estrechamente relacionada con la calidad la imagen corporativa de la empresa, o lo que es lo mismo, antes de abordar el regalo promocional o el merchandising de una compañía tal vez haya que adecentarle primero su imagen y logotipo.

Premium Novelties. Graphics for promotional kits, gifts & goodies. VV. AA.
PIE Books. 164 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

Decidir cuál será el color corporativo de una marca no es un hecho baladí para un diseñador. Dado que acompañará a la marca en todas sus comunicaciones, entre otras muchas cosas hay que conseguir que sea notorio y reconocible pero sin que se parezca al de marcas rivales ni resulte estridente o desagradable a los destinatarios. Tampoco hay que olvidar que, salvo que se pretenda otra cosa, deberá poderse reproducir con técnicas de impresión estándar para no aumentar los costes de producción y, ya que estamos metidos en harina, habrá que tener en cuenta las connotaciones o efectos psicológicos que los colores tienen sobre el cerebro humano. En definitiva, muchas variables con demasiadas implicaciones como para improvisar sobre ello. Por eso es interesante echarle un ojo a este Branding by color donde se recogen cien ejemplos en los que otras tantas marcas muestran cómo han utilizado, con éxito, el color en su imagen y sus comunicaciones. A diferencia de lo que sucede con otros libros de la editorial PIE, en esta ocasión el criterio de ordenación de los trabajos no responde a, por ejemplo, la actividad a realizar. En Branding by color se suceden empresas de los sectores empresariales más dispares. Desde la gastronomía a las finanzas, desde el deporte a la telefonía móvil, desde unas líneas aéreas a una marca de automóviles. El criterio de selección ha sido, como no podía ser de otra manera, el de las gamas de colores (Azul-morado, verde, rojo-rosa, naranja-amarillo-marrón, blanco y negro, dorado-plateado y diferentes combinaciones de color), o que hace del libro una útil guía para acabar con los prejuicios sobre los colores, sacarles el máximo partido y conseguir con, por ejemplo, una simple combinación de dos tonalidades, un resultado cromático complejo que resulte impactante y funcione de cara a la marca y el cliente final.

Branding by color. 100 successful graphic designs. VV. AA. PIE Books.
222 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

Parecería imposible reunir más de un centenar de magníficos ejemplos de diseño gráfico aplicado al sector de la alimentación procedentes de todo el mundo de no ser porque, hace unos años, los responsables de la editorial PIE Books ya lo consiguieron en su título Food shop graphics. No contentos con ello, han decidido repetir la hazaña editando New food shop graphics, un volumen que, si bien aborda la misma temática, pone a disposición del lector un nuevo centenar de trabajos en los que el diseño gráfico aborda el mundo de la hostelería. Envoltorios, bolsas, cajas, menús, interiorismo para restaurantes, bares y tiendas de delicatessen, logotipos y desarrollo de imágenes corporativas en cuberterías, vajillas, posavasos o servilletas, cajas de cerillas, flyers, obsequios para fidelizar clientes… todo tiene cabida en este libro en el que, junto a cada uno de los trabajos, se acompañan los datos de los diseñadores y la dirección del establecimiento en cuestión. Un gran título que hará las delicias de los profesionales del diseño, no sólo porque permite estar al día de lo que se hace a nivel mundial en el campo de la hosteleria sino porque proporciona ideas tanto en el aspecto gráfico como en el industrial pues, a la vista de los ejemplos recogidos en New food shop graphics, el mundo de la alimentación es un campo en el que ambas disciplinas están obligadas, más que nunca, a trabajar en equipo.

New food shop graphics. VV. AA. PIE Books.
192 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

A pesar de las muchas diferencias, tanto históricas como artísticas y culturales, de personajes como Andy Warhol, Cindy Sherman, Richard Serra, Joseph Beuys, Man ray, Bruce Nauman, László Molí-Nagy, Gordon Matta-Clark, Fernand Léger, Ken Jacobs, Max Ernst, Marcel Duchamp o Salvador Dalí, lo cierto es que entre todos ellos se puede establecer un nexo común, concretamente el de haberse adentrado en un momento u otro de sus carreras en el mundo del cinematógrafo. Bien sea para experimentar con la potencia de ese nuevo lenguaje artístico, como puede ser el caso de Duchamp o Dalí; bien para documentar sus performances como en el caso de Joseph Beuys; bien para hacer que su producción pictórica aumentase de valor como en el caso de Warhol, lo cierto es que gracias a estos autores el cine se olvidó por un momento de su dimensión puramente comercial para desplegar sus posibilidades artísticas y adentrarse en el campo de la experimentación tanto en lo visual y estético, como en lo narrativo y técnico. Carlos Tejeda ha seguido la pista de estos (y otros muchos) artistas, de sus obras y ha confeccionado en Arte en fotogramas todo un tratado sobre la materia. Un ensayo que aborda en sus más de cuatrocientas páginas las relaciones entre el arte pictórico, el cinetismo y la cinematografía, los mecanismos ilusorios de movimiento, los primeros ingenios para producir la sensación de imágenes en movimiento como la cronofotografía, el uso artístico que los diferentes –ismos dieron al cinematógrafo, la aparición en los años sesenta del siglo XX de las segundas vanguardias, el pintor como personaje de película y el celuloide como soporte pictórico.Ilustrado con abundantes fotografías que sirven de ejemplo de lo expuesto en el texto, el libro se completa con una interesante bibliografía y unos perfiles biográficos de los protagonistas que permiten al lector ubicar al personaje en su contexto histórico, artístico y cultural y le proporcionan información sobre su filmografía, libros sobre el personaje y otros datos relacionados como su página web en caso de que la tenga.

Arte en fotogramas. Cine realizado por artistas. Carlos Tejeda
427 páginas. Idioma: Español

La presentación al cliente es una de las fases críticas del proceso creativo. Una explicación caótica, un story board mal planificado o un logotipo bocetado de manera poco clara pueden mandar al traste una magnífica idea. Por esa razón resulta muy interesante conocer de qué manera presentan los diseñadores de diferentes partes del mundo sus trabajos y ver la evolución de los mismos hasta convertirse en un cartel, un libro, un spot, una imagen corporativa o una serie de personajes pensados para arrasar en el campo del merchandising. Graphics for visual presentations de la editorial japonesa PIE Books nos da la oportunidad de adentrarnos en los secretos de una buena presentación a través de más de un centenar de ejemplos procedentes de estudios de todo el mundo (aunque, por motivos lógicos, predominan los japoneses). Unos ejemplos que se presentan con todo detalle, con explicaciones referentes a cómo surgió el encargo y con una ficha técnica sobre las personas involucradas en su desarrollo. Una buena oportunidad para, además de mejorar como diseñadores, ponerse al día sobre las nuevas propuestas visuales y profesionales que destacan en el diseño actual.

Graphics for visual presentations.  VV. AA. PIE Books.
160 páginas. Idioma: Inglés/Japonés
En ocasiones los títulos buscan envolver los libros en un paño que los haga más adecuados para el punto de venta y atractivos para el lector. No es el caso de este libro de Jacob Bañuelos Capistrán cuyo título, Fotomontaje, describe sin adornos ni aditivos lo que acoge en sus casi cuatrocientas páginas, y que no es otra cosa que un repaso y análisis crítico de este lenguaje artístico que aglutina técnicas procedentes de artes clásicas como la pintura, el dibujo y de otras más actuales como el diseño gráfico, el lenguaje comercial y, cómo no, la fotografía.
Respaldado por una basta bibliografía que aparece reseñada al final del volumen, Bañuelos Capistrán realiza un recorrido por la historia del fotomontaje desde sus primeras manifestaciones en el siglo XIX, hasta nuestros días con la aparición de las técnicas digitales, sin olvidar su edad de oro de la mano de los dadaístas en la década de los 20 del siglo pasado.
Un libro que, como no podía ser de otra manera tratándose de un tema como este, contiene abundantes ilustraciones, muchas de las cuales son poco conocidas y no han sido reproducidas anteriormente y cuya única pega es el hecho de que todas ellas se reproducen en blanco y negro. Un hecho que, en un primer momento, llamará la atención del lector pero que pronto pasará desapercibido cuando comprenda que éste es un libro de análisis, no una mera colección de cromos de los que está el mercado repleto.

Fotomontaje. Jacob Bañuelos Capistrán. Cátedra.  

376 páginas.  Idioma:Español.


martes, 12 de mayo de 2009

La arquitectura efímera y los stands para ferias profesionales no son, a primera vista, uno de los proyectos más interesantes a los que un diseñador se pueda enfrentar. Sin embargo, las posibilidades creativas de estos trabajos son infinitas y van, si el presupuesto lo permite, mucho más allá de un panel de separación y un rótulo.
Creative Booth Design es un catálogo, pues ese es su aspecto y su aparente finalidad, de stands realizados para compañías japonesas de diferentes sectores empresariales. En sus páginas se puede encontrar todo tipo de ejemplos, ideas y propuestas para salir airoso de un encargo semejante según las necesidades de cada cliente, como contar con sala de reuniones, de demostración del producto, de proyecciones, de exposición, etc.
Además, cada proyecto, al que se dedican cuatro páginas llenas de fotografías, se completa con una ficha técnica en la que se detalla el nombre de la empresa, el diseñador del stand, los metros cuadrados del mismo, sus características, el tipo de material empleado y en algunos casos, su coste, eso sí, en yenes.

Creative Booth Design 1 VV. AA. Alpha Books
256 páginas. Idioma: Inglés y japonés
Crear una marca es mucho más que diseñar un logotipo y unos cuantos elementos coordinados. En el mundo actual, una marca es algo muy cercano a un estilo de vida, una elección que reafirma al sujeto que la elige y lo diferencia o hermana con otros, según compartan o no sus gustos.
Por ello no es extraño que los responsables de la editorial Pageone hayan bautizado a este libro como “Designing the Brand Experience”, pues en él se detallan marcas sólidas que transmiten algo más que la confianza aportada por un sello de calidad. Marcas de todo tipo y tamaño, desde las multinacionales como Nike, Levi’s o Adidas a las más domésticas como HappyPills, Beee o Come Come, despliegan en este volumen todas sus virtudes ante el lector, que se queda prendado de cómo el diseñador en cuestión ha sabido dotar a cada una de ellas de una personalidad que se desgrana en bolsas, envases, señalética, accesorios, elementos promocionales etc.
Un libro útil para todo diseñador al que sólo cabe sacarle el fallo de la poca información que se aporta sobre los proyectos en cuestión y que se limita al nombre del cliente, del estudio de diseño y, en el mejor de los casos porque no siempre sucede así, una pequeña descripción de la marca y las necesidades que dieron lugar al encargo.

Designing the Brand Experience
VV. AA. Pageone
274 páginas. Idioma: Inglés
La Society Publication Designers lleva casi medio siglo premiando lo más destacado en lo que a diseño editorial para revistas se refiere. Una labor que ya ha generado 43 anuarios, el último de los cuales recoge trabajos correspondientes al año 2007.
En un momento en el que el mundo de la prensa pasa por una mala etapa, a consecuencia de la aparición de los medios online y su incapacidad para transformarse con objeto de retener a sus lectores, más interesados en la inmediatez de Internet y su carácter gratuito que en la prensa clásica y anquilosada, este libro resulta realmente inspirador. En él se recogen múltiples ejemplos de las posibilidades que aún posee el papel impreso. De su belleza, de su potencia visual, de su versatilidad a la hora de colocar los bloques de texto y los titulares, de lo impactante de las imágenes fotográficas o de las ilustraciones... Un conjunto de cosas que tal vez encierren la verdadera respuesta a la crisis de la prensa impresa y que no es otra que combatir a Internet con creatividad, buenos contenidos y calidad.
De hecho, tras una lectura detenida de este 43 anuario de la SPD surge la pregunta de por qué no hay publicaciones como esas en nuestro país. A excepción del suplemento Metrópoli del diario El Mundo apenas hay cabeceras españolas premiadas en sus páginas. Un hecho que suscita una nueva cuestión: si tenemos grandes diseñadores en este país ¿por qué no tenemos empresarios en el sector de la prensa que estén a la altura de ellos y las circunstancias?

SPD 43rd Publication Design Annual. Rockport Publishers, Inc.
336 páginas. Idioma: Inglés
Por fin un libro que echa por tierra eso de que la tipografía es aburrida, árida y sujeta a infinidad de exigencias y normas. Un libro en el que las letras se vuelven juguetonas, nos sorprenden y nos seducen con sus formas sinuosas, con el desarrollo de técnicas experimentales y con una paleta de deslumbrantes colores. Un libro en el que las tipografías son mucho más que elementos a través de los cuales se pueden transmitir mensajes, para convertirse en parte esencial de ese mensaje.
Un catálogo de letras ornamentales utilizadas en diferentes soportes, desde el papel a los muros y paredes de las ciudades, cuya principal finalidad o preocupación no son ni la legibilidad ni la ortodoxia sino la sorpresa y el impacto visual.
Trabajos tipográficos que difícilmente tendrán otro uso que aquél para el que han sido ideados, que no podrán utilizarse como tipografías instalables en un ordenador y que, mucho nos tememos, no soportarán demasiado bien el paso del tiempo por estar estrechamente unidos a las tendencias estéticas del momento. Algo que, sin embargo, no le resta atractivo a este volumen, que funciona como catálogo de buenas ideas y archivo de lo que se está haciendo actualmente, como funcionan los libros de carteles de principio del siglo pasado que, no por lejanos, dejan de tener un alto grado de calidad y de interés histórico.

Playful Type. Ephemeral lettering & illustrative fonts. Gestalten
240 páginas. Idioma:Inglés
Una nueva edición, la número 87 nada menos, del Anuario del Art Directors Club. Un grueso volumen que, por el mismo precio o incluso algo menos que los anuarios de los clubes de creativos de los diferentes países, aporta una mirada general sobre lo que se está haciendo en el campo de la creatividad comercial en todo el mundo.
Una selección de magníficas propuestas y fantásticas ejecuciones que prueban que, a pesar de que parezca que todo está inventado, siempre hay cosas nuevas por hacer. De hecho, entre las piezas que aparecen existen varias –como esa tan recurrente en la que una servilleta de papel se sugiere como soporte para apuntar las creaciones más geniales– que recuerdan a otras ya vistas. Sin embargo, su virtud está en que en lugar de parecernos plagios de ideas anteriores resultan nuevas gracias a nuevas formas de presentarlas o a su aplicación a diferentes contextos y clientes.
Además de por su contenido, Art Directors Annual es un libro que destaca por su presentación, sobria, sencilla y alejada de esos excesos en la producción en los que cayó esta misma asociación en el pasado y en la que todavía caen clubes similares en el presente.

Art directors annual 87
VV. AA. Rotovision
466 páginas Inglés
La aparición de las herramientas para realizar imágenes en 3D satisfizo las necesidades de muchos clientes y diseñadores que deseaban generar imágenes imposibles a precios razonables. Sin embargo, el abuso de ese tipo de estética ha hecho que el 3D resulte realmente aburrido para muchos diseñadores que, hartos de ver y de tener que generar ese tipo ilustraciones, han decidido volver a las técnicas tradicionales para conseguir el mismo resultado.
Una corriente espontánea recopilada en Stereographics, un volumen en el que pueden encontrarse cientos de ejemplos en los que el recorta, pinta y colorea son los protagonistas.
Miniaturas, tipografías gigantes integradas en escenarios naturales, maquetas, bodegones de objetos cotidianos, punto de cruz, trajes de papel, libros que forman mensajes según su colocación en la estantería, muñecos de plastilina… Infinidad de propuestas a cada cual más sorprendente que nos demuestran no sólo que antes de la aparición de los ordenadores y la ilustración generada por ordenador hubo vida en el diseño gráfico, sino que ésta puede ser aún más maravillosa si, en lugar de olvidarlas, se combinan todas esas técnicas para conseguir resultados tan interesantes e impactantes como los que muestran en Stereographics estudios de la talla Sagmeister Inc., Pixelgarten, Nono-Format, Sweden Graphics, Grandpeople, Co-Op, Bleed, Bela Borsodi o Playful.

Stereographics. Graphics in New Dimensions VV. AA. Viction:ary
224 páginas Inglés
Conocida por sus libros Rollos míos y Más rollos míos, también editados por Sins Entido, la francesa Aude Picault muestra en Papá una nueva faceta como narradora. Sin renunciar a su estilo en lo que se refiere a la ilustración, Picault deja a un lado lo divertido, lo intrascendente o lo frívolo de sus historias anteriores para adentrarse en el drama que supone el suicido de un ser querido que, en este caso, es su propio padre.
Estructurado en cuatro capítulos, el libro describe la relación entre padre e hija, no sólo durante la época en la que aquél estaba vivo, sino también en su ausencia, preguntándose el porqué de esa decisión y explicando cómo, a pesar de lo sucedido, los recuerdos pueden mantener con vida a los que ya fallecieron.
A excepción de alguna parte en la que la narración puede resultar redundante en sentido de que no es necesario explicar en diez páginas lo que ya está explicado en cinco, Papá funciona como un todo sólido y muy bien hilvanado. Los sencillos dibujos de Picault resultan sumamente poéticos y sus recursos a la hora de transmitir estados de ánimo tan personales y complejos como el hastío, la pena o el desamparo, realmente impactantes, inteligentes y, por encima de todo, muy sinceros.
Aunque la autora no escatima detalles a la hora de explicar las causas que desencadenaron el suicidio de su padre ni cómo se produjo éste, lo cierto es que Papá no es un libro triste, truculento o dramático. El libro es una declaración de amor, un acto de cariño hacia el padre muerto que alberga esperanza y alegría y que transmite al lector la grandeza de las obras de arte, aquellas que hacen que perduren y eviten que lo dicho en ellas caiga en el olvido. Algo que Picault ha tenido la suerte de poder hacer con su padre gracias a su talento como ilustradora y que, lamentablemente, no todas las personas podemos hacer.

Papá. Aude Picault. Sins Entido
74 páginas. Español
El Sol, el festival de publicidad iberoamericana que se celebra cada año en San Sebastián, era de los pocos certámenes de este tipo que carecía de un anuario en el que se recogieran los trabajos ganadores de cada edición. Si bien en el pasado editó algún que otro libro de ese tipo, ha tardado más de una década en recuperar una costumbre que ha retomado este año publicando el palmarés de la edición del 2008.
A pesar de la buena noticia, el resultado no deja de ser un tanto descorazonador a consecuencia de que el producto parece pensado más como elemento promocional de la ciudad de San Sebastián y de la Asociación Española de Agencias de Publicidad que como recopilación de creatividad española e iberoamericana.
Escaso de páginas en comparación con libros semejantes, no incluye imágenes de todos los premios sino únicamente de los oros, quedando relegadas las platas y los bronces a una simple mención en cada categoría correspondiente. Además, se les da excesivo protagonismo a las instituciones de San Sebastián, sus representantes e incluso miembros del jurado o galardonados quienes son requeridos para que justifiquen el por qué de los premios, en el caso de los primeros y den su opinión por haber sido merecedores de ellos, en el de los segundos.
A pesar de todo, esperamos que este sea un primer paso para que, en el futuro, el anuario de El Sol se centre en el tema del que realmente se debe ocupar como festival de publicidad y se convierta así en un referente en lo que a libro de creatividad se refiere.

SOL. Festival Iberoamericano de la Comunicación Publicitaria VV. AA.
96 páginas. Idioma: Español
El Art Directors Club of Europe acaba de presentar su tradicional anuario. A pesar de su excesiva similitud con la gráfica de México 68, sus responsables no han dudado en afirmar, sin rubor alguno y en su titular, que nos encontramos ante el Anuario de los Anuarios. Lamentablemente no es así. Éste es como cualquiera de los anuarios que aparecen cada temporada, una recopilación de aquellos trabajos que el jurado ha considerado mejores de entre todos los presentados al certamen. Una aclaración que sobraría en cualquier otro caso pero procedente a la vista del desparpajo de los responsables a la hora de calificar su producto. Lo que sí que es cierto es que este anuario, a diferencia de lo que sucede con otros concursos de ámbito más localista como los Laus o el anuario del Club de Creativos, puede presumir de contener trabajos de muy buena calidad. La explicación es sencilla, la apertura de la horquilla de participación supone necesariamente el aumento de posibilidades de recibir mejores trabajos e incluso actúa de filtro previo, disuadiendo de inscribir piezas a aquellos que saben de la poca calidad de sus trabajos y de las nulas posibilidades de conseguir premio alguno al medirse con otros diseñadores.
El libro se completa con una serie de textos en los que destacados protagonistas de diferentes profesiones exponen su visión de cómo evolucionará el mundo de la creatividad en los próximos años.

The annual of annuals. Best of European Design & Advertising ‘08 VV. AA.
The Art Directors Club of Europe. Idioma: Inglés

Mark Wigan, ilustrador, artista y autor de Pensar visualmente, uno de los títulos más interesantes de los editados por Gustavo Gili recientemente, se adentra en esta ocasión en el mundo del arte secuencial con un manual que explica cómo desarrollar un proyecto de este tipo partiendo de la narración y el diseño de los personajes, hasta su ejecución a través de diferentes técnicas como el tebeo, la animación, el cine o el vídeo arte. Un completo volumen en el que se repasa la evolución de este lenguaje desde sus inicios hasta la actualidad, abordando temas como la edad de oro del cómic, el tebeo underground, el cine negro, el experimental, los videojuegos o el arte visual de club.
A pesar de sus virtudes conceptuales y de contenidos, que incluyen hasta un glosario de términos al final del libro, éste adolece de un diseño muy poco acertado que confunde modernidad con caos y desorden, lo que dificulta la comprensión de los capítulos. De hecho, el autor y los responsables de la maqueta deben haberse dado cuenta de ello pues, en las primeras páginas, explican cómo ha de leerse el libro, algo que sorprende teniendo en cuenta que el invento tiene cientos de años de existencia y a sus destinatarios se les supone destreza suficiente como para enfrentarse a un producto similar y salir ilesos.

Imágenes en secuencia. Mark Wigan. Gustavo Gili
176 páginas. Idioma: Español
El mundo del packaging ha encontrado su hábitat preferido en el sector de la belleza. En él ha conseguido desplegar todo su potencial sin miedo a las limitaciones creativas, de producción o de costes, dando lugar a ejemplos que, en ocasiones, resultan más atractivos y sorprendentes que el producto para el que esos recipientes han sido diseñados.
Beauty & Healthcare es el mejor ejemplo de la premisa anterior. En sus páginas se dan cita todo tipo de envoltorios, frascos, cajas, lazos e infinidad de elementos en cartón, tela, cristal o plástico destinados a mejorar la presentación de champús, colonias, cremas faciales, desodorantes etc.
Una fantasía de papeles especiales, troqueles imposibles, impresiones en serigrafía, tintas plateadas, dorados, golpes secos, barnices y texturas que sólo pueden ser utilizados, al menos todos juntos y en un mismo trabajo, en el campo de la cosmética.

Beauty & Healthcare. Package design VV. AA. PIE Books
160 páginas Idiomas: Inglés / Japonés
La ecología, el reciclaje, el desarrollo sostenible, la naturaleza son conceptos que se han incorporado a nuestra vida cotidiana a través de campañas de concienciación, documentales, noticias y, aunque resulte sorprendente, también a través de los productos de uso cotidiano a raíz de que las empresas vieran en el respeto medioambiental la posibilidad de mejorar su imagen de cara a los consumidores. Tanto es así que, con objeto de adecuarse a esa nueva filosofía, muchas de ellas han experimentado transformaciones en su aspecto, en el de sus productos y en su comunicación.
Tal es la importancia de este fenómeno, que los responsables de la editorial japonesa PIE Books han querido mostrar cómo han sido plasmados estos conceptos en diferentes trabajos de diseño y publicidad pertenecientes a empresas de sectores tan dispares como el inmobiliario, el de diseño de muebles, el de electrodomésticos, el de las galerías de arte o el financiero.
Sin intención de hacer ningún tipo de crítica o análisis sociológico sobre esta cuestión, el libro recoge cientos de ejemplos de packaging, anuncios e interiorismo, que muestran cómo elementos como los frutos, la madera, las plantas, el agua, las tonalidades verdes que evocan la naturaleza o las ocres que recuerdan a los bosques otoñales son empleados en su propio beneficio por todas esas compañías.

Relaxing graphics. Warm, calm, exhilarating. VV. AA. PIE Books
156 páginas Idiomas: Inglés / Japonés
La editorial Gustavo Gili pone a disposición del público hispanohablante Grids. Creative solutions for graphc designers, título de la editorial norteamericana Rotovision y publicado por ésta en 2007, que es un exhaustivo y didáctico manual sobre el uso de las retículas en el diseño gráfico, organizado según las diferentes necesidades a las que tiene que enfrentarse el profesional de esta disciplina: catálogos y folletos, exposiciones, libros ilustrados, identidad, revistas periódicos y boletines, packaging, carteles y flyers.
Al igual que sucede con otros títulos semejantes, el libro cuenta con decenas de ejemplos que son diseccionados para mostrar la retícula que subyace en ellos, la cual es desglosada mostrando todas sus medidas. Una idea sumamente útil, teniendo en cuenta que, en ocasiones, éstas resultan de una complejidad tal que sería prácticamente imposible deducirlas de la mera observación de las páginas de las publicaciones.
Sin embargo, lo que lo diferencia a Retículas. Soluciones creativas para el diseñador gráfico de sus competidores es el hecho de contar con un CD en el que se incluyen unos tutoriales con esos mismos ejemplos en formato InDesign o QuarkXPress, para que el diseñador interesado pueda trastear con ellas y generar nuevas soluciones para sus propios trabajos.

Retículas. Soluciones creativas para el diseñador gráfico. VV. AA. Editorial Gustavo Gili
224 páginas. Idioma: Español

martes, 3 de marzo de 2009

¿Por qué un logotipo es como es? ¿Qué significan los elementos gráficos u ornamentales que aparecen en ellos? A diferencia de muchos de los libros de logotipos que son publicados cada temporada, Logos, de Michael Evamy, describe al final de cada página cuál es la actividad de la empresa en cuestión, la razón de que en su distintivo aparezcan o no elementos heráldicos o de otro tipo, explicaciones sobre por qué se ha optado por una o por otra solución al ejecutarlos y, por supuesto, la autoría.
Aunque todo esto pueda parecer un hecho baladí, lo cierto es que el mercado está saturado de publicaciones que se limitan a reproducir logotipos sin otro criterio organizativo o de selección que el alfabético. Si bien esto podía ser útil antes de la era internet, una época en la que conseguir información sobre trabajos de diferentes partes del mundo suponía toda una odisea, a día de hoy ese tipo de libros resultan totalmente insatisfactorios. Por eso es de agradecer publicaciones que aborden el tema desde un punto de vista diferente que, sin ser el colmo de la innovación, al compararlo con lo que había antes, resulta casi revolucionario.

Logo. Michael Evamy. Gustavo Gili. 352 páginas
Idioma: Español
De un tiempo a esta parte los editores de tebeos se han dado cuenta de que Corea también existe y de que no es sólo Japón el país de extremo oriente que produce manga. De esta forma, han comenzado a publicarse en nuestro país títulos procedentes de allí que, aunque la mayor parte de las veces poseen un aspecto estético similar al desarrollado por los artista nipones, su contenido es totalmente diferente. El manga coreano, al menos el que nos está llegando, suele explorar otros territorios narrativos en los cuales las historias son más solemnes, atormentadas y, el humor, contenido cuando no escaso.
Si a esto le sumamos la decisión de Ediciones Sins Entido de dedicar toda una colección al tebeo hecho por mujeres, aprovechando esa veta abierta por Persépolis, entendemos el por qué de la publicación de “La historia de mi madre”. Una historia autobiográfica, escrita y ejecutada por una mujer, para más señas, coreana.
Kim Eun-Sung nos guía por la relación que mantiene con su anciana madre y relata sus recuerdos en una Corea aún unificada con un trazo muy similar al de Satrapi que lastra una historia que promete pero no acaba de enganchar.
A pesar de ello, hay que reconocer que si Sins Entido es una de las editoriales más importantes dedicadas al mundo del tebeo en nuestro país, lo es gracias a su capacidad para experimentar, arriesgarse y abrir nuevas vías en esta disciplina que, de no ser por ellos, nunca serían exploradas por otras editoriales más grandes. Y eso es lo que tienen los experimentos: a veces son un éxito, otras no tanto pero, en ambos casos, la experiencia es imprescindible para seguir adelante, abriendo camino y sorprendiendo.

La historia de mi madre. Kim Eun-Sung. Ediciones Sins entido. 224 páginas.
Idioma: Español

lunes, 2 de marzo de 2009

La editorial Gustavo Gili pone en marcha una nueva colección de libros dedicada al diseño gráfico. Su título es “Claves del diseño” y su primer lanzamiento está dedicado a los logotipos, que, por lo que parece, es uno de los temas estrellas de la editorial (han editado al menos tres títulos al respecto esta temporada) y que más deben preocupar a los diseñadores.
Como es habitual en esta editorial, la publicación es sumamente didáctica y sencilla de comprender. Abundantes imágenes y ejemplos gráficos explican el proceso de creación de un logotipo y su aplicación a los diferentes medios y soportes como internet, papel, exterior etc. Se incluyen también explicaciones sobre casos reales aunque, eso sí, de clientes anglosajones -no en vano el libro está escrito por los responsables del estudio norteamericano Capsule-, un universo que tal vez no sea totalmente extrapolable al de los diseñadores españoles pero que servirán para resolver alguna que otra duda y descubrir soluciones que puedan ser aplicables a la realidad de nuestro país.

Claves del diseño 01. Logos. Capsule. Gustavo Gili. 192 páginas
Idioma: Español
La bienal internacional de fotografía organizada por la agrupación foto-cine de Cerdanyola-Ripollet cumple diez ediciones. Veinte años apoyando la fotografía y adaptándose a los nuevos tiempos que vive la disciplina, como demuestra este catálogo que recoge las piezas premiadas y seleccionadas de todas las presentadas a concurso en 2008.
Un libro de generosas dimensiones, buenos acabados y sencillo diseño, lo que es todo un acontecimiento en este tipo de productos que, a consecuencia de los altos costes de impresión, acostumbran a ser mucho menos ambiciosos.
Además de por todo esto y a pesar de su amplia variedad de estilos que en él se incluyen, Aqüeducte.08 es un buen instrumento para conocer cuáles son las tendencias fotográficas que están en boga en cada momento y que, por lo que se deduce de sus páginas, en la actualidad parecen copadas por los retoques fotográficos en Photoshop. El tiempo es el que nos dirá si esas tendencias en 2008 perdurarán en el futuro o no. Para saberlo, deberemos conservar este catálogo durante los años venideros.


Aqüeducte.08 X Bienal Internacional de Fotografía. 10. Edición. 20 Aniversario VV. AA. Afocer . 276 páginas. Idioma: Español / Portugués / Inglés / Francés / Alemán / Italiano

domingo, 1 de marzo de 2009

La nota característica de Fueye, lo que lo diferencia de otras novedades con las que comparte estante en las librerías estos días y que tanto desde la editorial como desde los medios se ha significado, es el hecho de haber recibido el Primer Premio Internacional de Novela Gráfica convocado por el supermercado cultural FNAC y la editorial Sins Entido. Dicho esto, es de recibo añadir que dicho reconocimiento es merecido, al menos en lo que se refiere a su ejecución.
Fueye es, desde el punto de vista del dibujo, un magnífico tebeo, con recursos gráficos muy interesantes y con un trazo y estilo que sitúan a Jorge González entre los dibujantes más destacados de los que se encuentran actualmente en activo. Otra cosa es su guión. Prometedor e interesante en origen, lo que comienza siendo una historia de emigración, lumpen, bajos fondos, traiciones y desclasados mecida a ritmo de tango, acaba siendo una milonga que se deshilvana cayéndose a jirones entre los dedos a medida que avanzan sus páginas.
De todas formas, estas pegas no restan valor estético a Fueye ni impedirán que disfrute de un enorme éxito a lo largo de esta temporada. De hecho, es posible que acabe convirtiéndose en uno de los títulos claves del 2008 e incluso de la década. Valores artísticos no le faltan como no le falta talento a Jorge González como dibujante pues así nos lo ha demostrado en el pasado con títulos como Heat Jazz (con guión de Horacio Añtuna) y así nos lo demuestra hoy con Fueye.

Fueye. Jorge González. Sins Entido. 192 páginas.
Idioma: Español
De nuevo les presentamos un enciclopédico título de la editorial PIE Books. Uno de esos libros que lo tiene prácticamente todo del tema al que se refieren. En este caso se trata de los elementos gráficos de las tiendas de París. Un tema que en manos de cualquier otro quedaría ramplón y anodino pero que, en las de estos japoneses, es un festival de imágenes que proporcionan cientos de ejemplos de cómo los más atractivos comercios de la capital francesa comunican su marca a sus clientes.
Organizados en cuatro apartados, Living, Fashion, Food y Service y a lo largo de sus casi doscientas páginas, el lector encontrará todo tipo de materiales gráficos relacionado con esos comercios. Desde papel de envolver hasta cintas para hacer lazos, sin olvidar las tarjetas, cajas, bolsas, etiquetas, material promocional, obsequios para fidelizar a los clientes, detalles relacionados con el interiorismo etc. Un sinfín de ideas que pueden ser aplicadas en un momento dado al cliente de cualquier estudio o agencia de publicidad, siempre que se adapten previamente a la situación concreta de dicho cliente, pues hemos de advertirle que todas estas maravillas gráficas que se incluyen en Shop image graphics in Paris pertenecen a comercios de lujo, de mucho lujo, a los que es difícil imitar tanto en la variedad de aplicaciones como en sus exquisitos acabados.

Shop image graphics in Paris VV. AA. PIE Books. 192 páginas.
Idioma: Inglés / Japonés
Japón no deja de sorprendernos. Y no nos referimos únicamente a su cultura, sus paisajes, su gastronomía... En esta ocasión hablamos de sus ilustradores. Profesionales que desarrollan todo tipo de estilos y técnicas y que dejan al lector con los ojos como platos. Grafito, plumilla, pincel, témperas, acuarelas, retoque por ordenador, textiles, ilustración vectorial son algunas de las herramientas utilizadas para crear dibujos capaces de satisfacer a todo tipo de clientes y encajar en cualquier proyecto por raro que este sea.
Ilustraciones que nos retrotraen a las décadas de los 50 y 60, imágenes que se ajustan como un guante a cualquier catálogo de alta costura, trabajos que exploran las últimas tendencias estéticas, obras naifs ideales para hacer feliz al público infantil (y no tan infantil), panorámicas y alzados de edificios pensados para vender un gran proyecto arquitectónico, todo eso y mucho más se encuentra en este segundo volumen de Illustration Book Pro 02 y, lo que es aún más sorprendente, todos esos profesionales han surgido de Japón y están representados por Pict, una agencia de ilustradores que cuenta con una interesante página web e incluso con una galería en la que se exponen y venden originales de los artistas en cartera.

Illustration Book Pro 02
. VV. AA. PIE Books. 320 páginas
Idioma: Inglés / Japonés

sábado, 28 de febrero de 2009


“En casa del herrero, cuchillo de palo” dice el refrán y, en ocasiones, es cierto que los diseñadores gráficos, tan preocupados por mejorar la imagen y la comunicación de sus clientes, descuidan la propia.
No es el caso de los que se incluyen en este libro de PIE Books en el que la editorial japonesa muestra un centenar de ejemplos de trabajos de autopromoción. Surgidos de estudios de diferentes lugares del mundo, aunque predominan los japoneses por razones evidentes, los ejemplos aquí reproducidos son una inagotable fuente de inspiración para cualquier diseñador necesitado de unas buenas tarjetas de visita, una papelería que transmita la filosofía y estilo de su empresa, unos impactantes regalos promocionales e incluso ideas de interiorismo para decorar el estudio.
Desde la ejecución más imaginativa y humilde, realizada con impresión de tampón de caucho, hasta los acabados más exquisitos y costosos como los troqueles, los barnices UVI, los golpes en seco o los adhesivos. Todo ello tiene cabida en este cuidado libro que, lógicamente, además de inspirar a los diseñadores para hacer sus propias papelerías y demás materiales corporativos, servirá, no nos engañemos, para solucionar los problemas de algún que otro cliente.

Creator’s. Self promotion: In-house graphics. VV. AA. PIE Books. 162 páginas
Idioma: Inglés / Japonés
Cada vez es más habitual que un director de arte o un diseñador tenga que aplicar sus trabajos al mundo de los interactivos, las páginas webs y los teléfonos móviles. Unos medios en los que los conceptos de ilustración al uso no resultan eficaces y para los que hay que recurrir a otras técnicas, como la ilustración con píxeles.
“Diseño de personajes para consolas portátiles” es un interesante manual para adentrarse en ese territorio sin muchas dificultades, que aborda el tema desde lo más básico, como la definición de píxel, su diferenciación ente píxel y vector, la historia de las consolas portátiles, las diferencias gráficas entre ellas, las peculiaridades de los teléfonos móviles, cómo adaptar a ese formato juegos ya existentes, las limitaciones de las pantallas de LCD, la creación de personajes etc.
A pesar de todas sus virtudes y facilidades de comprensión, lo cierto es que el libro parece pensado para un público joven interesado en la historia y evolución de los videojuegos, sus personajes y las diferentes marcas de consolas. Es evidente que el diseñador más veterano que tenga que ponerse al día en esta disciplina encontrará trucos, inspiración e incluso un glosario de términos para sus trabajos, sin embargo, mucho nos tememos que no prestará especial interés a asuntos como la transformación gráfica de Mario, Sonic, los personajes de Castelvania, del Ghoulst ‘n’ Ghosts o a las diferencias entre de los juegos de lucha y los de plataformas.

Diseño de personajes para consolas portátiles. Vídeojuegos para móviles, sprites y gráficos con píxeles.
NFGMan. Gustavo Gili. 192 páginas. Idioma: Español
Hace ya tiempo que el mundo del diseño gráfico abandonó las dos dimensiones y la actitud pasiva del receptor para explorar las tres dimensiones y estar continuamente sometido a las aportaciones y usos que del cliente final. Al menos así es en el mundo de los videojuegos, un sector que aunque para algunos aún sea un arcano indescifrable, en realidad no deja de ser un medio en el que el diseño gráfico tiene un importante papel.
Tanto para aquellos que no acaban de ver la relación entre diseño y ocio electrónico como para los que la tienen totalmente asumida, la editorial Gustavo Gili ha editado “Videojuegos. Manual para diseñadores gráficos” un volumen en el que se explica de forma clara y amena cuál es el proceso de creación de un producto de este tipo desde su argumento, la creación de los personajes, el diseño de escenarios, los procesos de animación, sonorización e incluso algunos consejos para hacerse con un paquete básico de software para realizar este tipo de proyectos y la posible comercialización del juego en cuestión una vez finalizado.
Destaca la abundancia de imágenes, cuadros sinópticos, gráficos y tutoriales, todo ello con un evidente tono pedagógico, algo que a aquellos que estén familiarizados con el tema les resultará excesivamente sencillo pero que a los no iniciados les aclarará muchas de sus dudas.

Videojuegos. Manual para diseñadores gráficos. Jim Thompson, Barnaby Berbank-Green, Nic Cusworth. Gustavo Gili. 192 páginas. Idioma: Español

viernes, 27 de febrero de 2009

Tras adentrarse en el mundo de las empresas del pret a porter con “Marcas de moda. Marcar un estilo desde Armani a Zara”, el periodista británico Mark Tungate se interesa, en esta ocasión, por el sector de la creatividad publicitaria. En un momento en el que los medios están transformando los mensajes y los hábitos de los consumidores han cambiado, hasta el punto de hacer perder a la televisión la hegemonía de la que disfrutaba como mejor canal para verter los reclamos comerciales de las diferentes marcas, Tungate ha entrevistado a algunos de los profesionales más destacados de la época dorada de la publicidad para que den testimonio de cómo fue el sector en el pasado y cómo creen ellos que evolucionará en el futuro.
Un volumen de más de trescientas páginas plagado de anécdotas, reflexiones y alguna que otra confidencia, narradas por personajes de la talla de Bill Bernbach y David Ogilvy que, sorprendentemente, carece de toda fotografía que ilustre muchas de las historias que en él se recogen. Un hecho que, sin restarle interés al libro, resulta un tanto decepcionante pues no hay que olvidar que el pasado y el futuro de la comunicación comercial está, además de en sus opiniones, en los trabajos reales de los creativos.

El universo publicitario. Una historia global de la publicidad. Mark Tungate. Gustavo Gili. 334 páginas
Idioma: Español