lunes, 27 de noviembre de 2017

Lo que hoy llamamos cómic es una expresión que nace en el siglo XIX pero tiene sus raíces en la necesidad humana de narrar a través de imágenes que le sobrevivan. Este impulso construye “una arquitectura de la mente”, una estructura que ocupa el espacio bidimensional de la página, habitada por nuestras pulsiones convertidas en personajes de todo tipo. Este libro reflexiona en torno a ese medio de dos dimensiones, que en su sofisticación consigue representar hasta cuatro, contando las del espacio y el tiempo. Es un viaje con paradas tanto en el clásico popular del número 13 de la Rue del Percebe como en las páginas medievales de los Beatos, que se detiene a mirar cómics realizados por arquitectos o arquitectura concebida por autores de viñeta, que compendia teorías que desentrañan este medio gráfico y cierra con un catálogo de estrategias para contar historias mientras se dibujan ventanas o escaleras.

Cómic, arquitectura narrativa. Enrique Bordes
Ed. Cátedra. 408 páginas. 19,5 x 24 cm.

miércoles, 22 de noviembre de 2017

Pep Brocal (Terrassa, 1967) publica sus primeros trabajos en las revistas Comix Internacional, Totem y Zona 84 (Toutain Editor, 1984-1987), para pasar posteriormente a Cairo con la serie John Pájaro (Norma Editorial, 1989-1990), con guiones propios, de Óscar Aibar y de Manel Fontdevila. Recibe el premio al autor revelación en el XIII Salón Internacional del Cómic de Barcelona en 1995. Desde 1979 ha ilustrado más de 60 libros infantiles y juveniles, hace serigrafía, xilografía e imparte un curso de ilustración en la escuela EINA (Barcelona, 2006-2017). Con Blanca Hernández y Laura Miyashiro funda la editorial Badabum, plataforma independiente dedicada a la obra gráfica y a la experimentación en papel (2010-2016). Para el cineasta Álex de la Iglesia –que comenzó siendo autor de cómics–, Pep Brocal construye con Cosmonauta Un cuento sólido y terrible sobre la condición humana, de una profundidad y sencillez apabullantes, como las grandes obras maestras. Una lección sobrecogedora de una nueva filosofía: el nihilismo alegre, el único inteligente. Pep nos enseña que las grandes verdades se entienden mejor con viñetas.


Cosmonauta. Pep Brocal. Ed. Astiberri
176 páginas. 17 x 24 cm. Castellano


viernes, 17 de noviembre de 2017

Jordi Gumí (1931-2013) fue un fotógrafo catalán especializado en fotografía industrial, comercial y editorial. Durante cerca de treinta años fue profesor de fotografía en la Escola Massana de Barcelona y, en su doble vertiente de químico y fotógrafo, escribió sobre fotografía e investigación artística. Este libro recoge los conocimientos fundamentales para exprimir al máximo las posibilidades técnicas del proceso fotográfico tradicional: desde el funcionamiento de la cámara oscura, las características del material fotográfico o las condiciones de iluminación, hasta nociones básicas de química aplicada, o las bases de la composición de la imagen. Un libro sencillo y práctico, nacido de las anotaciones del autor para sus clases de fotografía en la Escola Massana de Barcelona, que nos introduce al original universo de la fotografía analógica.



Apuntes de fotografía. Recursos y técnicas básicas de fotografía analógica
Jordi Gumí. Ed. Gustavo Gili. 14 x 20cm. 112 páginas. Castellano


lunes, 13 de noviembre de 2017

Los libros sobre técnicas fotográficas de Scott Kelby son un éxito de ventas en todo el mundo. Ahora llega con nuevos conceptos: una obra concebida desde cero para explicar con detalle las técnicas que necesitas para editar las imágenes en Photoshop. El programa ofrece una importante gama de herramientas y múltiples funciones, aunque algunas no resulten obvias a primera vista o estén en cierto modo escondidas. Las técnicas del procesamiento de imágenes son explicados con detalle en este manual. Este es un libro práctico, con ejemplos y pasos detallados a seguir. Con un clic, podrás aplicar los ajustes requeridos, también saber cuándo, cómo y dónde utilizarlos.

¿Cómo hacer esto en Photoshop?. Scott Kelby
Ed. Anaya / Photo Club. 288 páginas. 18,5 x 24 cm.
Paleofonografías es un proyecto artístico que reflexiona sobre el poder de reminiscencia que presentan determinados objetos obsolescentes. Interpretado como una alegoría de la memoria sonora parcialmente transferida en materia física, las obras remiten a la idea de un tiempo pasado cuya indeterminada evocación es susceptible de surgir a través de la contemplación de las imágenes que, a modo de particulares fósiles, sugieren las superficies pétreas. El origen objetual de las caprichosas grafías que ofrecen las distintas piedras corresponden a casetes y cintas magnéticas de audio. Estas han sido directamente escaneadas como objetos tridimensionales, y las imágenes tratadas digitalmente antes de ser definitivamente transferidas manualmente a cada una de las piedras. En ocasiones, se muestran como pequeños puzzles que hablan tanto de fracción y ruptura como de continuidad y plenitud. Se ofrecen, en definitiva, como pequeños indicios de una memoria individual, también colectiva, de sonidos extintos transmutados en enigmática imagen con voluntad de ser preservada.



Paleofonografías. Javier Ariza. Ed. Fundación Antonio Pérez
21 x 27 cm. 76 páginas. Castellano


El “boom” turístico español es un fenómeno tan conocido como poco debatido. En la memoria colectiva ha quedado vinculado a una serie de espacios —Benidorm, Torremolinos— e iconos simbólicos —el biquini, “las suecas”— que dan forma a una narración estereotipada. Con la finalidad de matizar y enriquecer dicho relato, este libro propone una revisión de la cultura visual del “boom”. La autora analiza un nutrido corpus documental extraído de archivos nacionales y extranjeros, sirviéndose de herramientas analíticas de los estudios  visuales y de la antropología del turismo. El repertorio iconográfico resultante revela que el imaginario de lo español durante la dictadura franquista fue mucho más complejo de lo que “a priori” podría pensarse, con una constante negociación entre las imágenes que respondían a la búsqueda de experiencias de los turistas y aquellas en las que un país en pleno proceso de modernización deseaba verse reconocido.


Bienvenido, Mr. Turismo. Ed. Cátedra
Alicia Fuentes Vega. 19,3 x 21,5 cm.. 288 páginas. Castellano

miércoles, 8 de noviembre de 2017

Carlos Cánovas inició su actividad fotográfica en 1972. Hasta 1980 obtuvo numerosos premios y distinciones en salones de fotografía y, a partir de ese año, comenzó a desarrollar su obra personal y a ejercer una notable actividad docente, impartiendo talleres y cursos especializados en diversos centros y universidades, tanto de naturaleza técnica como de historia de la fotografía, así como en relación con su propio trabajo. Su obra se ha mostrado en numerosas exposiciones, individuales como las realizadas en el Museo de Bellas Artes (Bilbao) o el Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia), y colectivas, entre las que destacan las realizadas en el Instituto Cervantes en diversos países, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en el Museum of Contemporary Photography (Chicago) o en el Instituto Cultural de México (Washington). La construcción del paisaje urbano y la formación de una experiencia vinculada a la creación de la imagen y al establecimiento de su dimensión estética y poética, son los temas que Carlos Cánovas trata en sus series de fotografías desde los años ochenta hasta hoy. Su interés en las áreas periurbanas y en los límites de las ciudades le ha llevado a explorar distintas zonas industriales y residenciales, manteniendo siempre una visión poética. En este libro más de un centenar de fotografías, muchas de ellas inéditas, se reparten en cuatro apartados: «Extramuros» (1982- 1986), desarrollado en torno a la ciudad de Pamplona y el Vallès Oriental (1990) de Barcelona, en el que documenta algunos aspectos residuales de una Cataluña entre lo industrial y lo rural; «Paisajes sin retorno» (1993-94), donde registra el Bilbao industrial en los momentos previos a su transformación; en «Paisaje anónimo» (1994-2006) continúa la exploración de las periferias, con una selección de imágenes que recorren distintas ciudades españolas; por último, «Séptimo cielo» (2007-2016) es su trabajo para el proyecto artístico «Tender Puentes».



En el tiempo. Carlos Cánovas. Ed. Museo Universidad . de Navarra
29 x 24 cm. 190 páginas. Castellano e Inglés


viernes, 3 de noviembre de 2017

En 1935, el fundador de DC Comics, el mayor Malcolm Wheeler-Nicholson, publicó New Fun. Se trataba del primer libro especializado en cómics con todo el material inédito y original, en una época en la que estas obras solían ser contenedores de las historietas descartadas de los periódicos. Lo que al principio se consideró un medio disponible sólo para niños estaba a punto de convertirse en mito de nuestro tiempo: la respuesta del siglo XX a personajes como Atlas o El Zorro. TASCHEN lanza ahora el libro más exhaustivo y único sobre DC Comics en una edición XL con más de 2.000 imágenes –portadas e interiores, ilustraciones originales, fotografías, fotos fijas y coleccionables– restauradas y reproducidas mediante tecnología digital, y da vida a las aventuras, personajes y creadores. Paul Levitz, un clásico en DC tras 35 años en la empresa, desvela las peripecias que se esconden tras las obras. Sus crónicas minuciosas recorren la historia de la compañía, desde su nacimiento como revista de bajo precio hasta la más moderna edición digital. Gracias a una completa y desplegable cronología y a un exhaustivo apéndice que incluye la biografía de los artistas, escritores, editores, editoriales y actores que hechizaron al mundo, esta obra es una referencia imprescindible para cualquier aficionado a los cómics.

75 Years of DC Comics. The Art of Modern Mythmaking
Paul Levitz. Ed. Taschen. 29 x 39,5 cm. 720 páginas

lunes, 30 de octubre de 2017

Quinientos de los diseños gráficos más emblemáticos de todos los tiempos, desde los inicios de la reproducción mecánica hasta el presente.
El proceso de comunicación visual y resolución de problemas a través del uso de la tipografía, el espacio, la imagen y el color nos informa la forma en que nos conectamos a través de lenguas y culturas. Derivado del Archivo Phaidon de Diseño Gráfico, este fascinante compenio celebra la larga y rica historia del diseño gráfico, desde la primera muestra de tipo móvil y la Crónica de Nuremberg del siglo XV hasta las revistas de vanguardia, carteles y efímeras de hoy. Compilado y escrito por un equipo global de expertos, este libro tiene un carácter internacional donde se cuzan los estilos y filosofías del diseño en las diferentes partes del mundo.



Graphic, 500 Designs that Matter
Ed. Phaidon. 16,3 x 12,3 cm. 708 páginas


viernes, 27 de octubre de 2017

Cristina Durán (Valencia, 1970) es licenciada por la Facultad de Bellas Artes de Valencia y fue becada Erasmus en la Middlesex University de Londres. En su época universitaria formó parte del Equipo Grúa, creador del fanzine No Aparcar Llamo GRUA, y fue galardonada y seleccionada en varios certámenes de cómic (Murcia Joven, Portugalete, Alaquàs, INJUVE, etc.). Inicialmente trabajó un tiempo en animación, pero desde 1993 se dedica profesionalmente a la ilustración y el cómic en LaGRUAestudio. En 1997 participó activamente en el resurgimiento de la Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia (APIV), de la que fue presidenta entre 2006 y 2009.
Cristina y Miguel, los autores, necesitan reconstruirse y reinventarse cuando, nada más nacer Laia, su primera hija, les toca enfrentarse al mundo de la parálisis cerebral infantil: hospitales, centros de rehabilitación y médicos se convierten entonces en su rutina diaria. Hay una posibilidad entre mil de que Laia salga adelante, y se agarra a ella con una fuerza tremenda y una alegría desbordante. Años más tarde deciden emprender, con la misma valentía y determinación, el arduo proceso de la adopción de su segunda hija, Selam, que supone una nueva vida llena de alegrías y descubrimientos, pero también una etapa de adaptación para encontrar un nuevo equilibrio. Este libro es una historia de superación, que transita por un camino familiar empedrado y lleno de incertidumbres, pero que los cuatro recorren con una energía y un optimismo fuera de lo común.



Una posibilidad. Miguel Á. Giner Bou
Cristina Durán (ilustración). Ed. Astiberri. 17,5 x 24,4 cm. 320 páginas.


David Sánchez, el autor de Tú me has matado y No cambies nunca, vuelve con un cómic desértico, dominado por un cielo aplastante, que gira en torno a la figura divina y que resulta tan inquietante y turbador como sus obras anteriores. David es el creador de la marca de camisetas Mong T-Shirts, para la que sigue diseñando dos colecciones anuales. Ha ilustrado los libros El destripador, de Robert Desnos y Paul está muerto para Errata Naturae, editorial de la que es responsable gráfico, realizando el diseño de sus colecciones así como las portadas de todos sus títulos. También ha publicado en Calle 20, El País de las Tentaciones, El Semanal, el suplemento cultural de El País EP3, Man, Público, Rolling Stone, Shangay Express y El Manglar. Según Santiago García, Un millón de años demuestra que David es además de un autor espiritual, puede ser también el más material. Con frecuencia se han descrito sus páginas como crípticas o enigmáticas. Por el contrario, Santiago considera que su obra es de un realismo escalofriante, y está dotada de una precisión y una exactitud clínicas. Como un místico materialista, David Sánchez produce a través de sus viñetas una experiencia sensorial de una veracidad angustiosa.


Un millón de años. David Sánchez
Ed. Astiberri. 19 x 26 cm. 120 páginas.  Castellano

lunes, 23 de octubre de 2017

Rebeca Luciani (La Plata, Argentina, 1976) es licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Hace 15 años que trabaja ilustrando libros en editoriales de varios países. Comparte sus horas de dibujo con la docencia, impartiendo talleres de ilustración en Barcelona, Sao Paulo, Santiago de Chile y Buenos Aires. Su obra ha sido incluida en la lista The White Ravens.
Las aves son las protagonistas de este poemario y conforman un abecedario muy personal que sugieren múltiples avecedarios. A la fuerza literaria de este alado avecedario se une la exuberancia plástica que aporta Rebeca Luciani: ilustraciones que combinan lo figurativo con los personajes humanizados, que rebosan colorido y luminosidad, naturaleza y vida. Sus aves arrullan los versos con la elegancia de sus poses y la audacia de sus acrobacias.

Las alas del abecedario. Texto de Antonio Rubio e ilustraciones de Rebeca Luciani
Ed. Factoría K de Libros. 15 x 25 cm. 48 páginas. Castellano

viernes, 20 de octubre de 2017

Lynne Chapman ha publicado treinta libros infantiles, todos ellos ilustrados con pasteles. Es fundadora de Urban Sketchers Yorkshire y organiza SketchCrawls cada mes. Lynne imparte talleres de urban sketching por todo el mundo y publica sus dibujos en el blog An Illustrator’s Life for Me!. Este libro proporciona a quienes se inician en el dibujo consejos sencillos y prácticos que darán la confianza para dibujar a todo tipo de personas en situaciones. Además de conocer los materiales y herramientas básicos del urban sketching, esta guía muestra cómo mirar a los modelos con atención y destreza. Desde la anatomía humana, las acciones y las escenas más recurrentes, hasta los estilos, los enfoques y la captación del movimiento, este sencillo manual ilustrado propone reforzar la habilidad en el dibujo.



Dibujando gente en acción. Guía práctica para captar gestos y escenas en urban sketching
Lynne Chapman. Ed. Gustavo Gili. 21,5 x 28 cm. 128 páginas Castellano


lunes, 16 de octubre de 2017

La búsqueda de lo que hoy conocemos como fotografía forma parte de una compleja trama de experimentos llevados a cabo por numerosos científicos y aficionados a las artes no solo en las grandes metrópolis europeas, sino también en los sitios más apartados de la civilización occidental. Esta obra nos presenta las pesquisas, zozobras y hallazgos de Hercule Florence, francés afincado en el interior de Brasil, quien, en 1833, logró fijar imágenes visibles a través de la cámara oscura, además de proponer el uso del negativo y bautizar el descubrimiento con el nombre que hoy le damos: fotografía. Después de más de doscientos años de su nacimiento, sus descubrimientos no caben dentro del mundo de las coincidencias, sino que responden a la búsqueda decimonónica por mejorar los medios de reproducción de la imagen, privilegiada desde entonces como una senda del conocimiento. El análisis de Kossoy no se agota con la fotografía; por el contrario, a partir de ella abre el camino a la reflexión sobre las maneras en que la cultura latinoamericana ha sido abordada.



Hercule Florence el descubrimiento aislado de la fotografía
Boris Kossoy. Ed. Cátedra. 272 páginas. 16,5 x 24 cm. Castellano

jueves, 12 de octubre de 2017

Miguel Angel Pacheco es doctor en Bellas Artes, desde finales de los años 60 escribe, dibuja y diseña libros para público infantil y juvenil. Ha colaborado en programas infantiles de televisión, como La bola de cristal, siendo director de arte y creando la imagen de los Electroduendes. Actualmente se dedica sobre todo a la literatura y a la edición de su obra, que suma más de 15 novelas. Ha recibido el Premio Nacional de Ilustración en 1980 y 1983. Poemas de La Oca Loca –cuyo original se publicó en 1978– es una selección de 25 composiciones de la inolvidable poeta de los niños. Sus rimas alegres, sorprendentes y absurdas, repletas de repeticiones y juegos de palabras, forman parte de la memoria colectiva de toda una generación de jóvenes y adultos, y han calado también en los niños y niñas del siglo XXI. Las sencillas ilustraciones de Miguel Ángel Pacheco acompañan las composiciones con trazos firmes y de línea clara, figuras planas y redondeadas, que rellena con punteados y rayas para dotarlas de profundidad y perspectiva.

Poemas de la Oca Loca. Gloria Fuertes. Ilustraciones de Miguel Angel Pacheco
Ed. Kalandraka. 18 x 27 cm. 48 páginas. Castellano

martes, 10 de octubre de 2017

Gina Alyse Wynbrandt es una autora gráfica e ilustradora de Chicago. Muestras de su trabajo han aparecido en la prestigiosa antología The Best American Comics 2015, lo que asimismo le valió una nominación al premio Ignatz. Con su nombre completo pueden construirse los anagramas «gay anal by twin nerds» y «wannabe sadly trying». Le encantan las comedias de situación, las estrellas del pop adolescente, el maquillaje, internet y ser el centro de atención. Que alguien se acueste conmigo, por favor (2015) es su primer libro. En Que alguien se acueste conmigo, tras plantar el campamento base en un territorio surreal y desternillante donde se juntan la autobiografía y lo fantástico, la autora elabora parábolas extremas sobre el mundo en que vivimos, sometidos a todo tipo de presiones, exigencias y necesidades, tanto en el mundo real como en el virtual. El resultado es una mirada fresca a   las lides más tristes del amor y la carne, sazonada con visiones muy sabrosonas de la cultura popular.


Que alguien se acueste conmigo, por favor. Gina Wynbrandt
Ed. Reservoir Books. 142 páginas. 14,5 x 20 cm- Castellano



viernes, 6 de octubre de 2017

Bodoni publicó la primera edición de su Manual en 1788, pero continuó trabajando en él hasta su muerte. Su viuda continuó su labor y publicó en 1818 la edición final del Manual de tipografía, uno de los mayores éxitos tipográficos de la historia. Este Prefacio incluye los textos introductorios. En el Prefacio al Manual de tipografía, la viuda de Bodoni, Margherita dall’Aglio, dedica el Manual a la archiduquesa María Luisa de Austria, duquesa de Parma, Piacenza y Guastalla, “Por saberla protectora de las Ciencias y las Bellas Artes”, y lo presenta al público con un discurso Al lector, en el que cuenta las circunstancias favorables y adversas que se dieron desde que su amado esposo decidió emprender esta colosal tarea. Estos dos textos son seguidos por el Prefacio escrito por Giambattista Bodoni.

Prefacio al “Manual de tipografía”. Giambattista Bodoni
Ed. Trama Editorial. 15 x 21 cm. 72 páginas. Castellano

lunes, 2 de octubre de 2017

Tecnos reedita un libro fundamental del pensamiento estético en España: Imágenes del hombre, de José Jiménez. La obra ha sido transformada significativamente con un extenso capítulo dedicado a la categoría de lo sublime y un análisis de la situación de la estética en la actualidad. El uso del término “estética” se ha generalizado tanto en los últimos tiempos que ha llegado a convertirse en una especie de lugar común en su sentido más superficial, como mero “embellecimiento” de la apariencia: personal, social o cultural. Y eso mismo es un claro indicio de hasta qué punto el despliegue de la modernidad hasta nuestros días está determinado por un intenso proceso de estetización de la vida y de la experiencia humanas. Imágenes del hombre propone ir al fondo de la cuestión, planteando una fundamentación filosófica, desde una metodología genealógica, de los problemas suscitados en ese espacio. El núcleo del libro es la fundamentación de la estética como teoría filosófica de la imagen. Entendiendo que la raíz de la imagen es la facultad de producción y comprensión simbólica de los seres humanos, tal y como ésta se plasma en los diversos grupos étnicos y culturas de la humanidad. En consecuencia, más allá de sus sentidos metafísicos, retóricos o formalistas, se propone filosóficamente una concepción antropológica de la imagen. Lo que permite cifrar la raíz de toda experiencia estética en el ámbito de la constitución y transmisión de imágenes humanas, más o menos globales, fragmentarias o difusas, que actúan como contraste y punto de referencia simbólicos en la construcción de nuestras vidas.


Imágenes del hombre. . Fundamentos de Estética
Ed. Tecnos. José Jiménez. 15,8 x 23 cm. 432 páginas. Castellano


viernes, 29 de septiembre de 2017

Paul Lowe, fotoperiodista y director del máster en Fotoperiodismo y Fotografía Documental del London College of Communication, en este libro explora la obra de 100 grandes fotógrafos de todos los tiempos para desvelar los secretos de cómo fueron creadas y regalar así la magia de su oficio. Organizado en diez bloques temáticos, cada uno de ellos presenta una selección transversal de fotografías emblemáticas que son analizadas técnicamente abordando cuestiones como la cámara y las lentes utilizadas para realizar la fotografía, la composición, la exposición y la luz o el tono y el color. Desde Eugène Atget y Nadar hasta Martin Parr, Rineke Dijkstra o Jeff Wall, pasando por August Sanders, Weegee o Paul Strand… el libro se convierte además en una singular historia del medio fotográfico.

Maestros de la fotografía. Técnicas creativas de 100 grandes fotógrafos
Paul Lowe. Ed. Gustavo Gili. 288 páginas. 20,5 x 24,7 cm. Castellano

jueves, 28 de septiembre de 2017

Nadia Menotti (Buenos Aires, 1978) ha estudiado diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, ampliando su formación con talleres de ilustración en Argentina y Europa. Ha impartido clases de Diseño y Comunicación en la UBA. Actualmente realiza un trabajo de investigación sobre Tipografía y lectura en condiciones de dislexia. En su faceta creativa, ha producido obra fotográfica, instalaciones y exposiciones. Como ilustradora, ha sido seleccionada para la I Bienal Nacional de Diseño de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UBA y el Salón de Honor de la Legislatura Porteña. Por Las pescadoras ha recibido una mención del VII Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado. Las pescadoras es una adaptación de un cuento tradicional de la India que destaca por su poder evocador de los sentidos a través de la descripción de lugares, sonidos, aromas...  Llama la atención su hermosa y delicada propuesta plástica, a base de minuciosas escenografías con pequeñas figuras: personajes, objetos y aderezos elaborados con madera, cartón, alambre o elementos textiles, entre otros materiales. 


Las pescadoras. Nadia Menotti . Ed. Kalandraka
22 x 22 cm. 32 páginas. Castellano, gallego


viernes, 22 de septiembre de 2017

Enrique Flores (Badajoz, 1967) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha completado su formación con un Master en Diseño Gráfico en el Central Saint Martin’s School of Art and Design de Londres. Ha trabajado como director de arte en una agencia de publicidad. Dedicado actualmente a la ilustración de libros infantiles, cómic o libretas de viaje, ha participado en más de un centenar de publicaciones; entre ellas, Cuadernos del Sol editado por Blur Ediciones, que recopila obras realizadas en la acampada del 15-M en Madrid. Colabora con El País y otros medios de comunicación. Agni es un niño de diez años que ya desde los seis trabaja en un lavadero. Agni sueña que algún día cambiará su suerte. Su sueño es el de los más de 250 millones de niños y niñas que madrugan cada día, no para ir a la escuela o jugar, sino para trabajar, forzados por las redes de explotación y esclavitud infantil o de forma voluntaria para ayudar a sus familias, sumidas en la pobreza. Una historia triste –entre la melancolía y la luminosidad– que Dora Sales transmite con una mirada tierna centrada en el valor de los sentimientos, la esperanza y la voluntad por progresar de su protagonista, que emociona y genera empatía. Las acuarelas de Enrique Flores, que destacan por el trazo rápido e imperfecto, nos transportan al hogar, la barriada, al inmenso tendal...



Agni y la lluvia. Dora Sales. Ilustraciones: Enrique Flores
Ed. Kalandraka. 15 x 23,5 cm. 128 páginas. Castellano, gallego, catalán

Tom Gauld nació en 1976 en Aberdeenshire, Escocia, y estudió Ilustración en el Edinburgh College of Art y el Royal College of Art. En la actualidad vive en Londres, donde trabaja como ilustrador y caricaturista. Ha colaborado con The Guardian (diario en el que publica una viñeta semanal desde hace años), The New York Times, The New Yorker, The Believer y Granta.
Con estilo sobrio pero de gran expresividad, Un policía en la luna combina inteligencia, humor y melancolía, plasmando algunas verdades esenciales sobre los anhelos y desengaños inherentes al ser humano. Con sólo tres libros, Tom Gauld se ha consagrado como uno de los artistas de cómic más interesantes y admirados del panorama internacional.


Un policía en la luna. Tom Gauld
Ed. Salamandra. 96 páginas. 18 x 21 cm. Castellano


lunes, 18 de septiembre de 2017

El escándalo por una caricatura de Mahoma en una revista danesa, el secuestro del semanario satírico El Jueves, los atentados contra Charlie Hebdo, el caso Zapata... La cuestión del humor y de sus límites está innegablemente a la orden del día y Darío Adanti, uno de los fundadores de la revista Mongolia, la plantea en Disparen al humorista a través de un ensayo en viñetas que no sabe si definir como una defensa contra la corrección política, un método para salvar al humor de la tendencia totalitaria de Occidente o una herejía contra toda religión. Para Adanti, el humor es un género de ficción y la ficción tendría que ser ese lugar sin límites, como lo son la tragedia, la épica, la aventura o la poesía; lo que debería tener límites no es el humor, sino el cuándo y el dónde de la representación del humor, es decir, su contexto. Mantiene que “para respetar sentimientos y creencias, algunos proponen limitar el humor y la libertad de expresión. Arrojan la idea laica de la libertad de culto a la cabeza del propio laicismo. Utilizan un concepto de Voltaire para negar el pensamiento de Voltaire. Usan una idea de la Ilustración para anular la idea misma de la Ilustración”. Adanti denuncia en este ensayo gráfico que estamos en una sociedad donde el cerco al humor se cierra cada vez más, no sólo desde el poder, sino también desde el ámbito moral, y que tanto los sectores conservadores como los más progresistas tienden a censurar, silenciar, y en definitiva disparar al humorista, para evitar que su voz escueza, cuando el humor precisamente consiste, en palabras del autor, “en sacar a la luz nuestros miedos, nuestros pensamientos oscuros, nuestras crueldades y debilidades; es exorcismo de nuestros males y reflejo de lo peor de nosotros mismos”.


Disparen al humorista. Darío Adanti
Ed. Astiberri. 160 páginas. 17,5 x24,5. Castellano



martes, 12 de septiembre de 2017

Raquel Riba Rossy (Igualada, Barcelona, 1990), hija del arquitecto Jaume Riba y de Clara Rossy, artista multidisciplinar, se alimentó del ambiente creativo que se respiraba en una familia de pintores, dibujantes, arquitectos y músicos. Estudió en la Universidad de Bellas Artes Sant Jordi de Barcelona (2008-2012), donde profundizó en dibujo, pintura, escultura y grabado, entre otros. En 2013 pasó por la Escola de la Dona, Barcelona, donde pudo concentrar todo lo aprendido en la ilustración. En primavera de 2014 lanzó su primer libro al mercado: Marta, el hada mágica un poco desordenada, traducido a catalán, francés e inglés. En este libro la inocencia del trazo de sus dibujos no debe equivocarnos: con un afilado sentido del humor repasa los tópicos de la crítica al feminismo, y los del propio feminismo. Didáctico, a veces tierno y otras sangrante, el ingenio de Raquel consigue cerrar una obra para la reflexión compatible con el divertimento.

Lola Vendetta. Más vale Lola que mal acompañada
Raquel Riba Rossy. Ed. Lumen. 160 páginas. 15 x 23 cm. Castellano


viernes, 8 de septiembre de 2017

Con el inclasificable Aquí, Richard McGuire —dibujante, especialista en animación, escritor e ilustrador de libros infantiles, diseñador de juguetes y bajista de Liquid Liquid— obtuvo el Premio a la Mejor Obra en el Festival de Angulema 2016 y se estableció como uno de los autores más influyentes en el panorama internacional del cómic. En este nuevo libro, que recoge una selección de las viñetas auxiliares publicadas en la legendaria revista The New Yorker, McGuire vuelve a demostrar su originalidad y su virtuosismo. Desde 1925, estas viñetas se han utilizado en The New Yorker para cuadrar las columnas de texto y, hace unos años, la revista empezó a asignar todas las de un número al mismo ilustrador. Pero la composición digital eliminó la necesidad de rellenar espacios, y estos dibujos cobraron mayor valor por derecho propio. Muchos artistas han  contribuido a este formato tan característico, pero como ha señalado Luc Santé, Richard McGuire fue el primero, en febrero de 2005, en concebir dichas viñetas como secuencias narrativas, lo que supuso un planteamiento nuevo e innovador: imágenes engañosamente simples que, intercaladas a lo largo de las páginas de la revista, contaban una historia.


Dibujos secuenciales. Richard McGuire
Ed. Salamandra. 584 páginas. 10x15,5 cm.

miércoles, 6 de septiembre de 2017

Austin Kleon es artista y escritor. Autor de Roba como un artista, Newspaper Blackout y Aprende a promocionar tu trabajo, sus libros son auténticos best sellers en el mundo anglosajón y se han traducido a más de veinte idiomas. Imparte habitualmente conferencias sobre la creatividad en la era digital para empresas como Pixar, Google, SXSW, TEDx y The Economist. El ticket de un restaurante. El título de un libro que no has leído. Un recuerdo. Lo que has tirado a la papelera. Una búsqueda en Google. El origen de la creatividad está donde menos se espera y en este cuaderno de ejercicios Austin Kleon enseña a mirar el mundo y a robarle ideas, tal como hacen los artistas.



Roba como un artista.  El diario Austin Kleon
Ed. Gustavo Gili. 15 x 20cm. 224 páginas. Castellano


         

martes, 5 de septiembre de 2017

Este libro de artista recoge  buena parte del trabajo de la gran ilustradora Rébecca Dautremer a lo largo de los años, así como sus múltiples proyectos.  Dividido en dos secciones, Taï-Marc Le Tahn retrata el perfil soñador, por una parte, y realista, por otro, de esta polifacética artista que
se ha ganado el reconocimiento internacional.


Dautremer (y viceversa). Le Thanh, Taï-Marc
Dautremer, Rébecca. Ed. Edelvives. 160 páginas. 290x320 mm. Castellano

viernes, 1 de septiembre de 2017


John Alcorn (1935-1992) fue un célebre diseñador gráfico e ilustrador norteamericano. En sus inicios trabajó para Esquire, CBS y fue uno de los miembros fundadores de Push Pin Studios junto con Milton Glaser y Seymour Chwast. Diseñador de un buen número de portadas de libros, también ilustró y diseño diversos libros infantiles y fue el diseñador de los carteles y de los títulos de crédito de algunas de las películas de Federico Fellini.En esta imaginativa reflexión sobre el proceso de escritura y sus aspectos físicos y sociales, la pluma de Murray McCain y el trabajo artesanal de ilustración y diseño de John Alcorn ejercen, al igual que en su antecesor ¡Libros!, un poder de fascinación en plena era digital sobre el lector de cualquier edad. Las ilustraciones y las tipografías originales de John Alcorn subrayan de manera vibrante, no exenta de comicidad, el valor mítico y mundano de la escritura. Esta edición recupera la tinta luminosa y el dibujo a mano, tanto de imágenes como de palabras, de la obra original publicada hace más de medio siglo.

Escribir. John Alcorn y M. McCain . Ed. Libros del Zorro Rojo
54 páginas. 12,5 x 18 cm.. Castellano



lunes, 28 de agosto de 2017

Pablo Monforte estudió en la Escola d’Art Superior de Disseny de Valencia (EASD) y completó sus estudios con un máster en Rehabilitación Arquitectónica en Barcelona. Ha escrito sobre esta especialidad en diversos medios y en 2014 ganó el premio Valencia Crea con un proyecto que aunaba poesía y diseño. En 2015 publicó su primer libro de poemas y fue seleccionado en la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa celebrada en Milán. En la actualidad se dedica a la rehabilitación de espacios, actividad que combina también con la ilustración. Por su parte, Laura Pérez estudió Bellas Artes en Francia, Canadá y España, aunque se licenció en Barcelona. Entre sus clientes se encuentran National Geographic, Vanity Fair, The Wall Street Journal, Bromera, Oxford, American Airlines y Walmart, entre otros. Ha participado en los libros colectivos Illustration Now 4 (Taschen), Ilustradores Españoles (Lunwerg) y Showcase 100, y recientemente ha ganado el premio Valencia Crea en la modalidad de cómic. Náufragos nos ubica en dos sitios y dos épocas diferentes: el Madrid de los ochenta, en plena ebullición, y la Barcelona de diez años más tarde, una ciudad igualmente vibrante. Náufragos recrea la relación entre Alejandra y Julio en este espacio urbano y poético donde se entrelazan los sueños, el amor y la incertidumbre. En él compartirán experiencias y reflexiones, pero las circunstancias laborales y familiares los irán separando, pese al empeño de ambos por negar la evidencia de que sus vidas ya han tomado rumbos diferentes.



Náufragos. Laura Pérez / Pablo Monforte
Ed. Salamandra. 17x24cm. Castellano






















miércoles, 23 de agosto de 2017

¿Qué fue antes? ¿El huevo? ¿La gallina? ¿O la cebolla? Para David de Jorge la respuesta es obvia: el huevo es el origen. David de Jorge se alía de nuevo con el ilustrador Javi Royo para contar la historia de un plato imprescindible de la gastronomía española: la tortilla de patatas. En este libro David de Jorge repasa los orígenes de la tortilla de patatas y la receta original de la misma, y explica cómo la tortilla, no conforme con sus ingredientes habituales y en su búsqueda de nuevos horizontes, se convierte en rico objeto de experimentación en manos de grandes cocineros que se dedican a crear deliciosas y salvajes variantes de la receta original... Hasta llegar al capítulo final: la tortilla apoteósica.

La Tortilla de Patatas. . David de Jorge y Javirroyo
Ed. Debate. 160 páginas. 17x24cm.. Castellano



viernes, 18 de agosto de 2017

La cultura de la comunicación audiovisual está plenamente inserta en la vida cotidiana de las sociedades occidentales y tiene en el diseño de motion graphics (imágenes en movimiento) uno de sus elementos más elaborados. Aunque sus orígenes se hallan en el mundo cine, el motion graphics no alcanzó su apogeo hasta la era de los nuevos medios, cuando los medios de comunicación tradicionales convergieron con el ordenador. Actualmente, el diseño de motion graphics es una actividad interdisciplinar que surge de la interacción del diseño gráfico tradicional con ámbitos audiovisuales como el cine, la televisión, la animación, la música, la tecnología, internet y, en definitiva, aquellos contextos comunicativos donde el soporte de trasmisión es una pantalla. Este libro es un manual completo y exhaustivo que nos adentra en el diseño de motion graphics explorando el papel del diseñador y los procesos creativos que conlleva la realización de proyectos complejos. El libro presta especial atención al diseño televisivo y el branding de canales (broadcast design) y, además de aportar una valiosísima y rigurosa bibliografía sobre diseño aún escasa en castellano, incorpora el análisis de interesantes casos prácticos de proyectos de motion graphics realizados para la televisión.



Motion Graphics Design.  La dirección creativa  en branding de TV
María Cecilia Brarda. Ed. Gustavo Gili. 160 páginas. 17x24 cm. Castellano


martes, 15 de agosto de 2017

Israel Gómez Ferrera, El Irra (Sevilla, 1979) es excerrajero y dibujante de tebeos autodidacta. Estudió dibujo publicitario en la Escuela de Arte de Sevilla. Durante dos años consecutivos fue premiado por el programa Desencaja, el certamen andaluz de cómic del Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ). En el año 2001 por la historieta corta De la piedra viene el hombre y en el 2002 por El trastero leal. Al mismo tiempo, se dedicó a la realización de cortos digitales junto a Los Últimos Monos, colectivo sin afán lucrativo ni pretensión profesional. En 2004 se marchó a la Costa del Sol para desempeñar el oficio de cerrajero hasta que, en 2011, decidió abandonar esa profesión y concentrar todas sus energías en la narrativa gráfica. En 2014, publicó junto a su hermano Dabí, el cómic policíaco A y la serie de ciencia ficción F$P. Escape, mientras compaginaba su labor como ilustrador e historietista independiente. En Palos de Ciegocuenta como Jesús regresa al barrio que lo vio crecer, la Esquina del Gato, un barrio sevillano de extrarradio donde se dan cita la violencia y la lucha constante contra las adversidades de la vida. Su objetivo es reanudar su relación con Irene, su antigua novia, y comenzar un proyecto juntos. Con ayuda de Fae, su amigo de la infancia, intenta escapar de la delincuencia y la marginación, abriéndose un hueco en el mundo laboral y en la sociedad.


Palos de ciego. El Irra. Ed. Astiberri
200x280mm. 136 páginas. Castellano


viernes, 11 de agosto de 2017

David Rubín nace en 1977 en Ourense. Allí estudia diseño gráfico, en la Escuela de Arte Antonio Faílde, y poco después se lanza a trabajar tanto en el sector del cómic, como en el de la animación y la ilustración. La historia contenida en El circo del desaliento, “Donde nadie puede llegar”, fue ganadora del primer premio Castelao de Cómic de la Diputación de A Coruña en 2005. Asimismo, fue nominado en 2006 a los premios del Salón de Barcelona en la categoría de autor revelación por El circo del desaliento, categoría que ganó en los premios de La Cárcel de Papel de ese mismo año, así como el primer premio en la categoría de cómic del INJUVE por varias de las historias contenidas en este libro.
La tetería del oso malayo fue ganadora también de los premios de la Crítica 2007 en la categoría de mejor obra del año, e hizo merecedor a Rubín de quedar finalista en la primera edición del Premio Nacional del Cómic. Miembro fundador del colectivo de autores de cómic Polaqia, junto al cual edita el fanzine Barsowia, ha colaborado en multitud de publicaciones estatales como Tos, Humo, Dos Veces Breve, Bd Banda, Fanzine Enfermo, Desde el abismo o el antes mencionado Barsowia, entre otras. Marcos Prior y David Rubín plantean en Gran Hotel Abismo una sátira política con acción a raudales donde la reflexión, la emoción y la experimentación formal son elementos básicos sobre los que se sostiene un cómic a todas luces visceral. Rubín juega con la composición y tira de una rica paleta de colores para poner en imágenes un sugerente texto del catalán Prior, siempre inclinado a incidir sobre cuestiones sociales, políticas y vitales que le preocupan.


Gran Hotel Abismo. David Rubín, Marcos Prior
Ed. Astiberri. 120 páginas. 29 x 20 cm. Castellano

lunes, 7 de agosto de 2017

Mark Ovenden (Londres, 1963) es periodista, presentador de noticias, productor y experto en diseño gráfico y cartografía. Con siete años ya viajaba solo en el metro de Londres, pertrechado solamente con un mapa. Más tarde consiguió la entrada a un curso de diseño gráfico mediante la presentación de una remodelación del mapa del metro de Londres. Sus libros anteriores son grandes mapas de ferrocarriles del mundo. Es miembro de la Royal Geographic Society.
Atlas de metros del mundo es la primera y única colección de mapas históricos y actuales de todos los sistemas de transporte suburbanos existentes en la Tierra. A través de unas espléndidas imágenes y gráficos, Mark Ovenden traza la historia cartográfica de este medio de transporte, incluyendo mapas históricos, diagramas y fotografías, algunos de ellos accesibles por primera vez desde su publicación original. Este libro es una biblia para el diseñador gráfico, una colección imprescindible para los entusiastas del transporte, y un libro esencial tanto para los amantes de los viajes como para el turista de sillón. Esta edición incluye un relato de Juan José Millás sobre el metro de Madrid.

Atlas de metros del mundo. Mark Ovenden
Ed. Nordica Libros. 186 páginas. 240 x 270 mm.. Castellano

miércoles, 2 de agosto de 2017

Benjamin Lacombe estudió en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París y ha trabajado en publicidad y animación. Se dedica a ilustrar cómic y libros infantiles y juveniles. Ha publicado los álbumes Los amantes mariposa, Genealogía de una bruja y el pop-up Cuentos silenciosos.
En Frida propone una mirada íntima e introspectiva, excepcional y portentosa, a la personalidad de la genial artista y uno de los principales iconos de la cultura latinoamericana del siglo XX. Como si fuera un libro de pensamientos, Sébastien Perez alterna sus textos poéticos con extractos de los cuadernos personales de Frida que nos transmiten sus más profundas emociones, mientras que Benjamin Lacombe las plasma en ilustraciones y nos transporta a lo más hondo de su alma a través de una sucesión de páginas troqueladas. La edición minuciosa y cuidada –y ese sentimiento agridulce que produce saber que estas ediciones con despliegues de recursos gráficos solo pueden producirse en China– convierten este ejemplar en un objeto bello.


Frida. Sébastien Perez . y BenjaminLacombe
70 Páginas. 280x310 mm. Castellano

lunes, 31 de julio de 2017

Después de tres años de trabajo que se inicia en diciembre de 2013, varias portadas, decenas de páginas publicadas en revistas y un World Press Photo, el fotógrafo Carlos Spottorno y el reportero Guillermo Abril se plantean darles otra forma narrativa a las 25.000 fotos y 15 cuadernos de notas completados, para contar lo que ocurre en las fronteras de la Unión Europea.
Por las páginas de La grieta toma cuerpo un encuentro con los subsaharianos del Gurugú, el rescate de una patera frente a las costas de Libia, el éxodo de los refugiados de los Balcanes, los tanques de la OTAN frente a Bielorrusia, y los bosques árticos donde reclutas finlandeses buscan sus límites, mientras refugiados afganos y cameruneses llegan con sus maletas desde Rusia en pleno invierno.
La grieta es el diario de campo de dos reporteros que recorren la frontera desde África hasta el Ártico, con el fin de desentrañar las causas y consecuencias de la crisis de identidad de Europa. Este trabajo de Spottorno y Abril se antoja una suerte de reportaje fotografiado, un ensayo gráfico con un trasfondo geopolítico muy actual. A medio camino entre el fotolibro y la novela gráfica, en tanto que utiliza elementos de la narrativa de esta última. El resultado es un relato que no está basado en hechos reales: son hechos reales.


La grieta. Carlos Spottorno, Guillermo Abril
Ed. Astiberri. 168 páginas. 225x320mm. Castellano


viernes, 28 de julio de 2017

Enrique Flores es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Master in Arts en Diseño Gráfico en Central Saint Martins College of Art and Design de Londres. Fue director de arte de la agencia de publicidad J. Walter Thompson. Colaborador de diversas editoriales, ilustraciones en prensa (El País), ha realizado talleres y exposiciones y publicado cuadernos de viaje sobre estancias en países como India y Cuba. Ha recibido varios premios por su trabajo, entre otros uno de la Generalitat Valenciana al mejor álbum ilustrado en castellano. Es el primer ilustrador acreditado como reportero de deportes para ilustrar los partidos de baloncesto del Estudiantes. Durante la acampada del 15M realizó un diario gráfico que publicaba en su blog cada noche, y cuyo resumen fue editado por Blur Ediciones con el título Cuaderno de Sol.
Y oyes como llora el viento que trata de un niño de la calle habla durante tres noches con una trabajadora social. Sobre su vida, su dolor, su soledad. Lo hace en primera persona, con parquedad, abriéndose poco a poco. El relato apunta a una realidad, tremendamente dura, sobre la vulnerabilidad de la infancia. Una realidad sobre infancias robadas. Las ilustraciones de Flores, de trazo espontáneo y una paleta fría de colores consiguen un intimista relato gráfico que merece la pena disfrutar.


Dora Sales. Ilustraciones de Enrique Flores
44 páginas. 22,3 x 28 cm.. Castellano

martes, 25 de julio de 2017

Marc Boutavant es un ilustrador y dibujante de cómic francés de reconocido prestigio. Nacido en Dijon en 1970, estudió comunicación visual y artes decorativas. Ha publicado numerosas obras, entre las que destaca la serie de Mouk, que ha dado la vuelta al mundo como serie de animación. Zara Zarandilla es un torbellino: inquieta, curiosa y dinámica, es lo que los mayores llaman una criatura hiperactiva; no se está quieta ni en sueños. Zara no para, y hay órdenes, como, por ejemplo, Nunca hagas cosquillas a un tigre, que le resultan imposibles de cumplir. Animales, humor y acción se alían en esta divertida historia ilustrada por Boutavant que comparte la frescura de Salvaje y la personalidad rebelde de Madeline.


Nunca hagas cosquillas a un tigre. Pamela Butchart . Marc Boutavant
Libros del zorro rojo. 26,8 x 26,8 cm.. 32 páginas. Castellano

lunes, 24 de julio de 2017

Quentin Blake (Sidcup, Kent, Inglaterra, 1932) comenzó  a  dibujar  desde  muy  joven.  Estudió  en  la Universidad  de  Londres  y  en  la  Escuela  de  Arte  de Chelsea.  Durante  unos  20  años  se dedicó  a  pintar  y ejerció la docencia en la Real Escuela de Artedonde, entre 1978 y 1986,   dirigió   el   departamento   de Ilustración. Su trayectoria artística destaca por haber colaborado  con  escritores  como  Russel  Hoban,  Joan Aiken, Michael Rosen, John Yeoman y, principalmente,  Roald  Dahl.  También ha  ilustrado álbumes  clásicos  y creado personajes  propios,  como los  conocidos  Señor  Armitage  y  Míster  Magnolia. Entre  los  galardones  recibidos  en  los  últimos  años destacan   el  Premio   Whitebread,   la   Medalla   Kate Greenaway  y  el  Premio  Internacional  de  la  Feria  de Bolonia.  En  2002  recibió  el  Premio  Hans  Christian Andersen  de  Ilustración,  el  reconocimiento  al  más alto  nivel  en  el  ámbito  de  la Literatura Infantil  y Juvenil.  En  2004  fue  distinguido  por  el  Gobierno Francés como Caballero de las Artes y las Letras.
“Míster Magnolia” es un clásico de Quentin Blake, publicado en1980 y galardonado con importantes premios; un relato rimado cuyo protagonista es un simpático personaje con el que los lectores pueden enumerar, del 1 al 10, distintos elementos que le rodean. Por su ritmo acumulativo y la habilidosa traducción de Miguel Azaola, junto con la repetición de estructuras narrativas y el carácter descriptivo de las ilustraciones, “Míster Magnolia” es un álbum ideal para practicar la lectura en voz alta, facilitando la participación del público. Las imágenes resaltan sobre un fondo blanco y llaman la atención por su variado e intenso colorido, la profusión de detalles y los trazos imperfectos que enfatizan la expresividad y el dinamismo de cada escena.



Míster Magnolia. Quentin Blake. Ed. Kalandraka
22x28,5 cm.. 36 páginas. Castellano


















viernes, 21 de julio de 2017

Tras pasar por las facultades de Bellas Artes de Pontevedra y Valencia, Alberto Vázquez (A Coruña, 1980), culmina sus estudios en la escuela La Massana de Barcelona. Comenzó a implicarse con pasión en el mundo del cómic con la llegada del nuevo milenio. Desde entonces ha participado en múltiples propuestas creativas que le han llevado a ser miembro fundador del colectivo Polaqia y del Fanzine Enfermo. Los últimos años ha estado centrado en el mundo de la animación, donde ha codirigido el multipremiado cortometraje Birdboy y ha dirigido el igualmente exitoso Sangre de Unicornio.
Los niños olvidados hace un recorrido por el desarrollo gráfico de la película dirigida por Alberto Vázquez y Pedro Rivero: desde el cómic homónimo del propio Alberto Vázquez en el que se basa hasta el largometraje, pasando por el corto previo Birdboy, que obtuvo el premio Goya al mejor cortometraje de animación en 2012, este libro de arte incluye muestras del storyboard, concept art, layout, diseño de personajes y decorados, así como imágenes finales del film.
La película Psiconautas, cuyo estreno en salas comerciales está previsto tras la celebración del los premios Goya que se concederán el 4 de febrero de 2017, es una coproducción entre la productora gallega Zircozine y la bilbaína Basque Films. Se ha exhibido internacionalmente con gran acogida en festivales tan prestigiosos como el de Annecy, Stuttgart, San Sebastián o Fantasía (Montreal), ha ganado ya una docena de premios y ha sido nominada a la mejor película europea de animación de la Academia Europea de Cine.


Psiconautas. Los niños olvidados. Art Book. Alberto Vázquez
Ed. Astiberri. 170x245mm. 64 páginas. Castellano


martes, 18 de julio de 2017

El “Atlas global” es un ensayo en imágenes, concebido por un equipo de veintiséis historiadores y geógrafos  de renombre. Por medio de sesenta mapas e infografías inéditas, nos cuentan cómo Occidente se ha visto (a veces sin razón) en el centro del mundo y por qué al iniciarse el siglo XXI se hace necesario poner al día los mapas del poder. De esa manera surge ante nuestros ojos un mundo diferente, fuertemente desoccidentalizado. La belleza, la felicidad, las cárceles, los residuos, los virus, los hábitos alimenticios, la vejez, el clima..., todo se puede cartografiar.


Atlas global. Gilles Fumey; Christian Grataloup
Páginas: 152. Ed. Cátedra. Castellano


lunes, 17 de julio de 2017

Maurice Sendak desde 1951 realizó más de 90 libros infantiles, una prestigiosa trayectoria por la que recibió en 1970 el Premio Andersen, y el Premio Laura Ingalls Wilder en 1983. En 1996 el Gobierno de los Estados Unidos le entregó la Medalla Nacional de las Artes y en 2003 le concedieron el Premio Internacional Astrid Lindgren de Literatura Infantil, junto con la autora austriaca Christine Nöstlinger. Hijo de inmigrantes judíos de origen polaco, consiguió su primer empleo como ilustrador para All America Comics, y en 1951 comenzó a trabajar como ilustrador para la editorial Harper and Brothers. Impulsó una auténtica revolución en el panorama literario infantil por las ideas, la forma y el contenido de sus libros. Publicado por primera vez en 1956, La ventana de Kenny fue el primer libro de Maurice Sendak como autor e ilustrador del texto y las ilustraciones. Un delicioso relato literario, lleno de lirismo y sensibilidad, con tiernos diálogos donde los lectores son partícipes de los profundos pensamientos del protagonista. La delicadeza de los trazos, la suavidad de los colores, el componente mágico y fantástico de los personajes representados conforman el universo gráfico de esta obra. Se trata del libro con más calado filosófico en la bibliografía de Sendak, en el que explora el territorio de los sueños, las dudas existenciales y la fantasía. En “La ventana de Kenny” aflora el yo íntimo del autor, su preocupación por la soledad y el afecto, el imaginario infantil y las expectativas sobre la experiencia vital.



La ventana de Kenny. Maurice Sendak. Ed. Kalandraka
64 páginas. 19 x 23 cm. Castellano



viernes, 14 de julio de 2017

Howard Cruse (Springville, Alabama, 1944), creador de Barefootz y Wendel, fundador de la revista Gay Comix, es hijo de un predicador de Alabama y entre sus primeras colaboraciones se cuenta The Baptist Student, que realizaba estando todavía en el instituto. Desde entonces, sus cómics e ilustraciones han aparecido en docenas de revistas nacionales, cómics underground y antologías, además de en varias recopilaciones de sus obras. Desde 1979 comparte su vida en Nueva York con el editor y activista político Ed Sedarbaum.
Stuck Rubber Baby transcurre durante los años 60 en el sur de los Estados Unidos, cuando Kennedy era presidente, las luchas por los derechos civiles estaban en su apogeo y la discriminación estaba a la orden del día. El protagonista de esta historia parcialmente autobiográfica es Toland Polk, un joven blanco sin rumbo rodeado por la olla a presión del racismo y la segregación que, por si fuera poco, es gay, aunque se niegue a admitírselo incluso a sí mismo. A través de su encuentro con todo tipo de gente, Toland se verá obligado a asumir quién es él realmente y el mundo en el que vive. Entre los numerosos galardones y nominaciones que ha ganado, destacan los premios Eisner y Harvey de 1996 a la mejor novela gráfica, el de la crítica del festival de Angoulême y el de mejor novela gráfica en los premios Comic Art del Reino Unido.


Stuck Rubber Baby. Mundos diferentes. Ed. Astiberri. 
Howard Cruse. 232 páginas. 17 x 24 cm. Castellano


miércoles, 12 de julio de 2017

Este libro recoge tres conversaciones entre el diseñador Milton Glaser y el editor Peter Mayer que fueron publicadas originalmente en inglés en tres libros distintos dedicados a la obra del diseñador. Tres momentos puntuales (1973, 2000 y 2008) a lo largo de un lapso de tiempo dilatado, en los que Glaser y Mayer reflexionan sobre toda una serie de cuestiones que tienen que ver con el diseño y el arte, como trabajo y como parte de la vida. Se habla de temas generales como el papel del diseño en su contexto social, el código deontológico (no escrito) del diseñador, de lo que constituye su dignidad, y de la relación entre creatividad y trabajo; se habla de la relación y la distancia entre diseño y arte y de la relación entre arte y vida, de la importancia o no de tener un estilo, de las relaciones con los clientes… Y se habla, por supuesto, de la obra de Glaser, de los trabajos más icónicos del diseñador, y de la centralidad del dibujo en su práctica y el profundo peso en sus referentes de pintores clásicos como Piero della Francesca.

Conversaciones con Peter Mayer. Milton Glaser
Ed. Gustavo Gili. 13 x 20 cm. 80 páginas. Castellano

martes, 11 de julio de 2017

El ilustrador y autor francés Alain Gree nació en 1936 en Eaubonne cerca de París. Estudió en París en la “Escuela de Artes Aplicadas” y en las “Beaux Arts de Paris”. Es autor de tres novelas policiacas (ediciones “La Chouette”) y ha producido emisiones infantiles en la televisión nacional francesa durante dos años. Como autor e ilustrador de libros infantiles, Alain Grée publicó más de 300 libros para varios editores (Casterman, Hachette, etc.), la mayoría en los años sesenta y setenta. Sus libros fueron traducidos alrededor del mundo en 25 idiomas diferentes. También trabajó como ilustrador para las revistas “Pomme d’Api” y “Journal de Babar”.  Fue periodista de la revista “Voiles et Voiliers” durante 20 años y actualmente trabaja como diseñador gráfico y editor de publicaciones publicitarias.
Este volumen recoge ilustraciones seleccionadas principalmente de su trabajo durante los años 1960 y 1970. Más de 200 obras, algunas de las cuales sólo están disponibles en la actualidad en los libros antiguos del autor. Además, se incluyen pinturas originales, bocetos y entrevistas con Grée.


Alain Grée: Works by the French Illustrator from the 1960s-70s
Ed. PIE Books. Alain Grée. 257×182mm. 224  páginas


viernes, 7 de julio de 2017

Alfonso Azpiri (Madrid, 1947) nace en el seno de una familia de músicos. A los 25 años colabora por primera vez en el mundo editorial con la revista Trinca, en la que salen las series Dos fugitivos en Malasia y Alpha Cosmos. Tras su cierre, los años siguientes trabaja en algunas revistas eróticas italianas. Fruto de esa experiencia, nace en 1979 en las páginas de Mastia su personaje femenino más conocido: Lorna. Al igual que otros de sus cómics, Lorna se ha publicado internacionalmente en revistas como Penthouse o a través de Heavy Metal. En el año 1988 comienza la publicación de Mot en El Pequeño País. Las aventuras de este monstruo creado junto a Ignacio Moreno (Nacho) continuarían durante cuatro años, y fueron recogidas luego en cinco libros recopilatorios. Unos años después también salió el cómic infantil El Bosque de Lump en el mismo medio. Otras obras suyas son Sueños Húmedos –premio al Mejor Cómic Erótico del Saló del Còmic de Barcelona 2000–, Sensations, Despertares, Demon Wind, Cementerio Estelar –con el guión de Carlos Giménez–, Coxas de Miedo o El Fantasma de Palacio. Además, sus obras han aparecido en revistas míticas como Cimoc, 1984 o Zona 84. También publica adapataciones de clásicos de la literatura en colaboración con Forges. Aparte de sus publicaciones en revistas, su inquietud le lleva en la década de 1980 por otros caminos como la informática, haciendo doscientas carátulas para juegos y programas de ordenador de varias compañías contemporáneas de software españolas (Dinamic Multimedia, Topo Soft y Opera Soft, entre otras) entre ellos dos de sus más famosos personajes: Lorna y Mot. También se involucra en el cine, realizando story-boards, diseños de personajes, escenarios, etc.
Esta obra es una selección exclusiva de sus mejores trabajos para el mundo del cine. Se podrá encontrar carteles para festivales y películas, bocetos de personajes, storyboards... Víctor Matellano (director de cine y teatro), Julio Peces (director de la Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol), Miguel Ángel Vivas (director de cine) y el propio Alfonso Azpiri riegan este espléndido bestiario con sus excelentes prólogos. Porque eso es, exactamente, lo que es Azpiri y el cine, una magnífica recopilación de monstruos y más monstruos creados por los incansables e increíbles pinceles del gran Alfonso Azpiri.


Azpiri y el cine. Alfonso Azpiri
Ed. Dibbuks. 144 págs.. 22 x 29,5 cm. Castellano





martes, 4 de julio de 2017

La obra de este personal cineasta, profundamente enamorado del cine fantástico, bascula entre el compromiso con su propia concepción del género –véanse Cronos (1993) o las coproducciones con España El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del Fauno (2006), con la que ganó tres premios Oscar– y la relativa concesión a los estándares del cine made in Hollywood –Mimic (1997), Blade II (2002), Pacific Rim (2013)–, todo sin que falten puntos medios entre ambos extremos, como las dos películas dedicadas al personaje de Hellboy o La cumbre escarlata (2015), su última película hasta la fecha.
La coherencia artística de Guillermo del Toro descansa en la asunción de lo gótico como un leitmotiv irrenunciable, a cuyo servicio sabe poner toda su imaginería: la tienda de un anticuario mexicano, las alcantarillas de Nueva York, la bodega de un colegio para niños huérfanos y abandonados, las callejuelas oscuras de Praga, localizaciones de la posguerra española o el cuartel general de unos robots gigantes se transforman, en sus manos, en escenarios húmedos, decadentes, oscuros y amenazadores.
En este libro, profusamente ilustrado con material exclusivo cedido por Del Toro, se analiza toda su filmografía y se incluye una extensa entrevista en la que el director repasa sus referentes artísticos, sus inicios en la industria y las anécdotas que rodean a sus películas, así como su lucha constante por sacar nuevos proyectos a la luz.
Se incluye como anexo final una biografía de Lucille Sharpe (personaje de La cumbre escarlata), escrita por Guillermo del Toro y publicada por primera vez en castellano en este volumen.

Las fábulas mecánicas. . Guillermo del Toro
Juan A. Pedrero Santos (Coord.). Calamar Ediciones
16 x24 cm. 248 páginas. Castellano


miércoles, 28 de junio de 2017

Cada semana amontonamos nuestra basura delante de la puerta y desaparece... ¡por arte de magia! La realidad es muy distinta, por supuesto. Basura, la obra de Derf Backderf que sigue a su obra de referencia, Mi amigo Dahmer (Astiberri, 2014), la historia del asesino en serie conocido como El carnicero de Milwaukee, es una oda al trabajo más sucio de todos: basurero. Cualquiera que se haya visto alguna vez atrapado en un trabajo deprimente se sentirá identificado con esta historia.
Basura sigue las estridentes peripecias de tres amigos de veintitantos años que limpian las calles de montones de malolientes detritus, al mismo tiempo que sufren a los insoportables burócratas de una ciudad pequeña, sus extravagantes vecinos, el asfixiante calor del verano y las gélidas tormentas de invierno. Basura es una ficción, pero está inspirada en las propias experiencias de Derf como basurero.
Entrelazadas con esta epopeya cómica de cubos apestosos y bolsas que explotan, se encuentran páginas de no ficción que detallan cuáles son nuestros desechos y a dónde van. La realidad es asombrosa. Así que suban al camión de la basura llamado Betty y emprendan con Derf un viaje al mundo secreto e inmenso de los desperdicios.

Basura. Ed. Astiberri. Derf Backderf
240 páginas. . 16 x 24 cm. Castellano

viernes, 23 de junio de 2017

Antonio Hitos (Huelva, 1985) se inicia en los cómics a finales de los años 90 con el fanzine onubense muCHOCOmi. A los 18 años se traslada a Sevilla para licenciarse en Comunicación Audiovisual, y desde allí comienza a colaborar con otros fanzines. Poco después pasa a publicar en la revista El Víbora hasta su cierre en 2004. Inercia, su primera novela gráfica, recibió en 2013 el VII Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Salamandra Graphic, y le valió nominaciones a mejor obra y autor revelación en los salones del cómic de Madrid y Barcelona en 2015. Actualmente reside en Barcelona.
Materia es la historia de una invasión alienígena silenciosa y ordenada, que en su extrañeza revela los mecanismos mentales que dan lugar a las ideas. Un apático estudiante de física cuántica, el padre de una estrella mediática venida a menos y un grafitero en el margen entre el arte y el vandalismo se verán sacudidos por la disrupción extraterrestre, que transformará sus vidas y arrojará algo de luz sobre las tres piezas del puzle que es el intelecto humano: Ciencia, Ética y Estética. Hay vida en otros planetas, y saben cómo terminan los conflictos infinitos de nuestra cabeza.


Materia. Antonio Hitos. Ed. Astiberri
112 páginas. 17 x 23 cm. Castellano


martes, 20 de junio de 2017

Isabelle Arsenault es una prolífica ilustradora de literatura infantil. Su trabajo le ha valido numerosos reconocimientos, entre ellos, un Prix du Gouverneur général, la distinción literaria más prestigiosa de Canadá. Ha publicado dos libros infantiles con Kyo Maclear en La Pastèque: Fourchon y Virginia Woolf. Jane, el zorro y yo es su primera novela gráfica.
Montreal, finales de los años ochenta del siglo pasado. Hélène es una muchacha de doce años que inexplicablemente ha sido dejada de lado por sus antiguas amigas, que ahora se divierten humillándola en público. El día a día de la protagonista es un infierno y su autoestima se resiente hasta el punto de que llega a asumir como ciertos los insultos recibidos. No quiere recurrir a la ayuda y comprensión de su madre, porque la vida de ésta no es mucho mejor: siempre al borde del colapso por agotamiento, mantiene ella sola a Hélène y sus dos hermanos. El único consuelo de Hélène es la lectura de Jane Eyre, la novela de Charlotte Brontë, con cuya desgraciada protagonista se siente identificada. Jane, el zorro & yo es una novela gráfica en la que se abordan temas como el paso de la infancia a la edad adulta, el acoso escolar, los problemas derivados de la baja autoestima y la capacidad del arte en general y la literatura en particular para convertirse en tablas de salvación.

Jane, el zorro & yo. Fanny Britt / Isabelle Arsenault
Ed. Salamandra. 22x29 mm. 102 páginas. Castellano