miércoles, 26 de diciembre de 2018

Hablar de los hábitos de consumo de alcohol y tabaco de los estadounidenses es contar una historia de cien años de publicidad destinada a seducirlos para que se entregaran a estos vicios deliciosos. Este catálogo de anuncios muestra las numerosas y extensas campañas y tendencias a la hora de beber y fumar en Estados Unidos que, para bien o para mal, exploran un capítulo vibrante de la historia de la publicidad. El alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que darse grandes festines visuales. En este compendio de anuncios se explora cómo la representación de estos productos se movía entre la elegancia y la excentricidad, y se descubre cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran. Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan con imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como El Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.

20th Century Alcohol & Tobacco Ads
Steven Heller y Jim Heimann. Ed. Taschen
392 páginas. 23,8 x 30,2 cm. Varios idiomas

miércoles, 12 de septiembre de 2018

Este manual básico recupera los principios y técnicas del dibujo artesanal de letras para darlos a conocer entre los estudiantes  y cualquier aficionado a la belleza de este arte. Desde qué es el lettering y en qué se diferencia de la tipografía y la caligrafía, pasando por los principios de composición y los recursos ornamentales más recurrentes hasta los estilos artísticos o el proceso de diseño. Este libro revela los secretos necesarios para sumergirse en la técnica y la práctica del dibujo de letras hechas a mano. Esta edición tiene además un entrañable prólogo de Ricardo Rousselot.

Los grandes secretos del lettering
Dibujar letras: desde el boceto al arte final
Martina Flor. Ed. Gustavo Gili. 21 x 24cm.. 168 páginas. Castellano

miércoles, 29 de agosto de 2018

Paco Roca (Valencia, 1969) comenzó a realizar trabajos de publicidad y acabó montando un estudio de ilustración en su ciudad natal. Pronto empezaría a compaginar los trabajos con los que se ganaba el sustento con la creación de relatos de cómic.
Autor prolífico, cuenta entre sus obras con El Faro, Arrugas –por la que recibió el Premio Nacional del Cómic en 2008, los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2008 y el Goya al mejor guión en 2012 de la versión al cine dirigida por Ignacio Ferreras, que también se llevó la estatuilla a la mejor película de animación–, Las calles de arena, Emotional World Tour, El invierno del dibujante, –obra merecedora de los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2011–, Memorias de un hombre en pijama, –nominada a mejor obra nacional en la edición de 2012 de la citada feria de Barcelona, serie de la que ha publicado también Andanzas de un hombre en pijama y sobre la que está dirigiendo un largometraje de animación–. Después de ilustrar La metamorfosis, de Franz Kafka, le dio forma definitiva a El juego lúgubre. Con Los surcos del azar y ya en 2015 con La casa, una obra intimista en torno a la figura del padre desaparecido, Paco Roca ha demostrado situarse como un autor de primer nivel internacional. Por último, completa la trilogía “pijamera” con Confesiones de un hombre en pijama, una serie de la que se está preparando una película de animación que se estrenará en la primavera de 2018.
Dice Paco que hace cómics para aprender, y de ahí surge esta obra, de su interés por el mundo de la música. Desde hace cuatro años y medio, el dibujante valenciano y José Manuel Casañ, alma máter de la banda Seguridad Social, han estado charlando sobre la música, la creación, el mercado discográfico, el universo de los cómics... El libro-disco La encrucijada es, por una parte, la puesta en viñetas de todas esas conversaciones, en las que Paco Roca intenta comprender por qué creamos y cómo se puede llegar a vivir de ello dentro de una industria, y, por otra, empleando registros gráficos distintos, la plasmación en el lenguaje del cómic de las canciones que componen el último disco inédito de Seguridad Social, con las que se hace un repaso por los géneros que a lo largo de sus treinta años como grupo ha fusionado con el punk y el rock.


La encrucijada. Paco Roca, Jose Manuel Casañ
Ed. Astiberri. 168 páginas. Color 17 x 24 cm.


miércoles, 22 de agosto de 2018

Emi Lenox es una dibujante que vive en Portland (Oregón). Comenzó su carrera haciendo prácticas en Top Shelf y Periscope Studio. Es conocida por el webcomic autobiográfico EmiTown, recopilado en dos tomos por Image. Su trabajo también puede verse en obras de otros creadores como Sweet Tooth, Nowhere Men y Madman, entre otros.
Plutonia lleva a los lectores a un viaje a través del lado oscuro de la adolescencia, explorando las relaciones abusivas, el acoso, el amor y el significado de hacerse adulto. Una historia amarga, conmovedora y profunda narrada con la maestría de J. Lemire, uno de los guionistas estadounidenses más importantes del momento. Los derechos cinematográficos de Plutona han sido adquiridos por Waypoint Entertainment.


Plutona. Jeff Lemire, Emi Lenox. Ed. Astiberri
152 páginas. Color. Cartoné. 17 x 26 cm. Castellano

miércoles, 8 de agosto de 2018

Ana Penyas se diplomó en Diseño Industrial y se graduó en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de Valencia. Ha realizado exposiciones individuales en Estudio 64 (Valencia, 2016) y en la O! Galería (Lisboa, 2015), y ha participado en varias exposiciones colectivas, como Refugio Ilustrado (Valencia, 2016) y AnArco (Valencia, 2016). Ha publicado con la editorial Mil razones, Libros del K.O., la web cultural MipetitMadrid, elHype y la revista Bostezo, y es ilustradora en la revista Pikara Magazine. En la actualidad está desarrollando dos álbumes ilustrados para la nueva editorial Cocoyoc. También ha colaborado en el fanzine valenciano Arròs negre, el proyecto sonográfico Hits With Tits o la plataforma CIES NO. En Estamos todas bien afronta un biopic de sus dos abuelas donde un lío aparentemente trivial toma protagonismo. Su ilustración minuciosa, apoyada en el bitono y la incorporación de elementos y texturas traídos, crea un sugerente espacio visual nada condescendiente que refuerza el carácter de realismo social de esta obra.

Estamos todas bien. Ana Penyas
Ed. Salamandra. 112 páginas. 24,5 x 24,5 cm.. Castellano

miércoles, 25 de julio de 2018

Rubén Pellejero nació en Badalona en 1952. Publica por primera vez a través de la revista Cimoc. Poco después crea junto con Jorge Zentner para la revista Cairo el personaje Dieter Lumpen (1985). Sus obras han sido premiadas en diversos festivales de cómic de Francia, pero cabe destacar El silencio de Malka, con guión de Jorge Zentner, que obtuvo el premio Alph-Art a la mejor obra extranjera publicada en francés en el festival de Angoulême de 1997. Más tarde inicia una nueva etapa de trabajo junto al guionista belga Denis Lapière, con quien publica Un poco de humo azul, El vals del gulag  y Un verano insolente. Realiza En carne viva con guión de Frank Giroud y Florent Germaine, y el western Lobo de Lluvia, con Jean Dufaux. También es el autor de Cromáticas, junto con Jorge Zentner, y es el actual dibujante de Corto Maltés, con guión de Juan Díaz Canales. En El largo y tortuoso camino se embarca junto al guionista francés Christopher en una road movie con una banda sonora rockera de fondo, donde el protagonista, flanqueado de tres viejos gamberros, amigos de su padre, irá descubriendo quién era esa persona autoritaria con la que apenas tenía relación y, sobre todo, se irá conociendo a sí mismo. Christopher comenta: “el álbum es una especie de versión de La odisea de Homero del siglo XXI. Cuenta el camino de un hombre perdido en su crisis de los cuarenta años y que busca a su padre, con una parte autobiográfica. Cuando un ser querido desaparece y, con él, toda su historia, uno se siente huérfano. Es ese sentimiento de frustración lo que quería plasmar”. 


El largo y tortuoso camino. Christopher, Rubén Pellejero
Ed. Astiberri. 184 páginas. 21 x 29 cm. Castellano

miércoles, 18 de julio de 2018

Emma Ríos (Vilagarcía de Arousa, 1976) es una autora que se forma a medio camino entre la arquitectura y la autoedición hasta que consigue dedicarse profesionalmente a la historieta en 2007. Ha realizado trabajos de encargo para varias editoriales americanas, destacando Marvel Entertainment, donde trabaja regularmente durante cuatro años hasta que consigue volver al cómic de autor en 2014 de la mano de Image y en colaboración con Kelly Sue DeConnick con Bella Muerte. Hwei Lim (Kuala Lumpur, 1982) es una artista malaya conocida por su elegante y suave trazo, y sus dinámicos colores. Su primer cómic publicado fue la historia corta Simple Love como parte de la antología Love, Sweat & Tears en 2002, a la que seguiría Absent en 2003. Ha expuesto en numerosas galerías de arte en el mundo, dibuja ilustraciones para literatura juvenil y libros para niños (Spirit of the Sea, Dragonheart). Emma y Hwei proponen esta primera entrega de su serie sobre los alquimistas de la Sincronía y los animales conscientes de la colonia de Irzah, que explora el concepto de humanidad. Parcialmente inspirada en Oda a Kirihito, de Osamu Tezuka, y La isla del Dr. Moreau, de H. G. Wells, Mirror es una historia sobre la identidad, la aceptación y la libertad de elegir.

Mirror 1. El reflejo de la montaña. Emma Ríos, Hwei Lim
Ed. Astiberri. 176 páginas. 16 x 25 cm. Castellano

miércoles, 11 de julio de 2018

A través del tiempo y el espacio, los motivos e imágenes de lo decadente se representan repetidamente en literatura, bellas artes, música y otras formas de arte. Este libro presenta numerosas obras de arte que abarcan desde el siglo XIX hasta el surrealismo, incluyendo ilustradores europeos como Odilon Redon, Gustav Klimt, Gustave Moreau, Aubrey Vincent Beardsley y muchos más. Cada capítulo agrupa piezas por categoría estilística o movimiento artístico: Hermandad Prerrafaelita, Simbolismo en Francia, Alemania y Bélgica; Secesión de Wiener; Art Nouveau y Art Deco; Erotismo; ilustradores de libros; Artistas surrealistas, etc. Esta colección también explora el tema de la femme fatale a través de representaciones de sirenas, sirenas y brujas, así como personajes de la mitología griega, obras literarias modernas, etc. Aproximadamente 370 grandes obras de arte se presentan en un diseño elegante diseñado por Reiko Harajo, el renombrado diseñador de libros.

The Art of Decadence: European Fantasy Art of the Fin-de-Siècle. Hiroshi Unnno
Ed. PIE Books. 400 páginas. 25,7×18,6 cm. japonés , Inglés

miércoles, 4 de julio de 2018

Sin abandonar nunca el ánimo renovador de títulos como El hombre que se dejó crecer la barba (2012) o Mowgli en el espejo (2014), Olivier Schrauwen inicia aquí la más audaz y personal de sus obras para narrar la odisea de su abuelo Arsène en las postrimerías del Imperio colonial belga. Relato iniciático, con reminiscencias de clásicos como El corazón de las tinieblas y Viaje al fin de la noche, Arsène Schrauwen es un tebeo en trance que alterna personajes turbadores, noches tropicales y estaciones lluviosas con el fondo alucinado del descubrimiento del amor. Restando por primera vez primacía a lo gráfico en favor de lo literario, Schrauwen no solo entrega aquí su trabajo más accesible, también el más conmovedor y fascinante.


Arsène Schrauwen I. Olivier Schrauwen
Ed. Fulgencio Pimentel. 21 x 26,5 cm. Castellano

miércoles, 27 de junio de 2018

Flavita Banana se define a sí misma como viñetista, ilustradora y dibujante, de Barcelona y nacida en 1987. Nunca ha dejado de dibujar, y la prueba de ello es que publica diariamente en Instagram, ha colaborado en medios como Smoda, El Salto, Orgullo y Satisfacción o Mongolia, ilustrado el libro #Curvy escrito por Covadonga D’lom (Lumen, 2016) y publicado Las cosas del querer (Lumen, 2017). Poseedora de un trazo rotundo e inconfundible y una gran habilidad para retratar las alegrías y miserias del género humano, Flavita Banana lleva varios años haciéndonos llegar sus viñetas a través de las redes sociales y colaborando con medios como Smoda, Orgullo y Satisfacción o Mongolia. En Archivos Estelares recopila por primera vez sus viñetas más populares, a lo largo de un volumen de más de 200 páginas. De ella ha escrito Miguel Gallardo “poca gente sabe mezclar amor y humor de una forma tan enrevesada y directa; y a pesar de todo el cinismo que destila, deja ver un corazón así de grande, que se encariña con esas mujeres de pelo alborotado y esos hombres atónitos”.

Archivos estelares. Flavita Banana
Ed. Astiberri. 208 páginas 21 x 21,5 cm. Castellano

miércoles, 20 de junio de 2018

Hardcore maternity narra las aventuras y desventuras de un grupo de madres en Nueva York. Pero no son precisamente historias de mamás preocupadas por qué cremita de pañal irrita menos el culo de su hijo o por cuál de todas las papillas del mercado es la más saludable, sino más bien una panda de mamás desenfadadas, mordaces y, a ratos, un poco caóticas, que hacen malabares para encontrar un espacio en el que ser mujer, individuo y madre sean opciones vitales compatibles.


Hardcore Maternity. Marga Castaño y Esther de la Rosa
Ed. Lumen. 160 páginas. 21 x 21 cm. Castellano


miércoles, 13 de junio de 2018

The Marvel Age of Comics 1961–1978 nos traslada al corazón de esta etapa fundamental en la historia del cómic, una era de personajes carismáticos e innovación narrativa que reinventó el género de los superhéroes. Con cientos de imágenes e información exclusiva, el libro se remonta al nacimiento de estos defensores del bien que poseían poderes tan épicos como sus adversarios, a quienes combatían en un mundo que los lectores reconocían como propio; se trataba de héroes creíbles con los mismos problemas, dificultades y defectos que la gente corriente. En la década de 1970, vemos cómo la Casa de las Ideas elevó también el terror, la espada y brujería y las artes marciales a su panteón de semidioses titánicos, presentando personajes icónicos como el Hombre Cosa, Conan y Shang Chi, demostrando que su estilo de narrativa podía triunfar y prosperar más allá de las capas y los leotardos.

La Era Marvel de los cómics 1961–1978. Roy Thomas
Ed. Taschen . 24x33 cm. 400 páginas. Castellano

miércoles, 6 de junio de 2018

Pierre-Henry Gomont (1978, Boulogne-Billancourt, Francia), publica en 2011 su primer cómic Kirkenes, y a continuación Catalyse. También es el autor de Crématorium (2012), con guión de Eric Borg, de Rouge Karma (2014), en colaboración con Eddy Simon, y de Les nuits de Saturne (2015). En Sostiene Pereira, Gomont adapta al cómic la novela del escritor italiano Antonio Tabucchi, publicada en 1994, en parte como metáfora del auge de Berlusconi en Italia. El dibujante francés confiesa que lo que le llamó la atención de esta obra es que “se trata de una novela cerebral, nada visual, que dejaba el campo libre para el dibujo. La leí cuatro o cinco veces, la cerré y empecé a trabajar, para quedarme con su esencia. Elegí como telón de fondo el café Lisboa donde Fernando Pessoa iba a menudo, ya que él era la figura tutelar de Tabucchi, quien lo tradujo en Italia”. Gomont consigue marcar gráficamente el contraste entre la atmósfera cálida de Lisboa, sus bellos azulejos, y la dictadura que se está instalando de manera implacable. También se vale de un recurso original y sorprendente para trasladar visualmente la teoría de las almas desarrollada en el relato de Tabucchi, según la cual múltiples almas luchan en la conciencia de cada uno y determinan las decisiones de cada individuo: hace brotar pequeños avatares de Pereira que comentan y cuestionan sus actos constantemente, para reflejar sus dudas y su profundo cambio hacia el compromiso y la militancia por la libertad.


Sostiene Pereira. Pierre-Henry Gomont
Ed. Astiberri. 160 páginas. 22 x 29 cm. Castellano

jueves, 31 de mayo de 2018

La historia de la fotografía española ha construido en las últimas cuatro décadas su propio marco de acción conceptual y metodológico, que mezcla el modelo de las historias generales con las respuestas específicas de carácter nacional y las particularidades de signo regional o local. Tras superar las lagunas historiográficas iniciales, a la nueva historia de la fotografía le compete, sobre todo, el estudio y la revisión de las fuentes y los métodos usados, actualizando enfoques, proponiendo nuevos ámbitos de debate y abriendo otras vías de análisis histórico de la fotografía como fenómeno social y cultural. Además de su función de suma y síntesis de los aspectos más significativos de la fotografía en nuestro país, ordenados a partir de una estructura cronológica que permita visualizar mejor el rastro secuencial de determinados planteamientos e ideas, “Fotografía en España (1839-2015): historia, tendencias, estéticas” propone un recorrido por los principales argumentos y discursos estéticos que han definido el desarrollo y la evolución de la fotografía española, desde sus orígenes hasta la actualidad, intentando desvelar, profundizar e interpretar los diferentes rumbos artísticos, las grandes corrientes de opinión y las estrategias críticas que, conectadas o no con los derroteros de la fotografía internacional, se han sucedido a lo largo del tiempo.

Fotografía en España (1839-2015)
Carmelo Vega. Ed. Cátedra. 912 páginas
19 x 23,5 cm. Castellano

miércoles, 30 de mayo de 2018

Made in North Korea descubre la fascinante y sorprendentemente bella cultura gráfica de Corea del Norte, desde el packaging hasta los folletos del hotel, las etiquetas de equipaje y las entradas para los juegos masivos de fama mundial. Desde su base en Beijing, Bonner ha estado realizando giras por Corea del Norte durante más de veinte años, y durante el camino ha coleccionado todo tipo de elementos efímeros gráficos. Ha acumulado miles de artículos que, como colección, proporcionan una visión extraordinaria y rara de una producción gráfica controlada por el estado de Corea del Norte, que nos invita a suponer algo más sobre las vidas de los norcoreanos de a pie. Con más de quinientas imágenes reproducidas, se trata de un libro imprescindible para curiosos de la gráfica y obsesionados por el diseño bizarro.

Made in North Korea. Graphics From Everyday Life in the DPRK
Nicholas Bonner. Ed. Phaidon. 240 páginas. 27 x 20,5 cm. Inglés

miércoles, 16 de mayo de 2018

Rebecca Roke se inspira en su formación arquitectónica y en sus amplias investigaciones y experiencia como escritora para exponer ideas sobre arquitectura y sobre la obra de profesionales destacados. Como directora de la revista Monument y corresponsal en Londres de Inside Interior Review escribió acerca del trabajo de diseñadores y arquitectos de todo el mundo. Rebecca, en su día editora de Foster + Partners en Londres, también es autora de Nanotecture y codirectora de la asesoría Corvo. En este extraño libro –que genera cierta fascinación– muestra cómo el ser humano se las apaña para crear diseños estables que puedan rodar, desdoblarse, saltar, deslizarse en trineo, flotar sobre el agua... Esta colección, de más de 250 imágenes, no se limita a tipologías icónicas como las tiendas de campaña y las caravanas, sino que ofrece una enorme variedad de estructuras móviles diseñadas para desiertos, océanos, playas, montañas y ciudades, lo cual pone de relieve una unión entre arte y movilidad. Mientras que unos proyectos recurren a la libertad para experimentar con materiales, tamaños, colores y conceptos de diseño, otros arrojan luz de manera más emotiva sobre la importancia del diseño de estructuras móviles. Movitectura también incluye diseños que ayudan a los refugiados que huyen de las zonas de conflicto, a los emigrantes económicos que esperan labrarse una vida mejor en otro lugar, a la migración medioambiental debida a causas naturales y a los sin hogar.

Movitectura: Arquitectura móvil. Rebecca Roke
Ed. Phaidon. 318 páginas. 13 x 19 cm. Castellano

miércoles, 9 de mayo de 2018

La cuidadísima edición de este recopilatorio del ingente trabajo de José María Cruz Novillo en el ámbito de la identidad visual debería hacer reflexionar a algunos. Que se publique en Gran Bretaña y en inglés, también. Más allá, este libro es imprescindible para analizar su trabajo en conjunto, y entender que aunque trabaje muchas veces con la sencillez de geometrías y el contraste plano, en realidad sus marcas están diseñadas en su cabeza en el espacio tridimensional, como si la síntesis viniera después. Posiblemente no existe en nuestro diseño un maestro tan coherente en su trayectoria, tan poco alejado de sus principios, y sin embargo aun se le debe un reconocimiento desde las instituciones. Sí, ya sabemos que recibió el honorífico Premio Nacional… pero es anecdótico: sigue siendo un desconocido cuando su impacto visual en la memoria de las personas en este país es mucho mayor que el de cualquier artista contemporáneo, el de cualquier cineasta, y el de cualquier diseñador de moda. ¿Alguien puede imaginar que en Estados Unidos nadie conociera a Milton Glasser? Pues pregunten a sus vecinos quién es Pepe Cruz Novillo.


Cruz Novillo. Logos. Ed. Counter-Print
368 páginas. 20,5 x 21 cm. Inglés
Riad Sattouf (París, 1978) ha publicado Pascal Brutal, que obtuvo el Fauve d’Or en Angulema 2010, y Manual del pajillero. Entre 2004 y 2014 colaboró con Charlie Hebdo con la tira La vida secreta de los jóvenes. También ha colaborado con Télérama y, actualmente, con Le Nouvel Observateur. Asimismo, ha dirigido dos largometrajes, Les beaux gosses (2009), que ganó el Premio César a la mejor ópera prima de ese año, y Jacky au royaume des filles (2014), para el que también compuso la banda sonora. Con el Fauve d’Or 2015, otorgado a El árabe del futuro, Riad Sattouf se ha consagrado definitivamente como uno de los grandes autores de novela gráfica francesa. En esta tercera entrega de la serie, Sattouf se centra en los años del 1985 al 1987 y en los deseos de su madre de volver a Francia y abandonar Ter Maaleh.


El árabe del futuro, vol. III. Riad Sattouf
Ed. Salamandra. 152 páginas. Castellano, catalán

miércoles, 2 de mayo de 2018

Desde la legendaria serie de cómic Tank Girl (La chica del tanque) hasta las animaciones de la banda musical virtual Gorillaz, pasando por incursiones en la ópera contemporánea china y una exposición en la Saatchi Gallery de Londres, el artista, compositor y diseñador Jamie Hewlett es una de las figuras más prolíficas y eruditas de la cultura pop contemporánea.
Con influencias tan diversas como el hip hop y las películas de zombis, Hewlett se dio a conocer a mediados de la década de 1990 como cocreador de Tank Girl, una serie de cómic que destiló el espíritu de una época. Con su compañero de piso Damon Albarn creó el singular grupo musical Gorillaz, una banda de pop virtual formada por cuatro personajes de dibujos animados para la que Hewlett y Albarn grabaron cinco álbumes, organizaron impresionantes espectáculos en directo y dieron forma a composiciones musicales de premio.
Desde entonces, Hewlett ha seguido colaborando con Albarn en proyectos como la exquisita y elaborada puesta en escena de la novela china Monkey: Journey to the West de Wu Cheng’en, donde no faltan acróbatas de circo, monjes shaolín y cantantes chinos. En 2006, el Museo de Diseño de Londres lo eligió mejor “diseñador del año”, y en 2009, él y Albarn recibieron el premio BAFTA por la secuencia animada Monkey para los Juegos Olímpicos de Pekín. Más recientemente, en una muestra titulada The Suggestionists, ha expuesto su obra gráfica en la Saatchi Gallery de Londres, donde ha quedado patente la nueva dirección que ha tomado la apasionante carrera de Hewlett.

Jamie Hewlett. Julius Wiedemann
Ed. Taschen. 424 páginas. 25 x 31,7 cm. Inglés

miércoles, 25 de abril de 2018

Alfons Mucha (Moravia, 1860 - Praga, 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau. Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas en escena teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Fue el mejor diseñador gráfico y artista decorativo checo, conocido por su estilo significado dentro de la estética del Art Nouveau. Produjo muchas ilustraciones, anuncios, postales, carteles y pinturas a lo largo de su vida. Este libro, publicado en japonés, es la mejor colección de obras características de Mucha, que abarca toda su carrera, desde sus inicios en París hasta sus últimos días en Chequia después de cuatro años en Estados Unidos. Como una característica especial, este libro introduce más trabajos de tipografía y diseño de paquetes en comparación con otras publicaciones sobre el trabajo de Mucha. Y, por supuesto, la obra maestra de Mucha, la “Epopía eslava” también se cubre en detalle, junto con una interpretación y sus antecedentes históricos.

The World of Mucha. Hiroshi Unno
Ed. PIE Books. 19 x 26 cm. 358 páginas

jueves, 19 de abril de 2018

Frank Berzbach (1971) es profesor de Psicología y Pedagogía de los Media en la Ecosign Academy for Design y en la facultad de Ciencias Aplicadas de la Universidad de Colonia. Sean diseñadores, publicistas, artistas o artesanos 2.0, los profesionales de la creatividad parecen tener trabajos de ensueño donde solo hay espacio para la ideación, la experimentación y la novedad. Pero detrás de esta fachada de cristal se esconden personas que deben aprender a conciliar su yo creativo con el exceso de trabajo, el miedo a la hoja en blanco, las rutinas y las prosaicas exigencias de la vida real. Este libro propone cómo llevar una vida creativa que armonice con éxito el yo artístico con la cotidianidad. Con la lucidez y humor, Frank Berzbach ofrece una serie de recursos y técnicas para recuperar la espiritualidad sin que el estrés, el pensamiento negativo y, en definitiva, el lado más tedioso del trabajo hundan en lo más profundo el verdadero sentido que puede llevar a tomar la decisión de dedicar una vida a la creatividad.

El arte de llevar una vida creativa. Frank Berzbach
Ed. Gustavo Gili. 168 páginas. 15 x 21cm. Castellano

miércoles, 11 de abril de 2018

La luz es uno de los elementos clave en la fotografía. Hacer un buen uso de ella es uno de los mayores retos de los profesionales de la imagen. Hablar de iluminación no sólo es introducir o eliminar los puntos de luz adecuados en una escena, sino también asumir que la luz es una fuente de creatividad y expresión que influye en la visión de la imagen. Además de apasionado fotógrafo, Roberto Valenzuela es un profesor de talento, capacitado para desarrollar interesantes contenidos didácticos y de divulgación. Algunas de sus obras, «La fotografía perfecta» y «El posado perfecto», son ya importantes referentes del mercado bibliográfico en castellano y prácticos manuales de ayuda para muchos profesionales. Ahora en «La iluminación perfecta», el autor introduce el concepto de luz circunstancial. También incluye su prueba de iluminación, un interesante método para determinar la calidad de la luz. Este test permite determinar si necesitaremos ayudarnos de una luz de apoyo, aquella que se crea con difusores, reflectores, flashes, focos o modificadores, sobre los cuales hay un apartado especial en la obra.

La iluminación perfecta. Roberto Valenzuela
Ed. Anaya Multimedia. 320 páginas. 18,5 x 24 cm. Castellano

miércoles, 4 de abril de 2018

Leonard Koren estudió arquitectura pero nunca ha construido nada, excepto un excéntrico pabellón de té. Fue uno de los fundadores de WET: The Magazine of Gourmet Bathing, una de las revistas más influyentes en el desarrollo de la estética postmoderna. Desde entonces, ha escrito libros sobre cultura popular japonesa y sobre estética. Koren ha sido definido como un fabricante de libros aparentemente modestos sobre temas aparentemente modestos. Wabi-sabi es el rasgo más notable y característico de lo que consideramos la belleza tradicional japonesa. Puede llegar a ser un modo de vida. Es la belleza de las cosas imperfectas, mudables e incompletas. Es la belleza de las cosas modestas y humildes y no convencionales.

Wabi-sabi para artistas, diseñadores, poetas y filósofos
Leonard Koren. Ed. Sd-edicions. 14 x 21 cm.  96 páginas

jueves, 29 de marzo de 2018

La imagen, como objeto historiográfico y fuente documental de suma utilidad, parece estar constituyendo en la actualidad un campo de investigación interdisciplinar que algunos denominan “historia de la cultura visual”; donde, sobre todo, confluyen la Historia y la Historia del Arte. Así, el estudio de la iconografía, desde una perspectiva diferente a la tradicional, otorga una especial relevancia al contexto y el acervo ideológico-cultural en el que surge y cumple su función. Del mismo modo, a la influencia ejercida por los hábitos y usos visuales de cada etapa histórica, decisivos en la manera de ver y entender las imágenes. El arte, pues, es una consecuencia de las instituciones sociales de su entorno, mas ello no impide que sus artífices puedan transgredir las normas estilísticas refrendadas. A partir de este prisma metodológico, el libro explora el impacto del discurso ascético-espiritual en la producción artística de la Contrarreforma, pero desde el punto de vista de la religión. En un periodo histórico en el que la Iglesia se benefició de las cualidades seductoras y conmovedoras del arte, de su virtualidad ritualista y ceremoniosa, en aras de la transmisión y consolidación de principios ético-piadosos paradigmáticos.


El espíritu de la imagen. Carlos Alberto González Sánchez
Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 368 páginas.

miércoles, 21 de marzo de 2018

James Laver (1899-1975) fue responsable de los departamentos de dibujo y pintura en el Victoria and Albert Museum de Londres, entre 1838 y 1959. También fue un historiador de la moda y pionero descrito como “el hombre que en Inglaterra hizo respetable el estudio del traje”, y definió las relaciones entre el diseño del vestido y otras artes aplicadas, al tiempo que discutió la influencia de factores económicos y sociales sobre el desarrollo del gusto de la moda. Los caprichos de la moda a lo largo de los siglos son una fuente de interés interminable, no solo como indicación de nuestra capacidad infinita de invención, sino también debido a la relación entre el disfraz y los patrones culturales cambiantes. Laver presenta en este estudio clásico los motivos subyacentes de la moda, así como un estudio de la historia del traje. Describe los medios que han sido adoptados para satisfacer las tres funciones de la ropa: la protección, la expresión de la personalidad a través de la exposición artística y el atractivo para los demás. La invención trascendental de la aguja (hace unos 40.000 años), haciendo posible la costura de pieles, y la posterior introducción del tejido, puso en marcha el desarrollo del traje tal como lo conocemos. Todos los grandes hitos históricos —el Renacimiento, la Revolución Francesa, la Revolución Industrial, la emancipación de la mujer, las dos guerras mundiales— provocaron cambios profundos en las actitudes hacia el vestir.


Breve historia del traje y la moda
James Laver. Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 324 páginas.


Después de trabajar como ayudante artístico en Dark Horse Comics (a través del estudio con sede en Toronto Bright Anvil), Marvel le dio varios números de Marvel Age Spiderman, Marvel Knights 4 y X-Factor para que hiciera el dibujo a lápiz. Desarrollar y cocrear Bitch Planet con Kelly Sue DeConnick ha cambiado el rumbo de su carrera. Le han dicho que las críticas son excelentes, pero no las lee. De todos modos, está muy contento de que sean buenas. De Landro vive al este de Toronto (Ontario) con su esposa, Maya, y sus dos hijos. Bitch Planet es una distopía satírica en la que el sexismo institucional, el racismo y el fundamentalismo de la sociedad estadounidense no son algo implícito, sino sus propios principios fundacionales. En un futuro próximo la Tierra está gobernada por el Protectorado, un patriarcado que combina los peores elementos del predominio cristiano y la oligarquía corporativa. Bitch Planet es el fruto de un proyecto apasionado, audaz y subversivo cocreado por la guionista Kelly Sue DeConnick (Bella Muerte) y el dibujante Valentine De Landro. La forma en que han imaginado los personajes principales consigue hacer de ellos individuos complejos y convertirlos en símbolos del modo en que las mujeres son minusvaloradas en nuestra sociedad.

Bitch Planet. Kelly Sue DeConnick,
Valentine De Landro. Ed. Astiberri. 17,5 x 26,5 cm. 136 páginas.

miércoles, 14 de marzo de 2018

Titulado en Diseño Gráfico por la Escuela Massana de Barcelona, Víctor Escandell comienza su trayectoria profesional como ilustrador en 1989 trabajando para la productora de animación D’Ocon Films Productions. Hace más de 15 años que es colaborador de El Periódico de Cataluña, y en prensa, ha ilustrado también para los diarios El Mundo, El País y La Vanguardia. Desde 1994 colabora con las principales agencias de publicidad ilustrando campañas gráficas y de TV, de ámbito nacional e internacional (McCann Erickson, Delvico Bates, TBWA, Euro RSCG, Bassat Ogylby, SCPF*, FMRG, Casadevall Pedreño, Morera Design, etc). En el mundo editorial ha publicado numerosos libros ilustrados, tanto para público infantil como para adulto, y gracias a sus variados registros estilísticos, colabora también como ilustrador para instituciones y empresas de diversos sectores. En 1998, funda Alehop, estudio que ofrece servicios de diseño gráfico e ilustración. Ha sido galardonado varias veces por su trabajo en premios como: Junceda, Anuaria, Daniel Gil y ÑH05 de Diseño Periodístico. En 2007 fue seleccionado como autor de habla catalana por el Institut Ramon Llull para la exposición de ilustradores en la Feria del Libro de Frankfurt. En Enigmas, Víctor propone un juego, en el que mediante la imaginación o la lógica, individualmente o en grupo, hay que dar solución a las adivinanzas propuestas.

Enigmas. Víctor Escandell. Ed. Zahorí Books
64 páginas. 24 x 29,5 cm. Castellano, catalán
Paco Roca (Valencia, 1969) es un versátil autor de cómic e ilustración. Comenzó a realizar trabajos de publicidad y acabó montando un estudio de ilustración en su ciudad natal. Pronto empezaría a compaginar los trabajos con los que se ganaba el sustento con la creación de relatos de cómic. Su trayectoria es extensa: El Faro, Arrugas –por la que recibió el Premio Nacional del Cómic en 2008, los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2008 y el Goya al mejor guión en 2012 de la versión al cine dirigida por Ignacio Ferreras, que también se llevó la estatuilla a la mejor película de animación–, Las calles de arena, Emotional World Tour, El invierno del dibujante, obra merecedora de los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2011, Memorias de un hombre en pijama, nominada a mejor obra nacional en la edición de 2012 de la citada feria de Barcelona, serie de la que ha publicado también Andanzas de un hombre en pijama y sobre la que está dirigiendo un largometraje de animación que, se prevé, se estrene en 2017. Después de ilustrar La metamorfosis, de Franz Kafka, le dio forma definitiva a El juego lúgubre. Con Los surcos del azar y ya en 2015 con La casa, una obra intimista en torno a la figura del padre desaparecido, Paco Roca ha demostrado situarse como un autor de primer nivel internacional.  Tras Memorias de un hombre en pijama (Astiberri, 2011) y Andanzas de un hombre en pijama (Astiberri, 2014), Paco Roca culmina con este tercer volumen la trilogía que protagoniza su álter ego, donde el creador valenciano demuestra de nuevo su más acentuada vis cómica y capacidad de observación al poner en su punto de mira la vida cotidiana de un cuarentón que por fin ha conseguido su sueño infantil de quedarse en casa todo el día con el pijama puesto. En este volumen incluye dos historietas nuevas realizadas para la ocasión –de 18 y 3 páginas–, así como sus colaboraciones en El País Semanal y Academia. Revista del Cine Español, nunca anteriormente recopiladas en un álbum, y pone de nuevo de actualidad una serie cuya traslación a la gran pantalla, que combina imagen animada y real, está pendiente de estreno –previsto para antes de fin de 2017– y en la que Raúl Arévalo da vida al sosias de Paco Roca.

Confesiones de un hombre en pijama
Paco Roca. Ed Astiberri. 22 x 27 cm. . 64 páginas.

miércoles, 7 de marzo de 2018

Tras participar en la fundación de la revista El Tío Saín y colaborar con publicaciones como La Comictiva, Kovalsky Fly, Annabel Lee o Subterfuge, Pedro Vera (Murcia, 1967) comienza a publicar sus historietas en 1998 en la revista El Jueves. Es el padre de personajes como Nick Platino o los famosos Ortega y Pacheco, con una decena de libros publicados por El Jueves entre 2000 y 2010. En 2012 crea en la misma revista, Ranciofacts, donde repasa semanalmente las costumbres y dichos más rancios de la cultura popular española. Este es el primer volumen de la seire que reúne en una edición definitiva todas las hazañas de Ortega y Pacheco, los Bud Spencer y Terence Hill de la cultura popular española, los Starsky y Hutch de la caspa patria,. A lo largo de cuatro volúmenes, Ortega y Pacheco Deluxe recopila desde la primera hasta la última página de esta serie dibujada por Pedro Vera (autor de Ranciofacts) y publicada en El Jueves entre 1998 y 2012. El primer volumen incluye páginas publicadass en El Jueves entre 1998 y 2002, la primera historieta (inédita) de Ortega y Pacheco, tiras de los personajes nunca vistas y páginas publicas en La Opinión de Murcia antes del salto de la serie a El Jueves.

Ortega y Pacheco Deluxe Vol. 1. Pedro Vera
Ed. Astiberri. 20 x 25 cm. 200 páginas.

jueves, 1 de marzo de 2018

Leo Lionni nació en Amsterdam en 1910.Creció en un ambiente artístico -su madre fue cantante de ópera, y su tío Piet, aficionado a la pintura- y desde joven supo que ése sería su destino. Su formación no fue artística, ya que se doctoró en Economía. En 1931 se instaló en Milán y entró en contacto con el diseño gráfico. Cuando se trasladó a América en 1939, trabajó en una agencia de publicidad de Filadelfia, en la Corporación Olivetti y la revista Fortune. También iba creciendo su reputación como artista y sus cuadros se exhibían en las mejores galerías, desde Estados Unidos a Japón. Como él mismo dijo: “De algún modo, en algún lugar, el arte expresa siempre los sentimientos de la infancia”. Su su primer libro para niños no llegó hasta 1959, y surgió casi por casualidad: durante un viaje en tren se le ocurrió entretener a sus nietos con un cuento hecho a base de trozos de papel de seda. Así nació “Pequeño Azul y Pequeño Amarillo”, que fue el primero de más de 40 obras, aclamadas en todo el mundo por la crítica especializada. Este clásico de Leo Lionni, publicado por primera vez en 1969, es la historia de Álex y Guille, dos ratones de distinta naturaleza –uno de carne y hueso; otro mecánico– unidos por la amistad. Esa diferencia no es obstáculo para que se hagan compañía, compartiendo aventuras y felicidad. Premiado con la Medalla de Honor Caldecott, este álbum ilustrado con la técnica del collagey de gran simplicidad gráfica, es representativo del característico estilo artístico de su autor.

Álex y el ratón de cuerda. Leo Lionni
Ed. Kalandraka. 22x27,5 cm. 40 páginas

miércoles, 28 de febrero de 2018

Jordi Pastor (Barcelona, 1977) ha realizado ilustraciones para editoriales como Cruïlla/SM, Barcanova o Editorial Sol 90. También storyboards para diferentes campañas de publicidad. En cuanto al cómic, es autor de Padre, Reacción, Encuentro y Vaquero. Ha dibujado Khalid, con guión de Damián Campanario, y ha participado en obras colectivas como Barcelona TM, Revolution Complex, Tales From the End of the World o Barcelona viste de negro, y Rubor. Como dibujante también ilustra las portadas de las llamadas “novelas de bolsillo” para el mercado americano de autores míticos como Frank Caudett o Curtis Garland. Además del dibujo, también tiene una carrera paralela como director (uno de sus cortometrajes fue premiado en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya Sitges) y como fotógrafo de temática erótica para la página Nude Tales. En Catálogo de Bunkers Eric K., escritor frustrado, manipulador vocacional, aficionado al tiro al plato y exempleado de la empresa Bunkers, recorre con su hijo Alexander un mundo postapocalíptico en el que una nada desdeñable proporción de los supervivientes de la crisis humanitaria-ecológico-económica-moral conocida como Segunda Tormenta Perfecta Mundial permanecen recluidos en sus búnkeres particulares. Eric K. conoce las localizaciones y las claves de acceso de varios de estos refugios, y está decidido a saquearlos, a matar a cualquiera que se interponga en su camino y a justificar sus actos ante su vástago, al que le impone un sistema de creencias enfermizo. Para el guionista Raule, Jordi Pastor dota a “esta odisea paternofilial de una narrativa excepcional, escenarios cautivadores y un color, maravilloso color, cargado de malas intenciones”. Raule subraya que “nada es hermoso, sencillo o amable en este tebeo. Quizás por eso me ha entusiasmado sobremanera”.


Catálogo de Bunkers. Jordi Pastor, Marcos Prior
Ed. Astiberri. 17,5 x 24,4 cm.. 104 páginas


jueves, 22 de febrero de 2018

La vida, signifique lo que signifique, no es algo que pueda explicarse desde la eternidad. La memoria de Mariano Fortuny y Marsal ha estado demasiado condicionada por la épica de un destino artístico situado más allá de los avatares terrenales. Sin embargo, como todos los seres humanos, hubo de conciliar sus aspiraciones personales con la complejidad de un sistema que cambiaba rápidamente, condicionado por las apariencias y el dinero. A mediados del siglo XIX, el arte empezó a funcionar como un elemento de prestigio para una nueva élite deseosa de exhibir su poder, no siempre experta en sutilezas estéticas. La posesión y el reconocimiento de las obras de Fortuny se convirtió en un signo de distinción de clase. Esta circunstancia singular sirve en este libro de arranque para adentrarse en un universo de intereses mundanos que supera la pura trayectoria vital del pintor, observada desde puntos de vista como la amistad, el amor, la frivolidad, la presunción, el sexo o la nostalgia. Todo ello a través de un relato fresco y ágil alejado de la perfección de los grandes discursos.


Fortuny o el arte comodistinción de clase
Carlos Reyero. Ed. Cátedra. 12,5 x 18 cm. . 400 páginas.

miércoles, 14 de febrero de 2018

Partiendo del estudio de los mitos fundacionales acerca del origen y la naturaleza de la luz, de la visión y del invento de la imagen figurativa, Román Gubern analiza con agudeza las principales manifestaciones prácticas en que se ha plasmado la expresión icónica en la cultura de la modernidad occidental, para desembocar finalmente en un nuevo mito, en el de penetrar en el interior de las imágenes, una aspiración arcaica que hoy tiene su manifestación más popular y expansiva en la tecnología de la Realidad Virtual Inmersiva.


Dialectos de la imagen. Román Gubern
Ed. Cátedra. 12 x 17 cm. . 272 páginas.


miércoles, 7 de febrero de 2018

Sozapato es licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Central de Ecuador, graduada en Diseño Gráfico en el Instituto Metropolitano de Diseño de Quito y ha completado su formación con un Máster de Libro Infantil Ilustrado en la Escuela i con i, en Madrid. Como ilustradora, ha trabajado con editoriales de Ecuador, Chile, Colombia y España. Ha ganado varios premios de dibujo, pintura y diseño. Su primer libro como autora, “Colorín colorado”, fue seleccionado para representar a Ecuador en la lista de honor IBBY 2014. También ha estudiado artes escénicas en el laboratorio Malayerba y en El Teatro del Cronopio, especializándose en teatro-clown. Actualmente forma parte del colectivo teatral español-ecuatoriano El Gran Ticlop. En Matilde, Sofía presenta una historia actual evocadora de una antigua leyenda sobre un pincel mágico. Trata sobre el poder de la imaginación y la creatividad; un poder incluso indómito, si quien lo maneja no sabe controlarlo. En este sentido, se aprecia un guiño al oficio artístico y al papel del maestro como guía. La obra, con un final abierto, no se agota en un primer acercamiento, sino que permite descubrir nuevos detalles y personajes de oculto protagonismo en sucesivas lecturas. Con una estudiada narrativa que compensa la ausencia de palabras, está estructurado en grupos de viñetas y en escenas a doble página, incluyendo representaciones de estilo cinematográfico propias del lenguaje de la banda diseñada, que refuerzan el carácter dinámico del relato.

Matilde. Sofía Zapata Ochoa, SOZAPATO
Ed. Kalandraka. 16 x 16 cm.. 48 páginas


viernes, 2 de febrero de 2018

Los libros de texturas, como los de clip-arts, son un género en horas bajas. Pero Yoko Kibamoto debió pensar que tendría sentido si el contenido justifica volver al pasado, edición sencilla pero cuidada, impresión excelente, incluso el socorrido y casi extinto cedé colgando en bolsa de plastico de la contraportada. Más de 300 imágenes de patrones dibujados a mano, en su mayoría acuarelas, con motivos de suave plasticidad, muy de acuerdo con la estética marcada hoy por el handcraft y el do it yourself… Seguro que tendrá su público. En internet está todo, pero quizá lo mejor haya que buscarlo aun en el papel.


Cute hand-drawn patterns. Yoko Kibamoto
Ed. PIE Books. 20 x 26 cm. 128 páginas

miércoles, 31 de enero de 2018

La dibujante estadounidense Sarah Glidden acompaña a dos amigos reporteros –fundadores de una organización de periodismo sin ánimo de lucro– en un viaje por Turquía, Siria e Iraq con el fin de descubrir historias que ilustren el efecto causado por la guerra de Iraq en Oriente Próximo en general, y en los refugiados en particular.
Al trío se une un amigo de la infancia y exmarine, cuyo servicio en Iraq aporta un punto de vista inesperado y a menudo desconcertante, tanto para las personas que van conociendo en el camino como para ellos mismos. A lo largo del periplo, Glidden observa que los reporteros repiten la misma pregunta: «¿Quién eres?» Y todos sus interlocutores tienen una historia interesante que contar: el bloguero iraní, un representante de las Naciones Unidas, un taxista,  un iraquí expulsado de  Estados Unidos, los iraquíes que buscan amparo en Siria e incluso el marine estadounidense. Ganadora del premio Ignatz al Mejor Nuevo Talento por Una judía americana perdida en Israel, Sarah Glidden registra todo lo que se va encontrando con una mirada minuciosa y receptiva. Este libro, ilustrado con las acuarelas tenues características de Glidden y escrito con honestidad y candor, afianza a su autora como una de las voces de no ficción más originales del momento.



Oscuridades programadas: crónicas desde Turquía, Siria e Irak
Sarah Glidden. Ed. Salamandra 17 x 24 cm. 304 páginas


viernes, 26 de enero de 2018

A través de 21 demostraciones paso a paso, se proponen técnicas para dibujar vestuario, peinados, herramientas, armas, joyas y accesorios. Este libro profundiza en las escenas de ciencia ficción y desarrolla múltiples personajes. Partiendo de nociones muy básicas, avanza aplicando el academicismo en el dibujo básico de la figura humana para trasladarlo al lenguaje de la hoistoprieta de ciencia ficción.


Sci-fi Fashion. Irene Flores, Ashly Raiti
Ed. Anaya Multimedia / Espacio de diseño. 144 páginas. 21 x 27 cm.


lunes, 22 de enero de 2018

Son pocos los cuadros en la historia de la pintura que han ejercido una atracción tan intensa y permanente como el “Guernica”, obra pintada por Pablo Picasso en 1937 para el Pabellón de la República española en la Exposición Internacional de París. Tras un largo periodo en el que la obra permanece depositada en el Museum of Modern Art de Nueva York, su llegada a España en 1981 tiene una significación trascendental en el momento de la transición a la democracia. Su devolución supone el final de un largo proceso que va desde la gestación del cuadro hasta las negociaciones para su traslado a España, revistiendo una gran importancia desde el punto de vista de la recuperación de nuestro patrimonio artístico, y marca el final de la transición política y cultural tras los años de dictadura. Las nulas relaciones del artista con el régimen franquista, que le consideraba un enemigo político por su militancia comunista y su apoyo a la causa republicana, no impidieron que Franco diera su visto bueno en 1968 a la primera reclamación oficial del cuadro. En un momento de apertura y promoción del arte de vanguardia español fuera de nuestras fronteras, el régimen buscaba recuperar la obra maestra de Picasso que, afincado en Francia, ya era reconocido como el artista más destacado del siglo XX. Gran parte de la documentación manejada durante esta investigación es inédita y procede del archivo del Ministerio de Asuntos Exteriores, así como del Archivo Histórico Nacional.

El Gernica recobrado. Genoveva Tusell
Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 384 páginas


miércoles, 17 de enero de 2018

Luis Bustos nació en Madrid, en 1973. Dibujante de cómics, ilustrador y grafista. Comienza su carrera en 1996 con Rayos y centellas, junto al guionista David Muñoz. De un estilo gráfico versátil, ha realizado trabajos en varios géneros y formatos que van desde el comic book, el álbum europeo, el humor para prensa o la novela gráfica. Como autor completo destacan Endurance, un relato de aventuras sobre la expedición antártica de Ernest Shackleton; el cómic juvenil Zorgo o Versus, adaptación libre del relato de Jack London Por un bistec. Ha colaborado en el semanario humorístico El Jueves (2012-2014) y actualmente en la revista digital Orgullo y Satisfacción. Otros trabajos como dibujante son Residuos, junto a David Muñoz y Antonio Trashorras, o ¡Infiernos!, con guión de John Tones. Con Santiago García ha realizado los dos tomos de los que consta, por ahora, ¡García!. En Los vecinos de Puertadeluz, una urbanización de las surgidas al amparo de la burbuja inmobiliaria, procuran vivir el día a día con la falta de servicios, el desinterés del Gobierno central y el peligro creciente de las bandas criminales nómadas que asolan las carreteras.
Es ahí donde vive Alicia, una adolescente de 14 años, junto con su hermano y su padre.
En una de sus incursiones por la denominada “zona fantasma”, que no es sino una parte de la ciudad abandonada en mayor medida a causa de las obras no finalizadas, descubrirá una misteriosa caja encaminada a desencadenar una espiral de sucesos que afectarán de pleno a la comunidad.
Este planteamiento que propone Luis Bustos le permite firmar un thriller futurista reflejo de un modelo sociopolítico en crisis, en el que se perciben referencias tanto a J. G. Ballard como a la película Sólo ante el peligro.


Puertadeluz. Luis Bustos
Ed. Astiberri. 17 x 24 cm. 128 páginas






jueves, 11 de enero de 2018

Emmanuelle Tchoukriel estudió Artes Aplicadas y amplió su formación en el ámbito de la comunicación visual antes de ingresar en la Escuela Estienne de París y de especializarse en ilustración médica y científica. Sus “inventarios” responden a esa especialización, pero trasladando a un lenguaje gráfico accesible y próximo el conocimiento de la naturaleza, sin perder rigor.
En todo el mundo existen alrededor de 230.000 especies de plantas con flores. Donde podemos encontrarlas con más abundancia es en los bosques tropicales. En Europa contamos aproximadamente con 12.000 especies diferentes, de las cuales en la península Ibérica podemos observar unas
5.000… Las páginas del Inventario ilustrado de flores son un festival de colorido -y de aromas sugeridos- que, a través de 62 tipos de flores, nos lleva de viaje por todo el mundo: desde las regiones de África del Sur de donde viene el ave del paraíso, hasta la isla indonesia de Sumatra de donde es originario el efímero aro gigante, pasando por las praderas próximas donde crecen las margaritas.


Inventario ilustrado de flores. Emmanuelle Tchoukriel / Virginie Aladjidi
Ed. Kalandraka. 21,5 x 30 cm. 72 páginas

viernes, 5 de enero de 2018

José Domingo (Zaragoza, 1982), inicia su andadura profesional en el ámbito de la animación como diseñador de personajes y dibujante de storyboards en Dygra Films. En estos años, forma parte del colectivo Polaqia y en 2008 publica su primera obra, Cuimhne. El fuego distante (Dolmen), con guión de Kike Benlloch, al tiempo que dibuja multitud de historias cortas. En 2011 publica por vez primera Aventuras de un oficinista japonés (Bang Ediciones), su primera obra larga en solitario, con la que obtiene el premio a mejor obra nacional en el 30.º Salón Internacional del Cómic de Barcelona. También publicado en Reino Unido y Estados Unidos por Nobrow Press, recibió por dicha edición una nominación a los premios Eisner 2014 en la categoría de mejor cómic internacional. Tras publicar Conspiraciones en 2013, realiza Pablo & Jane en la Dimensión de los Monstruos en 2015, su primer álbum infantil, una mezcla de cómic, libro ilustrado y libro-juego con un colorido plantel de cientos de monstruos. Su trabajo aparece en diversas antologías y obras colectivas, José Domingo es parte del equipo de arte del filme de animación Psiconautas, dirigido por Alberto Vázquez y Pedro Rivero, y ganador del Goya a mejor película de animación en 2017. En esta obra cuenta como un anodino oficinista japonés sale del trabajo, sin sospechar que se le viene encima la más loca y disparatada odisea para volver a casa: yakuzas, yokais, sushis gigantes apisonadores, familias caníbales, camioneras enamoradizas, yetis, esqueletos y brujas. El personaje es vapuleado por las circunstancias y vive, o más bien padece, una sucesión de peripecias cómicas sobre las que no tiene ningún control. José Domingo explica que, de cierta forma, “es una metáfora del día a día, lo que te rodea te acaba superando y, al final, de lo que te das cuenta, como el oficinista, es de que lo mejor que puedes hacer es dejarte llevar”. Inspirado en los videojuegos antiguos y la cultura pop, vibrante de color, detalles y personajes, esta nueva edición de Aventuras de un oficinista japonés cuenta con una útil guía de lectura a cargo del crítico Gerardo Vilches, para no perderse ni un detalle del retorno a casa más rocambolesco.


Aventuras de un oficinista japonés. José Domingo
Ed. Astiberri. 24 x 33 cm. 128 páginas

martes, 2 de enero de 2018

John Arne Sæterøy, Jason, nació en Molde (Noruega) en 1965. Tras realizar estudios secundarios y pasar un año en el Ejército, entró en una escuela artística de Oslo. En 2002 obtuvo el premio Harvey al autor revelación. La historieta y la ilustración han sido sus principales ocupaciones en los últimos años. Sus cómics se han publicado en Noruega, Suecia, Dinamarca, Finlandia, Francia, Alemania, Holanda, Eslovaquia, Suiza, Estados Unidos y España. Actualmente reside en la ciudad francesa de Montpellier. Para celebrar su 50 cumpleaños Jason decidió probar la experiencia de recorrer el Camino (era eso o comprarse un Porsche). Un noruego en el Camino de Santiago es el relato de ese viaje, 32 días y 800 kilómetros desde San Juan de Pie de Puerto hasta Finisterre, con lo bueno (la gente, las conversaciones) y lo malo (las ampollas, las chinches), todo ello trufado de pequeños incidentes, extraños encuentros y modestos triunfos. Jason ofrece una nueva faceta de su gran talento de narrador y del peculiar sentido del humor nórdico.

Un noruego en el Camino de Santiago. Jason
Ed. Astiberri. 16 x 21 cm. 192 páginas

viernes, 29 de diciembre de 2017

El nombre de Malagón está asociado indivisiblemente a dos cosas: al humor y al activismo social. Desde sus inicios —en medios como El Jueves, la revista Tiempo, o El Mundo, entre otros— en sus viñetas nos ha mostrado con su visión ácida esa realidad que nos rodea a los españoles y a la que parecemos habernos sometido o, al menos, acostumbrado. Sus ilustraciones cargadas de sarcasmo son como flechas dirigidas a despertar nuestra conciencia social. Nada mejor que un examen humorístico de la actualidad para darnos cuenta de la realidad que nos ha tocado vivir y para luchar por un mundo mejor. En estado crítico es una obra de humor gráfico en la que podemos admirar el talento de Malagón en estado puro, un imprescindible del activismo gráfico.



En estado crítico. Malagón (José Rubio)
Ed. Inventa. 12,5 x 19 cm. 96 páginas


martes, 26 de diciembre de 2017

Nacido en San Marino (Italia) en 1965, G. Toccafondo es un artista, animador y dibujante italiano. Sus cortometrajes han recibido menciones especiales en festivales como Berlín, Chicago o Venecia. Es autor de la celebrada animación que abre la película Robin Hood de Ridley Scott. Ha sido asistente de dirección del film Gomorra. Como ilustrador, ha colaborado con distintas editoriales italianas y es autor de un volumen ilustrado de Las aventuras de Pinocho (Japón, 1999), del que también hizo un corto animado. Esta edición ilustrada esta compuesta por cuatro relatos que transcurren durante el estallido de la guerra civil y los crueles y vengativos primeros años de la posguerra. La rotundidad de la prosa, directa y proverbial, sustentada por un mantenido vigor poético,  lo dramático de las vidas que se retratan o la sutileza con que se vinculan las cuatro historias le valieron a Alberto Méndez el reconocimiento de los lectores de todo el mundo y la convicción general de que esta no es una narración más sobre la guerra civil, sino una de las más emocionantes escritas hasta ahora. Se trata de la primera y única obra de Alberto Méndez, que le valió póstumamente el Premio Nacional de Narrativa y el unánime reconocimiento internacional. La edición separa de manera marcada la obra de Méndez, que abre el todo como texto seguido. La interpretación ilustrada de Toccafondo, a continuación, toma referencias escritas, apenas frases, para a modo de cuaderno proponer el contrapunto y complemento a la obra de Méndez.

Los girasoles ciegos. Alberto Méndez / Gianluigi Toccafondo
Ed. Edelvives. 24 cm x 19 cm. 256 páginas

viernes, 22 de diciembre de 2017

Benjamín Lacombe es un ilustrador y autor Francés nacido el 12 de julio de 1982 en París, donde actualmente vive y trabaja. Sus ilustraciones se destacan por un estilo caricaturesco que denotan elegancia, fragilidad y melancolía. En 2001 se unió a la Escuela Nacional de Artes Decorativas (ENSAD), en París, donde continuó su formación artística. Durante sus estudios, Benjamín trabajó en publicidad y animación y, con sólo 19 años, edita su primer cómic. Si bien la mayoría de las producciones de Lacombe conciernen al sector juvenil, también publicó libros ilustrados para adultos incluyendo entre ellos una reversión de los “ Cuentos Macabros “ de Edgar Allan Poe, con la traducción de Baudelaire, como así también la historia de “ Notre-Damede París “ con texto íntegro de Victor Hugo. Esta edición presenta la versión íntegra del clásico de Lewis Carroll donde se narran las aventuras de Alicia y otros extraños personajes en el mundo mágico del País de las Maravillas, ilustrado por Benjamin Lacombe. Incluye una sección final con correspondencia del autor con Alice Liddell y otras niñas, apuntes a la edición y datos cronológicos y biográficos.


Alicia en el País de las Maravillas. Lewis Carroll / Benjamin Lacombe
Ed. Edelvives. 27,5 x 19,5 cm. 298 páginas


Josiah Brooks, es conocido por su canal de Youtube Draw with Jazza, con más de 800.000 suscriptores en todo el mundo. Propone en este libro un método para crear paso a paso personajes de ficción. Desde una estética clásica de héroes y heroínas de acción hasta la imagen más steampunk actual. Las técnicas abatcan contexto, carácter y morfología; a partir de ahí, se propone la definición de estilo, esquemas de colores y los posibles escenarios en un contexto real que delimite la apuesta final.


Cómo crear personajes de cómic y animación. Josiah “Jazza” Brooks
Ed. Anaya Multimedia / Espacio de diseño. 144 páginas . 21x27 cm.

martes, 19 de diciembre de 2017

De la fregona al Airbus se presenta como una guía para todos aquellos emprendedores, empresarios y diseñadores que quieren lanzarse a la piscina de la innvocación y promover sus propios productos en un mundo en el que parece que ya no queda nada por inventar. Para ello, Juli Capella y Antonio Monturiol nos hacen viajar a través de la historia de los inventos españoles más curiosos de Manolo Jalón, además de complementarlo con propias experiencias y recopilando una serie de consejos para poner en práctica. Hay que localizar los problemas de la sociedad para darles una solución, empleando también técnicas de I+D+i y sobretodo, usando la imaginación y la creatividad que lleva dentro el ser humano. Quien domine esto podrá trabajar en cualquier área logrando siempre resultados positivos. Además, incluye una recopilación de pequeños y grandes inventos universales que han hecho un poquito más fácil y práctica la vida de las personas.


De la fregona al Airbus. Juli Capella, Antonio Monturiol
Ed. LID. 17 x 24 cm. 223 páginas


lunes, 18 de diciembre de 2017

La literatura y la poesía del Medio Oriente ha fascinado desde siempre la imaginación de los europeos con sus misteriosas atmósferas y las historias de tierras exóticas. Desde el siglo XVIII hasta principios del XX, se publicaron varias ediciones europeas de estas historias que incluían ilustraciones imaginativas de destacados ilustradores europeos como Kai Nielsen, Edmund Durac entre otros. Este libro recoge el imaginario creado en occidente a partir de los textos y referencias artísticas de la cultura islámica.



A Thousand and One Nights: The Art of Folklore, Literature, Poetry, Fashion & Book Design of the Islamic World. Hiroshi Unno. Ed. PIE Books. 25,7 × 18,6 cm.. 296 páginas


viernes, 15 de diciembre de 2017

Arnold Lobel nació en Los Ángeles en 1933, estudió Arte en el Pratt Institute, donde conoció a la que sería su esposa, la ilustradora Anita Kempler. Empezó trabajando para una agencia de publicidad y posteriormente se dedicó a ilustrar historias escritas por otros autores. En 1962 apareció su primer libro, “A Zoo for Mister Muster”, al que le siguió un año después “A Holiday for Mister Muster”. Como autor e ilustrador recibió numerosos reconocimientos por parte del público y la crítica especializada. Entre los premios logrados destacan el Caldecott Honour Book, el Christopher Award, el Caldecott Award y el Newbery Honour Book. A lo largo de su trayectoria ilustró unos 70 libros de otros escritores, a los que se sumaron casi una treintena más escritos e ilustrados por él mismo. Arnold falleció en Nueva Yorken 1987. Los “guarripios” de Arnold Lobel son poemas que el traductor Miguel Azaola ha adaptado y actualizado con maestría, sin perder ni pizca de la rima, el ritmo y el grotesco humor de la obra original de 1983. Siguiendo la estructura del original, que consta de cinco versos ajustados al esquema poético AABBA, cada estrofa es una pequeña historia divertida y disparatada, lúdica y absurda, fresca e ingeniosa. El propio autor se involucra en el juego cómico retratándose con aspecto porcino, tanto al principio como al final del libro; un recurso que hace a los lectores partícipes del proceso creativo. El resultado es un viaje por distintas ciudades y países donde los personajes experimentan situaciones insólitas y rocambolescas que Arnold Lobel representa en una sucesión de viñetas que destacan por su colorido, detallismo y expresividad.



El Libro de los Guarripios. Arnold Lobel
Ed. Kalandraka. 20,5 x 25,5 cm.. 48 páginas

lunes, 11 de diciembre de 2017

Lightroom Mobile es la extensión de la versión de ordenador de la conocida aplicación para el tratamiento de imágenes digitales. Permite a los usuarios unificar los servicios entre sus dispositivos e incorpora las funciones de edición en iPads, iPhones y Android.  Scott Kelby, el autor de manuales sobre fotografía digital más conocido en el mundo, realiza en este libro un análisis detallado de las posibilidades que esta aplicación permite.Desde como administrar colecciones, agregar banderas Pick y calificaciones de estrellas, a mover imágenes, reproducir presentaciones de diapositivas y, por supuesto, a editar las imágenes, con las mismas funciones de la versión de escritorio.



Lightroom Mobile. Scott Kelby
Ed. Anaya / Photo Club. 160 páginas. 18,5 x 24 cm.