La editorial valenciana Campgràfic continúa con su valiosa labor en el campo de la tipografía con la publicación de textos relacionados con dicha disciplina y que, de no ser por ellos, aún continuarían inéditos en castellano.
En esta ocasión presentan “Romper las reglas” un volumen editado con motivo de la exposición del mismo nombre celebrada en el Museu Valencià de la Il·lustració i de las Modernitat (Muvium) que recoge textos relacionados con el diseño, la tipografía y el cartelismo suizo firmados por diferentes autores, algunos de ellos estrechamente relacionados con el tema, como Bettina Richter, Armin Hofmann y Wolfgang Weingart.
El libro cuenta además con numerosas ilustraciones y trabajos de la época, que ponen de manifiesto la calidad y capacidad de ruptura que durante los años ochenta desplegó el diseño gráfico suizo, habitualmente asociado al racionalismo, la mesura, el equilibrio y otros conceptos heredados de movimientos vecinos geográficamente como la Bauhaus, pero que en esa época coqueteaba con fenómenos como el punk y los movimientos estéticos más underground.
Un libro que demuestra que el buen hacer de Campgràfic como editorial no sólo está en el mero hecho de publicar libros y hacerlo muy correctamente sino en su inteligencia a la hora de elegir qué títulos incluye en su catálogo.

Romper las reglas. Tipografía suiza de los turbulentos años ochenta. VV. AA.
Campgràfic. 238 páginas. Español.

Si en un hipotético futuro consiguiéramos que en los lineales del supermercado aparecieran los trabajos que se recogen en este “@Supermarket: Package designs”, el acto de ir a la compra sería una actividad cultural semejante a la de visitar un museo o asistir a un concierto.
De nuevo, la editorial nipona PIE Books nos sorprende con un libro en el que se recopila una muestra de diseño realizado para productos del sector de la alimentación.
Más de un centenar de magníficos ejemplos procedentes de todo el mundo, aunque con predominio de los realizados en Japón por razones obvias, presentados de una forma atractiva gracias a las ilustraciones realizadas con la técnica del collage Natsko Seki y Taiko & Associates y que sirven de separación a las diferentes secciones del libro.
Además de las virtudes gráficas de los trabajos seleccionados, cabe destacar la innovación en los envases que se ha producido en los últimos tiempos y el hecho de la paulatina incorporación al sector de la alimentación de recipientes y contenedores que, por su forma y aspecto, parecían más propios de sectores como el de la limpieza doméstica o el automovilismo. Una arriesgada innovación que funciona y enriquece un mundo como el del packaging, en el que parece que está todo inventado pero que no deja de sorprendernos.

@Supermarket: Package designs. Foods, drinks and various consumer products.
PIE Books. 160 páginas. Inglés / Japonés

Para varias generaciones, Alianza Editorial es sinónimo de libros asequibles, cuidados y de calidad. Colecciones como Libro de Bolsillo, Alianza Tres o Alianza Forma forman parte del paisaje doméstico de muchas familias españolas gracias a una política que no fija sus miras en las fluctuaciones del mercado ni apuesta por un libro efímero.
Este es el caso de “Desvestidas. El cuerpo y la forma real” un interesante tratado del Catedrático de Historia del Arte Carlos Reyero que arroja una nueva mirada a obras de arte cuya característica principal es el desnudo. Una nueva forma de abordar estas obras pensada para perdurar en el futuro gracias a un planteamiento que rompe con la idea acuñada en el XIX, que afirmaba que las mujeres representadas en los cuadros o esculturas no estaban desnudas sino “desvestidas”. Para Reyero, la representación femenina en el arte responde, además de a cuestiones estéticas, a una evidente atracción física hacia la mujer representada por parte del autor.
Una interesante teoría ilustrada con más de un centenar de imágenes que, a diferencia de lo que sucedía con los títulos clásicos de Alianza Forma en los que abundaba la fotografía en blanco y negro, están impresas a todo color.
“Desvestidas. El cuerpo y la forma real” tiene visos de convertirse en un título clásico de esta colección. Un libro que compartirá estantería con “La escultura. Procesos y principios” de Rudolf Wittkower, “La interacción del color” de Josef Albers, “Historia de la Arquitectura” de Kostof o “El diseño gráfico en España” y “El diseño gráfico: desde los orígenes a nuestros días” de Satué.

Desvestidas.El cuerpo y la forma real. Carlos Reyero.
Alianza Editorial. 400 páginas. Español.

Javier Cosnava firma el guión de este álbum que narra la vida de los habitantes de Ciudad Jardín, una urbanización residencial apenas a un kilómetro de distancia de un campo de concentración, en la que viven las familias de los oficiales encargados de la gestión del mismo.
Una historia basada en hecho reales, cuya crudeza ha tenido que ser rebajada con objeto de que resulte verosímil al lector, hecho que nos da una idea de las atrocidades cometidas contra los prisioneros durante su internamiento.
Además del interés histórico, “Un buen hombre” cuenta con el atractivo de estar ilustrado por diez dibujantes, que dan forma a la historia principal a través de los puntos de vista de los diferentes personajes. Una decisión que, a pesar de los distintos estilos de cada uno de estos profesionales o su experiencia (a algunos se les nota más veteranía que a otros), no afecta a la unidad del proyecto que se lee como una obra homogénea, gracias a, entre otras cosas, al establecimiento de unas pautas para uso común, algunas de las cuales se pueden ver al final del libro en forma de bocetos de los personajes. De esta forma, los ilustradores pudieron recrear a cada uno de los actores de este drama sin renunciar a su estilo personal y evitando que el lector se despistase al ver que sus rasgos cambiaban de un autor a otro.
Por último, el libro se completa con un prólogo de Rosa Torán, Historiadora y Presidenta de “Amical de Mautaushen y otros campos” y un breve anexo en el que el autor detalla, a través de fotografías y textos, cuáles son los escenarios y los personajes reales en los que inspiraron “Un buen hombre”.

Un buen hombre. VV. AA. Glénat.
78 páginas

A petición del público, Sins entido reedita en tapa dura “La vida es buena si no te rindes”, uno de los mejores títulos de su catálogo y del dibujante canadiense Seth, que declara en él su amor por los tebeos, los grandes maestros del género y sus personajes, como Schulz y la pandilla de Snoopy, Reg Smythe y su Andy Capp, Hergè y Tintín, Dr. Seuss y antiguos dibujantes de la mítica New Yorker, donde también publica el propio Seth.
Un lanzamiento que, de paso, se adelanta al “George Sprott: (1894-1975)”, el trabajo más reciente del canadiense y que será publicado en España por Mondadori.
Dividido en seis partes y realizado en un asombroso bitono, “La vida es buena si no te rindes” es un tratado de cómo debe de ser un buen álbum de cómics, empezando por el título y acabando en los materiales que se adjuntan al final del mismo y que completan la narración, aunque no lo suficiente como para que el lector consiga discernir si la historia de la que acaba de ser testigo es real o una completa invención.
“La vida es buena si no te rindes” narra las peripecias de un dibujante, trasunto del propio Seth, que intenta reconstruir la vida de Kalo, un desconocido ilustrador de los años 30 y 40, a través de las pocas viñetas que ha publicado a lo largo de su carrera. Una aventura que nos lleva por tiendas de libros de segunda mano, pueblos perdidos de Norteamérica, visitas a antiguos conocidos y familiares de Kalo, mientras el autor reflexiona sobre la infancia, los recuerdos, los tebeos y la vida moderna.
La vida es buena si no te rindes. Seth. Sins entido.
200 páginas. Español.

Tomando como referencia “Me acuerdo”, Libro de Gorge Perec inspirado a su vez en “I Remember” de Joe Brainard, Zeina Abirached recopila en este libro algunas de sus vivencias durante su infancia en el Beirut asolado por la guerra.
Un libro que, a pesar de su vínculo con Perec, funciona más como una segunda parte de su “Juego de las golondrinas” que como un verdadero homenaje al escritor francés.
En este aspecto, el libro adolece de las mismas pegas que su antecedente, su excesivo parecido estético y narrativo con Marjane Satrapi, algo que si sigue repitiéndose en el futuro puede lastrar, hasta el punto de frustrarla, la incipiente carrera de Abirached.
Si se deja a un lado este hecho (y esa tipografía ornamentada y un tanto infantilista empleada por la autora) lo cierto es que el libro tiene a su favor ciertas virtudes, como que es breve, de sencilla lectura, con algunos recursos narrativos brillantes y ameno.

Me acuerdo. Beirut. Zeina Abirached. Sins entido.
96 páginas. Español.

En los últimos tiempos estamos asistiendo, por evidentes motivos de mercadotecnia, a un abuso del término “novela gráfica” para definir lo que toda la vida han sido tebeos y posteriormente cómics. Sin embargo, “Tamara Drewe” no sólo encaja a la perfección en la definición que del término novela gráfica acuñó su creador, Will Eisner, sino que incluso podríamos decir que la excede.
En ocasiones, la nueva obra de Posy Simmonds funciona como un tebeo con mucha letra y, en otras, como un libro ilustrado. En ambos casos, el resultado es realmente sorprendente gracias a la maestría de Simmonds para el dibujo y su talento narrativo para urdir una trama compleja y divertida, con diferentes niveles de lectura, y que pone de manifiesto muchas de las posibilidades que posee el cómic como expresión artística.
Se echa a faltar, sin embargo, un mejor uso de las tipografías por parte del autor a la hora de separar esos diferentes niveles de lectura. Un descuido que afea el conjunto y que, por una vez, no es exclusivo de la edición española, pues ya estaba presente en la edición original inglesa.
Un problema que radica en el abuso por parte de los dibujantes de tipografías digitales por resultar más cómodas que las rotuladas a mano, olvidando que, en ocasiones, y especialmente cuando nos encontramos ante un dibujo en el que tienen mucho protagonismo el trazo y las texturas, las tipografías realizadas con ordenador resultan demasiado frías, impersonales, distantes, hasta el punto de no conseguir integrarse en el conjunto de la página.
Salvo esta objeción, que pasa a un segundo plano en el momento en el que el lector se zambulle en las relaciones de los diferentes habitantes de Stonefield, “Tamara Drewe” es uno de los trabajos más interesantes de los editados últimamente en el mundo del tebeo.

Tamara Drewe. Posy Simmonds. Sins entido.
272 páginas. Español.

A pesar de que forma parte de una colección de cuadernos editados por la Universidad Politécnica de Valencia, “Retórica tipográfica” no tiene nada que ver con ese tipo de publicaciones universitarias que responden más a las necesidades de los profesores de los diferentes departamentos para afianzar su carrera profesional, que a las necesidades científicas de la disciplina o a las demandas de conocimiento de los alumnos.
La primera de sus diferencias es su cuidada presentación, en la que destaca una correcta maquetación y un muy buen uso de la tipografía, como no podía ser de otra manera. La segunda es un contenido que aborda uno de los temas clásicos del diseño gráfico no desde el punto de vista de la estética sino del de la percepción y la semiótica.
Un libro de sencilla lectura que, si bien no descubre nada nuevo, aclara de forma amena muchos de los conceptos relacionados con el uso y aplicación de la tipografía.
Un título cuya única pega radica en el hecho de que, a consecuencia de su breve extensión, reproduce gráficamente muy pocos de los ejemplos a los que se hace mención en el texto.
Tal vez en un futuro, “Retórica tipográfica” disfrute de una edición en la que este pequeño detalle pueda ser subsanado para beneficio del libro y, por supuesto, de sus lectores.

Retórica tipográfica. Alberto Carrere.
Cuadernos de imagen y reflexión nº8.
Universidad Politécnica de Valencia.
134 páginas. Español.

Europa ha sido la cuna del diseño contemporáneo. Desde el movimiento Art&Crafts a la renovación de escuelas como Bauhaus, sin olvidar el modernismo o el Art Noveau, Europa ha tenido mucho que ver a la hora de guiar el desarrollo de esta disciplina durante el siglo XX.
Patiendo de esa premisa, los editores de “100% Graphic Design Portfolio” han querido analizar, o mejor dicho poner de manifiesto, el buen el estado del diseño europeo actual, acudiendo para ello a los diseñadores más jóvenes y sus propuestas.
El problema es que joven y europeo no es necesariamente garantía de buen diseño, como tampoco lo es un abundante número de páginas o una cuidada presentación a la hora de determinar la calidad de un libro.
Por eso, a pesar de las buenas intenciones y la magnífica presentación de “100% European Graphic Design Portfolio”, la sensación que deja tras su lectura es un tanto insatisfactoria.
Es indudable la gran calidad de muchos de los estudios representados, sin embargo, su elevado número, sumado a la poco acertada elección de los trabajos publicados, no juega a favor del resultado final. Tanto es así, que el lector llega a pensar que está ante uno de esos anuarios en los que es posible aparecer previo pago de una cuota a la editorial responsable de la publicación aunque, por lo que hemos podido averiguar, no sea así.

100% European Graphic Design Portfolio. Pageone.
408 páginas. Inglés.

Pablo Correa ha diseñado y seleccionado los trabajos incluidos en “Just for you”. Una colección de piezas procedentes de distintos lugares del mundo cuyo denominador común es que todas ellas están vinculadas afectivamente con el diseñador que las firma.
Tarjetas, carteles, ilustraciones, recordatorios de nacimientos, invitaciones de boda, envoltorios para CDs, cuadernos de viaje, felicitaciones navideñas, chapas, muñecos de trapo... y otras muchas formas de transmitir afectos a través de piezas visuales son algunos de los ejemplos que se incluyen este libro, cuyo diseño encaja perfectamente con su contenido. Un logro fruto de la inteligencia al mezclar la estética racionalista con el caos o el orden y el desorden, conceptos estrechamente relacionados con los sentimientos y los afectos.
Un libro que muestra otra forma de hacer diseño, mucho más libre, sin algunas de las ataduras derivadas de los encargos y que prueba que los diseñadores también tienen su corazoncito.

Just for you. Designs from the heart. Pablo Correa.
Índex Books. 300 páginas. Español / Inglés

Enciclopédico libro en el que se recogen trabajos recientes en el campo de la señalética, diseño de interiores para tiendas y comercios, diseño expositivo y stands para ferias y congresos.
A pesar de que en muchos casos este tipo de trabajos tienen un carácter efímero, es sorprendente cómo en esta disciplina, el diseño despliega una capacidad de experimentación sorprendente y unos presupuestos que, al menos aparentemente, no reparan en gastos. Esa puede ser la explicación de que muchos de los ejemplos que aparecen en este libro sorprendan por la combinación de las técnicas clásicas del diseño con las nuevas tecnologías de sectores como el vídeo, la iluminación o la arquitectura.
Un libro perfecto para los diseñadores relacionados con este tipo de proyectos, que también resultará interesante para los especializados en diseño gráfico que tengan curiosidad por ver cómo se aplican los elementos gráficos de las diferentes empresas en grandes dimensiones y superficies que no tiene nada que ver con el papel u otros soportes semejantes.

Display, comercial space & sign design. Vol. 36. Rikuyosha
362 páginas. Inglés / Japonés

Es difícil definir el contenido de este libro. ¿Es un libro sobre diseño real? Ese que puede presentarse a cualquier cliente y producir a gran escala con técnicas al alcance de cualquiera ¿O es sobre diseño ideal? Ese que se fabrica al detalle en pocas unidades y de forma casi manual.
Para sus responsables, “The 4th element” es una recopilación de llamativos e interesantes trabajos promocionales de todo tipo procedentes de cualquier lugar del mundo; para el lector será una fuente de ingeniosas propuestas de comunicación comercial con sorprendentes producciones. Sin embargo, ambos estarán de acuerdo en que muchas de los trabajos de este volumen parecen complicados de llevar a cabo en procesos a gran escala. Nos referimos a esos cuadernos cosidos a mano, las encuadernaciones artesanales en fieltro, plástico y otros materiales, las cubiertas bordadas, las impresiones en serigrafía, los troqueles de hojas interiores y los estuches para libros o envases para bebidas. Trabajos que conviven en sus páginas con productos menos elaborados desde el punto de vista de la forma, pero imaginativos e innovadores en su diseño y concepto.
Por último, y para que su propuesta no pueda ser tachada de incoherente, los editores de “The 4th element” han decidido presentar su libro de una forma poco usual pero susceptible de ser llevada a cabo en una producción seriada, para lo cual han optado por una encuadernación en tela morada, con estampaciones en dorado en el lomo y unas imágenes lenticulares en la portada y contraportada.

The 4th element. Design from here, now and beyond. Artpower.
256 páginas. Inglés.

Fernando Montañés, periodista especializado en Publicidad, Marketing y Comunicación, firma este libro que repasa el medio siglo de vida de uno de los productos españoles más representativos: el whisky DYC. Con un tono ameno y abundantes anécdotas curiosas, que diferencian este producto de otros similares, Montañés comienza su narración remontándose a los orígenes de este tipo de licor para, a continuación, explicar el cómo y el por qué del nacimiento de una marca de whisky nacional en la España de los años 50. Como era de esperar, tratándose de uno de los mayores expertos en publicidad del país, Montañés, además de referencias a la evolución empresarial de la marca y la compañía, realiza un interesante estudio de la comunicación de DYC, desde sus teasers que anunciaban el lanzamiento de un desconocido producto llamado DYC allá por los años 60, hasta la actualidad con campañas como “Gente sin complejos” u “Ocho años. Ni un minuto menos”, destinadas a promocionar las diferentes variedades de este destilado, sin olvidar esas campañas que, aún en la época de la dictadura, colocaban a la mujer en el mismo plano que el hombre a la hora de anunciar DYC.Un libro muy bien editado, de correcto diseño, interesante contenido que dice mucho y bien del por qué del éxito de esta marca de licor. 

50 años DYC. El éxito de una marca. Fernando Montañés.
124 páginas. Idioma: Español

La recopilación en un solo volumen de los diferentes álbumes de La ascensión del Gran Mal puede ser considerada, sin riesgo a equivocarse, una de las noticias más importantes de la temporada en lo que al mundo del tebeo se refiere. Las únicas dos pegas que se pueden sacar a esta magnífica iniciativa de Sin sentido es el hecho de que esta nueva edición de la obra de David B se presenta con un título más explícito pero menos evocador y misterioso al original y un formato diferente, menor en tamaño. Respecto a ambos asuntos suponemos que algo habrá tenido que decir el autor, pues resultan elementos esenciales de la obra y no entenderíamos que nos escandalizamos ante la modificación de, por ejemplo, las películas cuando se doblan, se interrumpen con publicidad o se colorean y no cuando los álbumes son hinchados y deshinchados, reducidos y aumentados según las necesidades del mercado. Salvo esto, resulta todo un lujo poder disfrutar de una de las historias más interesantes y complejas que ha dado el cómic en los últimos años. Un tebeo que narra la historia de una familia cuya vida gira en torno a la enfermedad de su hijo mayor y para la cual buscan todo tipo de soluciones, desde aquellas relacionadas con la medicina ortodoxa, hasta la inmersión de todos sus miembros en comunas macrobióticas. Una historia que evoluciona en tratamiento, lenguaje y recursos a medida que evolucionan y crecen sus propios personajes. De esta forma, el David B. Niño o adolescente no habla como el David B. Adulto, como tampoco lo hacen sus padres, esperanzados y llenos de energía al principio del libro y agotados y envejecidos al final del mismo. Un libro complejo, duro, pero muy interesante, pues nadie ha dicho que los teneos tengan que ser necesariamente una sucesión de chistes y dibujos divertidos.

Epiléptico.La ascensión del Gran Mal. David B.
Ediciones Sins entido. 676 páginas. Idioma: Español

La editorial Gustavo Gili continúa editando títulos de su colección Claves del diseño. Monografías que analizan de manera detallada, tanto en el aspecto teórico como en el práctico, temas como los logotipos, los folletos y, como en el caso que ahora nos ocupa, el packaging y los folletos. Firmado por Capsule –empresa fundada por Brian Adducci y Aaron Keller que actualmente aglutina en su equipo a diseñadores, abogados y escritores dedicados al desarrollo de marcas– y adaptado a la realidad española por Felicidad Cirugeda, Packaging y Folletos son detalladas guías con las que enfrentarse a cualquier proyecto de este tipo con cierta seguridad.

Además de una introducción acerca de qué es el packaging, qué son los folletos, su importancia para las marcas y su influencia para los consumidores, los libros contienen trucos y consejos para armonizar diseño con, por ejemplo, las normativas sanitarias, sus logotipos o los textos legales; análisis de ejemplos prácticos y una galería final con trabajos en los que se detallan los datos de la autoría y el cliente. Aunque normalmente este tipo de títulos parecen pensados para estudiantes de diseño, lo cierto es que ambos títulos resultan muy útiles para profesionales que ya estén en activo gracias a su sencillez, su facilidad de lectura y su capacidad para resolver dudas y aportar soluciones en momentos de urgencia y dudas. 

Claves del diseño. Packaging/Folletos. Capsule. Versión española de Felicidad Cirugeda.
Gustavo Gili. 192 páginas. Español

Siete historias breves que se entrelazan y acaban (o empiezan, ya que la sucesión de los capítulos se hace del siete al uno) en una escena donde todas confluyen y se explican. Un álbum de ilustración cuya narración se construye sin necesidad alguna de palabras y en el que las imágenes contienen una gran carga onírica dando lugar a dormitorios en los que brotan árboles, cajeros automáticos amenizados por mujeres enmascaradas y monos saltimbanquis o camas que viajan por el mundo descubriendo lugares o asistiendo a traumáticos hechos como el atropello de una niña que corre para recuperar su globo. Ejecutado en tono grises con una técnica que aglutina texturas de plumilla, grafito, pinceles y aguadas, Pejac apenas emplea el color. Tan sólo lo hace para destacar algunos elementos de la escena que suelen ser objetos relacionados con el personaje que la protagoniza. Vuelo rasante es, en definitiva y a pesar de pequeños fallos de principiante (como generar imágenes con texturas a base de clonar o pegar otros trozos sin difuminar las juntas), un interesante ejercicio que demuestra la calidad de Pejac como ilustrador y narrador y le augura un interesante futuro en ambas disciplinas.

Vuelo rasante. Pejac. Viaje a Bizancio Ediciones
58 páginas. Idioma: Español

Veinte años después de su publicación en lengua inglesa y más de quince de su traducción española, Cátedra reedita el Poder de las Imágenes de David Freedberg, un ensayo que, como el propio autor reconoce en el prefacio, “no trata sobre la historia del arte” sino sobre “las relaciones entre las imágenes y las personas a lo largo de la historia”. Junto con esta puntualización, la novedad aportada por Freedberg reside en que, a diferencia de lo que sucede con otros tratados similares, el suyo no se centra únicamente en la producción artística que podríamos definir como elevada o académica, sino que analiza también la influencia de las imágenes populares como exvotos, máscaras africanas, fotografías de actualidad, figuras de cera de personajes del siglo XX etc.Un texto que, a pesar de su juventud, se ha convertido en un clásico de la estética y que, sin ser un libro de los que un diseñador acostumbra a tener sobre la mesa del estudio, su lectura aclarará muchos conceptos y servirá de útil bagaje para desarrollar proyectos de comunicación, como fueron en muchos casos esa piezas que ahora consideramos artísticas y que en muchos casos fueron utilizados en el pasado como medios de transmisión de mensajes y conceptos religiosos y políticos.

El poder de las imágenes. David Freedberg. Cátedra.
500 páginas. Idioma: Español

En un mundo como el del tebeo, liderado en los últimos tiempos por tendencias estéticas vinculadas al manga japonés, sorprende ver cómo en los últimos tiempos hay autores que están bebiendo de fuentes más cercanas, si no geográficas sí culturales, como pueden ser las obras de Alberto Breccia. Ese es el caso de autores como Jorge González autor de Fueye o del que ahora nos ocupa, Andrés G. Leyva, cuyo trazo, narración y temática recuerdan al maestro argentino. Evelyn es, por tanto, una historia gótica de vampiros, construida con sombras, claroscuros y texturas que se lee de un tirón y deja buen recuerdo. Un trabajo que sin ser memorable no desentona en absoluto con el resto de novedades presentes en las librerías y al que se le pueden sacar pocas pegas. La más destacable, el hecho de que el trazo manual de los dibujos y el rotulado por ordenador de los gritos, ruidos y expresiones (no de los bocadillos) no hacen un buen maridaje, algo que últimamente pasa desapercibido a los autores pero que saca de la historia al lector por advertir cierta incongruencia entre ambas estéticas.Además de la historia en sí, el álbum contiene en sus últimas páginas una especie de regalo para el lector. La oportunidad de asomarse a la chistera de G. Leyva y conocer algunos de sus trucos a la hora de desarrollar Evelyn. Anotaciones, story boards, bocetos de los personajes y hasta una pequeña escultura de uno de ellos. Pistas que nos cuentan algo más sobre este autor, por ejemplo, que tiene personalidad artística suficiente como para desarrollar con éxito un estilo propio sin manierismos y en territorios no explorados por otros dibujantes.

Evelyn. El extraordinario caso del doctor Corman. Andrés G. Leyva
Sins entido. 64 páginas. Idioma: Español

A todos nos gusta que nos regalen cosas cuando acudimos a un establecimiento, incluso si se trata del calendario de varillas de bambú que dan a la salida de los restaurantes chinos. De hecho, en alguna ocasión hasta estaríamos dispuestos a comprar dicho calendario para llevarnos un recuerdo de nuestra última visita o de cómo nos sentó el cerdo agridulce siempre que estuviera un poco mejor diseñado de lo que está. Pues bien, para los dueños de restaurantes chinos, de comercios en general y de los diseñadores que trabajan para ellos, la editorial PIE Books ha publicado Premium Novelties. Un libro en el que se recogen multitud de ejemplos de regalos promocionales o de productos de merchandising vinculados a una marca que pueden ser comercializados por ésta para incrementar de forma extra los ingresos del negocio. Corbatas, bolsas de tela con el logotipo y otros motivos decorativos relacionados con la compañía, cajas de cerillas, mascotas de peluche o resina, camisetas, chapas, cds y, claro está, calendarios, son algunos de las ideas que se pueden encontrar en este libro, aunque hemos de advertir que la alta calidad de los productos que se muestran está estrechamente relacionada con la calidad la imagen corporativa de la empresa, o lo que es lo mismo, antes de abordar el regalo promocional o el merchandising de una compañía tal vez haya que adecentarle primero su imagen y logotipo.

Premium Novelties. Graphics for promotional kits, gifts & goodies. VV. AA.
PIE Books. 164 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

Decidir cuál será el color corporativo de una marca no es un hecho baladí para un diseñador. Dado que acompañará a la marca en todas sus comunicaciones, entre otras muchas cosas hay que conseguir que sea notorio y reconocible pero sin que se parezca al de marcas rivales ni resulte estridente o desagradable a los destinatarios. Tampoco hay que olvidar que, salvo que se pretenda otra cosa, deberá poderse reproducir con técnicas de impresión estándar para no aumentar los costes de producción y, ya que estamos metidos en harina, habrá que tener en cuenta las connotaciones o efectos psicológicos que los colores tienen sobre el cerebro humano. En definitiva, muchas variables con demasiadas implicaciones como para improvisar sobre ello. Por eso es interesante echarle un ojo a este Branding by color donde se recogen cien ejemplos en los que otras tantas marcas muestran cómo han utilizado, con éxito, el color en su imagen y sus comunicaciones. A diferencia de lo que sucede con otros libros de la editorial PIE, en esta ocasión el criterio de ordenación de los trabajos no responde a, por ejemplo, la actividad a realizar. En Branding by color se suceden empresas de los sectores empresariales más dispares. Desde la gastronomía a las finanzas, desde el deporte a la telefonía móvil, desde unas líneas aéreas a una marca de automóviles. El criterio de selección ha sido, como no podía ser de otra manera, el de las gamas de colores (Azul-morado, verde, rojo-rosa, naranja-amarillo-marrón, blanco y negro, dorado-plateado y diferentes combinaciones de color), o que hace del libro una útil guía para acabar con los prejuicios sobre los colores, sacarles el máximo partido y conseguir con, por ejemplo, una simple combinación de dos tonalidades, un resultado cromático complejo que resulte impactante y funcione de cara a la marca y el cliente final.

Branding by color. 100 successful graphic designs. VV. AA. PIE Books.
222 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

Parecería imposible reunir más de un centenar de magníficos ejemplos de diseño gráfico aplicado al sector de la alimentación procedentes de todo el mundo de no ser porque, hace unos años, los responsables de la editorial PIE Books ya lo consiguieron en su título Food shop graphics. No contentos con ello, han decidido repetir la hazaña editando New food shop graphics, un volumen que, si bien aborda la misma temática, pone a disposición del lector un nuevo centenar de trabajos en los que el diseño gráfico aborda el mundo de la hostelería. Envoltorios, bolsas, cajas, menús, interiorismo para restaurantes, bares y tiendas de delicatessen, logotipos y desarrollo de imágenes corporativas en cuberterías, vajillas, posavasos o servilletas, cajas de cerillas, flyers, obsequios para fidelizar clientes… todo tiene cabida en este libro en el que, junto a cada uno de los trabajos, se acompañan los datos de los diseñadores y la dirección del establecimiento en cuestión. Un gran título que hará las delicias de los profesionales del diseño, no sólo porque permite estar al día de lo que se hace a nivel mundial en el campo de la hosteleria sino porque proporciona ideas tanto en el aspecto gráfico como en el industrial pues, a la vista de los ejemplos recogidos en New food shop graphics, el mundo de la alimentación es un campo en el que ambas disciplinas están obligadas, más que nunca, a trabajar en equipo.

New food shop graphics. VV. AA. PIE Books.
192 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

A pesar de las muchas diferencias, tanto históricas como artísticas y culturales, de personajes como Andy Warhol, Cindy Sherman, Richard Serra, Joseph Beuys, Man ray, Bruce Nauman, László Molí-Nagy, Gordon Matta-Clark, Fernand Léger, Ken Jacobs, Max Ernst, Marcel Duchamp o Salvador Dalí, lo cierto es que entre todos ellos se puede establecer un nexo común, concretamente el de haberse adentrado en un momento u otro de sus carreras en el mundo del cinematógrafo. Bien sea para experimentar con la potencia de ese nuevo lenguaje artístico, como puede ser el caso de Duchamp o Dalí; bien para documentar sus performances como en el caso de Joseph Beuys; bien para hacer que su producción pictórica aumentase de valor como en el caso de Warhol, lo cierto es que gracias a estos autores el cine se olvidó por un momento de su dimensión puramente comercial para desplegar sus posibilidades artísticas y adentrarse en el campo de la experimentación tanto en lo visual y estético, como en lo narrativo y técnico. Carlos Tejeda ha seguido la pista de estos (y otros muchos) artistas, de sus obras y ha confeccionado en Arte en fotogramas todo un tratado sobre la materia. Un ensayo que aborda en sus más de cuatrocientas páginas las relaciones entre el arte pictórico, el cinetismo y la cinematografía, los mecanismos ilusorios de movimiento, los primeros ingenios para producir la sensación de imágenes en movimiento como la cronofotografía, el uso artístico que los diferentes –ismos dieron al cinematógrafo, la aparición en los años sesenta del siglo XX de las segundas vanguardias, el pintor como personaje de película y el celuloide como soporte pictórico.Ilustrado con abundantes fotografías que sirven de ejemplo de lo expuesto en el texto, el libro se completa con una interesante bibliografía y unos perfiles biográficos de los protagonistas que permiten al lector ubicar al personaje en su contexto histórico, artístico y cultural y le proporcionan información sobre su filmografía, libros sobre el personaje y otros datos relacionados como su página web en caso de que la tenga.

Arte en fotogramas. Cine realizado por artistas. Carlos Tejeda
427 páginas. Idioma: Español

La presentación al cliente es una de las fases críticas del proceso creativo. Una explicación caótica, un story board mal planificado o un logotipo bocetado de manera poco clara pueden mandar al traste una magnífica idea. Por esa razón resulta muy interesante conocer de qué manera presentan los diseñadores de diferentes partes del mundo sus trabajos y ver la evolución de los mismos hasta convertirse en un cartel, un libro, un spot, una imagen corporativa o una serie de personajes pensados para arrasar en el campo del merchandising. Graphics for visual presentations de la editorial japonesa PIE Books nos da la oportunidad de adentrarnos en los secretos de una buena presentación a través de más de un centenar de ejemplos procedentes de estudios de todo el mundo (aunque, por motivos lógicos, predominan los japoneses). Unos ejemplos que se presentan con todo detalle, con explicaciones referentes a cómo surgió el encargo y con una ficha técnica sobre las personas involucradas en su desarrollo. Una buena oportunidad para, además de mejorar como diseñadores, ponerse al día sobre las nuevas propuestas visuales y profesionales que destacan en el diseño actual.

Graphics for visual presentations.  VV. AA. PIE Books.
160 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

En ocasiones los títulos buscan envolver los libros en un paño que los haga más adecuados para el punto de venta y atractivos para el lector. No es el caso de este libro de Jacob Bañuelos Capistrán cuyo título, Fotomontaje, describe sin adornos ni aditivos lo que acoge en sus casi cuatrocientas páginas, y que no es otra cosa que un repaso y análisis crítico de este lenguaje artístico que aglutina técnicas procedentes de artes clásicas como la pintura, el dibujo y de otras más actuales como el diseño gráfico, el lenguaje comercial y, cómo no, la fotografía.
Respaldado por una basta bibliografía que aparece reseñada al final del volumen, Bañuelos Capistrán realiza un recorrido por la historia del fotomontaje desde sus primeras manifestaciones en el siglo XIX, hasta nuestros días con la aparición de las técnicas digitales, sin olvidar su edad de oro de la mano de los dadaístas en la década de los 20 del siglo pasado.
Un libro que, como no podía ser de otra manera tratándose de un tema como este, contiene abundantes ilustraciones, muchas de las cuales son poco conocidas y no han sido reproducidas anteriormente y cuya única pega es el hecho de que todas ellas se reproducen en blanco y negro. Un hecho que, en un primer momento, llamará la atención del lector pero que pronto pasará desapercibido cuando comprenda que éste es un libro de análisis, no una mera colección de cromos de los que está el mercado repleto.

Fotomontaje. Jacob Bañuelos Capistrán. Cátedra.  

376 páginas.  Idioma:Español.

La arquitectura efímera y los stands para ferias profesionales no son, a primera vista, uno de los proyectos más interesantes a los que un diseñador se pueda enfrentar. Sin embargo, las posibilidades creativas de estos trabajos son infinitas y van, si el presupuesto lo permite, mucho más allá de un panel de separación y un rótulo.
Creative Booth Design es un catálogo, pues ese es su aspecto y su aparente finalidad, de stands realizados para compañías japonesas de diferentes sectores empresariales. En sus páginas se puede encontrar todo tipo de ejemplos, ideas y propuestas para salir airoso de un encargo semejante según las necesidades de cada cliente, como contar con sala de reuniones, de demostración del producto, de proyecciones, de exposición, etc.
Además, cada proyecto, al que se dedican cuatro páginas llenas de fotografías, se completa con una ficha técnica en la que se detalla el nombre de la empresa, el diseñador del stand, los metros cuadrados del mismo, sus características, el tipo de material empleado y en algunos casos, su coste, eso sí, en yenes.

Creative Booth Design 1 VV. AA. Alpha Books
256 páginas. Idioma: Inglés y japonés

Crear una marca es mucho más que diseñar un logotipo y unos cuantos elementos coordinados. En el mundo actual, una marca es algo muy cercano a un estilo de vida, una elección que reafirma al sujeto que la elige y lo diferencia o hermana con otros, según compartan o no sus gustos.
Por ello no es extraño que los responsables de la editorial Pageone hayan bautizado a este libro como “Designing the Brand Experience”, pues en él se detallan marcas sólidas que transmiten algo más que la confianza aportada por un sello de calidad. Marcas de todo tipo y tamaño, desde las multinacionales como Nike, Levi’s o Adidas a las más domésticas como HappyPills, Beee o Come Come, despliegan en este volumen todas sus virtudes ante el lector, que se queda prendado de cómo el diseñador en cuestión ha sabido dotar a cada una de ellas de una personalidad que se desgrana en bolsas, envases, señalética, accesorios, elementos promocionales etc.
Un libro útil para todo diseñador al que sólo cabe sacarle el fallo de la poca información que se aporta sobre los proyectos en cuestión y que se limita al nombre del cliente, del estudio de diseño y, en el mejor de los casos porque no siempre sucede así, una pequeña descripción de la marca y las necesidades que dieron lugar al encargo.

Designing the Brand Experience VV. AA. Pageone
274 páginas. Idioma: Inglés

La Society Publication Designers lleva casi medio siglo premiando lo más destacado en lo que a diseño editorial para revistas se refiere. Una labor que ya ha generado 43 anuarios, el último de los cuales recoge trabajos correspondientes al año 2007.
En un momento en el que el mundo de la prensa pasa por una mala etapa, a consecuencia de la aparición de los medios online y su incapacidad para transformarse con objeto de retener a sus lectores, más interesados en la inmediatez de Internet y su carácter gratuito que en la prensa clásica y anquilosada, este libro resulta realmente inspirador. En él se recogen múltiples ejemplos de las posibilidades que aún posee el papel impreso. De su belleza, de su potencia visual, de su versatilidad a la hora de colocar los bloques de texto y los titulares, de lo impactante de las imágenes fotográficas o de las ilustraciones... Un conjunto de cosas que tal vez encierren la verdadera respuesta a la crisis de la prensa impresa y que no es otra que combatir a Internet con creatividad, buenos contenidos y calidad.
De hecho, tras una lectura detenida de este 43 anuario de la SPD surge la pregunta de por qué no hay publicaciones como esas en nuestro país. A excepción del suplemento Metrópoli del diario El Mundo apenas hay cabeceras españolas premiadas en sus páginas. Un hecho que suscita una nueva cuestión: si tenemos grandes diseñadores en este país ¿por qué no tenemos empresarios en el sector de la prensa que estén a la altura de ellos y las circunstancias?

SPD 43rd Publication Design Annual. Rockport Publishers, Inc.
336 páginas. Idioma: Inglés

Por fin un libro que echa por tierra eso de que la tipografía es aburrida, árida y sujeta a infinidad de exigencias y normas. Un libro en el que las letras se vuelven juguetonas, nos sorprenden y nos seducen con sus formas sinuosas, con el desarrollo de técnicas experimentales y con una paleta de deslumbrantes colores. Un libro en el que las tipografías son mucho más que elementos a través de los cuales se pueden transmitir mensajes, para convertirse en parte esencial de ese mensaje.
Un catálogo de letras ornamentales utilizadas en diferentes soportes, desde el papel a los muros y paredes de las ciudades, cuya principal finalidad o preocupación no son ni la legibilidad ni la ortodoxia sino la sorpresa y el impacto visual.
Trabajos tipográficos que difícilmente tendrán otro uso que aquél para el que han sido ideados, que no podrán utilizarse como tipografías instalables en un ordenador y que, mucho nos tememos, no soportarán demasiado bien el paso del tiempo por estar estrechamente unidos a las tendencias estéticas del momento. Algo que, sin embargo, no le resta atractivo a este volumen, que funciona como catálogo de buenas ideas y archivo de lo que se está haciendo actualmente, como funcionan los libros de carteles de principio del siglo pasado que, no por lejanos, dejan de tener un alto grado de calidad y de interés histórico.

Playful Type. Ephemeral lettering & illustrative fonts. Gestalten
240 páginas. Idioma:Inglés

Una nueva edición, la número 87 nada menos, del Anuario del Art Directors Club. Un grueso volumen que, por el mismo precio o incluso algo menos que los anuarios de los clubes de creativos de los diferentes países, aporta una mirada general sobre lo que se está haciendo en el campo de la creatividad comercial en todo el mundo.
Una selección de magníficas propuestas y fantásticas ejecuciones que prueban que, a pesar de que parezca que todo está inventado, siempre hay cosas nuevas por hacer. De hecho, entre las piezas que aparecen existen varias –como esa tan recurrente en la que una servilleta de papel se sugiere como soporte para apuntar las creaciones más geniales– que recuerdan a otras ya vistas. Sin embargo, su virtud está en que en lugar de parecernos plagios de ideas anteriores resultan nuevas gracias a nuevas formas de presentarlas o a su aplicación a diferentes contextos y clientes.
Además de por su contenido, Art Directors Annual es un libro que destaca por su presentación, sobria, sencilla y alejada de esos excesos en la producción en los que cayó esta misma asociación en el pasado y en la que todavía caen clubes similares en el presente.

Art directors annual 87 VV. AA. Rotovision
466 páginas Inglés

La aparición de las herramientas para realizar imágenes en 3D satisfizo las necesidades de muchos clientes y diseñadores que deseaban generar imágenes imposibles a precios razonables. Sin embargo, el abuso de ese tipo de estética ha hecho que el 3D resulte realmente aburrido para muchos diseñadores que, hartos de ver y de tener que generar ese tipo ilustraciones, han decidido volver a las técnicas tradicionales para conseguir el mismo resultado.
Una corriente espontánea recopilada en Stereographics, un volumen en el que pueden encontrarse cientos de ejemplos en los que el recorta, pinta y colorea son los protagonistas.
Miniaturas, tipografías gigantes integradas en escenarios naturales, maquetas, bodegones de objetos cotidianos, punto de cruz, trajes de papel, libros que forman mensajes según su colocación en la estantería, muñecos de plastilina… Infinidad de propuestas a cada cual más sorprendente que nos demuestran no sólo que antes de la aparición de los ordenadores y la ilustración generada por ordenador hubo vida en el diseño gráfico, sino que ésta puede ser aún más maravillosa si, en lugar de olvidarlas, se combinan todas esas técnicas para conseguir resultados tan interesantes e impactantes como los que muestran en Stereographics estudios de la talla Sagmeister Inc., Pixelgarten, Nono-Format, Sweden Graphics, Grandpeople, Co-Op, Bleed, Bela Borsodi o Playful.

Stereographics. Graphics in New Dimensions VV. AA. Viction:ary
224 páginas Inglés

Conocida por sus libros Rollos míos y Más rollos míos, también editados por Sins Entido, la francesa Aude Picault muestra en Papá una nueva faceta como narradora. Sin renunciar a su estilo en lo que se refiere a la ilustración, Picault deja a un lado lo divertido, lo intrascendente o lo frívolo de sus historias anteriores para adentrarse en el drama que supone el suicido de un ser querido que, en este caso, es su propio padre.
Estructurado en cuatro capítulos, el libro describe la relación entre padre e hija, no sólo durante la época en la que aquél estaba vivo, sino también en su ausencia, preguntándose el porqué de esa decisión y explicando cómo, a pesar de lo sucedido, los recuerdos pueden mantener con vida a los que ya fallecieron.
A excepción de alguna parte en la que la narración puede resultar redundante en sentido de que no es necesario explicar en diez páginas lo que ya está explicado en cinco, Papá funciona como un todo sólido y muy bien hilvanado. Los sencillos dibujos de Picault resultan sumamente poéticos y sus recursos a la hora de transmitir estados de ánimo tan personales y complejos como el hastío, la pena o el desamparo, realmente impactantes, inteligentes y, por encima de todo, muy sinceros.
Aunque la autora no escatima detalles a la hora de explicar las causas que desencadenaron el suicidio de su padre ni cómo se produjo éste, lo cierto es que Papá no es un libro triste, truculento o dramático. El libro es una declaración de amor, un acto de cariño hacia el padre muerto que alberga esperanza y alegría y que transmite al lector la grandeza de las obras de arte, aquellas que hacen que perduren y eviten que lo dicho en ellas caiga en el olvido. Algo que Picault ha tenido la suerte de poder hacer con su padre gracias a su talento como ilustradora y que, lamentablemente, no todas las personas podemos hacer.

Papá. Aude Picault. Sins Entido
74 páginas. Español

El Sol, el festival de publicidad iberoamericana que se celebra cada año en San Sebastián, era de los pocos certámenes de este tipo que carecía de un anuario en el que se recogieran los trabajos ganadores de cada edición. Si bien en el pasado editó algún que otro libro de ese tipo, ha tardado más de una década en recuperar una costumbre que ha retomado este año publicando el palmarés de la edición del 2008.
A pesar de la buena noticia, el resultado no deja de ser un tanto descorazonador a consecuencia de que el producto parece pensado más como elemento promocional de la ciudad de San Sebastián y de la Asociación Española de Agencias de Publicidad que como recopilación de creatividad española e iberoamericana.
Escaso de páginas en comparación con libros semejantes, no incluye imágenes de todos los premios sino únicamente de los oros, quedando relegadas las platas y los bronces a una simple mención en cada categoría correspondiente. Además, se les da excesivo protagonismo a las instituciones de San Sebastián, sus representantes e incluso miembros del jurado o galardonados quienes son requeridos para que justifiquen el por qué de los premios, en el caso de los primeros y den su opinión por haber sido merecedores de ellos, en el de los segundos.
A pesar de todo, esperamos que este sea un primer paso para que, en el futuro, el anuario de El Sol se centre en el tema del que realmente se debe ocupar como festival de publicidad y se convierta así en un referente en lo que a libro de creatividad se refiere.

SOL. Festival Iberoamericano de la Comunicación Publicitaria VV. AA.
96 páginas. Idioma: Español

El Art Directors Club of Europe acaba de presentar su tradicional anuario. A pesar de su excesiva similitud con la gráfica de México 68, sus responsables no han dudado en afirmar, sin rubor alguno y en su titular, que nos encontramos ante el Anuario de los Anuarios. Lamentablemente no es así. Éste es como cualquiera de los anuarios que aparecen cada temporada, una recopilación de aquellos trabajos que el jurado ha considerado mejores de entre todos los presentados al certamen. Una aclaración que sobraría en cualquier otro caso pero procedente a la vista del desparpajo de los responsables a la hora de calificar su producto. Lo que sí que es cierto es que este anuario, a diferencia de lo que sucede con otros concursos de ámbito más localista como los Laus o el anuario del Club de Creativos, puede presumir de contener trabajos de muy buena calidad. La explicación es sencilla, la apertura de la horquilla de participación supone necesariamente el aumento de posibilidades de recibir mejores trabajos e incluso actúa de filtro previo, disuadiendo de inscribir piezas a aquellos que saben de la poca calidad de sus trabajos y de las nulas posibilidades de conseguir premio alguno al medirse con otros diseñadores.
El libro se completa con una serie de textos en los que destacados protagonistas de diferentes profesiones exponen su visión de cómo evolucionará el mundo de la creatividad en los próximos años.

The annual of annuals. Best of European Design & Advertising ‘08 VV. AA.
The Art Directors Club of Europe. Idioma: Inglés

Mark Wigan, ilustrador, artista y autor de Pensar visualmente, uno de los títulos más interesantes de los editados por Gustavo Gili recientemente, se adentra en esta ocasión en el mundo del arte secuencial con un manual que explica cómo desarrollar un proyecto de este tipo partiendo de la narración y el diseño de los personajes, hasta su ejecución a través de diferentes técnicas como el tebeo, la animación, el cine o el vídeo arte. Un completo volumen en el que se repasa la evolución de este lenguaje desde sus inicios hasta la actualidad, abordando temas como la edad de oro del cómic, el tebeo underground, el cine negro, el experimental, los videojuegos o el arte visual de club.
A pesar de sus virtudes conceptuales y de contenidos, que incluyen hasta un glosario de términos al final del libro, éste adolece de un diseño muy poco acertado que confunde modernidad con caos y desorden, lo que dificulta la comprensión de los capítulos. De hecho, el autor y los responsables de la maqueta deben haberse dado cuenta de ello pues, en las primeras páginas, explican cómo ha de leerse el libro, algo que sorprende teniendo en cuenta que el invento tiene cientos de años de existencia y a sus destinatarios se les supone destreza suficiente como para enfrentarse a un producto similar y salir ilesos.

Imágenes en secuencia. Mark Wigan. Gustavo Gili
176 páginas. Idioma: Español

El mundo del packaging ha encontrado su hábitat preferido en el sector de la belleza. En él ha conseguido desplegar todo su potencial sin miedo a las limitaciones creativas, de producción o de costes, dando lugar a ejemplos que, en ocasiones, resultan más atractivos y sorprendentes que el producto para el que esos recipientes han sido diseñados.
Beauty & Healthcare es el mejor ejemplo de la premisa anterior. En sus páginas se dan cita todo tipo de envoltorios, frascos, cajas, lazos e infinidad de elementos en cartón, tela, cristal o plástico destinados a mejorar la presentación de champús, colonias, cremas faciales, desodorantes etc.
Una fantasía de papeles especiales, troqueles imposibles, impresiones en serigrafía, tintas plateadas, dorados, golpes secos, barnices y texturas que sólo pueden ser utilizados, al menos todos juntos y en un mismo trabajo, en el campo de la cosmética.

Beauty & Healthcare. Package design VV. AA. PIE Books
160 páginas Idiomas: Inglés / Japonés

La ecología, el reciclaje, el desarrollo sostenible, la naturaleza son conceptos que se han incorporado a nuestra vida cotidiana a través de campañas de concienciación, documentales, noticias y, aunque resulte sorprendente, también a través de los productos de uso cotidiano a raíz de que las empresas vieran en el respeto medioambiental la posibilidad de mejorar su imagen de cara a los consumidores. Tanto es así que, con objeto de adecuarse a esa nueva filosofía, muchas de ellas han experimentado transformaciones en su aspecto, en el de sus productos y en su comunicación.
Tal es la importancia de este fenómeno, que los responsables de la editorial japonesa PIE Books han querido mostrar cómo han sido plasmados estos conceptos en diferentes trabajos de diseño y publicidad pertenecientes a empresas de sectores tan dispares como el inmobiliario, el de diseño de muebles, el de electrodomésticos, el de las galerías de arte o el financiero.
Sin intención de hacer ningún tipo de crítica o análisis sociológico sobre esta cuestión, el libro recoge cientos de ejemplos de packaging, anuncios e interiorismo, que muestran cómo elementos como los frutos, la madera, las plantas, el agua, las tonalidades verdes que evocan la naturaleza o las ocres que recuerdan a los bosques otoñales son empleados en su propio beneficio por todas esas compañías.

Relaxing graphics. Warm, calm, exhilarating. VV. AA. PIE Books
156 páginas Idiomas: Inglés / Japonés

La editorial Gustavo Gili pone a disposición del público hispanohablante Grids. Creative solutions for graphc designers, título de la editorial norteamericana Rotovision y publicado por ésta en 2007, que es un exhaustivo y didáctico manual sobre el uso de las retículas en el diseño gráfico, organizado según las diferentes necesidades a las que tiene que enfrentarse el profesional de esta disciplina: catálogos y folletos, exposiciones, libros ilustrados, identidad, revistas periódicos y boletines, packaging, carteles y flyers.
Al igual que sucede con otros títulos semejantes, el libro cuenta con decenas de ejemplos que son diseccionados para mostrar la retícula que subyace en ellos, la cual es desglosada mostrando todas sus medidas. Una idea sumamente útil, teniendo en cuenta que, en ocasiones, éstas resultan de una complejidad tal que sería prácticamente imposible deducirlas de la mera observación de las páginas de las publicaciones.
Sin embargo, lo que lo diferencia a Retículas. Soluciones creativas para el diseñador gráfico de sus competidores es el hecho de contar con un CD en el que se incluyen unos tutoriales con esos mismos ejemplos en formato InDesign o QuarkXPress, para que el diseñador interesado pueda trastear con ellas y generar nuevas soluciones para sus propios trabajos.

Retículas. Soluciones creativas para el diseñador gráfico. VV. AA. Editorial Gustavo Gili
224 páginas. Idioma: Español

¿Por qué un logotipo es como es? ¿Qué significan los elementos gráficos u ornamentales que aparecen en ellos? A diferencia de muchos de los libros de logotipos que son publicados cada temporada, Logos, de Michael Evamy, describe al final de cada página cuál es la actividad de la empresa en cuestión, la razón de que en su distintivo aparezcan o no elementos heráldicos o de otro tipo, explicaciones sobre por qué se ha optado por una o por otra solución al ejecutarlos y, por supuesto, la autoría.
Aunque todo esto pueda parecer un hecho baladí, lo cierto es que el mercado está saturado de publicaciones que se limitan a reproducir logotipos sin otro criterio organizativo o de selección que el alfabético. Si bien esto podía ser útil antes de la era internet, una época en la que conseguir información sobre trabajos de diferentes partes del mundo suponía toda una odisea, a día de hoy ese tipo de libros resultan totalmente insatisfactorios. Por eso es de agradecer publicaciones que aborden el tema desde un punto de vista diferente que, sin ser el colmo de la innovación, al compararlo con lo que había antes, resulta casi revolucionario.

Logo. Michael Evamy. Gustavo Gili. 352 páginas
Idioma: Español

De un tiempo a esta parte los editores de tebeos se han dado cuenta de que Corea también existe y de que no es sólo Japón el país de extremo oriente que produce manga. De esta forma, han comenzado a publicarse en nuestro país títulos procedentes de allí que, aunque la mayor parte de las veces poseen un aspecto estético similar al desarrollado por los artista nipones, su contenido es totalmente diferente. El manga coreano, al menos el que nos está llegando, suele explorar otros territorios narrativos en los cuales las historias son más solemnes, atormentadas y, el humor, contenido cuando no escaso.
Si a esto le sumamos la decisión de Ediciones Sins Entido de dedicar toda una colección al tebeo hecho por mujeres, aprovechando esa veta abierta por Persépolis, entendemos el por qué de la publicación de “La historia de mi madre”. Una historia autobiográfica, escrita y ejecutada por una mujer, para más señas, coreana.
Kim Eun-Sung nos guía por la relación que mantiene con su anciana madre y relata sus recuerdos en una Corea aún unificada con un trazo muy similar al de Satrapi que lastra una historia que promete pero no acaba de enganchar.
A pesar de ello, hay que reconocer que si Sins Entido es una de las editoriales más importantes dedicadas al mundo del tebeo en nuestro país, lo es gracias a su capacidad para experimentar, arriesgarse y abrir nuevas vías en esta disciplina que, de no ser por ellos, nunca serían exploradas por otras editoriales más grandes. Y eso es lo que tienen los experimentos: a veces son un éxito, otras no tanto pero, en ambos casos, la experiencia es imprescindible para seguir adelante, abriendo camino y sorprendiendo.

La historia de mi madre. Kim Eun-Sung. Ediciones Sins entido. 224 páginas.
Idioma: Español

La editorial Gustavo Gili pone en marcha una nueva colección de libros dedicada al diseño gráfico. Su título es “Claves del diseño” y su primer lanzamiento está dedicado a los logotipos, que, por lo que parece, es uno de los temas estrellas de la editorial (han editado al menos tres títulos al respecto esta temporada) y que más deben preocupar a los diseñadores.
Como es habitual en esta editorial, la publicación es sumamente didáctica y sencilla de comprender. Abundantes imágenes y ejemplos gráficos explican el proceso de creación de un logotipo y su aplicación a los diferentes medios y soportes como internet, papel, exterior etc. Se incluyen también explicaciones sobre casos reales aunque, eso sí, de clientes anglosajones -no en vano el libro está escrito por los responsables del estudio norteamericano Capsule-, un universo que tal vez no sea totalmente extrapolable al de los diseñadores españoles pero que servirán para resolver alguna que otra duda y descubrir soluciones que puedan ser aplicables a la realidad de nuestro país.

Claves del diseño 01. Logos. Capsule. Gustavo Gili. 192 páginas
Idioma: Español

La bienal internacional de fotografía organizada por la agrupación foto-cine de Cerdanyola-Ripollet cumple diez ediciones. Veinte años apoyando la fotografía y adaptándose a los nuevos tiempos que vive la disciplina, como demuestra este catálogo que recoge las piezas premiadas y seleccionadas de todas las presentadas a concurso en 2008.
Un libro de generosas dimensiones, buenos acabados y sencillo diseño, lo que es todo un acontecimiento en este tipo de productos que, a consecuencia de los altos costes de impresión, acostumbran a ser mucho menos ambiciosos.
Además de por todo esto y a pesar de su amplia variedad de estilos que en él se incluyen, Aqüeducte.08 es un buen instrumento para conocer cuáles son las tendencias fotográficas que están en boga en cada momento y que, por lo que se deduce de sus páginas, en la actualidad parecen copadas por los retoques fotográficos en Photoshop. El tiempo es el que nos dirá si esas tendencias en 2008 perdurarán en el futuro o no. Para saberlo, deberemos conservar este catálogo durante los años venideros.


Aqüeducte.08 X Bienal Internacional de Fotografía. 10. Edición. 20 Aniversario VV. AA. Afocer . 276 páginas. Idioma: Español / Portugués / Inglés / Francés / Alemán / Italiano

La nota característica de Fueye, lo que lo diferencia de otras novedades con las que comparte estante en las librerías estos días y que tanto desde la editorial como desde los medios se ha significado, es el hecho de haber recibido el Primer Premio Internacional de Novela Gráfica convocado por el supermercado cultural FNAC y la editorial Sins Entido. Dicho esto, es de recibo añadir que dicho reconocimiento es merecido, al menos en lo que se refiere a su ejecución.
Fueye es, desde el punto de vista del dibujo, un magnífico tebeo, con recursos gráficos muy interesantes y con un trazo y estilo que sitúan a Jorge González entre los dibujantes más destacados de los que se encuentran actualmente en activo. Otra cosa es su guión. Prometedor e interesante en origen, lo que comienza siendo una historia de emigración, lumpen, bajos fondos, traiciones y desclasados mecida a ritmo de tango, acaba siendo una milonga que se deshilvana cayéndose a jirones entre los dedos a medida que avanzan sus páginas.
De todas formas, estas pegas no restan valor estético a Fueye ni impedirán que disfrute de un enorme éxito a lo largo de esta temporada. De hecho, es posible que acabe convirtiéndose en uno de los títulos claves del 2008 e incluso de la década. Valores artísticos no le faltan como no le falta talento a Jorge González como dibujante pues así nos lo ha demostrado en el pasado con títulos como Heat Jazz (con guión de Horacio Añtuna) y así nos lo demuestra hoy con Fueye.

Fueye. Jorge González. Sins Entido. 192 páginas.
Idioma: Español

De nuevo les presentamos un enciclopédico título de la editorial PIE Books. Uno de esos libros que lo tiene prácticamente todo del tema al que se refieren. En este caso se trata de los elementos gráficos de las tiendas de París. Un tema que en manos de cualquier otro quedaría ramplón y anodino pero que, en las de estos japoneses, es un festival de imágenes que proporcionan cientos de ejemplos de cómo los más atractivos comercios de la capital francesa comunican su marca a sus clientes.
Organizados en cuatro apartados, Living, Fashion, Food y Service y a lo largo de sus casi doscientas páginas, el lector encontrará todo tipo de materiales gráficos relacionado con esos comercios. Desde papel de envolver hasta cintas para hacer lazos, sin olvidar las tarjetas, cajas, bolsas, etiquetas, material promocional, obsequios para fidelizar a los clientes, detalles relacionados con el interiorismo etc. Un sinfín de ideas que pueden ser aplicadas en un momento dado al cliente de cualquier estudio o agencia de publicidad, siempre que se adapten previamente a la situación concreta de dicho cliente, pues hemos de advertirle que todas estas maravillas gráficas que se incluyen en Shop image graphics in Paris pertenecen a comercios de lujo, de mucho lujo, a los que es difícil imitar tanto en la variedad de aplicaciones como en sus exquisitos acabados.

Shop image graphics in Paris VV. AA. PIE Books. 192 páginas.
Idioma: Inglés / Japonés

Japón no deja de sorprendernos. Y no nos referimos únicamente a su cultura, sus paisajes, su gastronomía... En esta ocasión hablamos de sus ilustradores. Profesionales que desarrollan todo tipo de estilos y técnicas y que dejan al lector con los ojos como platos. Grafito, plumilla, pincel, témperas, acuarelas, retoque por ordenador, textiles, ilustración vectorial son algunas de las herramientas utilizadas para crear dibujos capaces de satisfacer a todo tipo de clientes y encajar en cualquier proyecto por raro que este sea.
Ilustraciones que nos retrotraen a las décadas de los 50 y 60, imágenes que se ajustan como un guante a cualquier catálogo de alta costura, trabajos que exploran las últimas tendencias estéticas, obras naifs ideales para hacer feliz al público infantil (y no tan infantil), panorámicas y alzados de edificios pensados para vender un gran proyecto arquitectónico, todo eso y mucho más se encuentra en este segundo volumen de Illustration Book Pro 02 y, lo que es aún más sorprendente, todos esos profesionales han surgido de Japón y están representados por Pict, una agencia de ilustradores que cuenta con una interesante página web e incluso con una galería en la que se exponen y venden originales de los artistas en cartera.

Illustration Book Pro 02. VV. AA. PIE Books. 320 páginas
Idioma: Inglés / Japonés

“En casa del herrero, cuchillo de palo” dice el refrán y, en ocasiones, es cierto que los diseñadores gráficos, tan preocupados por mejorar la imagen y la comunicación de sus clientes, descuidan la propia.
No es el caso de los que se incluyen en este libro de PIE Books en el que la editorial japonesa muestra un centenar de ejemplos de trabajos de autopromoción. Surgidos de estudios de diferentes lugares del mundo, aunque predominan los japoneses por razones evidentes, los ejemplos aquí reproducidos son una inagotable fuente de inspiración para cualquier diseñador necesitado de unas buenas tarjetas de visita, una papelería que transmita la filosofía y estilo de su empresa, unos impactantes regalos promocionales e incluso ideas de interiorismo para decorar el estudio.
Desde la ejecución más imaginativa y humilde, realizada con impresión de tampón de caucho, hasta los acabados más exquisitos y costosos como los troqueles, los barnices UVI, los golpes en seco o los adhesivos. Todo ello tiene cabida en este cuidado libro que, lógicamente, además de inspirar a los diseñadores para hacer sus propias papelerías y demás materiales corporativos, servirá, no nos engañemos, para solucionar los problemas de algún que otro cliente.

Creator’s. Self promotion: In-house graphics. VV. AA. PIE Books. 162 páginas
Idioma: Inglés / Japonés

Cada vez es más habitual que un director de arte o un diseñador tenga que aplicar sus trabajos al mundo de los interactivos, las páginas webs y los teléfonos móviles. Unos medios en los que los conceptos de ilustración al uso no resultan eficaces y para los que hay que recurrir a otras técnicas, como la ilustración con píxeles.
“Diseño de personajes para consolas portátiles” es un interesante manual para adentrarse en ese territorio sin muchas dificultades, que aborda el tema desde lo más básico, como la definición de píxel, su diferenciación ente píxel y vector, la historia de las consolas portátiles, las diferencias gráficas entre ellas, las peculiaridades de los teléfonos móviles, cómo adaptar a ese formato juegos ya existentes, las limitaciones de las pantallas de LCD, la creación de personajes etc.
A pesar de todas sus virtudes y facilidades de comprensión, lo cierto es que el libro parece pensado para un público joven interesado en la historia y evolución de los videojuegos, sus personajes y las diferentes marcas de consolas. Es evidente que el diseñador más veterano que tenga que ponerse al día en esta disciplina encontrará trucos, inspiración e incluso un glosario de términos para sus trabajos, sin embargo, mucho nos tememos que no prestará especial interés a asuntos como la transformación gráfica de Mario, Sonic, los personajes de Castelvania, del Ghoulst ‘n’ Ghosts o a las diferencias entre de los juegos de lucha y los de plataformas.

Diseño de personajes para consolas portátiles. Vídeojuegos para móviles, sprites y gráficos con píxeles.
NFGMan. Gustavo Gili. 192 páginas. Idioma: Español

Hace ya tiempo que el mundo del diseño gráfico abandonó las dos dimensiones y la actitud pasiva del receptor para explorar las tres dimensiones y estar continuamente sometido a las aportaciones y usos que del cliente final. Al menos así es en el mundo de los videojuegos, un sector que aunque para algunos aún sea un arcano indescifrable, en realidad no deja de ser un medio en el que el diseño gráfico tiene un importante papel.
Tanto para aquellos que no acaban de ver la relación entre diseño y ocio electrónico como para los que la tienen totalmente asumida, la editorial Gustavo Gili ha editado “Videojuegos. Manual para diseñadores gráficos” un volumen en el que se explica de forma clara y amena cuál es el proceso de creación de un producto de este tipo desde su argumento, la creación de los personajes, el diseño de escenarios, los procesos de animación, sonorización e incluso algunos consejos para hacerse con un paquete básico de software para realizar este tipo de proyectos y la posible comercialización del juego en cuestión una vez finalizado.
Destaca la abundancia de imágenes, cuadros sinópticos, gráficos y tutoriales, todo ello con un evidente tono pedagógico, algo que a aquellos que estén familiarizados con el tema les resultará excesivamente sencillo pero que a los no iniciados les aclarará muchas de sus dudas.

Videojuegos. Manual para diseñadores gráficos. Jim Thompson, Barnaby Berbank-Green, Nic Cusworth. Gustavo Gili. 192 páginas. Idioma: Español

Tras adentrarse en el mundo de las empresas del pret a porter con “Marcas de moda. Marcar un estilo desde Armani a Zara”, el periodista británico Mark Tungate se interesa, en esta ocasión, por el sector de la creatividad publicitaria. En un momento en el que los medios están transformando los mensajes y los hábitos de los consumidores han cambiado, hasta el punto de hacer perder a la televisión la hegemonía de la que disfrutaba como mejor canal para verter los reclamos comerciales de las diferentes marcas, Tungate ha entrevistado a algunos de los profesionales más destacados de la época dorada de la publicidad para que den testimonio de cómo fue el sector en el pasado y cómo creen ellos que evolucionará en el futuro.
Un volumen de más de trescientas páginas plagado de anécdotas, reflexiones y alguna que otra confidencia, narradas por personajes de la talla de Bill Bernbach y David Ogilvy que, sorprendentemente, carece de toda fotografía que ilustre muchas de las historias que en él se recogen. Un hecho que, sin restarle interés al libro, resulta un tanto decepcionante pues no hay que olvidar que el pasado y el futuro de la comunicación comercial está, además de en sus opiniones, en los trabajos reales de los creativos.

El universo publicitario. Una historia global de la publicidad. Mark Tungate. Gustavo Gili. 334 páginas
Idioma: Español

Un recorrido por todo el mundo a través de la gráfica urbana de más de cincuenta países realizado por Mari Carmen Aymar y Albert Isern, quienes califican su labor de “antropología gráfica”. Y algo de verdad hay en ello pues, sólo gracias a este tipo de trabajos, los carteles, rótulos y mensajes comerciales se salvan de una muy probable destrucción y obtienen así una repercusión y reconocimiento que de otra forma les resultaría inalcanzable.
El único problema de este título, que inaugura la colección Photo Grafica, es que, tras la publicación de los libros del colectivo Cartele, de aquellos sobre gráfica popular mexicana, “Massala Collage” o del “25.000 Km. de Signes”, lo que nos propone “Pollos viajeros” ya lo conocemos y, por sabido, pierde su efecto sorpresa.

Pollos viajeros / Travelling chickens. M. C. Aymar, A. Isern. Guia Creativity. 226 páginas. Idioma: Español / Inglés

La Guia Creativity ha publicado su volumen número 11, el primero tras superar la frontera de su primera década de existencia. A la vista del contenido, todo indica que el cumplir años le sienta bien. Sin apenas cambios, la Guia cumple a las mil maravillas esa finalidad de ser testigo de lo sucedido en el mundo del diseño gráfico, del diseño industrial y de algunos sectores de la cultura y las artes a lo largo del año anterior a su publicación.
Por lo demás, poco se puede decir, salvo que, en los últimos tiempos, además de la Guía, la empresa editora ha comenzado a publicar libros firmados por Albert Isern, artífice de la Guia Cretivity. Excepto esta novedad que, por otra parte, no atañe directamente a la Guia, la maqueta se mantiene igual y lo mismo sucede con la forma de organizar y presentar los contenidos. Pero como nadie esperaba o demandaba otra cosa diferente, todos contentos. Ahora, a seguir bien y a por los 20 años.

Guía Creativity 11.VV. AA. Guia Creativity. 464 páginas. Idioma: Español

Tras ser reconocido con el premio Castilla La Mancha de Diseño en el año 2006, Roberto Turégano protagoniza la segunda de las monografías que el Centro de Diseño de dicha Comunidad edita cada año a los ganadores. Un librillo de 36 páginas en el que se hace un repaso a la vida y la obra del diseñador a través de un perfil trazado por Pedro García Ramos, una entrevista realizada por el Director del Centro de Diseño Miguel Ángel Mila, y “El diseño necesario”, un texto escrito por el propio Turégano para la ocasión.
Un interesante trabajo que sabe a poco, tanto por el número de páginas como por el pequeño tamaño de los trabajos reproducidos, y que nos recuerda que Turégano necesita de una buena monografía que no acaba de llegar. Tal vez cuando se le conceda el Premio Nacional de Diseño, que tanto merece, alguna editorial se anime a emprender esa labor.

Roberto Turégano Diseñador. Coleción Creativos nº 2. Centro de Diseño Castilla La Mancha. 36 páginas. Idioma: Español

La editorial Phaidon acaba de recuperar, después de más de una década sin poseerlos, los derechos de edición en castellano y catalán de las obras de E. H. Gombrich, director del instituto Warburg de la Universidad de Londres desde 1959 hasta 1975. Para celebrarlo, la editorial inglesa ha comenzado a reeditar esos títulos, comenzando por “La historia del arte”, un clásico del género que, además de haber vendido más de siete millones de ejemplares desde que se publicara por primera vez, fue el libro que permitió que Phaidon se convirtiera en una editorial independiente.
Con un texto sencillo y ameno, aderezado por más de trescientas ilustraciones a color, “La historia del arte” es un libro asequible para todo tipo de públicos. Desde aquél perteneciente al sector académico hasta el aficionado, interesado en la evolución y conexiones de las expresiones artísticas desde la época rupestre hasta nuestros días.
Una magnífica oportunidad para hacerse con este título imprescindible, además de por su calidad porque, aprovechando la celebración, Phaidon lo ha sacado a la venta a menos de 30 euros, un precio al que será difícil resistirse.


La historia del arte. E. H. Gombrich. Phaidon. 668 páginas. Idioma: Español

Jorge de Buena Unna presenta la tercera edición, corregida y aumentada, de su “Manual de diseño editorial”. Una magnífica y titánica obra que no debe faltar en ningún estudio de diseño gráfico, editorial o redacción cuya intención sea producir buenos y correctos productos impresos.
En sus casi setecientas páginas, divididas en quince capítulos, se desgrana de forma sencilla y con múltiples ejemplos gráficos, todo el proceso de producción de un libro, desde los aspectos aparentemente más insignificantes, como puede ser la organización del texto, la elección de la tipografía, su percepción psicológica y óptica por parte del lector o su puntuación, hasta la impresión y encuadernación.
Un libro que, aunque se pueda disfrutar de una sentada (o de dos, por lo voluminoso), puede también consumirse a pequeños sorbos, especialmente en esos momentos de urgencia y nerviosismo en los que es necesario resolver esa duda que nos impide seguir adelante con el trabajo editorial que estamos realizando.
En definitiva, un libro, publicado por la prestigiosa y respetada editorial Trea, que demuestra que los libros de diseño, a pesar de lo que nos demuestre el mercado cada día, no tienen por qué ser necesariamente un compendio de ilustraciones, dibujos y colorines con una finalidad puramente lúdica o estética. También hay lugar para magníficos tratados como este, menos espectaculares, pero mucho más útiles, perdurables e interesantes.

Manual de diseño editorial. Jorge de Buena Unna. Trea. 696 páginas.
Idioma: Español

Cuánto daño y cuánto bien, a partes iguales, ha hecho Persépolis al mundo de la historieta.
Los recuerdos de Marian Satrapi en la Persia del Sha, y más tarde en el Irán del ayatolá Jomeini, han abierto el camino para la publicación de un sinnúmero de obras de corte autobiográfico en las que, con un estilo de dibujo muy similar al de Satrapi, otros autores rememoran su infancia en lugares exóticos asolados por conflictos políticos y guerras.
Ese es el caso de El juego de las golondrinas, un libro que forma parte Sin Nosotras, la colección que la editorial Sins Entido dedica a mujeres ilustradoras, en el que Zeina Abirached narra la historia de sus familia y vecinos en el Beirut asolado por la guerra civil que enfrentó a las poblaciones cristiana y musulmana desde mediados de los años setenta hasta bien entrados los ochenta.
Una historia que nos habla de lo absurdo de las guerras y de cómo éstas son capaces de poner fin no solo a las vidas y esperanzas de toda la población de un país sino también a décadas de esplendor cultural, económico y desarrollo social que llevaron a Beirut a ser conocida como “La Suiza de Oriente Medio”.
Un interesante libro, bien narrado, con aportaciones visuales interesantes e innovadoras, que quedan en cierta forma eclipsadas por la excesiva influencia de Persépolis que se observa en sus páginas. Algo con lo que, por otra parte, vamos a tener que convivir de ahora en adelante en el mundo del tebeo actual.

El juego de las golondrinas. Zeina Abirached. Sins Entido. 192 páginas.
Idioma: Español

Las Crónicas Birmanas de Guy Delisle recién publicadas por la editorial Astiberri recuerdan mucho a las Crónicas Marcianas de Ray Bradbury. En ambos libros, sus respectivos autores nos hablan de unos mundos que a los terrícolas de occidente nos parecen propios de otra galaxia. A pesar de su pasado colonial, bajo dominio francés e inglés, Birmania o Myanmar (según se reconozca o no al gobierno que llegó al poder en 1989) es un país cuyas costumbres, cultura, legislación y organización social están muy alejadas de las nuestras. Partiendo de esta premisa y aprovechando su estancia como parte de una misión de Médicos sin Fronteras de los que forma parte su esposa, Delisle narra sus experiencias en el país asiático así como sus relaciones con sus habitantes y las colonias de extranjeros que trabajan en él y que, en muchos casos, no han abandonado esa actitud colonialista y dominante de tiempos pretéritos. Un tebeo autobiográfico que en ocasiones recuerda a los de Lewis Trondheim, pues no en vano ambos autores son dibujantes de cómics que narran sus vivencias cotidianas, que es capaz de aglutinar la crítica a un régimen militar absurdo como el que gobierna el país, con la observación sociológica, la narración periodística y, claro, el humor.

Crónicas Birmanas. Guy Delisle. Astiberri. 272 Páginas. Idioma: Español

La curiosidad e iniciativa de la productora Eddie Saeta es infinita. Además de apostar y descubrir a algunos de los realizadores más personales e interesantes del panorama cinematográfico español y haber desarrollado una larga trayectoria en el campo de la producción publicitaria en nuestro país, ahora nos sorprenden con la edición de “100 Cinema Shots”. Un libro firmado por Cuca Canals –diseñadora, escritora y guionista de Bigas Luna– y el ilustrador portugués José Castro en el que se hace un repaso a la historia del cine a través del sentido del humor y cierta herencia del poema visual.
Con una ejecución minimalista, realizada en tinta negra y roja, Castro va poniendo en imágenes las ideas de Canals, que funcionan como homenajes a cintas clásicas, realizadores y actores como Casablanca, Ciudadano Kane, Un perro andaluz, 8 1/2, Spielberg, Antonioni, Berlanga, Sara Montiel o Clark Gable.
100 trabajos, unos más acertados que otros y a los que sólo afean una mala encuadernación, algún que otro pixelado y un par de faltas de ortografía, en los que también caben guiños a la propia Eddie Saeta (responsable de la producción de, por ejemplo “En la Ciudad de Sylvia” de Guerín, calificada por Canals con mucha sutileza como de obra de arte), es una divertida propuesta que, como afirma Lluis Miñarro en su contraportada, es fruto del “amor a las imágenes” y en último término del “amor por el cine“.

100 Cinema Shots. Cuca Canals y José Castro. Ed. Eddie Saeta. 112 páginas. Idioma: Español

Que un estudio de diseño se atreva a recoger treinta años de trayectoria en un volumen, a estas alturas, es un acto de valentía. Es el caso del libro reciente que se ha editado La Fábrica de Diseño, que son Rafo Hernández, Nené Vila, Luis Lorite y Javier G. Solas. Alejado de la tendencia efímera y el flirteo con las estéticas caducas de cada momento, el trabajo de este estudio madrileño todoterreno transcurre en el tiempo afianzado sobre tres pilares: las cubiertas de libros, los carteles y la identidad visual de pequeñas y medianas empresas. Interesante son también sus incursiones en el packaging de alimentación.

La Fábrica de Diseño. 102 páginas. Idioma: Español

28 páginas más cubiertas, tamaño cuartilla, sólo 1000 ejemplares de tirada, eso sí, numerados. Papel offset y sólo a una tinta. Todos los elementos físicos del fanzine clásico. Belcro se define como un proyecto “en el que convergen distintos planteamientos y proyectos que tienen que ver con la integración urbana y humana”. De momento su primer número es algo caótico, apunta maneras pero precisa de una mayor definición para no ser una más de esas publicaciones pretendidamente alternativas y que no son sino un cajón donde sin criterio caen las colaboraciones entusiastas –o de buen rollito, o bytheface, en el argot– de los amigos. El tratamiento de las tipografías es arriesgado, que no quiere decir conseguido: habrá que decidir si definitivamente se apuesta por la experimentación radical, o por la contundencia del rigor, pero quedarse a medias es lo que más riesgo tiene. También habrá que tomar partido en la dicotomía entre calidad de producción gráfica y fotografía: la ilustración puede sobrevivir a la baja calidad de impresión y de papel, pero al fotógrafo y a sus imágenes, los mata.
Entre las colaboraciones destacan las de las ilustradoras Patricia Gómez Rojo y Azucena Vieites. En definitiva, una iniciativa interesante que cumple como primer número, aunque agotando el crédito. Habrá que esperar su evolución.

Belcro, nº1. Estitxu Losa e Izaskun Álvarez. 28 páginas. Idioma: Español - Euskera

Para conmemorar los quince años de la fundación de su estudio, Permuy Asociados ha editado un libro en el que se recoge un amplia selección de los trabajos realizados hasta la fecha.
Como los responsables señalan, la decisión de incluir o no los diferentes trabajos responde, bien a la repercusión que tuvieron en la sociedad cuando aparecieron, bien a la vinculación sentimental que los profesionales de Permuy han establecido con ellos a lo largo del proceso que los vio nacer.
De esta manera, en “Permuy Asociados. Deseño e comunicación” pueden encontrarse identidades corporativas como la de Xacobeo 99-2004 o la Axencia Audiovisual Galega, la marca Galicia para la Consellería de Cultura, Comunicación Social e Turismo de la Xunta, el logotipo de los 125 años de teatro en gallego así como diferentes proyectos de cartelería, creación de páginas webs y diseño.

Permuy Asociados. Deseño e comunicación. Permuy Asociados. Ed. Autoedición. 96 páginas. Idioma: Español / Gallego / Inglés

La Fundación Comunicación Gráfica inicia su colección de libros, a partir de su fondo documental. Así, a la selección y conservación del patrimonio gráfico se une ahora la voluntad de difusión del activo visual en nuestro país.En este primer volumen el Jaume Pujagut hace un repaso en paralelo a la gráfica discográfica en dos vertientes o condicionantes: por un lado, al proceder en su mayoría de su colección privada, sus preferencias musicales condicionan la muestra. Por otro, y a partir de ahí, el valor gráfico de las piezas supone el segundo criterio de selección. Mantiene la tradición iniciada en los años sesenta por la colección de libros Albaum Cover Album, que agrupaban el material gráfico por similitudes, estilos, colores, etc. La ilustración, la fotografía, la gráfica irreverente, la psicodelia, los artistas reconvertidos en diseñadores gráficos, el cómic, etc. están representados en sus páginas.

Vinil-o, gráfica en la era del plástico negro. Jaume Pujagut. Ed. FCG. 64 páginas. Idioma: Español


Este segundo volumen de la colección de la Fundación Comunicación Gráfica es planteado casi como libro de autor, en el que a la manera de un road movie se circula entre carteles, libros, ilustraciones, imágenes de identidad y otros soportes de comunicación, situando al lector ante un amplio abanico de lenguajes con los que representar la línea donde reposa la mirada: el horizonte.
Horizontes. Xavi Capmany y Nagore Igarza. Ed. FCG. 64 páginas. Idioma: Español

Corresponde este volumen a la exposición que con el mismo título se ha celebrado en el Círculo de Bellas Artes, dentro de la serie Valores del Diseño. Sólidamente argumentado por el comisario Gabriel Songel, realiza un recorrido acerca de la innovación en el diseño a través de empresas españolas, centrado en cuatro ejes: producto, proceso, marketing e innovación.
Quizá donde flojee la selección de piezas es en el sesgo que, intencionado o no, se percibe con claridad. Todos los ejemplos se circunscriben al ámbito del diseño industrial y de producto. En esta querencia, que acaso sea sólo por las preferencias del responsable, subyace sin embargo un mensaje peligroso, en la medida que pudiera derivarse de ello el razonamiento de que mientras el diseño gráfico es solamente estética y ornamento, los valores de innovación están en el objeto. Siendo la segunda vez que sucede –en la anterior exposición La Utilidad del Diseño de diecisiete piezas, sólo una era de diseño gráfico– es inevitable reflexionar sobre ello, y quizá alguien concluya que en las siguientes merezca la gráfica su justa compensación.

Diseño, visión e innovación. Ed. Ddi / Circulo de Bellas Artes. 128 páginas. Idioma: Español

Si en la reseña dedicada al Volumen 18 del Type Director Club de Tokyo decíamos que no se nos ocurría un tercer libro para completar el trío iniciado con el ya mencionado Type Director Club de Tokyo y el Typography, permítannos que añadamos este anuario del ADC de Tokio.
Un volumen que hace ya el número 51 y en el que el jurado formado por los socios de este prestigioso club ha incluido lo más granado del trabajo realizado por los creativos japoneses en los últimos tiempos.
Organizado en diferentes secciones, como Carteles, Anuncios para periódicos y revistas, Diseño editorial, Packaging, Diseño expositivo, Logotipos, Spots, y diseño gráfico en general, el libro recoge interesantes trabajos que destacan, no sólo por su ejecución y producción, sino por sus curiosos planteamientos visuales y conceptuales. Unos trabajos que, bien beben de las fuentes del diseño gráfico anglosajón u occidental, bien se mantienen arraigados en las tradiciones estéticas orientales y que en ambos casos resulta muy interesantes para el lector español.
Un exquisito volumen, muy bien acabado, con un diseño que soportará el paso del tiempo sin muchos problemas y del que tienen mucho que aprender otros clubes del mundo que, por muy creativos que se tengan, están a años luz no solo de los japoneses, sino de mucho otros países más cercanos.

51st Annual Tokyo Art Directors Club. VV. AA. Ed. BSS. 500 páginas. Idioma: Japonés / Inglés

La tipografía es, sin duda, uno de los sectores que más satisfacciones nos está procurando en el campo del diseño gráfico. Trabajos laboriosos, fruto de la reflexión y ajenos a las prisas que suelen estar presentes en otro tipo de disciplinas adyacentes como la publicidad.
Por ello es realmente reseñable la aparición del Volumen 18 del Type Director Club de Tokyo, en el que se recoge algunos de los mejores trabajos realizados a lo largo del año pasado en los cuales el uso de las tipografías destaca por su ingenio, creatividad y acierto.
Letras que son globos, tipografías bordadas, manuscritas, alfabetos troquelados son algunos ejemplos que se suceden en estas páginas en las que, junto con trabajos procedentes de Estados Unidos y Europa, abundan los proyectos de origen japonés, lo que no deja de ser un aliciente para los lectores que decidan hacerse con este libro.
Es imposible para un estudio de diseño el poder adquirir todos los libros que se publican a lo largo de la temporada. Ni siquiera es posible comprar sólo los buenos. Sin embargo, si nos permiten el consejo, coloquen este Volumen 18 del Type Director Club de Tokyo en la terna de los imprescindibles de este año. Otro de los que deberían estar en esa selección sería el Typography del 2007. El tercero, ya nos cuesta más decidirlo. Decídanlo ustedes mismos.

Tokyo TDC. Vol. 18. The best international typography & design. VV. AA.. Ed. Azur corporation. 268 páginas. Idioma: Japonés / Inglés

Después de más de una década trabajando en todas las vertientes del diseño gráfico, desde el diseño editorial, la creación de imagen corporativa, la señalética, sin olvidar la creación de páginas webs o el interiorismo, el estudio italiano FM ha decidido recopilar algunos de sus mejores trabajos en Lorem ipsum. Selected projects. Un volumen en el que, a diferencia de lo que sucede con publicaciones semejantes, los proyectos se explican, además de con imágenes, con textos que sitúan al lector en el contexto del encargo y que lo guían por las diferentes soluciones elegidas por el Studio FM.
Entre las varias decenas de trabajos recopilados, destacan los realizados para MI, la exposición permanente Made in Italy dedicada al diseño italiano y el Museo de Fotografía Contemporánea; el complejo Atlas de arquitectura para la revista Abitare; la imagen y el interiorismo del Demetria Cafè de Milán o el diseño web para la asociación Altagamma.
Una buena oportunidad para dejar de mirar al mundo anglosajón y conocer el trabajo que realizan diseñadores europeos como los de este estudio milanés, reconocido recientemente en la segunda edición de los European Design Awards.

Lorem Ipsum. Selected projects. Studio FM Milano. Ed. BIS Publishers. 224 páginas. Idioma: Inglés / Italiano

El del filósofo Antonio Negri es uno de los casos judiciales más sorprendentes de la segunda mitad del siglo XX. Militante de izquierdas y escritor comprometido, fue acusado de instigar el secuestro y posterior asesinato del político Aldo Moro por entender que las Brigadas Rojas italianas, responsables de ambos hechos, se habían basado en sus publicaciones y libros para llevarlo a cabo. Esta extensiva interpretación del principio de culpabilidad obligó a Negri a exiliarse de Italia durante diecisiete años hasta que, en 1997, decidió regresar para entregarse a una justicia que en lugar de revisar el caso decidió encarcelarlo.
Durante su exilio en París y posterior confinamiento en Rebibbia la artista Angela Melitopoulos le realizó diferentes entrevistas en las que el escritor reflexiona sobre la libertad y cómo la prisión se ha convertido para él en un espacio para el trabajo filosófico. Ahora, la editorial Actar acaba de editar bajo el título de “The Cell”, un DVD en el que esas entrevistas forman un conjunto relacionado que pueden ser vistas como materiales independientes o como piezas interrelacionadas. Una interesante apuesta por parte de Actar en pro de nuevos contenidos como este documental testimonial, que coquetea con los proyectos artísticos, y que consigue vencer las lecturas lineales propias de la televisión, proponiendo una nueva forma de acercarse a los contenidos audiovisuales.

Antonio Negri. The Cell. Angela Melitopoulos. Ed. Actar. Formato: DVD. Idiomas: Inglés / Francés / Alemán

Ant Farm fue un grupo artístico formado en 1968 por profesionales de la arquitectura que, un buen día, decidieron explorar otras formas de expresión que abarcaban desde lo conceptual a lo revolucionario, desde el land art al vídeo arte, pasando por nuevas filosofías vitales como el ecologismo o el nomadismo. A pesar de su breve existencia, apenas una década, Ant Farm supuso una interesante experiencia que ha servido de inspiración a algunas de las corrientes más inconformistas y experimentales de la arquitectura de nuestros días.
En “Ant Farm. Allegorical time warp: The media fallout of july 21, 1969”, Felicity D. Scott realiza una titánica labor de recopilación, que pone al alcance del lector cientos de documentos surgidos de Ant Farm, como bocetos, manifiestos, fotografías, collages, ilustraciones o fotogramas de vídeos. Un material que, además de su indudable valor en el campo de la arquitectura, posee una interesante dimensión estética que hace que, independientemente de su contenido, ese tipo de documentos funcionen desde el punto de vista visual.
El libro se completa con “Ant Farm Timeline”, un documento realizado por Chip Lord, Dough Michels y Curtis Schreier, miembros fundadores de este colectivo, en 1976 y revistado posteriormente en 2002 y en el que se hace un repaso a su trayectoria a través de imágenes, sin más textos ni explicaciones que los que aparecen en los manifiestos o recortes que se incluyen.

Living archive 7. Ant Farm. Felicity D. Scott. Ed. Actar. 318 páginas. Idioma: Inglés

Actar continúa con su interesante trabajo en el campo de la arquitectura. Además de editar de manera frecuente libros sobre esta disciplina, desde hace algunos años realiza VerB, su propia publicación a través de la cual pretende poner sobre la mesa los retos a los que se enfrenta la arquitectura de hoy en día.
Después de tratar temas como el desierto americano, la nueva definición de lo orgánico, la librería pública de Seattle, o la arquitectura paramétrica, “Crisis”, el sexto volumen de VerB, fija su mirada en el conflicto existente entre el encargo arquitectónico y las demandas de un mundo cada vez más poblado, más pobre y más castigado desde el punto de vista ecológico. Así, “Crisis” recoge diferentes proyectos que pretenden dar soluciones a la construcción de viviendas en países en vías de desarrollo o conciliar la construcción de edificios con el respeto al Medio Ambiente.
Un libro pensado para profesionales de la arquitectura, que no por ello debe amedrentar a los profanos. Su profusión de imágenes y ejemplos, así como las entrevistas con los responsables de muchos de los trabajos recogidos en él, lo convierten en un texto asequible e interesante para saber qué está pasando en el mundo de la arquitectura actual.

VerB. Crisis. VV. AA.. Ed. Actar. 294 páginas. Idioma: Español

Este nuevo título de la editorial japonesa PIE Books centra su atención en el diseño “contundente”. Ese cuyas características podrían ser grandes titulares compuestos con tipografías en bold y a grandes cuerpos, sin apenas textos añadidos y con fotografías impactantes. Sin embargo, para los responsables de este libro, esta “contundencia” tiene una segunda dimensión que no es otra que la promoción y generación de actitudes, clichés o tópicos masculinos.
De esta forma, igual que hace unos meses reseñábamos la aparición de un libro de PIE Books en el que se recogían diseños “femeninos” o para chicas, en esta ocasión, los trabajos seleccionados exploran la senda de sectores como automóviles, relojes de lujo, iconografía bélica, calzoncillos y ropa interior masculina, deportes extremos, zapatillas etc. Organizado en diferentes categorías, como “Active”, “Chic” y “Avant-garde”, “Tough-style graphics” repasa ese diseño para hombres en sectores como el editorial, el publicitario, el del packaging etc.
Un curioso volumen, perfecto para aquellos que necesiten inspiración a la hora de hacer catálogos y productos promocionales para marcas de lujo, o para los que quieran realizar un estudio sociológico sobre cómo el diseño y la publicidad crea y recrea la imagen que de los hombres tenemos instaurada en esta sociedad.

Tough-style graphics. VV. AA.. PIE Books. 200 páginas. Idioma: Japonés / Inglés

Algún día alguien va a tener que reconocerle a la Editorial Sins Entido la magnífica labor que está realizando en el mundo del tebeo y la ilustración. Tanto es así que, cuando eso suceda, incluso un Premio Nacional nos va a saber a poco. Decimos esto embargados aún por la emoción y el asombro provocados por el magnífico libro de Fernando Vicente que la editorial madrileña acaba de publicar. Un volumen que funciona como catálogo de la muestra organizada por la Diputación de Sevilla en 2007 y que recoge las colaboraciones que Vicente ha realizado para el diario El País en los últimos siete años, así como algunas de sus portadas para editoriales como Espasa Calpe, para la que firmó ese precioso retrato de Pin-up destinado a envolver el libro de Juan Manuel de Prada “La vida invisible” y cuyo éxito ha trascendido a la propia novela. Mientras ésta agoniza en las librerías de saldo, la portada de Vicente, luce igual de bien o incluso más que el primer día.
Como su propio nombre indica, “Literatura ilustrada” recoge trabajos sobre libros, lecturas, escritores y algún que otro artista, pintor o director cinematográfico. Unas ilustraciones que demuestran la maestría de Fernando Vicente como profesional y que nos descubre su gran talento para la caricatura.
Dibujos que plasman conceptos de manera sintética y contundente con una técnica asombrosa, en la que las formas tradicionales del dibujo se integran con las novedades tecnológicas sin que el resultado se resienta y que demuestran cómo una buena ilustración funciona mil veces mejor que la mejor de las fotografías.
Un maravilloso libro, que era necesario y que se convertirá en un clásico para todos los aficionados y profesionales del dibujo como disciplina artística.

Literatura ilustrada. Fernando Vicente. Ediciones Sins Entido. 168 páginas. Idioma: Español

Hemos tenido que esperar cincuenta años para poder disfrutar de la edición española de Los Americanos y ha tenido que ser La Fábrica, empresa que ha conseguido dignificar la fotografía en nuestro país a través de sus publicaciones y, muy especialmente, de su festival PhotoEspaña, quien asumiera semejante reto.
De hecho, hace un par de años, en dicho certamen se premió la carrera de Robert Frank y se asentaron las bases de este proyecto que por fin hoy llega a nuestra manos. Un libro que convulsionó la Norteamérica de finales de los cincuenta gracias a unas fotografías que diseccionaban la vida cotidiana de toda una nación con tanta crudeza, que llegaron a ser calificadas de antipatrióticas.
Moteros, policías, adolescentes, cowboys, transexuales, potentados, trabajadores negros, automóviles, jukeboxes, accidentes de automóviles, millonarios, se suceden en este libro de contrastes que arroja una versión completamente diferente del American Way of Life del que se empeñaban, y se empeñan, en transmitir las autoridades del país.
Una obra magistral prologada por el escritor Jack Kerouac y presentada con unos acabados exquisitos, pues, no en vano, el propio Frank ha supervisado esta edición.

Los Americanos. Robert Frank. Ed. La Fábrica. 210 páginas. Idioma: español.

En una ciudad en la que la polución y el humo no dejan pasar la luz del sol –como en Buenos Aires, hace apenas unas semanas– vive Pascal, un niño popular entre sus compañeros al que incluso nombran delegado de clase. En las afueras de la ciudad, a salvo de la polución y con luz solar, viven los insectos, una raza considerada inferior por los habitantes de la ciudad y a quienes está vetado habitar en la urbe. Este es el planteamiento inicial de Insekt, el álbum de Sacha Hommer creado en 2006 y recientemente publicado por Sin sentido.
Un libro interesante desde el punto de vista gráfico, con una curiosa ejecución a base de tramas que resuelven fantásticamente el problema de cómo plasmar en papel esa perpetua oscuridad que asola el escenario principal de la historia.
Otra cosa muy diferente son sus virtudes narrativas. Lamentablemente, el guión de Insekt adolece de lagunas, inconexiones y elementos de difícil explicación. ¿Por qué los niños de la historia llevan linternas a la escuela para hacer sus trabajos y no las llevan en su casa? ¿Por qué las llevan a la escuela en ocasiones y en otras ocasiones no? ¿Por qué aquellos que pasan casi toda su vida en penumbra son capaces de soportar la mayor luminosidad de golpe sin que se resientan sus ojos? ¿Por qué si tienen linternas los amigos de Pascal no han reparado en que es un insecto? ¿Por qué sólo se dan cuenta de ello cuando le da la luz del sol? ¿Y por qué Pascal, hijo de padres humanos, es un insecto? ¿Un gen recesivo? ¿Una infidelidad?
Todos sabemos que el reino de la imaginación no atiende a las leyes del mundo cartesiano, es cierto. De hecho, si Hommer hubiera querido hacer un tebeo surrealista o una historieta dadá, no cabría crítica alguna. El problema es querer realizar una fábula sobre la exclusión y la diferencia con unos mimbres tan endebles.
Lo más decepcionante de todo es que Hommer es un gran ilustrador. Un dibujante con recursos, buenas ideas, muy interesante, pero que tal vez debería contemplar la posibilidad de unir su talento al de algún buen guionista. Eso es lo que durante décadas han hecho los grandes ilustradores que eran conscientes de sus limitaciones a la hora de urdir buenos argumentos y en ningún caso nadie ha pensado que ello suponía una merma en su calidad artística.

Insekt. Sacha Hommer. Sin sentido. 128 páginas. Idioma: Español

En ocasiones, los propios departamentos de prensa de las editoriales, cuando no las editoriales mismas, son sus máximos enemigos. Sin ir más lejos, y aunque a los responsables de Sin sentido les parezca lo contrario, lo escrito en la solapa interior de este libro no le hace ningún favor.
Para empezar, la decisión de llamar a un libro de pequeños chistes hilados, como podría ser uno de Quino, o de cualquier otro humorista, “novela gráfica”, denota una pretensiones y una petulancia cuya única finalidad es colocar el producto en un mercado que no le es el de las tiendas de tebeos sino el de las librerías especializadas o grandes superficies. Por otra parte, incluir este y otros títulos en una colección denominada “Sin nosotras” en la que sólo se publican trabajos de mujeres, nos devuelve a la eterna discusión de si ese tipo de diferenciaciones suponen un paso más en la igualdad entre hombres y mujeres o una forma más de discriminación pues, nos imaginamos que, toda mujer ilustradora querrá ser publicada no por mujer sino por ilustradora buena y de calidad, como sucede con cualquier hombre, ilustrador, bueno y de calidad. Como es posible que todo esto no sea tan trascendente sino una más de esas triquiñuelas comerciales, pasemos a hablar de estos nuevos rollos de Aude Picault que, como su título indica, toma el relevo de su anterior Rollos míos. En este segundo libro, Picault continúa repasando su vida, su trabajo y muy especialmente sus relaciones sentimentales con los hombres. Para ello echa mano de un trazo aparentemente sencillo, muy destilado, pero capaz de transmitir multitud de matices, tanto en lo referente a los gestos o sentimientos de los personajes, como en la recreación de los escenarios. Desde el punto de vista narrativo, la autora despliega un asombroso sentido del humor aderezado con algunos toques amargos y una naturalidad realmente asombrosa a la hora de retratar el comportamiento de hombres y mujeres en las relaciones afectivas. Una naturalidad que rompe con muchos tabúes y que se revela mejor método para derribar las barreras de la desigualdad entre géneros que los lemas, eslóganes y demás estrategias comerciales.

Más rollos míos. Aude Picault. Sin sentido. 168 páginas. Idioma: Español

“Un libro con muchas cosas y no muy grandes” reza en la contraportada de este libro y lo cierto es que no hay mejor frase para definir este nuevo trabajo de Trondheim que continúa en la senda de su álbum anterior, “La maldición del paraguas”. Un divertido volumen en el que el autor, o su trasunto en forma de pájaro, va desgranando escenas de su vida cotidiana que, a pesar de una aparente dispersión, acaban dando lugar a una narración con principio y final en la que Lewis Trondheim intenta superar ese Síndrome del prisionero a consecuencia del cual, aquel que pasa mucho tiempo recluido en casa e inactivo, cada vez tiene menos energía para afrontar cualquier actividad.
Una sucesión de pensamientos, situaciones cómicas, preocupaciones e incluso maldades y mezquinas venganzas del autor –muchas de las cuales son compartidas por el lector, lo que hace de estas historietas un material cercano–, ejecutadas con una magnífica técnica, un fantástico trazo y un precioso entintado realizado con acuarelas.
Un libro editado por Sin sentido con esa clase que caracteriza a la editorial y que, en este caso, se materializa en un buen papel, solapas interiores y una portada plastificada mate. Un magnífico envoltorio para un fantástico tebeo, que, no nos engañemos, es la verdadera palabra española para “novela gráfica”.

Las pequeñeces de Lewis Trondheim. El síndrome del prisionero. Lewis Trondheim. Sin sentido. 124 páginas. Idioma: Español

Recientemente, Luis Alberto de Cuenca, desde las páginas de un suplemento cultural, se deshacía en elogios hacia El Jardín Armado, el nuevo álbum de David B. y, para ello, hacía referencia a su obra La ascensión del gran mal. Sin intención de contradecir a uno de los reyes de la intertextualidad patria, y sin desmerecer el magno trabajo del ilustrador, el problema es que este nuevo título no es equivalente a esa magna obra. Aunque mantiene el estilo y trazo característico de David B, la narración resulta densa, farragosa, como si pensase que aumentar la complejidad, poner la pelota en el tejado del lector, le libera de la responsabilidad de haber tranzado un flojo guión.
Por tanto, aunque desde el punto de vista de la historia el libro no es arrebatador, en lo que se refiere a su calidad artística, El jardín armado es realmente soberbio gracias a su impresión a dos tintas, a sus trazos de pincel y a sus texturas de aguada o acuarela. En definitiva, un trabajo épico con infinidad de detalles, personajes, ornamentos, todos ellos realizados aparentemente a mano, sin apenas participación de los ordenadores, cosa poco frecuente en el mundo de la historieta actual.

El Jardín Armado y otras historias. David B.. Ed. Sinsentido. 112 páginas. Idioma: Español

Aprovechando la buena aceptación de Metralla, Sinsentido publica ahora este volumen que recopila varios trabajos de juventud de Rutu Modan. Un libro que vuelve a poner de manifiesto la calidad de esta autora pero que resulta equívoco por varias razones. La primera de ellas, por el hecho de que la historia más reciente, la que estéticamente más se parece a Metralla y que demuestra más madurez, se coloca la primera y se utiliza de portada, con intención de servir de reclamo para el comprador. La segunda, el hecho de no incluir, ni siquiera en los créditos, las fechas de cada una de las historias, dato que al lector curioso le serviría de guía para establecer la evolución creativa de Modan. Por último, porque al ser un libro de iniciación, de búsqueda, se transmite al lector una imagen de confusión relativa al trabajo de Rutu Modan que tal vez fuera real en el pasado pero que no lo es tal a día de hoy.
En todo caso, este tipo de pegas, que en realidad no son más que el efecto de una serie de picardías comerciales, no deslucen un buen libro que no decepcionará a los que disfrutaron de Metralla y que servirá introducción y toma de contacto con la obra de Modan para aquellos que no la conozcan.
Por otra parte, los exquisitos acabados de Sinsentido, la buena elección de papeles y la correcta impresión, son otros argumentos que corren a favor de este título. Algo que puede sonar anecdótico pero que no suele ser tenido en cuenta por muchas editoriales del sector, incluidas las más grandes.

Jamilti y otras historias de Israel. Rutu Modan. Ediciones Sinsentido. 168 páginas

A pesar de su pomposo nombre el “anuario de los anuarios” no es más que eso: una recopilación de buenos trabajos en el campo de la publicidad y el diseño, muchos de los cuales son los mismos que aparecen en otros libros similares. Un hecho que, sin desmerecer la calidad de este volumen, tal vez debería hacer reflexionar acerca de hasta qué punto es aconsejable ese exceso de festivales, concursos y eventos de creatividad de alcance local, provincial, continental o mundial.
Para los organizadores, beneficiarios de suculentos ingresos en concepto de cuota de inscripción de piezas y posterior venta de libros, este comentario les resultará gratuito e improcedente; sin embargo, para los lectores, una menor oferta de anuarios con similar o superior calidad resultaría, a la vista del elevado precio de este tipo de libros, una buena solución.
En todo caso, y como decíamos más arriba, la calidad del material recopilado en este volumen es indudable. La duda está en decidir por qué comprar este y no otro anuario.

The annual of the annuals. Best of european design & advertising 07. Varios autores. Ed. The art directors club of Europe. 496 páginas. Idioma: Inglés

No se es consciente de la cantidad de asociaciones relacionadas con la creatividad que existen en el mundo hasta que no se reciben las decenas de anuarios que se publican cada año con los mejores trabajos de los directores de arte, los diseñadores gráficos, los ilustradores, los fotógrafos, los realizadores, etcétera.
En esta ocasión, le ha tocado el turno al cuadragésimo segundo volumen del anuario de la asociación de diseñadores de revistas (Society of Publication Designers, SPD), una agrupación tan veterana o incluso más que otras de este mismo sector empresarial, que puede presumir de desarrollar un trabajo de una altísima calidad.
De hecho, el mundo del diseño editorial y las revistas periódicas es un reducto en el que diseñadores, fotógrafos e ilustradores aún pueden demostrar su talento con bastante libertad e incluso con una cierta abundancia de medios.
En las páginas de SPD es posible comprobar cómo cabeceras clásicas del estilo de Squire, Life, NY Times Magazine o Print continúan desarrollando ese magnífico diseño que las ha hecho míticas y cómo nuevas publicaciones están renovando la estética y el lenguaje visual de los quioscos de prensa.
Magníficas portadas, aperturas y dobles páginas resueltas con una maestría que roza lo genial, ilustraciones de quitarse el sombrero y fotografías que consiguen sacar a los más guapos del mundo del cine, la moda o la música aún más guapos de lo que realmente son.
Unos fantásticos trabajos entre los que se encuentran los realizados por el equipo de diseño de El Mundo para el suplemento Metrópoli y que ya ha demostrado, desde hace años, que nada tiene que envidiar al producido por archiconocidos estudios de diseño internacionales.

The 42nd Publication design annual. Varios Autores. Ed. Rockport. 312 páginas. Idioma:Inglés.

Un libro de diseño dedicado por entero al antidiseño, o lo que es lo mismo, una voluminosa antología de carteles, octavillas, fotografías, fanzines, y todo tipo de material impreso relacionado con la época dorada del movimiento punk.
Un abigarrado volumen repleto de ilustraciones en el que queda claro que las reglas se pueden romper hasta límites inimaginables. Un libro que pondrá enfermos a los tipógrafos más ortodoxos por su falta de respeto a la familia tipográfica, y al santísimo interletrado; un título que hará que se desmayen los impresores más exquisitos y detallistas porque la casi totalidad de los autores trabajan con fotocopiadora en blanco y negro; un libro que pondrá los pelos de punta a los diseñadores más cool y modernos porque cada uno de los diseños incluidos son como exabruptos visuales lanzados directamente a su cara.
Un título repleto de agresividad, de desencanto y de inconformismo que, a pesar de lo anecdótico que pueda parecer dentro de la historia diseño gráfico ortodoxo y académico, en realidad ha tenido una gran influencia en buena parte de los diseñadores gráficos de las generaciones posteriores. Un libro que no sólo invita al espectador a que le pierda el miedo al diseño y a hacerlo por sí mismo, sino que, además, demuestra que se puede hacer.

Punk is dead. Bryan Ray Turcotte. Ed. Gingko press. 576 páginas. Idioma: Inglés

Un nuevo volumen de una de las biblias de la creatividad mundial, el One Show, que hace el número veintinueve de su colección. Un anuario sin novedades destacables salvo el hecho de que los responsables, atentos a las necesidades de los nuevos lenguajes en el mundo de la comunicación actual, han decidido dividir el anuario en tres libros diferentes, cada uno de ellos dedicado a un sector: Diseño, Publicidad e Interactivos. Una buena idea que no acaba de cuajar en el caso concreto de los interactivos por ser este un campo que, por definición, difícilmente puede trasladar su experiencia interactiva y multimedia a papel.
Los otros dos, Diseño y Publicidad, resultan mucho más interesantes a pesar de que muchos de los trabajos aparecen repetidos en ambos volúmenes. Esto sucede, bien porque son trabajos que compiten en las dos disciplinas o porque tienen un desarrollo tanto en los medios típicamente publicitarios –como televisión, gráfica para prensa, marquesinas, o vallas–, como en aquellos más afines al diseño gráfico –como el packaging o la cartelería–.
En estos dos últimos casos, cabe mencionar un hecho que, de un tiempo a esta parte, está siendo percibido por clientes y profesionales del sector. Concretamente, la tendencia del diseño gráfico a desarrollar trabajos serios, maduros y duraderos en el tiempo, mientras que la publicidad ha optado últimamente por producir trabajos efímeros, estrechamente relacionados con las tendencias de moda en cada momento y que recurren al chiste, a la paradoja o al tranpantojo como recurso efectista para captar la atención de cliente.
A pesar de todo, y como es habitual en este tipo de anuarios, el One Show es un magnífico termómetro para tomarle la temperatura al mundo de la creatividad y asombrarse de cómo es posible que, independientemente de los muchos trabajos que se publican año tras año, la imaginación de los profesionales del diseño y la publicidad no se agota.
The One Show, Vol. 29. Advertising, Design, Interactive. Varios autores. One Club Publishing. 408 Páginas. Idioma: Inglés

Se rumorea... dicen por ahí... que, en el futuro, Internet y la informática provocarán que ya no se use el papel como soporte para imprimir y transmitir mensajes. Según aquellos que esto defienden, cuando suceda, los bosques lucirán frondosos y los ojos no se nos saldrán de las órbitas al leer directamente de la pantalla porque los sistemas tecnológicos habrán avanzado que es una barbaridad. Sin embargo, a la vista de los magníficos ejemplos de trabajos que aparecen en Choosing ad using paper no nos queda más remedio que compadecer a los agoreros y a los bosques pues, por mucho que avance la informática, habrá cosas en las que ésta nunca podrá igualar al papel.
Aquellos que aún lo duden no tienen más que ver este nuevo volumen editado por RotoVisión que, además de ser una fuente infinita de sorpresas, es una magnífica guía para saber manejar los papeles de forma óptima. Una herramienta imprescindible para todo diseñador que contiene ejemplos de troqueles, desarrollos, fichas técnicas que incluyen el nombre del cliente y el estudio y, lo más importante, el tipo de papel en el que se ha realizado.
Además, analizando los diferentes ejemplos, el diseñador encontrará pistas sobre cómo tratar los diferentes tipos de papel según sus gramajes o según sean offset, estucados, brillo, semimate, mate, reciclados... Asimismo se adjunta un sobre con muestras de diferentes papeles y un glosario de términos con los que comunicarse con los profesionales de las imprentas, aunque, eso sí, siempre que unos y otros hablen inglés pues, hasta que se publique la edición española, ese es el idioma en el que está escrito todo el libro.
En definitiva, una herramienta de trabajo que, además de útil es, por la altísima calidad de los trabajos incluidos, una continua fuente de inspiración (o desesperación, según se mire).

Choosing and using paper for great graphic design. Mark Hampshire, Keith Stephenson. Ed. Rotovision. 256 páginas. Idioma: Inglés

Stephen Shore es uno de los fotógrafos norteamericanos más destacados de la segunda mitad del siglo XX. Buena parte de sus instantáneas de la vida cotidiana, sus paisajes urbanos, sus bodegones o retratos, se han convertido en iconos de la historia fotográfica reciente y su personal forma de entender la imagen. Shore, en ocasiones heredero de figuras ya clásicas como Egglestone, ha establecido nuevos cánones visuales que a su vez también han sido desarrollados por innumerables profesionales, tanto en el campo de la imagen fija como en el de la imagen en movimiento.
A pesar de esta evidente repercusión de la obra de Shore, presente en reportajes de prensa, vídeo clips o spots publicitarios, lo cierto es que poco se sabe de su vida o sus reflexiones acerca de la fotografía. Es por esta razón por la que este volumen editado por la editorial Pahidon resulta un material excepcional que completa todos los demás libros y catálogos publicados anteriormente por Shore.
Un libro en el que el lector podrá encontrar un interesante estudio sobre la obra de este profesional, así como una entrevista realizada por Michael Fried y diversos escritos firmados por el propio Shore que repasan una magnífica y abultada carrera, desde sus primeros trabajos durante su etapa de estudiante en el instituto, hasta la actualidad, pasando por proyectos como el que realizó en la Factory de Andy Warhol a mediados de los años 60.
Stephen Shore. C. Lange, M. Fried, J. Sternfeld. Ed. Phaidon. 160 páginas. Idioma:Inglés.

Quizá le venga un poco grande el título a este libro. Responder a un cuestionario estándar de modo telegráfico, el mismo para los 135 participantes, no es lo que algunos entendemos por "hablar sobre". Matizado esto, hay que decir que aunque la fórmula resulta agotadora, porque se presta a la perogrullada y lo obvio, algunas perlas se esconden. Por ejemplo, que un diseñador afirme que no le interesan en absoluto la arquitectura o los diseños de otros, es una grosería... si el que lo dice es Starck, es simplemente una imbecilidad.
A las entrevistas se antecede una cronología a través de los objetos de 1900 a 2000, que no por obvia deja de ser interesante. Y una interesante reflexión argumentada sobre el futuro del diseño.
En definitiva, un libro sobre diseño industrial para "no diseñadores", bien documentado y del que al final se desprende que más allá de algunas ausencias, nos permite una acertada aproximación al diseño de objetos contemporáneo.

Los diseñadores hablan sobre el diseño. Terence Conran y Max Fraser. Ed. Blume. 258 páginas. Idioma: español.

Este es un libro sobre cine de terror, difícilmente tendría aquí cabida... pues sí. La tiene, y bien merecida. Porque tan interesante como es, no hay que dudarlo, el texto para los amantes del género cinematográfico, lo es para los del género gráfico, el del cartel de cine, se entiende. La concienzuda y exquisita elección de las imágenes, y su profusión, ofrecen al lector un recorrido meticuloso por el cartel de cine de terror, que transcurre paralelo al contenido escrito. Así, más allá de contentarse con la función decorativa, el autor, y sospecho que también el editor Miguel San José Romano, diseñador gráfico, tiene mucho que ver, se proponen dos ejercicios impagables: por un lado, la posibilidad de contrastar en muchos casos el cartel con la secuencia que le da origen, y por otro, la comparativa: series de hasta seis carteles distintos para una misma película.
La edición es cuidada en el papel, encuadernado, calidad de las reproducciones... y también en la diagramación y el mimo tipográfico, que es una constante en esta editorial.

Terror Cinema. Juan A. Pedrero. Calamar Ediciones. 448 páginas. Idioma: español.

Este libro [me lo descubrió y me lo regaló Tachi, gracias] es de esos que te reconcilian con el género. Los libros de diseño hoy son aparatosos, más mostrativos que demostrativos, y la fiebre de recopilar por recopilar empieza a agotar el modelo. Así, cuando todo se edita para epatar y nada sorprende, se agradece que por una vez el criterio sea distinto. Se trata de un libro de objetos y soluciones tridimensionales, no necesariamente útiles, y donde la componente gráfica tiene peso específico. La selección es cuidadísima, y del conjunto se desprende que los objetos pueden encerrar una lírica reconfortante. Papeles, maderas, telas, plásticos, incluso cabellos... todos estos materiales son usados para comunicar o invitar a la reflexión. Entre los participantes, unos cuantos de aquí: Astrid Stavro, Spy, Serial Cut, Ipsum Planet, Silja Goetz y Marrs Bar.

Tactile, high touch visuals. Robert Klanten. Ed. Die Gestalten Verlag GmbH & Co. 208 páginas. Idioma: inglés.

"La utilidad en el diseño" corresponde a la tercera exposición del ciclo que Ddi y el Círculo de Bellas Artes programan de manera ambiciosa para la Sala Juana Mordó. Lo recoleto de ese sótano que está y no está en el Círculo apoya la filosofía didáctica de estas muestras, que alejadas de la pomposidad y lo epatante se empecinan con acierto en adoctrinar acerca de la conveniencia y la bondad del diseño, para el ciudadano y para las empresas. Y ese acierto lo es, en gran medida, porque el entorno y la presencia del Círculo como partner obliga a modular el discurso de la competitividad, para cuando menos compatibilizarlo con el del diseño para las personas. Y eso está bien.
En este caso, Oriol Pibernat toma diecisiete piezas cotidianas, que pasaríamos por alto, para demostrar que los pequeños aportes del diseño las convierten en ejemplos de utilidad. Y buscándole la parte negativa, quizá empeñarse en la utilidad frente a la usabilidad condiciona el resultado. Sólo una de ellas, la diagramación que Pepe Cruz Novillo y Rosa Rey hicieran para El Economista, se enmarca en el diseño gráfico y para la comunicación. El resto, las otras dieciséis, son puro objeto y diseño industrial, lo que desequilibra injustamente la balanza, y pudiera transmitir el mensaje equívoco de que el de producto es un diseño más útil y usable que el gráfico. Y nada más lejos de la realidad.

La utilidad en el diseño. Oriol Pibernat. Ed. Ddi - Círculo de Bellas Artes. 72 páginas. Idioma: castellano.

Los diseñadores tienden a perder el sentido de lo razonable ante la posibilidad de ver editado su trabajo, y en demasiadas ocasiones vemos enormes volúmenes desproporcionados para lo que luego aportan. Hay incluso unos pocos que regularmente publican a todo lujo su mediocre trabajo, unos cuantos nombres se nos vienen a la cabeza, pero es mejor callar.
No es el caso. Visualizing Culture es el libro de estudio de BIS. El formato manejable, exquisito en la producción, sin alardes innecesarios, debería convertirse casi en referente de lo que debe ser un libro portfolio.
Y es que el trabajo de BIS (Alex Gifreu y Pere Alvaro) es excelente. Se destaparon al mundo en 2001 con aquel cartel para el carnaval de Roses, en el que sólo aparecía la silueta del toro de Prieto con orejas de miquimouse, sobre fondo amarillo. Y a partir de ahí, su trabajo exquisito y sin florituras es uno de los puntales del nuevo grafismo catalán. Mucho más próximos al diseño para lo cultural, los libros y los carteles, apenas hay en su trayectoria trabajos marquetinianos, a lo sumo algunas etiquetas de vino, diseñadas mucho más para el disfrute que para el lineal.
Los textos están en inglés, y sólo en inglés, lo que encierra en sí mismo toda una filosofía. Y contrapeando a las fotografías de las piezas, desarrollan a través de nueve sentencias su filosofía de trabajo y su percepción del diseño. De las nueve nos quedamos con ésta: "la cultura, como bien intelectual, no tiene un beneficio inmediato en términos de rendimiento económico. Este hecho la hace deficitaria desde el punto de vista presupuestario. Esto nos ha acostumbrado a gestionar la optimización de un resultado con el mínimo de presupuesto. Estamos hablando de productividad".

Visualizing Culture. Bis. 232 páginas. Idioma: Inglés.

La edición humilde en la historieta no tiene porqué ser descuidada. Es el caso de los pequeños álbumes de Borobiltxo Libros, que sin alardes ni pretensiones son exquisitos en la elección de los autores, y lucen dignamente en las librerías del gremio. Hay dos nuevas entregas: Yellow Bird de Kati Rapia, donde esta barcelonesa de Finlandia recoge un anecdotario intimista y de apariencia intrascendente, que esconde una ironía tierna con un homor muy personal.
El segundo álbum es Doctor Gómez, que recoge las páginas que Tamayo publicó en la revista Makoki entre 1990 y 1993. Delirante, surrealista, donde sexo, violencia y humor corrosivo son los ingredientes para arropar las historias de psiquiátrico que borda con un trazo sofisticado y un manejo irreverente del lenguaje que ha creado escuela, imitaciones y homenajes en el cómic de este país.

Yellow Bird y otras historias de Barcelona. Kati Rapia. Ed. Borobiltxo Libros. 36 páginas.
Doctor Gómez. Tamayo. Ed. Borobiltxo Libros. 48 páginas.

Rafa Sañudo es mitad todoterreno y mitad renacentista, que se parece pero no es lo mismo. Lejos del minimalismo y eclecticismo imperante, su gráfica no escatima en recursos y elementos, lo que al final se traduce en un modo de hacer eficaz y llamativo. Fue ilustrador y uno diría que se le quedaba pequeño: a los dibujos les añadió textos, y cultivando su pasión por la música fue incorporándola también, y las imágenes... ha diseñado más discos que nadie, ha hecho más videoclips que nadie, periódicos, carteles... y aún le daba para mantener sus tiras diarias en prensa.
Hace una década montó con Roberto Huerta su estudio, al que llamaron Raro, la resultante de unir las primeras sílabas de sus nombres. Y ahora, recogen en este voluminoso tomo los cientos de proyectos emprendidos en este tiempo. Tres kilos y medio de peso y más de seiscientas páginas, que ordena temáticamente: discos, ilustración, humor, editorial, prensa, cartelería, imagen corporativa, pelis, fotografía, bocetos, escenario y vestuario, y rarezas.
Si en estos años nunca se ha caracterizado por las estridencias ni el figurar, moviéndose poco en los circuitos profesionales, hace unos meses su nombre saltó a los periódicos por el diseño del plano de Metro de Madrid, viéndose envuelto en una refriega mucho más política que profesional. Sin pretenderlo, este libro ha servido para poner las cosas en sus sitio, como derecho de réplica, argumentando de modo aplastante, nunca mejor dicho, lo que hay detrás de Raro.

10 años de Raro. Diseño y clips de Rafa Sañudo. Ed. Raro. 650 págs. Idioma: español

[Reseña: Enrique Nebot]. Con motivo del 90º aniversario de la edición por parte de la Cámara de Comercio Industria y Navegación de Barcelona del libro Una nueva técnica: la Publicidad científica que recoge las primeras lecciones que en el curso 1.915–16 había impartido Pedro Prat Gaballí, las asociaciones publicitarias, Associació Empresarial Catalana de Publicitat/Gremi y el Col.legi de Publicitaris i Relacions Publiques, homenajearon a la Cámara de Comercio en la persona de su presidente Miquel Valls, haciéndole entrega de una placa conmemorativa que celebraba la efeméride.
La Cámara reeditó con tal motivo la edición facsímil del citado libro que, hasta la fecha no había sido reeditado, aunque se había integrado en el libro Memorial Prat Gaballí, editado igualmente por la Cámara y también por iniciativa de Jordi Garriga (q.e.p.d.) en 1.990.
Dicho libro –edición no venal– es una joya de bibliógrafo, pero por encima de todo, recoge el ADN de la publicidad. Puesto que hace 90 años Prat recogía la esencia de lo que era para él la disciplina, conjunción de técnicas para vender con una intención pedagógica y una formulación poética, creativa diríamos hoy.
Para señalar la importancia del libro de Prat baste recordar que se publicó seis años antes de la famosa Publicidad científica –mismo título– de Hopkins, considerado la Biblia de los publicitarios americanos pero que no supera al de Gaballí.

La publicidad científica. Pedro Prat Gaballí. Cambra de Comerç de Barcelona. 166 páginas. Español

Los anuarios del Type Directors Club son, sin duda, los mejores libros de referencia en lo que a creatividad se refiere. Sus innovaciones, sus propuestas, su experimentación, su solidez y coherencia a lo largo de los años, los convierten en magníficos ejemplares de consulta. Su volumen 28, el correspondiente a este año, no es una excepción. De hecho, si hubiera que elegir qué anuario comprar entre todos los que aparecen cada temporada, como el ADC, el One Show, el c de c o el Graphis Annual, la mejor opción es, sin duda, el Typography. Un libro con un impecable acabado, presentado en un estuche de cartón troquelado, bien diseñado y con una tipografía exquisita. Como colofón, las últimas páginas reproducen el catálogo de los premiados en el Typography de 1957. Una práctica iniciada en el anuario 26 y que, en esta ocasión, incluye trabajos de mitos del diseño gráfico como Reid Miles, Herb Lubalin, Gene Federico, Allan Fleming y Saul Bass.

Typography 28. Type Directors Club. Collins design. 354 páginas. Inglés

Un libro extraño. De esos que, justamente por su rareza, ejercen una fuerte atracción en el lector. Un libro en el que cabe de todo, desde logotipos, hasta páckaging y papel de envolver, sin olvidar páginas webs, libros, publicaciones, diseño expositivo o diseño industrial. Unos trabajos cuya principal peculiaridad es que todos son trabajos realizados por estudios y profesionales de Asia, no en vano, HKDA son las siglas de Hong Kong Designers Association. Un título que nos devuelve a la realidad y nos recuerda la existencia de esa “amenaza amarilla” que cantaban Los Nikis. Millones de chinos realizando un trabajo de muy alta calidad que nada tiene que envidiar al que desarrollan estudios de occidente.
A diferencia de otros anuarios o colecciones de creatividad, que por cercanos cultural o geográficamente o por su dilatada existencia en el tiempo parecen haber caído en el tópico, HKDA sorprende por su novedad, por sus ejecuciones y soluciones gráficas, por su frescura, por su falta de miedo a la hora de saltarse las reglas. Una muy grata sorpresa que igual que nos sitúa de nuevo en la realidad del diseño en la que vivimos, nos devuelve la ilusión y confianza en el poder de la creatividad. Si el futuro capitalista de la nueva China supone poder disfrutar de trabajos como estos, el paraíso popular de Mao tiene los días contados.

HKDA Awards 07. Varios Autores. Ed. ARR. 434 páginas. Inglés / Chino

Como cada año, desde hace 86, el Art Directors Club (ADC) viene desarrollando una interesante labor en busca de la excelencia creativa. Un trabajo que culmina con la publicación de un anuario en el que se recogen aquellas propuestas que, en opinión del jurado, han destacado por su calidad durante los doce meses anteriores.
En esta ocasión, dicho anuario adquiere la apariencia de un lingote de oro, en referencia a la calidad de su contenido, pequeñas pepitas de creatividad que, juntas, constituyen este tesoro que como el metal al que imita se revalorizará con el paso del tiempo.
Lo más destacable de esta edición del anuario del ADC es el buen trabajo que fotógrafos y diseñadores han realizado en el campo editorial y gráfico. Decepciona, sin embargo, la parte dedicada a la publicidad donde los clichés, los formatos manidos, los chistes viejos y los trucos (incluso en nuevos soportes o en campañas de guerrilla) hacen que las campañas presentadas este año no destaquen ni por la creatividad de los conceptos ni por las ejecuciones, propias de trabajos de hace dos y tres años y completamente ajenas a las nuevas corrientes tipográficas, fotográficas, cinematográficas que están marcando la pauta en otros campos creativos.
Por otra parte, y parece que últimamente se está convirtiendo en norma, sorprende cómo un anuario de creatividad, en el que los directores de arte son los amos y señores, publica imágenes pixeladas. Es como si un experto en protocolo eructase al final de la comida de presentación del tratado que ha escrito sobre el tema. Sin duda, una desagradable experiencia para el lector, que le quita brillo a este precioso lingote.

ADC LXXXVI. Varios Autores. Roto Vision. 434 páginas. Inglés

Después de años de estar desaparecidas, diluidas en un mundo de hombres, las chicas diseñadoras han decidido salir a la luz y desarrollar su personal forma de concebir la comunicación visual sin complejos ni vergüenza. Una liberación que reivindica unos modos de hacer que no tienen por qué responder a los parámetros establecidos por aquellos que dominan el sector, en su mayoría hombres, y en los que pueden plasmar su sensibilidad, gustos y preocupaciones.
Conscientes de esa realidad, los responsables de PIE Books han recopilado en Girly graphics trabajos de diseñadoras de todo el mundo en los que puede percibirse un estilo diferenciado y que cabe calificar de “femenino”. De esta forma, en sus páginas podemos encontrar ejecuciones ligeras, luminosas, muy limpias, sin abigarramientos, tipografías elegantes –en ocasiones caligráficas–, mucho colorido y abundante ilustración. Evidentemente, esto no quiere decir que los elementos mencionados sean los que diferencien en trabajo entre hombres y mujeres diseñadores; tampoco que las mujeres no puedan hacer otro tipo de diseño; ni que los hombre no puedan hacer cosas como las que aparecen en este libro. Afirmar eso sería caer en los tópicos y levantar los mismos muros que se pretender derribar. Sencillamente, Girly graphics centra su atención en un hecho cierto en el mundo del diseño, acota el territorio, y lo analiza a través de unos trabajos que, queramos o no, algo tienen en común, sea eso feminidad o no.

Girly Graphics. Varios Autores. PIE Books. 202 páginas. Inglés / Japonés

Japón está de moda y los responsables de PIE Books, la exquisita editorial nipona, lo saben. Si en un primer momento los libros que publicaban sobre diseñadores y diseño japonés apenas tenían distribución fuera del archipiélago, por considerar que no podían ser de interés de los lectores occidentales, actualmente han comprendido que Japón y su cultura resultan apasionantes para europeos y norteamericanos. Así, libros sobre ilustración, packaging, diseño de interiores, y otros temas referentes al diseño, gráfico e industrial japonés, han comenzado a poblar las estanterías de las librerías españolas.
Neo japanesque design, segundo volumen de PIE Books dedicado a estos temas, es tal vez el mejor resumen de todo ello, pues en sus páginas se incluyen algunos de los mejores ejemplos de interiorismo para tiendas y comercios, anuncios, packaging, logotipos e imagen corporativa o diseño de producto. Unos trabajos que son reflejo de esa dicotomía presente en la sociedad y cultura japonesa, esa tensa convivencia entre tradición y modernidad, caligrafía y píxeles, origami y plegado industrial. En definitiva, un fantástico libro que nos demuestra que hay vida más allá de la escena del diseño anglosajón.

Neo japanesque design. Varios autores. PIE Books. 226 páginas. Inglés / Japonés

Mark Wigan firma este completo libro dedicado al mundo de la imagen y la comunicación que, a diferencia de otros títulos similares, ha procurado prestar atención a las manifestaciones artísticas más innovadoras y recientes del diseño actual. A todo color, con cientos de ilustraciones y una moderna maquetación (tan actual que tal vez no supere satisfactoriamente el paso del tiempo y resulte visualmente antigua en breve), Wigan hace un repaso a la historia, los movimientos, las técnicas, las herramientas y las dimensiones políticas y sociales del diseño y la ilustración desde la época de las cavernas hasta la actualidad. Desde la pintura rupestre hasta los grafittis urbanos (que tal vez no sean más que otra expresión rupestre del diseño), Wigan va articulando su libro con ejemplos de trabajos de estudios y lo completa con un glosario, una bibliografía, y hasta una serie de ejercicios destinados a estimular y desarrollar el pensamiento visual.
Un libro pensado para ilustradores pero que resulta útil para un público más amplio y no necesariamente especializado, pues lo que subyace al libro de Wigan es un análisis psicológico acerca de la percepción y de la elaboración y materialización de conceptos, disciplina cercana a la psicología y, por tanto, común a todos los lectores independientemente de la profesión que desempeñen.

Pensar Visualmente. Lenguaje, ideas y técnicas para el ilustrador. Mark Wigam. Gustavo Gili. 176 páginas. Español

Que el creador de la Univers, la Egyptienne Roman, la Avenir, la Didot o la Vectora escriba un libro de tipografía, ya es razón suficiente para dedicarle una atenta lectura. Si además el libro sale publicado en una colección dirigida por, entre otros, la historiadora del diseño Raquel Pelta, entonces dicho volumen es, sin duda, material imprescindible para cualquier diseñador que pretenda manejarse con soltura en el campo de la comunicación gráfica. Así es El libro de la tipografía de Frutiguer, un repaso a arte tipográfico con profusión de ejemplos que demuestra que la creación de una familia de letras es mucho más que diseñar caracteres bonitos y se convierte en una labor de perseverancia que entronca con elementos culturales y sociales de aquellos que las ejecutan y, en último término las, emplean.
Un interesante tratado, más denso que, por ejemplo, el recientemente publicado por Enric Jardí en Actar, profusamente ilustrado con ejemplos prácticos y consejos para diseñar una buena tipografía.
La única objeción a este libro es formal. El hecho de que algunas de las imágenes reproducidas no han sido destramadas cuando se escanearon (pág. 115), y otras aparecen pixeladas (pág. 43, 157 y 166), es algo que puede ser habitual en la edición actual pero imperdonable para una editorial dedicada al mundo del diseño.
El libro de la tipografía. Adrian Frutiger. Gustavo Gili. 272 páginas. Español

El cartel es terreno abonado para todo diseñador que se precie. También es el formato en el que el cliente suele ser más permisivo. Además, nunca falta un concierto, la aparición de un nuevo libro, el estreno de una película o un ciclo de teatro que necesite de un buen cartel para ser comunicado. Por eso, no paran de surgir estudios y diseñadores que encuentran en este formato una vía para mostrar su calidad y Carteles. Nuevos diseñadores es una prueba de ello. Un libro en el que se dan cita los mejores trabajos de estudios de países como Estados Unidos, Irán, China, Suiza, Rusia, Holanda o Israel, en el que las buenas reproducciones de los mismos están acompañadas de un texto sobre la historia de los autores y una descripción del proceso de creación, que incluye, entre otras cosas, el nombre del cliente, el número de bocetos presentados, las técnicas empleadas y el tamaño.
Un libro en el que tienen cabida estudios europeos e incluso asiáticos y de oriente medio, pero que muestra una clara predilección por los estudios norteamericanos. Un hecho que resulta injusto por dejar fuera el magnifico trabajo de estudios de centroamérica, sudamérica y España, como podría ser el caso de gente como Isidro Ferrer, Bildigrafiks o La Camorra, estos dos últimos ni siquiera incluidos en el apartado La próxima ola dedicada a los talentos emergentes. Una decisión que suponemos responderá a cuestiones lingüísticas del autor, pero que denota cierta falta de criterio, teniendo en cuenta que, aunque sólo sea por cuestiones proporcionales del uso del castellano, hay muchos más carteles realizados en español que en inglés (y muy buenos también). En todo caso, un interesante libro para saber qué se ha hecho en el mundo del cartel en los últimos tiempos.

Carteles. Nuevos diseñadores. John Foster / Fuszion Collaborative. Gustavo Gili. 254 páginas. Español

La ilustración es una de las disciplinas con más posibilidades en el campo del diseño gráfico y las artes aplicadas. De hecho, hasta la popularización del retoque fotográfico gracias al Photoshop (que por otra parte, habría que ver si no es otra forma de ilustración más que de fotografía), la ilustración permitía llegar, e incluso ir más allá, de los límites que imponía la toma fotográfica, siempre tan apegada a la realidad. Ilustración era sinónimo de imaginación, de mundos imposibles, de creatividad desbordada, de infinitas técnicas, acabados y ejecuciones.
A pesar de todas estas virtudes, la ilustración no ha sido lo suficientemente valorada por la comunicación comercial, más amiga de la fotografía, y ha tenido que buscar su hueco en la ilustración infantil, sector en la que no paran de surgir nuevos profesionales, que además de poseer una altísima calidad artística, disfrutan en ese ámbito editorial de una gran libertad creativa.
Imágenes que cuentan recoge algunos de estos nuevos ilustradores y reproduce muestras de sus trabajos junto a una breve nota biográfica, curiosamente, compuesta en Courier o American typewriter, tipografías poco frecuentes en el mundo editorial actual.
Nombres como el francés Serge Bloch, el italiano Maurizio Quarello, la iraní Morteza Zahedi, la coreana Ko Kyung Sook, el japonés Taro Miura, o Elena Odriozola, entre otros, demuestran con sus creaciones la curiosa paradoja de que la ilustración infantil posee una madurez que para sí la quisiera aquella que, con frecuencia, aparece publicada en los medios para adultos.

Imágenes que cuentan. Nueva ilustración de libros infantiles. Martin Salisbury. Gustavo Gili. 160 páginas. Español

Con una periodicidad de dos o tres veces al año, salen al mercado editorial nuevos libros dedicados al packaging. Volúmenes que, al igual que los tratados de papiroflexia, incluyen los desarrollos y troqueles con objeto de hacerle la vida más sencilla al diseñador necesitado de nuevas y sorprendentes maneras de envolver los productos de sus clientes. Libros que asombran por las infinitas posibilidades del papel, el cartón, el cartoncillo, y que parecen surgidos de mentes prodigiosas por la complejidad de sus propuestas.
Este es el caso de Prototipos de Packaging, traducción al español de More packaging prototypes editado previamente por Rotovisión que, además de nuevas posibilidades de empaquetados, contiene una serie de iconos que clasifican cada uno de ellos según sea su material (cartón, cartón ondulado, plástico, cartón impermeabilizado...), según necesiten encolado o no, si son aptos como envases de alimentos, si el producto queda o no visible, si es respetuoso con el medio ambiente, si es un diseño en una o varias piezas etc. Una útil y sencilla fórmula para comprobar de un vistazo si el modelo elegido encaja o no con las necesidades del cliente y las posibilidades del diseñador. Además, el libro contiene una interesante introducción en la que se repasa la historia del packaging, sus envases clásicos, sus materiales y otros temas al respecto que hacen de él algo más que una mera sucesión de prototipos.

Prototipos de packaging. Edward Denison. Ed. Gustavo Gili. 160 páginas. Español

Ediciones Sinsentido presenta tres nuevos títulos de su colección Sin palabras, dedicada a la historiografía del tebeo, tanto en lo que se refiere a sus creadores, como a sus creaciones e incluso aquellas editoriales o factorías del cómic que marcaron una época de ese arte moderno. En esta ocasión, los elegidos han sido Héctor Germán Oesterheld, Carl Barks y El Hombre Enmascarado. El primero, Oesterheld, es uno de los pioneros de la historieta argentina, guionista de tebeos y fundador de la Editorial Frontera, amigo de Breccia, Hugo Pratt, y militante de izquierdas que fue hecho desaparecer por la dictadura argentina en 1977. Por su parte, Barks fue uno de los más importantes, junto con Floyd Gottfredson, de los dibujantes de la Disney durante las décadas de los 40, 50 y 60 y responsable de personajes ya clásicos como el Tío Gilito. El tercero de estos libros es el dedicado al Hombre Enmascarado y su perro lobo Satán, personaje creado por Lee Falk, y que también es conocido como The Phantom, su título en inglés, o por los apodos “El espíritu que camina” o “El hombre que nunca muere”, a consecuencia de su eterna existencia, debida al hecho de que sus sucesores heredaban su personalidad y su labor de lucha contra el mal. Como viene siendo habitual en todos los títulos de esta colección, los tres libros se completan con notas bibliográficas o cinematográficas que aportan pistas para que el lector curioso sepa dónde acudir para saber más de estos personajes.

Oesterheld / Carl Barks / El hombre enmascarado. J. Gociol y D. Rosemberg/ A. Moliné / A. de la Calle. Ediciones Sinsentido. 72 páginas. Español.