martes, 3 de mayo de 2016

Santiago García y Luis Bustos unen sus talentos para plantear con ¡García! una novela gráfica que bebe de la sátira política y el thriller de acción con una evidente conexión con la realidad española. Y es que la crisis económica e institucional ha hecho que la sociedad de este país se vuelva más volátil que nunca. En medio de los escándalos de corrupción que los asuelan, los dos grandes partidos –conservadores y socialistas– se han aliado en una coalición de Gobierno con la intención de impedir que el
partido renovador de izquierda gane las inminentes elecciones generales. Es entonces cuando salta la chispa en el barril de pólvora: la candidata del Gobierno ha sido secuestrada, y nadie sabe quién es el responsable ni dónde se encuentra.
Mientras la tensión aumenta
y el pánico se adueña de todos,
un durmiente abre los ojos
en una cámara secreta bajo el Valle de los Caídos, la monumental tumba franquista a las afueras de Madrid. Se trata de García, un superhombre que se hizo célebre durante los primeros años de la dictadura y desapareció sin dejar rastro hace más de 50 años. Ahora García ha vuelto a la vida en el momento más complicado de la democracia, y deberá enfrentarse a una España muy diferente de la que dejó atrás en 1961. Pero el destino del país podría estar en manos de este hombre sin tiempo. Este primer tomo cuenta con la colaboración especial de Manel Fontdevila a los lápices de 10 páginas.

¡García!. Luis Bustos, Santiago García
Ed. Astiberri. 184 páginas. 16,5x21 cm.. Castellano

jueves, 28 de abril de 2016

El auge que vive actualmente la ilustración brilla con luz propia en la ciudad de Barcelona. Desde campañas institucionales a eventos underground, desde revistas jóvenes a prensa centenaria, desde editoriales independientes a grandes grupos mediáticos.
Mundo Ilustrado nos ofrece una privilegiada instantánea de esta edad de oro que vive la ciudad a través de la obra de 48 artistas.
La ilustración —como disciplina en la que convergen variados medios y objetivos— brilla hoy con luz propia en distintos lugares del mundo. Y en particular en Barcelona, donde emerge en innumerables puntos de la ciudad que, interconectados, entretejen una significativa red creativa que va de los pequeños sellos editoriales a los grandes grupos de la edición; de las jóvenes revistas especializadas a la prensa centenaria; de la campaña institucional estampada en banderolas en las calles a las galerías online o los festivales anuales; de la efervescente actividad del colectivo Urban Sketcher dibujando in situ
la ciudad a la oferta creciente de cursos, talleres y posgrados de ilustración en un buen número de escuelas de arte y diseño de Barcelona —con la consiguiente hornada anual de alumnos—. También renace el fanzine, como primer peldaño de edición, con una impresión digital que desbanca en calidad a las características fotocopias de los pioneros. Y proliferan las pequeñas galerías y espacios donde adquirir obra. El despliegue y potencial actual de la ilustración en múltiples ámbitos indica que se pueden añadir unas cuantas precisiones más sobre ella. Más allá de la presencia habitual a finales del siglo XX en prensa y en el álbum infantil, en menos de una década la ilustración ha extendido su radio de acción y prolifera hoy en el sector de la identidad corporativa, la comunicación institucional, la publicidad en todos sus formatos y el libro para adultos (desde clásicos de la literatura al relato gráfico o la narración autobiográfica). Se entrecruza con la historieta y el cómic; en la animación tiene por delante un largo recorrido, y en los dispositivos móviles, otro tanto, con ilustradores capaces de idear desde apps hasta nuevos emoticonos. También destaca en soportes como la cerámica o la piel humana en el caso de los ilustradores-tatuadores, hasta llegar a la estampación sobre toda clase de objetos cotidianos del universo particular de muchos creadores. 

Mundo ilustrado. Panorama de la ilustración en Barcelona
Marta Rodríguez Bosch. Ed. Gustavo Gili
224 página. 18,2x13,5 cm.. Castellano, Catalán

lunes, 25 de abril de 2016

Carme Solé́ Vendrell (Barcelona, 1944) estudió pintura en la Escuela Massana de Barcelona. Editó su primer libro en 1968 y, desde entonces, ha ilustrado más de 700 títulos, entre á́lbumes y libros de texto, que se han publicado numerosos países. Entre sus exposiciones destacan las antoló́gicas en Taiwán (1997) y Barcelona (2001). Tambié́n colabora con revistas infantiles y realiza trabajos de escenografía, dramaturgia, direcció́n de teatro, cartelismo y animació́n. Ha impartido cursos de ilustración y conferencias en Europa, Amé́rica y Asia, además de participar en encuentros profesionales. Es socia fundadora de la Asociació́n Profesional de Ilustradores de Cataluñ̃a. Entre los galardones que ha recibido destacan: Janusz Korczak, 1979; Premio Nacional de Ilustració́n, 1979; Catalònia, 1984; Critici in Erba, 1992; Octogone la Fonte, 1992; Creu de Sant Jordi 2006, Premio Nacional de Cultura/Có́mic 2012, Premio Nacional de Ilustración 2013 por el conjunto de su obra. Desde 1992 compagina la ilustración y la pintura.
La luna de Juan, publicada originalmente en 1982, es una de las obras más importantes en la trayectoria de Carme Solé́, ya que marcó́ su proyecció́n internacional. Traducido a varios idiomas, este á́lbum trata sobre el temor a la muerte y la forma de afrontarlo. La reflexió́n sobre temas profundos como la soledad, la tristeza o la pérdida de un ser querido tiene que ver con el compromiso de la autora –cuya madre falleció cuando ella tenía nueve años– de hablar a los niñ̃os y niñ̃as sobre sus miedos, y darles las respuestas que no hallan en los adultos. La luna de Juan marcó un punto y aparte en el estilo de Carme Solé́: la sencillez en el dibujo, con figuras de contornos bien definidos son algunas cualidades de esta obra, junto con la matizació́n y sutileza de los colores, la importancia de la luz y los sombreados. Los contrastes y el destaque de elementos relevantes en el relato refuerzan la expresividad de las ilustraciones, que desprenden fantasía e inocencia, y que nos envuelven en un mundo poé́tico y sugerente.

La luna de Juan. Carme Solé Vendrell
Ed. Kalandraka. 40 páginas. 22,5x29 cm. Castellano


















viernes, 22 de abril de 2016

Shel Silverstein (Chicago, 1930-1999) estudió́ en la Universidad de Illinois y en la Facultad de Bellas Artes de Chicago. Sus primeros dibujos para adultos se publicaron en el Pacific Stars and Stripes en los añ̃os 50, cuando el Ejército de Estados Unidos le destinó́ a Japó́n y Corea. De regreso en Chicago, siguió publicando sus trabajos en varias revistas. Desde 1957 y hasta mediados de los años 70 fue uno de los principales dibujantes de Playboy. En 1963 empezó́ a publicar libros infantiles y colecciones de poemas ilustrados. En 1984 recibió́ el premio Grammy al Mejor Á́lbum Infantil (edición audiolibro). Sus obras se han publicado en má́s de 30 idiomas y se han vendido má́s de 20 millones de ejemplares. Paralelamente, desarrolló otras facetas como músico y compositor –fue nominado al Óscar y al Globo de Oro por una de sus canciones–, dramaturgo y guionista de cine y televisión.
“El árbol generoso” es un clá́sico de 1964 para lectores de todas las edades que plantea –en clave crítica– reflexiones y lecturas diversas: una amistad incondicional y desinteresada que no es correspondida en igual medida; la relación con nuestro planeta, constántemente agredido; la contraposició́n entre las necesidades materiales y lo intangible, para alcanzar la felicidad; e incluso una pará́bola de la familia… El texto es una sucesió́n diná́mica de acciones en torno a la figura central del árbol que, a lo largo del tiempo, interactúa con una persona. Silverstein tardó́ cuatro años en publicar “El árbol generoso”, hasta que Tomi Ungerer le animó́ a proponerlo a la editora Ursula Nordstrom. A nivel esté́tico destaca su economía de medios, el minimalismo y la expresividad de las ilustraciones –en blanco y negro– elaboradas con la estética de las viñ̃etas.

El árbol generoso. Shel Silverstein. Ed. Kalandraka
19,5x26 cm. 60 páginas. Castellano

martes, 19 de abril de 2016

Bryan Talbot (Wigan, Lancashire, Reino Unido, 1952) publicó su primer cómic en 1972 y trabajó en el cómic underground durante cinco años. En 1978 comenzó su saga Las aventuras de Luther Arkwright, cuya edición en tres volúmenes le valdría 8 nominaciones a los premios Eagle, de las que obtuvo cuatro premios. En 1982 empezó a colaborar en la revista 2000AD, para la que realizó la serie
Nemesis the Warlock con el guionista Pat Mills, por la que ganó cuatro premios Eagle. También trabajó en Juez Dredd. Ha participado en series para DC Comics como Hellblazer, Sandman y The Nazz. Su novela gráfica El cuento de una rata mala, originalmente publicada en 1994, obtuvo numerosos premios, entre ellos un Eisner, y en 1998 apareció en la lista de lecturas recomendadas de The New York Times. En 1999 se embarcó en El corazón del Imperio, continuación de Las aventuras de Luther Arkwright, que le valdría el premio Haxtur en 2003 y fue nominada a mejor obra extranjera en el Salón del Cómic de Barcelona de 2004. Su novela gráfica Alicia en Sunderland (Random House Mondadori, 2010), editada en 2007, le valió nuevamente varias nominaciones a los premios Quill, Eagle, Harvey y Eisner.
En un futuro alternativo, lleno de universos paralelos, un despiadado y cruel Imperio británico impone su ley. En Roma, un Papa moribundo pone en marcha un plan destinado a poner el trono imperial bajo su control a cualquier precio. Y mientras tales maquinaciones amenazan la estabilidad política y social del mundo, una fuerza monstruosa comienza a formarse por todo el multiverso. En El corazón del imperio Talbot recrea un universo rico y complejo, una visionaria sátira política que no deja títere con cabeza y que se ha convertido en una obra de referencia. Talbot combina elementos de distintas culturas y épocas de la historia aportando una mirada viva sobre una sociedad estrambótica que invita a la reflexión. El corazón del Imperio obtuvo tres nominaciones a los premios Eisner y cinco a los Eagle.

El corazón del imperio. Bryan Talbot. Ed. Astiberri
17x25,6 cm. 304 páginas. Castellano























jueves, 14 de abril de 2016

Fernando Pérez Hernando (Valladolid, 1973) estudió ilustració́n en la Escuela de Artes Aplicadas y Diseño de Valladolid. Ha completado su formació́n en talleres de grabado y á́lbum ilustrado. Ha realizado trabajos de diseñõo en empresas de reprografía y comunicación hasta que en 2005 participó en la creació́n de un estudio de diseño. Desde 2012 trabaja en su propio proyecto, FerezEstudio, dedicado al diseño y la ilustració́n. Tambié́n imparte talleres infantiles de ilustració́n. La escalera roja es su segundo libro.
Protagonizado por un pá́jaro ingenuo y un ingenioso conejo, La escalera roja destaca por la
sencillez de su propuesta estética, figurativa y con un planteamiento secuencial. Una parte del relato es acumulativa, en tanto enumera acciones y elementos que se repiten de forma consecutiva, en sentido ascendente y descendente, planteando un juego mnemoté́cnico. En otro nivel de lectura, relacionado con el nonsense y el absurdo, la actitud del pá́jaro tiene que ver con la falta de confianza en la propia capacidad para alcanzar un objetivo. A modo de fotogramas, las ilustraciones –elaboradas con témpera y lápiz– siguen una pauta cinematográ́fica. Los colores intensos, la alternancia de primeros planos y planos generales, y los guiños a la fantasí́a, completan esta divertida historia.

La escalera roja. Fernando Pérez Hernando
Ed. Kalandraka. 36 páginas. 20,8x20,8 cm. Castellano

lunes, 11 de abril de 2016

La impresión artesanal vive un revival sin precedentes. Para los diseñadores ha supuesto la apertura de un universo de posibilidades estéticas y de recursos gráficos que les ha permitido abandonar las pantallas de sus ordenadores y lanzarse a investigar y experimentar con la materialidad de la tinta y el papel. Por su parte, los usuarios cada vez están más sensibilizados respecto al valor de lo manufacturado y las ediciones limitadas. Papel y tinta ofrece una panorámica de las técnicas, métodos y materiales más utilizados actualmente para imprimir de forma artesanal. Por medio de las obras de algunos de los principales diseñadores e impresores del panorama internacional, el libro muestra el uso de la serigrafía, la impresión tipográfica o la xilografía así como la inspiración y destreza necesarias para producir artesanalmente todo tipo de diseños, desde rompedores carteles de concierto o artículos rústicos de papelería hasta xilografías retro o manualidades.

Papel y tinta. John Foster. Ed. Gustavo Gili
192 páginas. 23,5x23,5 cm. Castellano

viernes, 8 de abril de 2016

François Bourgeon transformó en su momento el cómic de aventuras en un producto cultural adulto y cuidado, donde la figura femenina desempeña un papel imprescindible, como es el caso del personaje de Isabel. El propio Bourgeon confiesa que “Isa soy yo. Tenemos en común una fibra humanista y el rechazo a la injusticia. Aunque ella es más provocadora que yo. No me gusta agredir, desconcertar. No sé hacerlo. Echo de menos a Coluche
y Desproges, pero sería incapaz de imitarlos”. El volumen integral de Los pasajeros del viento recopila los cinco tomos de las aventuras de Isabel de Marnaye, una joven rebelde y atrevida a quien se le robó la identidad y que embarca de incógnito en un buque de la Armada francesa a finales del siglo XVIII. Disfrazada de hombre, y junto con el marinero Hoel y el cirujano Saint-Quentin, comenzará un largo periplo hasta África, donde conocerá la guerra, las cárceles, y descubrirá el horror de la trata de esclavos. El integral cuenta con siete páginas nunca publicadas en castellano, con información e imágenes del fuerte y del barco, elementos relevantes en el desarrollo de la trama.
Los pasajeros del viento es una de las obras de culto de François Bourgeon, todo un clásico del cómic europeo, también autor de la saga El ciclo de Cyann, en colaboración con Claude Lacroix, y Los compañeros del crepúsculo. La serie de Los pasajeros del viento, que empezó en los años 80, ha marcado a generaciones de lectores; ha sido traducida a más de 18 idiomas y lleva vendidos más de 5 millones de ejemplares. Bourgeon obtuvo en 1980 el premio al mejor dibujante en el festival de Angoulême con el primer tomo de Los pasajeros del viento. Treinta años más tarde, crea una continuación de la serie, La niña Bois-Caïman.

Los pasajeros del viento. Edición integral. François Bourgeon
Ed. Astiberri. 248 páginas. 23x31 cm. Castellano

Esta obra firmada por Jens Müller, reúne alrededor de 6.000 marcas creadas entre 1940 y 1980 analizando cómo las tendencias modernas contribuyeron a la formación de su identidad corporativa. Desde medios de comunicación hasta grandes cadenas comerciales, pasando por aerolíneas y galerías de arte, este extenso estudio se divide en tres capítulos en función del diseño de los logotipos: Geométrico, Efecto y Tipográfico. A su vez, cada capítulo se subdivide en distintas secciones según la forma y el estilo, como alfabeto, superposición, puntos y cuadrados. Además de este extenso catálogo, el libro incluye una introducción de Jens Müller sobre la historia de los logotipos y un estudio de R. Roger Remington sobre el arte moderno y el diseño gráfico. Asimismo, incorpora perfiles de ocho diseñadores y ocho casos prácticos, con un acercamiento en profundidad a la vida y obra de creadores destacados como Paul Rand, Yusaku Kamekura y Anton Stankowski, y con proyectos de marcas tan relevantes como Fiat, The Daiei Inc. y los Juegos Olímpicos de México de 1968.
Jens Müller nació en la ciudad alemana de Coblenza en 1982 y estudió diseño gráfico en Düsseldorf. Müller, que ha recibido numerosos premios de diseño nacionales e internacionales, es director creativo del estudio de diseño Optik de Düsseldorf y editor de A5, una colección de libros de historia del diseño gráfico. Imparte clases de historia del diseño gráfico y diseño editorial como profesor invitado en la Peter Behrens School of Arts de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Düsseldorf.

Logo Modernism. Jens Müller. Ed. Taschen
432 páginas. 25,5x38 cm. Varios Idiomas

jueves, 7 de abril de 2016

Un retrato, a priori, no es más que una fotografía de alguien que posa sentado o de pie, distraído o no, frente a nosotros. La iluminación adecuada, el gesto preciso, una mirada intensa o fugaz, una mueca inesperada, una mano en el sitio apropiado, una arruga por la presión de los dedos, o un esbozo de sonrisa en la comisura de los labios… Saber mirar y esperar el momento justo. Si al contemplar un retrato, de quien sea, este es capaz de retenernos y hacernos pensar durante unos instantes sobre la persona allí plasmada, sin duda alguna estaremos ante un buen retrato. En esta obra, Pepe Castro presenta un breve estudio sobre el retrato fotográfico, para después mostrar una amplia colección de extraordinarias creaciones artísticas de numerosos personajes relevantes de la sociedad y la cultura española de nuestros días. Cada una se acompaña con información sobre la historia que se esconde tras el retrato, junto con ideas y consejos para los amantes de esta técnica fotográfica.

Faces Book. Retratos de autor. Pepe Castro
Ed. Photo Club. 22 x 28,5 cm. 206 páginas. Castellano

lunes, 4 de abril de 2016

Mariona Cabassa (Barcelona, 1977) estudíó ilustración y diseno en la Escuela Massana de Barcelona, donde obtuvo el Premio Extraordinario en el 2000, y en las escuelas de Artes de Estrasburgo y Marsella. Sus trabajos, publicados en España, Francia, Inglaterra, Italia, y Portugal, han sido reconocidos en los Premios Junceda en 2003 y en 2009 por Adivina adivinanza, tengo un cero en la panza. En 2005 fue seleccionada para participar en la exposición Ilustrísimos de la Feria de Bolonia. En 2010 ganó el Concurso Internacional de Album Ilustrado de Compostela con La familia C.
A partir del diálogo entre una nina y una flor, en La flor azul Antonio Skarmeta elabora una delicada fábula acerca de la belleza y su permanencia en el mundo. Las ilustraciones de Mariona Cabassa interpretan con notable sensibilidad las emociones y vivencias de los protagonistas, ofreciendo uno de sus trabajos mas notables y profundos.

La flor azul. Antonio Skármeta. Ilustraciones: Mariona Cabassa
Ed. Libros del Zorro Rojo. 21,5x28,8 cm. 24 páginas. Castellano

jueves, 31 de marzo de 2016

Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas ofrece una síntesis actualizada de la historia del arte en España desde el final de la Guerra Civil, sumándose al impulso de renovación historiográfica que desde el campo de la investigación viene desarrollándose en la última década. El libro presenta, así, algunas novedades con respecto a los manuales disponibles. En primer lugar, aborda la esfera del arte en sentido amplio: junto a las prácticas de los creadores, en sus páginas se discuten las principales teorías y debates historiográficos, así como la historia de las instituciones y las políticas artísticas. En segundo lugar, Arte en España (1939-2015) intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando especial atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas, a las expresiones contraculturales y populares, a las prácticas no objetuales y experimentales, a los dispositivos artísticos concebidos como vehículos de activismo social y político y, en general, a las manifestaciones habitualmente consideradas periféricas o contrahegemónicas. Por último, el libro revisa también las continuidades y fisuras entre pasado y presente, cuestionando algunos de los relatos de consenso construidos desde la transición. No se trata, sin embargo, de sustituir un canon por otro, sino de plantear nuevas preguntas e instrumentos que contribuyan a fomentar una interpretación más plural y dinámica de la historia del arte en España.

Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas
Jorge Luis Marzo y Patricia Mayayo
Ed. Cátedra. 19,5x 23,5 cm. 908 páginas. Castellano

lunes, 28 de marzo de 2016

Jorge Monlongo ha ilustrado textos en El País y en Muy Interesante, y dibujado la serie Distrito Harrigan en la revista El Manglar. En Estados Unidos tuvieron que aprender a pronunciar su nombre cuando comenzó a dibujar las adaptaciones al cómic de Hello Kitty, de Mameshiba, de Vaca y Pollo y de Mr. Peabody & Sherman. No me pegues que llevo gafas es una fábula hipster, un sueño húmedo de modernos de provincias, un viaje desde el brunch al gintonic premium. Expos en espacios llenos de propuestas, bares trendy, cool, cozy, con sillas de cocina de abuela y blogueras bebiendo en tarritos. Barbas homogéneas, camisas estampadas, moños. Todo muy craft, muy DIY. Un must, en resumen. La crítica de lo coetáneo ha sido un clásico recurrente, desde lo irónico e inteligente que trabajara de manera sutil Juanjo Sáez a la crítica dulce de Moderna de Pueblo. Corresponde entonces a Monlongo la versión más canalla del género.

No me pegues que llevo gafas. Jorge Monlongo
Ed. Caramba. 19,5x22,8 cm. 88 páginas. Castellano

jueves, 24 de marzo de 2016

En 1989, Richard McGuire publica en blanco y negro una historia corta de seis páginas titulada Here en el número 1 del volumen 2 de la revista RAW, y en 2014, tras quince años de trabajo, ve la luz Aquí, una novela gráfica a color de trescientas páginas basada en la historieta previa publicada por McGuire en la mítica revista de Art Spiegelman y Françoise Mouly. Y es que Aquí, tanto en su edición de 1989 como en la de 2014, cuenta de forma no cronológica la historia de un espacio concreto, el rincón de la estancia principal de una casa, a lo largo del tiempo —desde la prehistoria hasta el futuro, antes y durante la construcción, mientras ha sido habitada y tras su demolición—, combinando en una misma página la viñeta principal con otras pertenecientes a distintas épocas; instantáneas de momentos concretos a menudo sin más conexión que el hecho de suceder en el mismo lugar. Son esta premisa argumental y esta técnica narrativa las que distinguen esta obra y la convierten rápidamente en un referente.
Here ha tenido una tremenda influencia en el desarrollo del lenguaje del cómic en las últimas décadas. No es casualidad que fuera publicada por primera vez en RAW (1980-1991), la revista norteamericana que se considera la impulsora del “cómic artístico”, que tomó el relevo al cómic underground como tendencia renovadora del medio.
Richard McGuire es un asiduo colaborador de The New Yorker. Su obra se ha publicado en The New York Times, Le Monde, McSweeney’s y Libération. Ha participado en el guión y la dirección de dos películas de episodios: Loulou et autres loups (2003) y Peur(s) du noir (2007). Asimismo, ha diseñado y fabricado su propia línea de juguetes, y es también el fundador y bajista del grupo de música Liquid Liquid. Las seis páginas originales de Aquí, publicadas en 1989 en el número 1 del volumen 2 de la revista Raw, fueron reconocidas de inmediato como una obra transformadora que ampliaba las posibilidades del cómic. Su influencia sigue siendo patente veinticinco años después de ver la luz.

Aquí. Richard McGuire. Ed. Salamandra
16,8x24 cm. 304 páginas. Castellano




















martes, 22 de marzo de 2016

Nicolas Mahler nació en 1969. Vive en Viena, donde trabaja como dibujante de cómics e ilus­trador. Sus cómics y viñetas se publican en periódicos y revistas como Die Zeit, NZZ am Sonntag, Frankfurter Allgemeine Zeitung y Titanic. Mahler ha recibido múltiples reconocimientos por sus numerosas creaciones. En 2010, obtuvo el Premio Max-und-Moritz al Mejor autor de cómics en alemán. Recientemente ha publicado en la editorial Suhrkamp varias adaptaciones a novela gráfica de obras literarias entre las que se encuentran Maestros antiguos, de Thomas Bernhard, y El hombre sin atributos, de Robert Musil.
Alicia está de nuevo en el país de los sueños.  Allí se encuentra con el conejo blanco, que cita a autores como Melville, Cioran  o Nietzsche y la lleva a su madriguera subterránea en busca de una edición ilustrada  del Fran­kenstein en Sussex de H. C. Artmann.  Al contrario de lo que ocurre en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll, aquí Alicia se halla en una casa en las profundidades de la tierra. Y en cada una de las plantas, se topa con las creaciones de Carroll: la oruga que fuma en pipa, el gato sonriente, la tortuga marina y muchos más, hasta que en la última planta de la casa, la más profunda, Alicia da con el monstruo de Frankenstein.

Alicia en Sussex. Nicolas Mahler
Ed. Salamandra. 144 páginas. 17x24 cm. Castellano

viernes, 18 de marzo de 2016

Cyrus Highsmith realiza en este pequeño manual una aproximación a los mecanismos internos del párrafo, exponiendo los términos correctos de los componentes tipográficos de forma y espacio que conforman una letra, una palabra, una línea y un párrafo, y lo hace mediante sencillos diagramas nítidos y un lenguaje claro. Sin grandes pretensiones se trata de un tratado accesible, en el que se razonan los comportamientos del ojo y la mente humana, relacionándolos con la legibilidad y sus técnicas.

Entre párrafos: fundamentos de tipografía. Cyrus Highsmith
Ed. Campgráfic. 22x13,7 cm.. 102 páginas. Castellano

lunes, 14 de marzo de 2016

Enrique Bonet publicó sus primeros trabajos en fanzines granadinos de finales de los años 80 (Jarabe de Palo, Segunda Sonrisa, Qué Mal Teveo). Fue colaborador habitual de El Batracio Amarillo (bajo cuyo sello publicó dos recopilatorios: Páginas amarillas y Sólo para inútiles) y participó en el nacimiento y desaparición de revistas como Dibucómics, Mister K y U. Actualmente es humorista gráfico en el diario La Opinión de Granada, colabora con la revista Amaníaco, coordina y participa activamente en la web de humor Irreverendos.com y trabaja como ilustrador y dibujante de cómics en libros educativos para la editorial sueca Liber.
El asesinato de Federico García Lorca, ocurrido en los primeros días de la guerra civil española, y la búsqueda de la fosa donde pueda estar enterrado continúan planteando hoy día numerosas incógnitas sin resolver, y siguen atrayendo la atención de investigadores, especialistas y admiradores de su obra. En 1955, un escritor norteamericano llegó a Granada para intentar esclarecer este crimen de resonancia internacional que el régimen de Franco había intentado ocultar bajo un muro de silencio. La araña del olvido está basada en la peripecia real de este hombre, Agustín Penón, y nos acerca a un personaje que, durante una estancia de casi dos años en Granada, puso en quiebra su salud y su fortuna para intentar resolver un misterio sobre el que, a pesar de sus grandes hallazgos, optó finalmente por no publicar una sola palabra. ¿Quién era realmente este hombre que calló voluntariamente todo lo que había descubierto? Ésta es la historia de una persona que, en la España de Franco, se atrevió a investigar el misterio del asesinato de Federico García Lorca para acabar convertido él mismo en otro misterio… Según el historiador Juan Mata, “gracias a la sagaz mirada de Agustín Penón y al talento de Enrique Bonet el lector puede percibir los latidos, las costumbres, los lugares y los sonidos de una época, puede conocer las bravuconerías de unos y las desconfianzas de otros, los recuerdos y las omisiones, las mentiras más mostrencas y las lealtades más incorruptibles”.
“Y ahí reside –añade Mata– el gran mérito de La araña del olvido, en lo que tiene de testimonio de un tiempo y de una ciudad, además de narración de un suceso. La historieta cumple en estos casos una encomiable labor de divulgación de la historia, sirve de puente entre el pasado y los lectores del presente, permite constatar una vez más cómo el arte de la ficción puede ser una excepcional fuente de conocimiento”.

La araña del olvido. Enrique Bonet
Ed. Astiberri. 19x27 cm. 176 páginas. Castellano

jueves, 10 de marzo de 2016



Un catálogo de superhéroes es la excusa de los autores para afrontar un libro caótico, sorprendente, delirante. La puesta en página barroca e histriónica es un sobresalto continuo, con unos textos hilarantes que llevarán al lector a devorar este libro de un solo bocado. Hasta se incluyen algunas páginas con ilustraciones en 3D y unas gafas de supervisión para disfrutarlas. 


Los superhéroes odian las alcachofas
Sebastien Perez y Benjamín Lacombe
Ed. Edelvives. 22,5x27,5 cm.
94 páginas.Castellano




jueves, 3 de marzo de 2016


Scott Kelby no necesita presentación. Es el autor de los libros de fotografía digital de mayor difusión en el mundo. Por eso, sus obras son reconocidas y muy esperadas. Ahora regresa con un volumen inédito de su serie más popular: La fotografía digital, el famoso recetario fotográfico por su estilo desenfadado y audaz. Cada receta consiste en mostrar una imagen mientras describe cómo se hizo la foto. Las explicaciones están divididas en cuatro segmentos: detrás de la escena, ajustes de cámara, proceso mental y postprocesamiento; este último incluye la utilización de Lightroom o Photoshop después de cada sesión. Este libro enseña qué botón apretar, qué esquema de iluminación utilizar, qué modo emplear, y cómo utilizarlos con mayor exactitud. Con alrededor de 100 de los más populares trucos del oficio fotográfico, está estructurado para que el lector pueda conseguir imágenes extraordinarias; la foto perfecta.


La fotografía digital 5. Scott Kelby
Ed. photoclub. 18,5x24 cm.. 232 páginas



lunes, 29 de febrero de 2016


La ilustradora francesa Justine Brax se reencuentra con los textos de Kipling en este álbum, tras el éxito del anterior, Mowgli. 
Diplomada por la Escuela Nacional de Artes Decorativas de París en 2005 Brax es uno de los exponentes mejores de la ilustración infantil en Francia. Intimista, sensual y con un trazo poético y exótico recorre en este libro los relatos sobre la singularidad de los animales de Kipling. 


Sucedió así. Cuentos. Justine Brax y R. Kipling
Ed. Edelvives. 26,5x31,5 cm.. 62 páginas
Castellano


miércoles, 24 de febrero de 2016


Silvio José, Rescatado completa la serie más famosa de Paco Alcázar al recopilar planchas publicadas en la revista satírica El Jueves antes de que el autor dimitiera de la revista  en el verano de 2014, junto con otros autores, nunca editadas anteriormente en tomo, además de contar con el Viaje al interior de Silvio José Pereda, una historia de 6 páginas realizadas ex profeso para la presente edición. Un necesario rescate de más de un centenar de penosas peripecias de Silvio José y sus neuróticos íntimos: su esquizofrénica madre, Berta Cortés, el enfermo mental Federico Tejada o el profesor de autoescuela y poeta infantil Sebastián Cubero.
Paco Alcázar nació en Cádiz en 1970, aunque creció en Barcelona. Empezó a dibujar para fanzines a principios de los 90 con unas historietas de humor negro muy salvaje que acabaron recopiladas en The Lovesucks Experience (1994) y ¡Escarba, escarba! (1997).
Después cambió de registro para seguir contando cosas igualmente agradables en Porque te gusta (1999), Moho (2000) y Todo está perdido (2001). Sus últimos libros publicados son El manual de mi mente (2008), una selección de su trabajo entre 1997 y 2007, Silvio José, Emperador (2009), primera recopilación de su serie en El Jueves, Daño gratuito (2010), una antología de sus primeras historias cortas, La industria de los sueños (2012), que recopila chistes publicados en la revista Cinemanía y Silvio José, Faraón (2012) . Actualmente reside en Madrid.


Silvio José Rescatado. Paco Alcázar
Ed. Astiberri. 25,5x21 cm.. 110 páginas. Castellano

miércoles, 17 de febrero de 2016


Esta obra desnuda el trabajo de algunos de los artistas más brillantes del panorama fotográfico (la visión, localizaciones, esquemas de iluminación, los ajustes de cámara, equipamiento…) con un lenguaje sencillo, claro y conciso, para resaltar el valor de la fotografía macro como disciplina artística y potenciar su habilidad artística.


Macrofotografía 
Ed. Anaya
22,5x23 cm.
144 páginas
Castellano



martes, 9 de febrero de 2016


Arturo y las manzanas es la historia de un niño que buscando algo que anhela, y no encuentra en su cercana seguridad, tendrá que enfrentarse a uno de sus mayores miedos... Un lobo.
El personaje y su historia fueon gestados hace años en una Sala de Psicomotricidad. Es un cuento para niños escrito por Eva Torres, especialista en psicomotricidad, educación y terapia, e ilustrado por Ezequiel Ramos, artista multidisciplinar freelance. Los autores han querido autoeditarlo mediante una campaña de micromecenazgo. 


Arturo y las manzanas
Eva Torres y Ezequiel Ramos. Ed. Uno Editorial
28,5x21,5 cm. 42 páginas. Castellano


viernes, 5 de febrero de 2016


Desde la publicación de Al otro lado en 1981, Maurice Sendak no creó ningún otro libro enteramente propio hasta 2011, cuando presentó Chancho-Pancho, que sería su última obra en vida. Durante esos 30 años se dedicó a ilustrar textos de otros autores –desde los Grimm hasta Ruth Krauss, pasando por Herman Melville, uno de sus preferidos– y a diseñar escenografías para espectáculos de ópera y danza. Chancho-Pancho es otro de sus álbumes irreverentes o salvajes, como los califica la investigadora Mónica Klibanski. De las ilustraciones resalta su colorido, su estilo grotesco, con personajes caricaturizados, excesivos en su expresividad. Al igual que en Donde viven los monstruos, a mayor ritmo e intensidad de la historia, mayor es el espacio que ocupan las imágenes, hasta saturar las páginas en el clímax del jolgorio. Los bocadillos con diálogos, los carteles y las banderas con mensajes desenfadados, son recursos que Sendak toma del cómic, además de los juegos tipográficos, formando en conjunto un álbum de enorme riqueza visual y lingüística; una sátira protagonizada por cerdos personificados asumiendo distintos roles, en una apuesta más del autor por criticar la sobreprotección de la infancia.


Chancho - Pancho. Maurice Sendak
Ed. Kalandraka. 28x21,5 cm.
40 páginas. Varios idiomas


domingo, 31 de enero de 2016


David Pintor presenta un viaje ilustrado diferente por las calles y las plazas de Barcelona, una ciudad donde la magia puede aparecer detrás de cualquier esquina. Su alter ego recorre una treintena de espacios, desde Montjuïc al Barrio Gótico, pasando por el Ensanche o Gràcia: los edificios históricos con el sello inconfundible de Gaudí, las modernas edificaciones de los museos, los cafés emblemáticos, las plazas recónditas y otras más concurridas, los áticos y los balcones, los suelos de baldosa tan representativos de las viviendas de la ciudad... La originalidad de esta obra –como en las precedentes, Compostela y Lisboa– radica en un cierto extrañamiento de los escenarios visitados; la mirada imaginativa, desafiante y alternativa a la realidad. La importancia de la luz, la profusión en el colorido y la audacia en las perspectivas son otras cualidades de este esmerado libro de artista.


Barcelona. David Pintor
Ed. Kalandraka. 24,3x16,5 cm.
64 páginas. Castellano

martes, 26 de enero de 2016


Junto al análisis y la contextualización de la fotografía europea de arquitectura, se destaca en este libro el importante papel que tuvo, en este género fotográfico, la representación de la arquitectura española ya sea por medio de nuevos análisis de fotógrafos de referencia, como Charles Clifford o Jean Laurent, o a través del descubrimiento de otros completamente desconocidos hasta ahora, de los que se reconstruyen sus trayectorias y obras. El célebre historiador de la fotografía Helmut Gernsheim, a propósito de Charles Clifford, escribió en 1960 que España, a diferencia de Italia, no fue un país muy frecuentado por turistas en el siglo XIX y no formaba parte del usual itinerario del Gran Tour. Cincuenta años más tarde, este libro de Helena Pérez Gallardo modifica esa idea, confirmando y estudiando cómo nuestro país no solo formó parte del Grand Tour fotográfico, sino que, a través de la fotografía de sus principales monumentos, su arquitectura fue descubierta, elogiada y difundida por viajeros románticos, eruditos, arquitectos y científicos, precisamente extranjeros, que durante toda la segunda mitad del siglo XIX nos visitaron. Algunos de ellos se instalaron en España, estimulando con su producción la aparición de la primera generación de fotógrafos españoles y consolidando así el género de la fotografía de arquitectura, cuya amplia difusión internacional servirá de vehículo privilegiado para el conocimiento de nuestra historia monumental y arquitectónica.


Fotografía y arquitectura en el siglo XIX. Helena Pérez Gallardo
Ed. Cátedra. 16x24 cm.. 424 páginas. Castellano


viernes, 22 de enero de 2016


En cada uno de los cinco relatos que componen este tercer tomo de Kitaro, la creación más emblemática de Shigeru Mizuki, la realidad se burla de la ignorancia y arrogancia humana a través de los pequeños y misteriosos yokais (unos seres sobrenaturales que pueblan la trastienda de nuestro mundo), que habitan en los lugares más inesperados. Kitaro ha inspirado varias series de televisión, así como numerosos videojuegos y películas.
Inmensamente popular en Japón, donde no hay niño que crezca sin devorar sus aventuras, Kitaro es el héroe emblemático de una obra que se fija en los monstruos para hablar de los hombres.
Shigeru Mizuki (Kohama, Japón, 1922) es uno de los autores de manga más conocidos en Japón, con una larga carrera a sus espaldas. Con apenas veinte años es enrolado en el ejército japonés y enviado a la jungla de Nueva Guinea, en donde vivirá una auténtica pesadilla: contrae la malaria, asiste a la muerte de la mayor parte de sus compañeros y pierde el brazo izquierdo en un bombardeo. En 2010 recibe el título de Persona de Mérito Cultural, un reconocimiento oficial otorgado anualmente a todas aquellas personas que hayan hecho contribuciones significativas a la cultura japonesa. A lo largo de toda su obra, Mizuki no ha dejado de mostrar su profunda comprensión del alma humana y la empatía que siempre ha sentido por todas las formas de vida.


KITARO 3. Shigeru Mizuki
Ed. Astiberri. 17,2x24 cm.. 214 páginas. Castellano


lunes, 18 de enero de 2016


Osito es el primer título de una serie formada por seis volúmenes protagonizados por una familia de osos muy conocida por lectores de todo el mundo, ya que se publicaron millones de ejemplares de sus historias, que en 1995 fueron adaptadas para la televisión. Esta obra data de 1957 y está formada por cuatro relatos breves sobre aspectos de la vida cotidiana de estos animales humanizados que derrochan simpatía y encanto. La cuidadísima edición de Kalandraka lo convierten en un objeto primordial. Son relatos sencillos de estructura dialogada, ideales para ser leídos y también contados, porque invitan a la participación del público infantil con rimas, frases y fórmulas que se pueden repetir. Maurice Sendak ilustró los cinco primeros títulos de la serie Osito con un estilo inspirado en los grabados antiguos, a tres o cuatro tintas. Sus personajes expresivos, representaciones hogareñas y escenas imaginarias, transmiten ternura y cercanía.


Osito. Else H. Minarik e ilustración  de Maurice Sendak
Ed. Kalandraka. 15x23 cm.. 64 páginas. Castellano


martes, 12 de enero de 2016


Este es el primero de los cuatro tomos que componen el que ha sido considerado uno de los mejores comics de la historia. Pies descalzos no muestra solo los efectos de la bomba atómica sino que pone encima de la mesa los dilemas éticos a los que debe enfrentarse una familia que solo ansía vivir en paz en el marco de una cultura conservadora y entregada a una causa bélica. La historia de Gen es la historia de un superviviente de la bomba atómica. Su mirada es la de un niño de seis años que apenas comprende por qué su mundo se ha convertido en un infierno. Su testimonio da fe del sufrimiento de los que, como él, lo perdieron casi todo: la vivienda, las pertenencias, la belleza, los seres queridos. Sin embargo, en una ciudad donde solo parece haber lugar para el desaliento, Gen posee algo que lo hace muy especial: la esperanza en un futuro mejor. Pies descalzos es una oda a todos aquellos que sobrevivieron, un canto a la vida y un recordatorio de los horrores que los seres humanos son capaces de provocar.
Keiji Nakazawa (Hiroshima, 1939 - Tokio, 2012) tenía seis años cuando estalló la bomba atómica, y toda su familia falleció excepto su madre. En 1961 Nakazawa se mudó a Tokio donde trabajó como caricaturista y creó sus primeros mangas cortos. Tras la muerte de su madre en 1966, plasmó en sus historias la destrucción y el caos de Hiroshima. Kuroi Ame ni Utarete (Alcanzado por la lluvia negra), fue el primero de los cinco mangas que realizó en torno a la historia de los supervivientes de Hiroshima.


Pies descalzos. Keiji Nakazawa. Ed. Debolsillo
14x20 cm. 782 páginas. Castellano


miércoles, 6 de enero de 2016


La nueva apuesta creativa que el noruego Jason propone con El loro de Frida Kahlo incluye once historias repletas de metáforas y referencias literarias y cinematográficas por las que se cruzan personajes como Magritte, una Frida Kahlo convertida en asesina a sueldo, Nostradamus o incluso Brigitte Bardot.
El autor de Yo maté a Adolf Hitler muestra su lado más juguetón en un popurrí de elementos de la cultura popular entremezclados con todo tipo de géneros, en el que están presentes desde el célebre luchador mexicano, Santo, el ascenso y caída de Chet Baker contado en 6 páginas, hasta una personalísima versión sobre las teorías de la conspiración del asesinato de Kennedy pasando por el álbum Moondance, de Van Morrison, convertido en una historia de terror.
John Arne Sæterøy (Jason) (Molde, 1965), autor noruego afincado en Francia, ha demostrado a lo largo de los años que no hay personaje, género o argumento clásico que se le resista. Ha homenajeado a Hitchcock, ha hecho viajar atrás en el tiempo a un asesino para matar a Hitler o ha mandado a Marte un mosquetero, por ejemplo. Y todo ello con un sentido del humor que se parece tanto al desencanto que se confunde con él.

El loro de Frida Kahlo. Jason. Ed. Astiberri. 
16,2x21,2 cm.. 206 páginas. Castellano

martes, 29 de diciembre de 2015


El retrato reúne una excepcional colección de imágenes inspiradoras para el fotógrafo de cualquier nivel y condición. Para esta obra, los comisarios de 1x.com, la galería fotográfica virtual más grande del mundo, han seleccionado las fotos de entre las miles de imágenes alojadas en su web, realizadas por fotógrafos procedentes de todos los rincones del planeta. Imágenes inspiradoras acompañadas por una elaborada información sobre el artista, su visión y la historia que se esconde tras la imagen, junto con detalles sobre las técnicas y herramientas empleadas para conseguirla. Esta obra desnuda el trabajo de algunos de los artistas más brillantes del panorama fotográfico (la visión, localizaciones, esquemas de iluminación, los ajustes de cámara, equipamiento…) con un lenguaje sencillo, claro y conciso, para resaltar el valor del retrato fotográfico como disciplina artística y potenciar su habilidad artística. 1x.com es una de las agencias más prestigiosas a nivel internacional, y la galería fotográfica virtual más grande del mundo. Cuenta con red social propia, tutoriales técnicos, foro y páginas personales para que los artistas expongan sus trabajos. Su exigente sistema de publicación, mediante la selección por un jurado profesional y experto, la ha convertido en una de las principales galerías del mundo. En ella miles de fotógrafos profesionales se benefician de su alto nivel de visibilidad y de su constante demanda por revistas, medios de comunicación y grandes empresas multinacionales.

Fotoinspiración: El Retrato. Ed. Anaya
22,5x22,5 cm.. 144  páginas. Castellano

martes, 22 de diciembre de 2015


El universo de los cómics ha generado en poco más de un siglo una espectacular constelación de fantasías y mitos, que unas veces procedían de la tradición artística multisecular, pero en otras se forjaron como invenciones específicas para el nuevo medio. 
Así se codearon, desde sus 
primeras décadas, los seres fabulosos de la arcaica tradición grecolatina con los héroes lanzados a viajes espaciales, los centauros con los primeros astronautas, las walkyrias con los científicos perversos que aspiraban a destruir 
la civilización, por no mencionar el temprano despliegue de barrocas fantasías oníricas. Coetáneos del cine, los cómics gozaron de la ventaja de no estar sujetos a los imperativos del naturalismo fotográfico, que sólo podía eludirse con laboriosos trucajes. De este modo forjaron sus estirpes visionarias.


El Universo fantástico del cómic. Luis Gasca y Román Gubern
Ed. Cátedra. 19,5x24,2 cm. 408 páginas. Castellano

martes, 15 de diciembre de 2015


Cuando don Quijote supo que su historia ya estaba en letra impresa, se alborotó algún tanto, recelando que el autor de ella pudiera desmandarse en sus atribuciones de historiador puntual y escrupuloso. Pero fue al conocer la existencia del Quijote apócrifo cuando dijo la memorable frase: “Retráteme el que quisiere, pero no me maltrate”. La profecía de Sansón Carrasco (“A mí se me trasluce que no ha de haber nación ni lengua donde no se traduzca”) se ha cumplido con creces. No ha habido manifestación artística que no haya tomado alguna vez a don Quijote como asunto. De entonces acá quizá sea don Quijote el personaje más retratado de la historia de la literatura. Este libro es un testimonio antológico de esa devoción por su figura en diversas manifestaciones artísticas: en ellas se dan cita, con el respeto que pedía don Quijote, la simpatía por el personaje y la admiración por aquel “hombre honrado” que dio noticia de sus discretas locuras.


Don Quijote en el Arte  y Pensamiento de Occidente
John J. Allen y Patricia S. Finch
Ed. Cátedra. 19,5x24,2 cm.. 248 páginas. Castellano


viernes, 11 de diciembre de 2015


El arte es un término de múltiples facetas. El Diccionario visual de términos de Arte pretende abarcar algunos de sus aspectos más básicos e im­portantes. Aunque los vocablos hacen referencia a las diferentes disciplinas, el pre­dominio de la pintura y la escultura no es casual. Con respecto a la 
ar­quitectura, aunque el diccionario es en parte complementario al Diccionario visual de términos arquitec­tónicos editado anteriormente por la misma editorial, se han recogido los principales elementos relacionados con el arte con una visión nueva, más esquemática, a la vez que se incluyen nuevos términos. Junto a los aspectos esenciales relacionados con la pintura, la escultura o la arqui­tectura aparecen tratadas otras disciplinas como la alfarería, la cerámica, la heráldi­ca, la glíptica, la orfebrería, la ebanistería, la eboraria, el grabado, etc.
Cada término contiene una exhaustiva información: definición, etimología, traducción al inglés, francés, alemán e italiano, campo semántico, desarrollo histó­rico, etc., y los elementos visuales, ya sean obras pictóricas, dibujos, infogra­fías o fotografías, ayudarán a comprender mejor el vocablo. Aunque el conjunto forma un compendio básico para estudiantes y profe­sio­nales relacionados con el ámbito del arte, también será útil para cualquier persona interesada en aprender, comprender y recrearse con el arte.

Diccionario visual . de términos de arte. Lorenzo de la Plaza, Adoración Morales  
y J. María Martínez Murillo
Ed. Cátedra. 17x25 cm.. 576 páginas. Castellano

lunes, 7 de diciembre de 2015


En el transcurso de los últimos 30 años ha habido un interés académico creciente por el papel pintado antiguo y su manufactura, especialmente en Francia, donde florecieron las fábricas más famosas de los siglos XVIII y XIX. La historia de este producto artístico en España está estrechamente vinculada con Francia en cuanto a los tipos de diseños creados y a los artesanos que los realizaban. Hasta ahora la crónica de la Real Fábrica de Papeles Pintados de Madrid, fundada y dirigida durante medio siglo por una familia francesa bajo patrocinio real español, ha sido virtualmente desconocida. En este estudio original e innovador —el primero que trata el tema en España—, se recrea la trayectoria de la Real Fábrica durante cuatro reinados y se examina el gran éxito que tuvieron sus papeles pintados en la sociedad de la época, tomando como base documentos recuperados de una docena de archivos españoles y franceses.


La Real Fábrica de Papeles Pintados de Madrid . (1786-1836)
Isadora Rose-de Viejo. Ed. Cátedra. 19x23,5 cm.
262páginas. Castellano

jueves, 3 de diciembre de 2015


A finales del siglo XVI se produjo una radical transformación en la relación del ser humano con el universo que cristalizó en el Barroco, y desde Roma se extendió por Europa, América y Extremo Oriente hasta el siglo XVIII. El impulso vino dado por la Iglesia Católica y la monarquía, que promovieron un arte propagandista y persuasivo para expresar su prestigio, simbolizar su autoridad y subyugar a fieles y súbditos. La exploración de mundos remotos y cercanos abrió la mente a otras realidades y los nuevos procesos científicos generaron tantas dudas como certidumbres, alimentando al unísono el positivismo y el simbolismo, el orden y la (calculada) confusión, una suma de contrastes donde nada era más real que el artificio. Las artes lograron una integración plena e inédita, y las ideas, los objetos y los artistas viajaron con fluidez, sumándose a los intercambios diplomáticos y al incipiente y elitista "turismo" para favorecer la universalidad del Barroco y la singularidad de sus expresiones locales, de una variedad y riqueza desconocidas.


Introducción al arte barroco. Beatriz Blasco
Ed. Cátedra. 15x21 cm.. 256 páginas. Castellano

lunes, 30 de noviembre de 2015


Puede leerse en la primera solapa que El diccionario ilustrado de la democracia española es una obra rigurosa, documentada, contrastada y completamente inédita, fruto del trabajo abnegado de veintiún profesionales que brindan, cuatro décadas después de la muerte del dictador, una visión panorámica, lúcida y certera del periodo democrático que nos hemos dado entre todos. Un trabajo destinado a convertirse en el referente por antonomasia de las obras de consulta que tratan esta apasionante etapa de nuestra historia. O a lo mejor no. Afortunadamente no es eso. Se trata de un compendio sagaz de viñetas estructuradas a modo de glosario y es el primer libro en papel editado por Orgullo y Satisfacción.


Diccionario ilustrado de la democracia española. VV.AA.
Ed. Caramba. 224 páginas. 17x21 cm.. Castellano


miércoles, 25 de noviembre de 2015


Este viaje por lugares extremos en América Latina empieza en México, a la sombra de una inmensa barriada de viviendas sociales de la década de 1960, cuando las colmenas de pisos baratos parecían la solución a la escasez de vivienda. Sigue visitando las villas miseria de Buenos Aires, los cerros de Caracas, las favelas de Río, las casas ampliables de Chile, las laderas de Medellín ahora salvadas por el Metrocable… y diversas iniciativas de vivienda social planteadas con espíritu práctico, creatividad y una mirada al futuro.
Desde mediados del siglo XX, cuando la utopía del movimiento moderno se fue a América Latina para morir, la región se ha convertido en un campo de pruebas para las concepciones más radicales de lo que es una ciudad. En el continente más urbanizado del planeta, las ciudades extremas han dado pie a situaciones extremas. Justin McGuirk las ha recorrido y vivido y el resultado es este libro radical, imprescindible para interesados en la política, el urbanismo y las maneras de vivir en el siglo XXI.

Ciudades radicales. Un viaje a la nueva arquitectura latinoamericana
Justin McGuirk. Ed. Turner Noema. 304 páginas. 14x22 cm.
Castellano

domingo, 22 de noviembre de 2015


El patrimonio cultural es la herencia recibida del pasado y depósito de la memoria. El reconocimiento, valoración y conservación del patrimonio cultural se orienta al mantenimiento de nuestra identidad histórica como comunidad humana. Este amplio y crucial cometido convierte al patrimonio en un concepto enunciado desde presupuestos dialécticos y críticos, en constante redefinición. Este libro invita al lector a adentrarse en la reflexión sobre el concepto de patrimonio cultural, su sentido y sus valores dentro de nuestra sociedad actual. Mientras que los primeros capítulos se centran en la formación del concepto de patrimonio cultural y su expansión, en los siguientes se plantea una reflexión acerca de los principios de la conservación del patrimonio cultural teniendo en cuenta el notable incremento de la patrimonialización (ciudades históricas, patrimonio inmaterial, cultura popular, etc.) que se ha producido en las últimas décadas.


Patrimonio cultural. Ignacio González-Varas
Ed. Cátedra. 15x21 cm.. 256 páginas. Castellano