jueves, 26 de enero de 2017

Diego Bianchi (Bianki) La Plata, Argentina, 1963. Maestro de dibujo y diseñador (Universidad Nacional de La Plata). Trabaja como ilustrador, director de arte del sello Pequeño Editor -del que es cofundador- y autor de libros ilustrados para público infantil y juvenil. Colabora con periódicos y revistas de varios países, además de participar en foros, festivales y jornadas sobre edición, ilustración y literatura infantil. Por sus obras ha recibido, entre otros, el Premio Nuevos Horizontes de la Feria Internacional del Libro de Bolonia (2013), el Premio Konex de Ilustración 2012, y ha sido incluido en la lista The White Ravens.
“Recuperar, reciclar y reutilizar” es el lema del autor a la hora de abordar el proceso artístico de este libro. Con un enfoque original, utilizando cajas de cartón, pintadas y encajadas como un rompezabezas, Diego Bianki crea un mundo de diferentes identidades que, a su vez se interrelacionan. Con este sencillo antídoto lúdico contra la discriminación y la exclusión, se invita a los lectores a jugar y a experimentar, a seguir sumando nuevas combinaciones para que cada uno construya su propio catálogo de identidades infinitas, haciendo este rompecabezas cada vez más grande.

Rompecabezas. Diego Bianki
Ed. Kalandraka.. 24 x 30 cm.. 56 páginas

jueves, 10 de noviembre de 2016

Federico Delicado (Badajoz, 1956) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En 1970 inició su trayectoria profesional elaborando materiales audiovisuales y trabajos para prensa. Ha publicado numerosos libros para público infantil y juvenil ; entre ellos, “El niño bisiesto” e “Ícaro” (KALANDRAKA), galardonado con el VII Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado, el Premio Fundación Cuatrogatos 2016, y que ha sido incluido en la selección The White Ravens 2015 y la Lista de Honor IBBY 2016.
Este libro es un homenaje al mundo de los títeres por parte de un autor que ha nacido entre ellos, ha jugado con marionetas y ha sido titiritero. “Mundinovi” -título que procede de un pequeño retablo que en el siglo XVI servía para representar es cenas del Nuevo Mundo- también es un tributo al legado del marionetista argentino Javier Villafañe, artífice de personajes como Maese Trotamundos, que protagoniza uno de los poemas del libro.
Con una métrica tradicional a base de octosílabos, un ritmo literario ágil y un evocador ejercicio memorístico, los versos de “Mundinovi” se completan con las ilustraciones de Federico Delicado, repletas de colorido, expresividad y dinamismo. Con un estilo realista, las imágenes sitúan al público delante y detrás del teatrillo, e incluso frente a frente con los propios títeres, estableciendo una relación de cercanía y complicidad.


Mundinovi. El gran teatrillo del mundo
Juan Carlos Martín Ramos y Federico Delicado
15 x 23,5 cm.. 56 páginas. Ed. Kalandraka


lunes, 7 de noviembre de 2016

Anabel Fernández Rey (argentina, 1975) estudió Producción y Realización Audiovisual en la Universidad Abierta Interamericana, un posgrado en Gestión Cultural en la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales y Arteterapia en la Fundación Jung de Psicología Analítica. Desde hace más de diez años realiza animación digital y diseño para proyectos artísticos, publicitarios, sociales y educativos. Colabora en programas donde la educación, la comunicación y la expresión artística involucran a niños y niñas. Sigue formándose como ilustradora en talleres de las escuelas Sótano Blanco y Casita de Latinoamérica, y en literatura con el taller Octavo Cielo.
“¿Somos amigos?” es un álbum ilustrado dirigido a pre-lectores y primeros lectores sobre la construcción de la amistad entre un niño y un oso: a priori, dos personajes muy diferentes, pero que pueden ser complementarios si se ayudan mutuamente. Anabel Fernández Rey estructura la obra en dos partes, mostrando los puntos de vista, los deseos y las necesidades de los dos protagonistas ante situaciones cotidianas. Texto e ilustraciones dialogan en el libro de modo que la parte visual tiene tanto peso como las palabras o incluso más, en las dobles páginas mudas, lo que abre la lectura a diversas interpretaciones y conclusiones. El diálogo entre los personajes se establece con palabras y gestos: uno verbaliza sus deseos mientras la respuesta del otro se intuye a través de su expresividad. Colores y pinceladas suaves son el principal rasgo artístico de esta obra, junto con la variedad de planos y el juego con el lenguaje no  verbal.


Somos amigos. Anabel Fernández Rey
Ed. Kalandraka. 18,5 x 25,5 cm.. 40 páginas. Castellano


jueves, 3 de noviembre de 2016

Bruno Munari (Milán, 1907–1998) fue diseñador, poeta, escultor, pedagogo y autor de libros infantiles y ensayos. Vinculado al movimiento futurista desde 1927, desarrolló su actividad en los campos diversos del grafismo, el diseño industrial, la experimentación sobre materiales y tecnologías, y la proyección de objetos que integraran utilidad práctica y uso estético. Siempre interesado en la búsqueda de formas de simplificar y clarificar el proceso de diseño, durante los últimos años de su vida se centró sobre todo en temas relacionados con la didáctica, la psicología y la pedagogía, apostando por una educación en el diseño que comenzara en las guarderías.
Este libro compila las 50 lecciones que Bruno Munari impartió en la década de los sesenta en el Carpenter Center for the Visual Arts de Cambridge (Massachusetts). Eran años de rápidas transformaciones para el diseño gráfico, que apenas había empezado a profesionalizarse y ya debía abordar cuestiones fundamentales como la relación entre arte y diseño o entre artesanía e industria. Munari planteó un profundo cambio de marco al tratar de superar el academicismo y su binomio bello/feo y abogar, en cambio, por los principios de coherencia formal y funcional y el binomio acertado/erróneo. Los elementos de esa transformación se tradujeron en una nueva aproximación a los principios, leyes y posibles realizaciones del diseño gráfico, y a una oportuna reflexión sobre las metodologías didácticas de la comunicación visual. Con casi cincuenta años de historia, este libro forma parte ya del imaginario de varias generaciones de diseñadores y docentes. Esta nueva edición, revisada y actualizada, recupera pues una aportación histórica y fundamental para entender la investigación y la práctica del diseño en su sentido más amplio.


Diseño y comunicación visual. Contribución a una metodología proyectual
Bruno Munari (Nueva edición revisada)
Ed. Gustavo Gili. 16x23,7 cm. 296 páginas. Castellano

martes, 25 de octubre de 2016

Betania Zacarías (Buenos Aires, 1980) estudió en la Universidad de Buenos Aires, donde también ha sido profesora. Ha ejercido como diseñadora gráfica en varios estudios de la capital argentina y en Barcelona, ciudad donde reside. Actualmente trabaja como ilustradora y docente, organizando sus propios talleres. Desde 2012 ha ilustrado una docena de libros publicados en América, Asia y Europa. Seleccionada para participar en la Feria Internacional del Libro de Bolonia, el Catálogo Iberoamericano de Ilustración, la Bienal de Bratislava, la Feria del Libro de Sharjah y el Festival Cow Design de Ucrania. Ha recibido el Premio Fundación Cuatrogatos 2015.
“Trastario” reúne 31 poemas dedicados o inspirados en aparatos de uso cotidiano que encontramos en nuestro entorno doméstico: desde la lavadora al frigorífico, pasando por la plancha, la tostadora o el aspirador. Pedro Mañas actúa como mecánico, ingeniero o constructor de versos. Sus herramientas son el ingenio y el humor, con los que crea juegos de palabras y dobles sentidos, al tiempo que experimenta con su sonoridad y significado, trasladando por momentos a los lectores al terreno de lo lúdico. Las ilustraciones de Betania Zacarías, elaboradas con acrílico y collage, envuelven los textos con una suave calidez de colores y texturas; los ambienta en sencillos escenarios hogareños, en espacios naturales a los que añade destellos de imaginación, donde proyecta metáforas visuales que aportan un gran valor a esta lectura poética.

Trastario. Pedro Mañas y Betania Zacarías
Ed. Kalandraka. 15 x 23,5 cm.. 40 Páginas.

jueves, 20 de octubre de 2016

A través de la mirada curiosa de un viajero, los autores, trazan un auténtico retrato sociológico de Japón y de su riqueza gastronómica en una sucesión de nuevas historias que dan continuidad, dieciséis años después, a El gourmet solitario (Astiberri, 2010).
Jiro Taniguchi nace en la prefectura de Tottori (Japón), en 1947; debuta en el manga en 1970. Durante más de veinte años colabora con el guionista Natsuo Sekikawa, junto al que produce numerosas obras, entre las que destaca La época de Botchan (Ponent Mon, 2004-2008). A partir de 1991 publica numerosos títulos en solitario como Barrio lejano (Ponent Mon, 2003), con cuyo primer volumen obtuvo en 2003 el premio Alph-Art en el Salón de Angoulême, El caminante (Ponent Mon, 2004) o El almanaque de mi padre (Planeta DeAgostini, 2008).
Masayuki Kusumi, Tokio en 1958. Junto con su hermano Takuya crea el dúo de historietistas «Q.B.B.» (siglas de «Qusumi Brothers Band»), cuya obra Diario de secundaria (Chugakusei nikki) es galardonada con el premio Bungeishunju de manga en 1999 y llevada al cine en un cortometraje realizado por el director Nobuhiro Yamashita. Además de guionista de cómics, Kusumi ha realizado trabajos como ilustrador, ensayista, diseñador y músico.

Paseos de un gourmet solitario. Jiro Taniguchi, Masayuki Kusumi
Ed. Astiberri. 17,2x24 cm. 142 páginas. Castellano

martes, 18 de octubre de 2016

Cuando Le Corbusier comparó el Partenón con un automóvil Grand-Sport no solo estaba dando crédito a la "boutade" proferida pocos años antes por Marinetti ("un coche de carreras es más bello que la "Victoria" de Samotracia"); en realidad, estaba insuflando nueva vida en las viejas metáforas mecanicistas que desde mediados del siglo XVII se habían ido extendiendo de la filosofía natural a todas las disciplinas humanas (también a la política y la religión) bajo la égida de un modelo bello a fuer de funcional: el reloj. Desde una perspectiva que abarca el arte, la ciencia y la filosofía, "La ley del reloj" analiza el papel de la metáfora de la máquina en la arquitectura desde sus primeras expresiones al calor de la ideología mecanicista de la Ilustración hasta sus manifestaciones contemporáneas, para mostrar que, al contrario de lo que en su momento no se cansaron de proclamar los panegiristas del Movimiento Moderno, la imitación de las máquinas no proporcionó a la arquitectura objetividad, ni tampoco claridad compositiva ni, por supuesto, neutralidad política, sino que inoculó en ella nuevas dosis de ideología y contradicción.

La ley del reloj. Eduardo Prieto
Ed. Cátedra. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano

miércoles, 12 de octubre de 2016

No podríamos concebir el pasado, el presente y el futuro de la ciencia sin sus imágenes. El dibujo científico ha hecho visible lo observado y lo imaginado, dando forma, por igual, al pensamiento y al conocimiento. Este cuarto volumen de la serie "Dibujo y profesión" se dedica al estudio del arte al servicio de la ciencia. En "Dibujo científico" se analizan aquellas imágenes concebidas para: mostrar, conocer, reconocer, organizar, clasificar… no solo los fenómenos del mundo material sino también el complejo universo de las ideas; particularmente, cuando el discurso escrito se muestra insuficiente, como ya anunciaba Leonardo da Vinci, paradigma de la integración de arte y ciencia: "La pintura presenta las obras de la naturaleza ante los sentidos con mayor autenticidad y certeza de lo que lo hacen las palabras o las letras". "Ver es creer" y el dibujo científico ha creado el imaginario con el que el hombre conoce el mundo a través de unas representaciones elaboradas artificialmente cuyos códigos se han enriquecido de manera continua desde los primitivos dibujos hasta los contemporáneos modelos 3D.

Dibujo científico. Lino Cabezas; Inmaculada López Vílchez y otros
Ed. Cátedra. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano

lunes, 10 de octubre de 2016

"Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo (materiales cotidianos, más allá del arte)" aborda la construcción y recepción de las identidades de género en la cultura visual del periodo autárquico en España (1938-1953). El estudio de los materiales culturales de la vida cotidiana desvela cómo las mujeres negociaron sus identidades con autodeterminación para desafiar los férreos mandatos de una dictadura profundamente patriarcal. La cultura visual del primer franquismo nos devuelve mujeres empoderadas, sensuales, masculinas: abnegadas militantes falangistas, heroínas del cine histórico, voluptuosas y atrevidas feminidades, madres fuertes encargadas de la supervivencia familiar o pintoras situadas en la tensión entre su vocación y lo que se espera de ellas. Todas se apropiaron de los materiales visuales para hacer posible una vida más digna, y es esa densidad de la experiencia lo que este libro recupera.

Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo
María Rosón. Ed. Cátedra. 19x23,5 cm. 334 páginas. Castellano

jueves, 6 de octubre de 2016

Aprende a promocionar tu trabajo es un libro para todas aquellas personas que rehúyen el concepto de autopromoción. Diez sencillas máximas ponen fin al mito del genio solitario y nos enseñan a darnos a conocer con osadía y generosidad. Austin Kleon nos muestra cómo la obra creativa no es un producto sino un proceso en permanente desarrollo que, al compartirse, nos permite construir un público propio y aprender a comunicarnos con él. “No tienes que ser un genio”, “Abre tu gabinete de curiosidades”, “Enseña lo que sabes pero no te conviertas en spam humano”, “Aprende a recibir los golpes”… Con principios tan contundentes como estos, Kleon no sólo nos enseña estrategias para que nos atrevamos a mostrar nuestro trabajo, sino que nos abre un nuevo e increíble escenario —el de la comunicación— para que reflexionemos desde otra perspectiva sobre nuestra propia obra.
Austin Kleon es artista y escritor. Autor de Roba como un artista, Newspaper Blackout y este Aprende a promocionar tu trabajo, sus libros son auténticos best sellers en el mundo anglosajón y se han traducido a más de veinte idiomas. Imparte habitualmente conferencias sobre la creatividad en la era digital para empresas como Pixar, Google, SXSW, TEDx y The Economist.


Aprende a promocionar tu trabajo. Austin Kleon
Ed. Gustavo Gili. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano

lunes, 3 de octubre de 2016

El trabajo y el pensamiento de Curro Claret son el punto de arranque de esta serie de conversaciones que reúnen a reconocidas voces vinculadas al mundo del arte y el diseño. A partir de los temas recurrentes surgidos en los diálogos, Oscar Guayabero ha sabido deconstruir y reconstruir magistralmente las conversaciones hasta crear siete nuevas charlas virtuales. En ellas, las distintas miradas se unen y reordenan conformando un armónico sembrado de reflexiones, ideas, dudas y experiencias. El libro, fruto de un gran trabajo de edición de Ramón Úbeda, desborda su objetivo y no solo se convierte en una potente reflexión polifónica realizada desde el lenguaje del diseño, sino también en una reivindicación de esa cara humilde y brillante a la vez que debería instalarse en nuestra cultura industrial y que tan bien personifica Curro Claret.
Curro Claret nace en Barcelona en 1968. Estudia diseño industrial en Elisava y en Central Saint Martins de Londres. Desde 1998 trabaja como diseñador freelance, en proyectos muy diferentes (objetos, instalaciones, interiorismo, eventos-happening...), para familia, amigos, galerías, instituciones, fundaciones, el Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y diversas empresas. Al mismo tiempo ejerce ocasionalmente como profesor y tallerista de diseño industrial, principalmente en la Escuela IED de Barcelona. Actualmente, forma parte de la Junta Directiva del FAD (Foment de les Arts i el Disseny). Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos y ha recibido numerosas distinciones y premios. Su trabajo se distingue por ser fruto de una reflexión constante sobre el papel del diseñador en la sociedad y la inclusión del usuario en los procesos de creación. Al mismo tiempo su diseño se puede considerar social en tanto que a menudo es una herramienta para generar procesos de inclusión, colaboración y codiseño con colectivos de personas en situación de fragilidad.


Conversación polifónica sobre diseño y otras cosas
Retrato imperfecto de Curro Claret. Óscar Guayabero y Ramón Úbeda
Ed. Guistavo Gili. 14x21 cm. 150 páginas. Castellano

viernes, 30 de septiembre de 2016

El diseño se ha convertido en una herramienta indispensable para la sociedad industrial. Es una de las fuentes creadoras de la cultura contemporánea que, hoy en día, requiere con más insistencia una argumentación teórica que facilite la comprensión de su actividad y de sus productos. "Breviario de diseño industrial: función, estética y gusto" arranca con una reflexión sobre la noción de diseño y la permeabilidad de sus fronteras con otros territorios de creación colindantes, para continuar con el estudio de las dimensiones funcional, simbólica, emocional y formal de los productos industriales. El libro se detiene especialmente en el uso que el diseño hace, o puede hacer, de las categorías estéticas: la belleza y la gracia, la fealdad y sus aledaños, o las variedades del humor; y en los tipos de gusto que el ser humano manifiesta ante los objetos que le rodean. La elegancia, su antítesis del kitsch y los estratos intermedios del gusto aparecen contemplados siempre en relación con el mundo objetual en un texto que, en su último capítulo, no elude abordar las encrucijadas y los desafíos a los que se enfrenta el diseño en la actualidad.

Breviario de diseño industrial. Joan M. Marín; Rosalía Torrent
Ed. Cátedra. 15,5x21 cm. 228 páginas. Castellano

jueves, 22 de septiembre de 2016

Desde que Vasari en la primera edición de sus "Vite" (1550) denominase Renacimiento al periodo artístico que comienza al despuntar el siglo XV en Florencia, y posteriormente en otras partes de Italia, el término ha sido sinónimo de "buen arte". Incluso en nuestros días, el Renacimiento permanece como un hito que se erige sobre otros momentos, estilos, alejados de sus principios. No obstante, con frecuencia se sigue el rígido planteamiento vasariano que no ve más allá del arte italiano. Sin duda fue excepcional, pero los Alpes no definen la frontera del Renacimiento. El arte de la época en los Países Bajos y en otros estados no es ni la continuación de lo medieval ni un mero sucedáneo de lo italiano. Este libro, abierto a diferentes interpretaciones más allá de la italocéntrica, resalta las principales obras, los grandes creadores, los comitentes y las teorías que sustentaron el arte de un periodo que hoy sigue siendo considerado excepcional, y que cuanto más se profundiza en su estudio parece engrandecerse.


El Renacimiento. Miguel Ángel Zalama
Ed. Cátedra. 15,5x21 cm. 228 páginas. Castellano


lunes, 19 de septiembre de 2016

La exposición “Magiciens de la Terre” en el Centre Georges Pompidou en 1989, descubrió una profunda falla en el mundo del arte contemporáneo, limitado hasta entonces, con escasas matizaciones o excepciones, a las fronteras de Europa y América del Norte. Veinticinco años después, la mirada occidental ha dejado de ser imperante, tal como se puso de manifiesto en el remake de “Magiciens de la Terre” que tuvo lugar en el mismo lugar, en julio de 2014, y que elevó la exposición de 1989 a la categoría de “muestra de culto”. En dicho remake, fue edificante repensar a través de documentos, epistolarios, publicaciones, filmes y fotografías la aventura conceptual de Magiciens de la Terre, pero sobre todo fueron estimulantes los debates llevados a cabo en la Bibliothèque Kandinsky del propio Pompidou sobre la genealogía de la exposición, su recepción crítica y los desplazamientos teóricos que implicó.
Los años que median entre “Magiciens de la Terre” de 1989 y su recreación documental en 2014 constituyen el territorio temporal que escanea y cuestiona este libro, un territorio de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, pero también por una economía en crisis que pone en entredicho el desarrollo basado en el crecimiento o por una política de sociedades pospolíticas que generan tanto utopías de no-fronteras como radicales procesos de carácter religioso y territorial.

El arte en la era de lo global. Anna María Guasch
Ed. Alianza. 17,5x23 cm. 454 páginas. Castellano

miércoles, 14 de septiembre de 2016

Hijo del pintor Jacques Pajak, Frédéric (1955, Altos del Sena, Francia) es dibujante, escritor y editor. Ha sido redactor jefe de varios periódicos y suplementos culturales y satíricos. En 1987 publica su primera novela, Le bon larron. Con la publicación de La inmensa soledad, inventa un nuevo y original género: el texto y el dibujo están íntimamente unidos, pero no se trata de un cómic, de una novela gráfica o de un libro ilustrado, sino de una suerte de «ensayo gráfico» en el que imagen y texto se reflejan como en un espejo.
A través de la vida de Walter Benjamin, este libro nos habla sobre la prefiguración del horror absoluto y la victoria del nazismo; pero a través de la propia vida de Frédéric Pajak, magistralmente entreverada en estas páginas con la del filósofo alemán, nos habla también sobre la insospechada infiltración del fascismo en nuestros días y sobre nuestra caída en otras formas de totalitarismo. Novela meditativa o ensayo gráfico, esta nueva obra de Pajak es un aullido contra las ideologías, contra el espíritu de nuestro tiempo y contra el propio tiempo en su marcha incontenible, un auténtico viaje a la belleza, el furor, la idiotez, la ilusión, el desencanto y la lucha.

Manifiesto Incierto. Frédéric Pajak. Ed. Errata Naturae
17,5x24 cm. 187 páginas. Castellano

domingo, 11 de septiembre de 2016

Igort (Cagliari, 1958) Considerado como uno de los autores más refinados de la vanguardia de la ilustración, fue uno de los fundadores del grupo Valvoline, a la vez que su obra llegaba a América y Japón. Inmerso en una frenética actividad, funda numerosas revistas: como Dolce vita, Fuego, Due, Black. Durante los años noventa publicó en Japón de forma regular, creando la serie Amore, ambientada en Sicilia, y Yuri, ambas editadas por la editorial Kodansha. En el año 1994 expone su creación en la Bienal de Venecia y en el 2000 funda y dirige la editorial Coconino Press.
Japón se había convertido para Igort en el cofre de los deseos y, sobre todo, en un paraíso para los artistas. Embriagado por las viejas estampas japonesas, En Cuadernos Japoneses se adentra en aquel mundo de símbolos aparentemente sencillos que ocultaba una sabiduría misteriosa.


Cuadernos japoneses. Igort. Ed. Salamandra
17,5x24 cm. 180 páginas. Castellano


jueves, 8 de septiembre de 2016

Puerto de Hamburgo, año de 1914. Acaba de desatarse la I Guerra Mundial y los barcos alemanes parten hacia el frente. Hans, un soldado de la Armada teutona, se despide de Ada, la chica con la que acaba de iniciar una relación. Antes de partir, él le hace seis promesas que, aun en su ausencia, mantendrán vivas en el cuerpo de Ada las huellas de su amor. A partir del texto de Matz Mainka, Ana Juan realiza un trabajo de ilustración íntima y preciosista. Es autora e ilustradora en varias publicaciones en todo el mundo – desde España hasta Estados Unidos, pasando por Japón – es conocida por sus interpretaciones insólitas, melancólicas, románticas y a veces un poco despiadadas de la realidad y de sus historias. Es famosa por sus portadas del New Yorker, por sus ilustraciones en El País y por ilustrar todas las cubiertas de las novelas de Isabel Allende.


Promesas. Matz Mainka y Ana Juan. Ed. Contempla
22,5x30 cm. 50 páginas. Castellano

domingo, 4 de septiembre de 2016

El papel es una materia prima excelente para trabajar la creatividad. Además de soporte tradicional para la escritura, el dibujo y la impresión, gracias a su ligereza, flexibilidad y versatilidad puede manipularse de infinitas maneras. Este llibro presenta veinte proyectos creativos que exploran las posibilidades del papel, desde ornamentos y arreglos florales, hasta cuadernos personalizados o estampación artesanal de papel de pared. The Papered Parlour, fundada en 2009 por Claire Heafford y Louise Hall, es una comunidad creativa, un taller y una agrupación de estudios de artistas y diseñadores que trabaja desde Londres para fomentar la cultura de la artesanía y el diseño.


Solo papel.  The Papered Parlour. Ed. Gustavo Gili. 
19x24.5 cm. 110 páginas. Castellano

miércoles, 31 de agosto de 2016

Por fin en castellano esta desenfadada aproximación a la tipografía, a través de tres personajes nos guiará por algunos de los aspectos fundamentales de la tipografía, su historia, la anatomía de la letra, los estándares de codificación, todo ello desde el humor. Alessio Leonardi es diseñador gráfico y tipógrafo. Dirige el estudio de diseño Leonardi y es profesor de comunicación visual en la University of Applied Science and Art de Hildesheim (HAWK). Escribe habitualmente en diversas revistas internacionales de tipografía y diseño y muchas de sus tipografías han sido publicadas por FontShop Internacional y Linotype.


Sr. Tipo. Una novela tipográfica. Alessio Leonardi
Editorial Gustavo Gili. 17,5x24.5 cm. 100 páginas. Castellano


lunes, 29 de agosto de 2016

Dustin Nguyen (Vietnam, 1976) es un guionista y dibujante cuya carrera incluye numerosas colaboraciones para DC, Marvel, Dark Horse, Boom, IDW e Image. Ha colaborado con Scott Snyder, Paul Dini, Judd Winick y Ed Brubaker, entre otros. Aparte de los cómics, Nguyen también es conocido como artista conceptual de juguetes y productos de consumo, juegos y animación. Jeff Lemire (Essex County, Ontario, Canadá, 1976) ha ganado numerosos premios, y su trilogía Essex County fue destacada en 2011 como la mejor novela canadiense de la década. Ha adquirido una gran popularidad como guionista para DC y en 2015 ha recibido el encargo del relanzamiento de tres de los personajes más populares de Marvel: Hawkeye, X-Men y Old Man Logan (Lobezno). Antes de que el primer número de la edición en inglés de Descender se pusiera a la venta, Lemire y Nguyen tuvieron que lidiar con las múltiples ofertas que empezaron a recibir de los estudios de Hollywood para adquirir los derechos cinematográficos que, finalmente, fueron comprados por Sony. Relata la historia de TIM-21, un joven androide despierta de un largo sueño para descubrir que unos extraños robots alienígenas han atacado a la humanidad, al tiempo que se prohíbe la mera existencia de todos los autómatas.

Descender 1. Estrella de hojalata. Dustin Nguyen, Jeff Lemire
Ed. Astiberry. 144 páginas, 17,5x27cm. Castellano

miércoles, 24 de agosto de 2016

Eddie Campbell (Glasgow, 1955) ha dejado su huella durante más de veinticinco años en el mundo de la novela gráfica, y su obra ha ganado casi todos los galardones del medio, incluyendo los premios Eisner, Ignatz y Harvey. Junto a Alan Moore creó la célebre obra From Hell, que posteriormente sería adaptada al cine, así como El amnios natal y Serpientes y escaleras. Entre la multitud de sus trabajos en solitario, destacan Alec y El destino del artista (Astiberri, 2010), que ofrece una compleja meditación sobre las solitarias exigencias del arte entre las realidades de la vida cotidiana. En esta serie de Baco, publicada originalmente entre 1986 y 1999 y que se edita en castellano por vez primera de forma completa en cinco volúmenes, Eddie Campbell se apropia de los mitos griegos y sus dioses para convertirlos en protagonistas de una trama llena de intriga y suspense. Baco 4 recoge The 1,001 Nights of Bacchus y The Eyeball Kid in the Picture of Doreen Gray, publicados originalmente entre 1990 y 2000 en formato comic-book y en los años 2000 y 2002 en tomos.

Baco 4. Eddie Campbell. Ed. Astiberri
208 páginas. 17,3x24 cm.

martes, 16 de agosto de 2016

Una (Yorkshire, 1965) es artista, académica y autora de cómics. Sus narraciones gráficas autopublicadas han explorado la discapacidad, la psicosis, el activismo político y la violencia contra las mujeres y las niñas. Vive actualmente en Yorkshire. Una entre muchas explora la violencia de género, la vergüenza y la responsabilidad social, con un suceso nacional como telón de fondo y desde la perspectiva de una experiencia personal traumática. Una se pregunta qué significa educarse en una sociedad en la que la agresión machista no es cuestionada, y denuncia una cultura mundial que exige que las víctimas de la violencia paguen su precio. “La idea de que hay algo incrustado profundamente en la cultura que produce erupciones de violencia de género y permite que florezcan, en lugar de ser algo aleatorio y sin móvil, se está haciendo más popular, y es lo que impulsa a este libro”, afirma la autora.


Una entre muchas. Una. Ed. Astiberri
206 páginas. 17x23 cm. Castellano

miércoles, 10 de agosto de 2016

“Abre Puertas – Cómo vender a empresas” es una obra práctica pensada para ayudar a vender en este nuevo escenario en el que, nos guste o no, estamos todos metidos hasta el cuello. Las nuevas tecnologías no solo han supuesto el acceso a nuevas herramientas, sino que han modificado profundamente la manera de relacionarnos. Gonzalo Osés, vinculado desde hace años al diseño y a actividades relacionadas con su proyección, propone trucos, metodologías y recursos para alcanzar objetivos en las relaciones con otras empresas o profesionales.

Abre Puertas – Cómo vender a empresas. Gonzalo Osés
136 páginas. 15x21,5 cm. Castellano

martes, 2 de agosto de 2016

¿Quién compra un rinoceronte?” es un clásico de 1964 que, con una propuesta estética muy sencilla a base de dibujos sin colorear, sorprende y cautiva por su sentido del humor, su frescura y la habilidad de Shel Silverstein para plantear argumentos divertidos y disparatados bajo una aparente seriedad. Comparado con el promotor del limerick, Edward Lear, el escritor y caricaturista Theodor Seuss, o el creador de Winnie the Pooh, Alan Alexander Milne, Silverstein desarrolló un estilo propio elaborando obras enfocadas a la reflexión, al sentido crítico, o que invitan a soñar sin más y atreverse a imaginar sin límites. Su minimalismo y economía de medios a nivel gráfico, la expresividad de sus ilustraciones en blanco y negro, y el recurso ocasional a la secuenciación propia de las viñetas, son algunas de las cualidades siempre presentes en las obras del polifacético artista estadounidense.


¿Quién compra un rinoceronte?. Shel Silverstein
Ed. Calandrata. 48 páginas. 25,5x21,5 cm.. Casstellano

miércoles, 27 de julio de 2016

Estamos de enhorabuena. Si en Visual nos habíamos quedado solos en lo que se refiere a revistas en papel dedicadas a la comunicación gráfica y el diseño, hoy tenemos un nuevo compañero de viaje. Es una buena noticia. Si además están dentrás nuestros amigos Víctor Palau y Ana Gea, la alegría es doble. Un producto reposado que complementa el digital, en el que los diseñadores son los protagonistas.


Gráffica. Ed. PalauGea
110 páginas. 20x26,50 cm. Castellano.

miércoles, 20 de julio de 2016

1862. En los Estados Unidos de América la guerra de Secesión causa estragos, y el médico Thomas Murrait muere durante la toma de Nueva Orleans por parte de las tropas nordistas. Su hija mayor, la rebelde y provocadora Zabo, decide partir en busca de su hermano pequeño, que se ha refugiado en casa de su bisabuela Isa. Treinta años después de la creación de Los pasajeros del viento, Bourgeon concluye su serie de culto con el volumen integral de La niña Bois-Caïman, donde la esclavitud y el camino hacia la emancipación y la libertad están en el centro del relato. Si Los pasajeros del viento contaba las aventuras de Isabel de Marnaye, una joven rebelde y atrevida que embarca de incógnito en un buque de la Armada francesa a finales del siglo XVIII, con la trata de esclavos como telón de fondo, en La niña Bois-Caïman seguimos los pasos de Zabo, la biznieta de la protagonista de la saga, en plena guerra de Secesión. François Bourgeon transformó en su momento el cómic de aventuras en un producto cultural adulto y cuidado, donde la figura femenina desempeña un papel imprescindible, como es el caso de los personajes de Zabo y de Isa. También es el autor de la saga El ciclo de Cyann, en colaboración con Claude Lacroix, y Los compañeros del crepúsculo (Astiberri, 2015).


La niña Bois-Caïman. Edición integral. François Bourgeon
Ed. Astiberri. 146 páginas. 23x31 cm.. Castellano

martes, 12 de julio de 2016

Reedición de esta interesante obra de Ambrose Bierce, autor de innumerables cuentos y piezas breves. Noventa y nueve de estas son las que se recogen en este volumen. Seleccionadas y traducidas por Marcial Souto. Estas 99 fábulas fantásticas destilan sarcasmo y cáustica crítica, siempre brillantes. Y bien hicieron en preocuparse quienes quedaron expuestos a su sátira: políticos corruptos, médicos santurrones, monarcas tiranos, banqueros sin escrúpulos y funcionarios envilecidos se vieron a la intemperie, azotados por su ingenio. Las ilustraciones de Carlos Nine descifran el contorno de los grotescos personajes de Bierce y encarnan su voluntad censora: fábula y caricatura se aúnan para retratar con fino trazo y humor corrosivo la comedia humana espejándose en la animal. Un reflejo que nos devuelve la eterna competición entre liebre y tortuga, los reproches de la hormiga laboriosa a la irreflexiva cigarra, la inevitable comparecencia del cordero ante el lobo.


99 fábulas fantásticas. Nueva edición. Ambrose Bierce. Ilustraciones de Carlos Nine
Ed. Libros del Zorro Rojo. 96 páginas. 14x21 cm. Castellano


miércoles, 6 de julio de 2016

La impresión 3D permite fabricar objetos por superposición de finas capas de materia. Si bien durante mucho tiempo esta tecnología de diseño y fabricación ha sido de uso exclusivo de las empresas más punteras, en los últimos años, con la llegada al mercado de impresoras menos costosas y más rápidas, su uso se está popularizando. La impresión 3D está en auge y todo apunta a que su impacto en nuestra sociedad va a ser extraordinario. Sus más convencidos defensores ya hablan de los nuevos artesanos del 3D digital: los profesionales individuales y las microempresas que sustituirán progresivamente la cultura del consumo y del despilfarro actual por una cultura de la creación, la innovación y la producción descentralizada. Este libro dibuja un panorama completo del mundo de la impresión 3D, desde las diferentes técnicas de impresión, los tipos de impresora y los materiales, hasta el desarrollo paso a paso de un proyecto de impresión 3D o el futuro y la gran variedad de campos de aplicación de esta tecnología, como el diseño, la arquitectura, la medicina o la electrónica.


La impresión 3D. Guía definitiva para makers, diseñadores, estudiantes, profesionales, artistas y manitas en general. Mathilde Berchon y Bertier Luyt
Ed. Gustavo Gili. 199 páginas. 17x23 cm. Castellano


lunes, 4 de julio de 2016

La momia misteriosa recopila numerosas historias cortas de Jason aparecidas en distintos medios, en las que el autor noruego hace gala de un humor absurdo absolutamente personal. Fatalista pero rebosante de ironía, Jason sabe divertir al lector encadenando situaciones que rápidamente se vuelven coherentes. Maestro del minimalismo y admirador de Hergé, Jason homenajea al autor de Tintín con guiños a Los cigarros del faraón o incluso a La oreja rota, sus policías nos recuerdan a Hernández y Fernández, pero el propósito es ácido y los personajes tan perturbados como si estuvieran en una película de Tarantino. John Arne Sæterøy, Jason, nació en Molde (Noruega) en 1965. Tras realizar estudios secundarios y pasar un año en el Ejército, entró en una escuela artística de Oslo. En 2002 obtuvo el premio Harvey al autor revelación. La historieta y la ilustración han sido sus principales ocupaciones en los últimos años. Sus cómics se han publicado en Noruega, Suecia, Dinamarca, Finlandia, Francia, Alemania, Holanda, Eslovaquia, Suiza, Estados Unidos y España.

La momia misteriosa. Jason. Ed. Astiberri
142 páginas. 17x24 cm. Castellano

miércoles, 29 de junio de 2016

En Wonderland, una autobiografía fruto de diez años de trabajo, Tom Tirabosco trata de identificar momentos claves, fijar recuerdos y reconstruir una memoria de lo íntimo, para esbozar un retrato familiar y sus peculiares relaciones, sobre todo la que le une con su hermano Michel, intensa y dolorosa. Muestra la infancia como el lugar de la despreocupación, de la fantasía, pero también como la cuna de todas las neurosis futuras.
Tirabosco también da en su nueva obra una visión personal, lúcida y crítica de la Suiza actual, al plantear el poder devastador de las leyes de mercado del capitalismo, e incidir concretamente en la postura activa de su madre en favor de facilitar el acceso a las viviendas sociales. Todo ello ha convertido a Wonderland en un cómic de inmediato éxito de crítica y ventas en el país helvético.
Tom Tirabosco (Roma, 1966) estudia en la Escuela Superior de Artes Visuales de Ginebra, ciudad donde reside actualmente. Asiste a clases de la Academia de Bellas Artes de Venecia y es becado por la Cité Internationale de París. Empieza su carrera profesional publicando ilustraciones en revistas y periódicos franceses como Libération y Les Inrockuptibles. Es el autor de Los ojos del bosque (Sins entido, 2004), El fin del mundo (La Cúpula, 2009) y Kongo (Dibbuks, 2014).


Wonderland. Tom Tirabosco. Ed. Astiberri
136 páginas. 17x24 cm. Castellano

miércoles, 22 de junio de 2016

Marcos Prior, con una trayectoria de dos décadas escribiendo guiones y dibujando cómics, compone Necrópolis, un nuevo trabajo donde se puede apreciar el rastro de una mirada fijada en los temas que le preocupan para reflejar las costuras de la realidad socioeconómica de las urbes del Primer Mundo.
En New Poole (“la ciudad que nunca duerme, auténtico crisol de culturas y telón de fondo de miles de blockbusters”) el departamento de policía parece incapacitado para resolver y atajar los terribles crímenes que se cometen durante unos muy frecuentes e inexplicables apagones. Son también habituales los enfrentamientos entre bandas callejeras por demarcaciones territoriales imaginarias y los robos de baja estofa magnificados por la prensa.
Con todo ello tenemos el cóctel perfecto para transformar a apacibles ciudadanos de New Poole en fieros miembros de patrullas urbanas que, con sus acciones, multiplican esa inseguridad que forma parte del tuétano de los discursos de los candidatos a la muy disputada alcaldía de la ciudad.
Marcos Prior (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 1975) ha realizado ilustraciones para editoriales como Cruïlla/SM, Ediciones Rockdelux y Editorial Sol 90. También ha contribuido a la realización de storyboards para campañas de empresas de publicidad como Ogilvy Bassat, Vinizius Young & Rubicam, McCann, Shackleton Group y Adding-Targis. A finales de 2013 se puso a la venta Potlatch (Norma Editorial), novela gráfica realizada al alimón con Danide. En 2012 apareció publicada la novela gráfica El año de los 4 emperadores (Diábolo Ediciones), de la que es autor tanto del guión como del dibujo.  En 2011 apareció Fagocitosis (Glénat) con guión suyo y dibujos de Danide.
Durante 2009 se encargó de la realización del guión y dibujos de la novela gráfica Maria Callas, la ilusión biográfica para Discmedi, que todavía sigue inédita.
En la actualidad se encuentra preparando Gran Hotel Abismo junto con David Rubín, que se publicará en Astiberri en 2016.


Necrópolis. Marcos Prior. Ed. Astiberri
120 páginas. 16x26 cm. Castellano

miércoles, 15 de junio de 2016


Colores / Formas. Aún hoy, la vida de John J. Reiss está rodeada de misterio. Se sabe que vivió en Wisconsin, donde fue un miembro activo de la comunidad artística. Cursó los estudios de Bellas Artes en el Black Mountain College a medidados de la década de 1940, bajo la batuta de uno de los mejores maestros de la forma y el color del siglo XX, y renovador de la pedagogía del arte: Josef Albers, a quien Reiss homenajea en su libros
"Colores". En el uso que hace Reiss de la geometría y la yuxtaposición de áreas y gamas cromáticas se percibe de manera incuestionable la imponta 
de Albers, en especial se su obra más famosa, "Homenaje al cuadrado", uno de los máximos exponentes del expresionismo abstracto y la pintura de
contorno nítido. Reiss compiló, adaptó y reinterpretó las enseñanzas de su profesor en varios libros infantiles: en "Formas", en "Colores", y también en "Numbers", obras de prinicpios simples pero estéticamente espectaculares y perfectas herramientas didácticas. Como diseñador gráfico, Reiss también trabajó para el Museo Contemporáneo de Artesanía de Nueva York y para el Museo de Milwaukee, al que donó parte de su producción artística. Poco más se sabe de John J. Reiss, un creador al filo del anonimato cuyos libros infantiles son sin embargo la muestra todavía vigente de la revolución artística de una época y de la innovación en el aprendizaje temprano de los niños.
Los libros infantiles de John J. Reiss se convirtieron en obras de referencia para varias generaciones de niños a partir de la década de 1970. Blackie Books ha recuperado las ediciones originales de estos libros, y los publica por primera vez en español.

John J. Reiss. Ed. Blackie Books
32 páginas. 22x28,50 cm. Bilingüe

miércoles, 8 de junio de 2016


Joaquín Sorolla. La figura del pintor Joaquín Sorolla es una de las sobresalientes en la cultura que España ha producido a lo largo de su dilatada historia. Fue el representante más destacado de una corriente artística que admiraba los espacios abiertos y la luz. Pero fue él quien mejor consiguió trasladar a la superficie del lienzo esa nueva manera de ver la realidad. Los autores hacen un homenaje al pintor, ofreciendo a los lectores los resultados de una amplia y continuada investigación, que sigue abierta, sobre los aspectos personales, histórico – artísticos, teóricos y otros más prácticos como son la técnica pictórica o los materiales. De este modo, se presentan los datos científicos y documentales de que dispone este equipo de investigación pluridisciplinar, formado por especialistas de museos y profesionales integrados en distintos centros de conservación y restauración y de universidades, con el claro objetivo de ilustrar al estudioso y al público en general, sobre los usos de un artista, que fue tan prolífico, en lo que se refiere a su oficio de pintor, y la influencia que en ellos tuvieron ciertos aspectos de su vida y su carácter personal.

VV.AA. Mª Luisa Menéndez (coordinación). Ed. Tecnos
422 páginas. 17,5x24,5 cm. Castellano


miércoles, 1 de junio de 2016

García! Tomo 2. Con este segundo tomo –del primero publicamos una reseña hace unos meses– concluye la propuesta de Santiago García . Antonia sigue la pista del misterioso héroe del pasado con la intención de descubrir la verdad oculta que se esconde detrás de su figura. Pero lo que Antonia no imagina es que esa verdad oculta no sólo puede poner en cuestión todo el sistema político que mantiene el orden en España, sino que puede revelar dolorosos secretos íntimos que les afectan a ella y a su familia.
Luis Bustos (Madrid, 1973). Dibujante de cómics, ilustrador y grafista. Comienza su carrera en 1996 con Rayos y centellas (Camaleón Ediciones) junto al guionista David Muñoz. De un estilo gráfico versátil, ha realizado trabajos en varios géneros y formatos que  van desde el comic book, el álbum europeo, el humor para prensa o la novela gráfica. Como autor completo destacan Endurance (Planeta DeAgostini, 2009), un relato de aventuras sobre la expedición antártica de Ernest Shackleton; el cómic juvenil Zorgo (Dibbuks, 2012) o Versus (Entrecómics Cómics, 2014), adaptación libre del relato de Jack London Por un bistec. También ha colaborado en el semanario humorístico El Jueves (2012-2014) y actualmente en la revista digital Orgullo y Satisfacción. Otros trabajos como dibujante son Residuos (Glénat, 2005) junto a David Muñoz y Antonio Trashorras o ¡Infiernos! (¡Caramba!, 2015) con guión de John Tones.
Santiago García (Madrid, 1968) licenciado en periodismo e historia del arte, escribe cómics y escribe sobre cómics desde hace más de veinte años. Formó parte de los equipos fundadores de las revistas especializadas U y Volumen, las cuales dirigió durante una etapa, ha escrito sobre cómic en el suplemento cultural de ABC y es autor del ensayo La novela gráfica (Astiberri, 2010), traducido al portugués y al inglés. En 2011 recibió el premio a la divulgación en el Salón del Cómic de Barcelona.

Santiago García y Luis Bustos. Ed. Astiberri. 200 páginas.
16x21 cm. Castellano

martes, 3 de mayo de 2016

Santiago García y Luis Bustos unen sus talentos para plantear con ¡García! una novela gráfica que bebe de la sátira política y el thriller de acción con una evidente conexión con la realidad española. Y es que la crisis económica e institucional ha hecho que la sociedad de este país se vuelva más volátil que nunca. En medio de los escándalos de corrupción que los asuelan, los dos grandes partidos –conservadores y socialistas– se han aliado en una coalición de Gobierno con la intención de impedir que el
partido renovador de izquierda gane las inminentes elecciones generales. Es entonces cuando salta la chispa en el barril de pólvora: la candidata del Gobierno ha sido secuestrada, y nadie sabe quién es el responsable ni dónde se encuentra.
Mientras la tensión aumenta
y el pánico se adueña de todos,
un durmiente abre los ojos
en una cámara secreta bajo el Valle de los Caídos, la monumental tumba franquista a las afueras de Madrid. Se trata de García, un superhombre que se hizo célebre durante los primeros años de la dictadura y desapareció sin dejar rastro hace más de 50 años. Ahora García ha vuelto a la vida en el momento más complicado de la democracia, y deberá enfrentarse a una España muy diferente de la que dejó atrás en 1961. Pero el destino del país podría estar en manos de este hombre sin tiempo. Este primer tomo cuenta con la colaboración especial de Manel Fontdevila a los lápices de 10 páginas.

¡García!. Luis Bustos, Santiago García
Ed. Astiberri. 184 páginas. 16,5x21 cm.. Castellano

jueves, 28 de abril de 2016

El auge que vive actualmente la ilustración brilla con luz propia en la ciudad de Barcelona. Desde campañas institucionales a eventos underground, desde revistas jóvenes a prensa centenaria, desde editoriales independientes a grandes grupos mediáticos.
Mundo Ilustrado nos ofrece una privilegiada instantánea de esta edad de oro que vive la ciudad a través de la obra de 48 artistas.
La ilustración —como disciplina en la que convergen variados medios y objetivos— brilla hoy con luz propia en distintos lugares del mundo. Y en particular en Barcelona, donde emerge en innumerables puntos de la ciudad que, interconectados, entretejen una significativa red creativa que va de los pequeños sellos editoriales a los grandes grupos de la edición; de las jóvenes revistas especializadas a la prensa centenaria; de la campaña institucional estampada en banderolas en las calles a las galerías online o los festivales anuales; de la efervescente actividad del colectivo Urban Sketcher dibujando in situ
la ciudad a la oferta creciente de cursos, talleres y posgrados de ilustración en un buen número de escuelas de arte y diseño de Barcelona —con la consiguiente hornada anual de alumnos—. También renace el fanzine, como primer peldaño de edición, con una impresión digital que desbanca en calidad a las características fotocopias de los pioneros. Y proliferan las pequeñas galerías y espacios donde adquirir obra. El despliegue y potencial actual de la ilustración en múltiples ámbitos indica que se pueden añadir unas cuantas precisiones más sobre ella. Más allá de la presencia habitual a finales del siglo XX en prensa y en el álbum infantil, en menos de una década la ilustración ha extendido su radio de acción y prolifera hoy en el sector de la identidad corporativa, la comunicación institucional, la publicidad en todos sus formatos y el libro para adultos (desde clásicos de la literatura al relato gráfico o la narración autobiográfica). Se entrecruza con la historieta y el cómic; en la animación tiene por delante un largo recorrido, y en los dispositivos móviles, otro tanto, con ilustradores capaces de idear desde apps hasta nuevos emoticonos. También destaca en soportes como la cerámica o la piel humana en el caso de los ilustradores-tatuadores, hasta llegar a la estampación sobre toda clase de objetos cotidianos del universo particular de muchos creadores. 

Mundo ilustrado. Panorama de la ilustración en Barcelona
Marta Rodríguez Bosch. Ed. Gustavo Gili
224 página. 18,2x13,5 cm.. Castellano, Catalán

lunes, 25 de abril de 2016

Carme Solé́ Vendrell (Barcelona, 1944) estudió pintura en la Escuela Massana de Barcelona. Editó su primer libro en 1968 y, desde entonces, ha ilustrado más de 700 títulos, entre á́lbumes y libros de texto, que se han publicado numerosos países. Entre sus exposiciones destacan las antoló́gicas en Taiwán (1997) y Barcelona (2001). Tambié́n colabora con revistas infantiles y realiza trabajos de escenografía, dramaturgia, direcció́n de teatro, cartelismo y animació́n. Ha impartido cursos de ilustración y conferencias en Europa, Amé́rica y Asia, además de participar en encuentros profesionales. Es socia fundadora de la Asociació́n Profesional de Ilustradores de Cataluñ̃a. Entre los galardones que ha recibido destacan: Janusz Korczak, 1979; Premio Nacional de Ilustració́n, 1979; Catalònia, 1984; Critici in Erba, 1992; Octogone la Fonte, 1992; Creu de Sant Jordi 2006, Premio Nacional de Cultura/Có́mic 2012, Premio Nacional de Ilustración 2013 por el conjunto de su obra. Desde 1992 compagina la ilustración y la pintura.
La luna de Juan, publicada originalmente en 1982, es una de las obras más importantes en la trayectoria de Carme Solé́, ya que marcó́ su proyecció́n internacional. Traducido a varios idiomas, este á́lbum trata sobre el temor a la muerte y la forma de afrontarlo. La reflexió́n sobre temas profundos como la soledad, la tristeza o la pérdida de un ser querido tiene que ver con el compromiso de la autora –cuya madre falleció cuando ella tenía nueve años– de hablar a los niñ̃os y niñ̃as sobre sus miedos, y darles las respuestas que no hallan en los adultos. La luna de Juan marcó un punto y aparte en el estilo de Carme Solé́: la sencillez en el dibujo, con figuras de contornos bien definidos son algunas cualidades de esta obra, junto con la matizació́n y sutileza de los colores, la importancia de la luz y los sombreados. Los contrastes y el destaque de elementos relevantes en el relato refuerzan la expresividad de las ilustraciones, que desprenden fantasía e inocencia, y que nos envuelven en un mundo poé́tico y sugerente.

La luna de Juan. Carme Solé Vendrell
Ed. Kalandraka. 40 páginas. 22,5x29 cm. Castellano


















viernes, 22 de abril de 2016

Shel Silverstein (Chicago, 1930-1999) estudió́ en la Universidad de Illinois y en la Facultad de Bellas Artes de Chicago. Sus primeros dibujos para adultos se publicaron en el Pacific Stars and Stripes en los añ̃os 50, cuando el Ejército de Estados Unidos le destinó́ a Japó́n y Corea. De regreso en Chicago, siguió publicando sus trabajos en varias revistas. Desde 1957 y hasta mediados de los años 70 fue uno de los principales dibujantes de Playboy. En 1963 empezó́ a publicar libros infantiles y colecciones de poemas ilustrados. En 1984 recibió́ el premio Grammy al Mejor Á́lbum Infantil (edición audiolibro). Sus obras se han publicado en má́s de 30 idiomas y se han vendido má́s de 20 millones de ejemplares. Paralelamente, desarrolló otras facetas como músico y compositor –fue nominado al Óscar y al Globo de Oro por una de sus canciones–, dramaturgo y guionista de cine y televisión.
“El árbol generoso” es un clá́sico de 1964 para lectores de todas las edades que plantea –en clave crítica– reflexiones y lecturas diversas: una amistad incondicional y desinteresada que no es correspondida en igual medida; la relación con nuestro planeta, constántemente agredido; la contraposició́n entre las necesidades materiales y lo intangible, para alcanzar la felicidad; e incluso una pará́bola de la familia… El texto es una sucesió́n diná́mica de acciones en torno a la figura central del árbol que, a lo largo del tiempo, interactúa con una persona. Silverstein tardó́ cuatro años en publicar “El árbol generoso”, hasta que Tomi Ungerer le animó́ a proponerlo a la editora Ursula Nordstrom. A nivel esté́tico destaca su economía de medios, el minimalismo y la expresividad de las ilustraciones –en blanco y negro– elaboradas con la estética de las viñ̃etas.

El árbol generoso. Shel Silverstein. Ed. Kalandraka
19,5x26 cm. 60 páginas. Castellano

martes, 19 de abril de 2016

Bryan Talbot (Wigan, Lancashire, Reino Unido, 1952) publicó su primer cómic en 1972 y trabajó en el cómic underground durante cinco años. En 1978 comenzó su saga Las aventuras de Luther Arkwright, cuya edición en tres volúmenes le valdría 8 nominaciones a los premios Eagle, de las que obtuvo cuatro premios. En 1982 empezó a colaborar en la revista 2000AD, para la que realizó la serie
Nemesis the Warlock con el guionista Pat Mills, por la que ganó cuatro premios Eagle. También trabajó en Juez Dredd. Ha participado en series para DC Comics como Hellblazer, Sandman y The Nazz. Su novela gráfica El cuento de una rata mala, originalmente publicada en 1994, obtuvo numerosos premios, entre ellos un Eisner, y en 1998 apareció en la lista de lecturas recomendadas de The New York Times. En 1999 se embarcó en El corazón del Imperio, continuación de Las aventuras de Luther Arkwright, que le valdría el premio Haxtur en 2003 y fue nominada a mejor obra extranjera en el Salón del Cómic de Barcelona de 2004. Su novela gráfica Alicia en Sunderland (Random House Mondadori, 2010), editada en 2007, le valió nuevamente varias nominaciones a los premios Quill, Eagle, Harvey y Eisner.
En un futuro alternativo, lleno de universos paralelos, un despiadado y cruel Imperio británico impone su ley. En Roma, un Papa moribundo pone en marcha un plan destinado a poner el trono imperial bajo su control a cualquier precio. Y mientras tales maquinaciones amenazan la estabilidad política y social del mundo, una fuerza monstruosa comienza a formarse por todo el multiverso. En El corazón del imperio Talbot recrea un universo rico y complejo, una visionaria sátira política que no deja títere con cabeza y que se ha convertido en una obra de referencia. Talbot combina elementos de distintas culturas y épocas de la historia aportando una mirada viva sobre una sociedad estrambótica que invita a la reflexión. El corazón del Imperio obtuvo tres nominaciones a los premios Eisner y cinco a los Eagle.

El corazón del imperio. Bryan Talbot. Ed. Astiberri
17x25,6 cm. 304 páginas. Castellano























jueves, 14 de abril de 2016

Fernando Pérez Hernando (Valladolid, 1973) estudió ilustració́n en la Escuela de Artes Aplicadas y Diseño de Valladolid. Ha completado su formació́n en talleres de grabado y á́lbum ilustrado. Ha realizado trabajos de diseñõo en empresas de reprografía y comunicación hasta que en 2005 participó en la creació́n de un estudio de diseño. Desde 2012 trabaja en su propio proyecto, FerezEstudio, dedicado al diseño y la ilustració́n. Tambié́n imparte talleres infantiles de ilustració́n. La escalera roja es su segundo libro.
Protagonizado por un pá́jaro ingenuo y un ingenioso conejo, La escalera roja destaca por la
sencillez de su propuesta estética, figurativa y con un planteamiento secuencial. Una parte del relato es acumulativa, en tanto enumera acciones y elementos que se repiten de forma consecutiva, en sentido ascendente y descendente, planteando un juego mnemoté́cnico. En otro nivel de lectura, relacionado con el nonsense y el absurdo, la actitud del pá́jaro tiene que ver con la falta de confianza en la propia capacidad para alcanzar un objetivo. A modo de fotogramas, las ilustraciones –elaboradas con témpera y lápiz– siguen una pauta cinematográ́fica. Los colores intensos, la alternancia de primeros planos y planos generales, y los guiños a la fantasí́a, completan esta divertida historia.

La escalera roja. Fernando Pérez Hernando
Ed. Kalandraka. 36 páginas. 20,8x20,8 cm. Castellano

lunes, 11 de abril de 2016

La impresión artesanal vive un revival sin precedentes. Para los diseñadores ha supuesto la apertura de un universo de posibilidades estéticas y de recursos gráficos que les ha permitido abandonar las pantallas de sus ordenadores y lanzarse a investigar y experimentar con la materialidad de la tinta y el papel. Por su parte, los usuarios cada vez están más sensibilizados respecto al valor de lo manufacturado y las ediciones limitadas. Papel y tinta ofrece una panorámica de las técnicas, métodos y materiales más utilizados actualmente para imprimir de forma artesanal. Por medio de las obras de algunos de los principales diseñadores e impresores del panorama internacional, el libro muestra el uso de la serigrafía, la impresión tipográfica o la xilografía así como la inspiración y destreza necesarias para producir artesanalmente todo tipo de diseños, desde rompedores carteles de concierto o artículos rústicos de papelería hasta xilografías retro o manualidades.

Papel y tinta. John Foster. Ed. Gustavo Gili
192 páginas. 23,5x23,5 cm. Castellano

viernes, 8 de abril de 2016

François Bourgeon transformó en su momento el cómic de aventuras en un producto cultural adulto y cuidado, donde la figura femenina desempeña un papel imprescindible, como es el caso del personaje de Isabel. El propio Bourgeon confiesa que “Isa soy yo. Tenemos en común una fibra humanista y el rechazo a la injusticia. Aunque ella es más provocadora que yo. No me gusta agredir, desconcertar. No sé hacerlo. Echo de menos a Coluche
y Desproges, pero sería incapaz de imitarlos”. El volumen integral de Los pasajeros del viento recopila los cinco tomos de las aventuras de Isabel de Marnaye, una joven rebelde y atrevida a quien se le robó la identidad y que embarca de incógnito en un buque de la Armada francesa a finales del siglo XVIII. Disfrazada de hombre, y junto con el marinero Hoel y el cirujano Saint-Quentin, comenzará un largo periplo hasta África, donde conocerá la guerra, las cárceles, y descubrirá el horror de la trata de esclavos. El integral cuenta con siete páginas nunca publicadas en castellano, con información e imágenes del fuerte y del barco, elementos relevantes en el desarrollo de la trama.
Los pasajeros del viento es una de las obras de culto de François Bourgeon, todo un clásico del cómic europeo, también autor de la saga El ciclo de Cyann, en colaboración con Claude Lacroix, y Los compañeros del crepúsculo. La serie de Los pasajeros del viento, que empezó en los años 80, ha marcado a generaciones de lectores; ha sido traducida a más de 18 idiomas y lleva vendidos más de 5 millones de ejemplares. Bourgeon obtuvo en 1980 el premio al mejor dibujante en el festival de Angoulême con el primer tomo de Los pasajeros del viento. Treinta años más tarde, crea una continuación de la serie, La niña Bois-Caïman.

Los pasajeros del viento. Edición integral. François Bourgeon
Ed. Astiberri. 248 páginas. 23x31 cm. Castellano

Esta obra firmada por Jens Müller, reúne alrededor de 6.000 marcas creadas entre 1940 y 1980 analizando cómo las tendencias modernas contribuyeron a la formación de su identidad corporativa. Desde medios de comunicación hasta grandes cadenas comerciales, pasando por aerolíneas y galerías de arte, este extenso estudio se divide en tres capítulos en función del diseño de los logotipos: Geométrico, Efecto y Tipográfico. A su vez, cada capítulo se subdivide en distintas secciones según la forma y el estilo, como alfabeto, superposición, puntos y cuadrados. Además de este extenso catálogo, el libro incluye una introducción de Jens Müller sobre la historia de los logotipos y un estudio de R. Roger Remington sobre el arte moderno y el diseño gráfico. Asimismo, incorpora perfiles de ocho diseñadores y ocho casos prácticos, con un acercamiento en profundidad a la vida y obra de creadores destacados como Paul Rand, Yusaku Kamekura y Anton Stankowski, y con proyectos de marcas tan relevantes como Fiat, The Daiei Inc. y los Juegos Olímpicos de México de 1968.
Jens Müller nació en la ciudad alemana de Coblenza en 1982 y estudió diseño gráfico en Düsseldorf. Müller, que ha recibido numerosos premios de diseño nacionales e internacionales, es director creativo del estudio de diseño Optik de Düsseldorf y editor de A5, una colección de libros de historia del diseño gráfico. Imparte clases de historia del diseño gráfico y diseño editorial como profesor invitado en la Peter Behrens School of Arts de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Düsseldorf.

Logo Modernism. Jens Müller. Ed. Taschen
432 páginas. 25,5x38 cm. Varios Idiomas

jueves, 7 de abril de 2016

Un retrato, a priori, no es más que una fotografía de alguien que posa sentado o de pie, distraído o no, frente a nosotros. La iluminación adecuada, el gesto preciso, una mirada intensa o fugaz, una mueca inesperada, una mano en el sitio apropiado, una arruga por la presión de los dedos, o un esbozo de sonrisa en la comisura de los labios… Saber mirar y esperar el momento justo. Si al contemplar un retrato, de quien sea, este es capaz de retenernos y hacernos pensar durante unos instantes sobre la persona allí plasmada, sin duda alguna estaremos ante un buen retrato. En esta obra, Pepe Castro presenta un breve estudio sobre el retrato fotográfico, para después mostrar una amplia colección de extraordinarias creaciones artísticas de numerosos personajes relevantes de la sociedad y la cultura española de nuestros días. Cada una se acompaña con información sobre la historia que se esconde tras el retrato, junto con ideas y consejos para los amantes de esta técnica fotográfica.

Faces Book. Retratos de autor. Pepe Castro
Ed. Photo Club. 22 x 28,5 cm. 206 páginas. Castellano

lunes, 4 de abril de 2016

Mariona Cabassa (Barcelona, 1977) estudíó ilustración y diseno en la Escuela Massana de Barcelona, donde obtuvo el Premio Extraordinario en el 2000, y en las escuelas de Artes de Estrasburgo y Marsella. Sus trabajos, publicados en España, Francia, Inglaterra, Italia, y Portugal, han sido reconocidos en los Premios Junceda en 2003 y en 2009 por Adivina adivinanza, tengo un cero en la panza. En 2005 fue seleccionada para participar en la exposición Ilustrísimos de la Feria de Bolonia. En 2010 ganó el Concurso Internacional de Album Ilustrado de Compostela con La familia C.
A partir del diálogo entre una nina y una flor, en La flor azul Antonio Skarmeta elabora una delicada fábula acerca de la belleza y su permanencia en el mundo. Las ilustraciones de Mariona Cabassa interpretan con notable sensibilidad las emociones y vivencias de los protagonistas, ofreciendo uno de sus trabajos mas notables y profundos.

La flor azul. Antonio Skármeta. Ilustraciones: Mariona Cabassa
Ed. Libros del Zorro Rojo. 21,5x28,8 cm. 24 páginas. Castellano

jueves, 31 de marzo de 2016

Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas ofrece una síntesis actualizada de la historia del arte en España desde el final de la Guerra Civil, sumándose al impulso de renovación historiográfica que desde el campo de la investigación viene desarrollándose en la última década. El libro presenta, así, algunas novedades con respecto a los manuales disponibles. En primer lugar, aborda la esfera del arte en sentido amplio: junto a las prácticas de los creadores, en sus páginas se discuten las principales teorías y debates historiográficos, así como la historia de las instituciones y las políticas artísticas. En segundo lugar, Arte en España (1939-2015) intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando especial atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas, a las expresiones contraculturales y populares, a las prácticas no objetuales y experimentales, a los dispositivos artísticos concebidos como vehículos de activismo social y político y, en general, a las manifestaciones habitualmente consideradas periféricas o contrahegemónicas. Por último, el libro revisa también las continuidades y fisuras entre pasado y presente, cuestionando algunos de los relatos de consenso construidos desde la transición. No se trata, sin embargo, de sustituir un canon por otro, sino de plantear nuevas preguntas e instrumentos que contribuyan a fomentar una interpretación más plural y dinámica de la historia del arte en España.

Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas
Jorge Luis Marzo y Patricia Mayayo
Ed. Cátedra. 19,5x 23,5 cm. 908 páginas. Castellano

lunes, 28 de marzo de 2016

Jorge Monlongo ha ilustrado textos en El País y en Muy Interesante, y dibujado la serie Distrito Harrigan en la revista El Manglar. En Estados Unidos tuvieron que aprender a pronunciar su nombre cuando comenzó a dibujar las adaptaciones al cómic de Hello Kitty, de Mameshiba, de Vaca y Pollo y de Mr. Peabody & Sherman. No me pegues que llevo gafas es una fábula hipster, un sueño húmedo de modernos de provincias, un viaje desde el brunch al gintonic premium. Expos en espacios llenos de propuestas, bares trendy, cool, cozy, con sillas de cocina de abuela y blogueras bebiendo en tarritos. Barbas homogéneas, camisas estampadas, moños. Todo muy craft, muy DIY. Un must, en resumen. La crítica de lo coetáneo ha sido un clásico recurrente, desde lo irónico e inteligente que trabajara de manera sutil Juanjo Sáez a la crítica dulce de Moderna de Pueblo. Corresponde entonces a Monlongo la versión más canalla del género.

No me pegues que llevo gafas. Jorge Monlongo
Ed. Caramba. 19,5x22,8 cm. 88 páginas. Castellano

jueves, 24 de marzo de 2016

En 1989, Richard McGuire publica en blanco y negro una historia corta de seis páginas titulada Here en el número 1 del volumen 2 de la revista RAW, y en 2014, tras quince años de trabajo, ve la luz Aquí, una novela gráfica a color de trescientas páginas basada en la historieta previa publicada por McGuire en la mítica revista de Art Spiegelman y Françoise Mouly. Y es que Aquí, tanto en su edición de 1989 como en la de 2014, cuenta de forma no cronológica la historia de un espacio concreto, el rincón de la estancia principal de una casa, a lo largo del tiempo —desde la prehistoria hasta el futuro, antes y durante la construcción, mientras ha sido habitada y tras su demolición—, combinando en una misma página la viñeta principal con otras pertenecientes a distintas épocas; instantáneas de momentos concretos a menudo sin más conexión que el hecho de suceder en el mismo lugar. Son esta premisa argumental y esta técnica narrativa las que distinguen esta obra y la convierten rápidamente en un referente.
Here ha tenido una tremenda influencia en el desarrollo del lenguaje del cómic en las últimas décadas. No es casualidad que fuera publicada por primera vez en RAW (1980-1991), la revista norteamericana que se considera la impulsora del “cómic artístico”, que tomó el relevo al cómic underground como tendencia renovadora del medio.
Richard McGuire es un asiduo colaborador de The New Yorker. Su obra se ha publicado en The New York Times, Le Monde, McSweeney’s y Libération. Ha participado en el guión y la dirección de dos películas de episodios: Loulou et autres loups (2003) y Peur(s) du noir (2007). Asimismo, ha diseñado y fabricado su propia línea de juguetes, y es también el fundador y bajista del grupo de música Liquid Liquid. Las seis páginas originales de Aquí, publicadas en 1989 en el número 1 del volumen 2 de la revista Raw, fueron reconocidas de inmediato como una obra transformadora que ampliaba las posibilidades del cómic. Su influencia sigue siendo patente veinticinco años después de ver la luz.

Aquí. Richard McGuire. Ed. Salamandra
16,8x24 cm. 304 páginas. Castellano




















martes, 22 de marzo de 2016

Nicolas Mahler nació en 1969. Vive en Viena, donde trabaja como dibujante de cómics e ilus­trador. Sus cómics y viñetas se publican en periódicos y revistas como Die Zeit, NZZ am Sonntag, Frankfurter Allgemeine Zeitung y Titanic. Mahler ha recibido múltiples reconocimientos por sus numerosas creaciones. En 2010, obtuvo el Premio Max-und-Moritz al Mejor autor de cómics en alemán. Recientemente ha publicado en la editorial Suhrkamp varias adaptaciones a novela gráfica de obras literarias entre las que se encuentran Maestros antiguos, de Thomas Bernhard, y El hombre sin atributos, de Robert Musil.
Alicia está de nuevo en el país de los sueños.  Allí se encuentra con el conejo blanco, que cita a autores como Melville, Cioran  o Nietzsche y la lleva a su madriguera subterránea en busca de una edición ilustrada  del Fran­kenstein en Sussex de H. C. Artmann.  Al contrario de lo que ocurre en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll, aquí Alicia se halla en una casa en las profundidades de la tierra. Y en cada una de las plantas, se topa con las creaciones de Carroll: la oruga que fuma en pipa, el gato sonriente, la tortuga marina y muchos más, hasta que en la última planta de la casa, la más profunda, Alicia da con el monstruo de Frankenstein.

Alicia en Sussex. Nicolas Mahler
Ed. Salamandra. 144 páginas. 17x24 cm. Castellano