Anatxu Zabalbeascoa es periodista e historiadora especializada en arquitectura y trabaja para el diario El País, donde escribe también el blog Del tirador a la ciudad. Es autora de varios libros de arquitectura, entre los que destacan Las casas del siglo (1998), Vidas construidas (1998), Minimalismos (2001, con Javier Rodríguez Marcos), y Todo sobre la casa (2011). Chairs es una historia de la silla de autor. Un recorrido que arranca con el prólogo del investigador Jorge Wagensberg sobre el concepto de asiento. Presenta una panorámica de los grandes hitos de las sillas históricas y se centra, finalmente, en el universo de la silla moderna y las sucesivas miradas que le han dado sentido. Nos pasea por las sillas de la era industrial como las célebres sillas en serie Thonet, las sillas-manifiesto como las de Gerrit Th. Rietveld o Mies van der Rohe, o las sillas propias de la ostentación tecnológica y formalista posmoderna, donde destacan nombres propios como los de Frank O. Gehry, Philippe Starck o Jasper Morrison. Un delicioso relato, en definitiva, de aquellas creaciones maestras que han marcado un antes y un después en la historia del diseño y, al mismo tiempo, de la humanidad.

Chairs. Historia de la silla. Anatxu Zabalbeascoa
Ed. Gustavo Gili. 144 páginas. 15 x 21cm. Castellano

Rachid Koraïchi (Argelia, 1947) Koraïchi es una de las personalidades más relevantes del arte contemporáneo internacional. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Argel y en la de París, y luego en la Escuela Nacional de Artes Decorativas y en el Instituto de Urbanismo de París. La obra de Koraïchi pertenece a la tradición y espiritualidad sufí, pero abarca la modernidad y la universalidad. Su arte se caracteriza por la inclusión de una amplia variedad de medios y materiales, siempre dentro del contexto de la escritura sagrada y los signos mágicos, fiel a su concepción de una estética íntimamente ligada a la palabra, el lenguaje y, sobre todo, a la poesía árabe. Además de su colaboración en publicaciones, ha creado exposiciones monumentales: estelas, pirámides, murales de cerámica, sedas, tapices o aguafuertes son algunas de las creaciones que jalonan su obra. Participó junto a otros seis artistas internacionales, en el proyecto de arte Six Flags for Tolerance, promovido por la UNESCO. En 2011 ganó el Premio Jameel con su instalación Los maestros invisibles, que ha sido exhibida en el Victoria & Albert Museum de Londres, en el Arab World Institute de París y Casa Árabe en Madrid.  Prodigios es una antología ilustrada en la que se recogen algunos de los poemas árabes más bellos escritos desde el siglo VI hasta nuestros días. Sus páginas presentan un desafío al lector a través de dos caminos creativos: la poesía y la imagen plástica. Cincuenta y dos voces que indagan en torno a temas eternos y universales, como el amor y la muerte, el arrebato vital y la búsqueda del absoluto. Las sorprendentes e inspiradoras ilustraciones del artista argelino nos invitan a recorrer este libro como quien se adentra en una galería revestida de espléndidos tapices, muestras y ejemplos de una magnífica cultura, donde la poesía fue, y sigue siendo todavía, una revelación, un lugar de encuentro y una vía que abre nuevos horizontes.

Prodigios. Antología de poesías árabes.
Varios autores. Rachid Koraïchi (ilustrador)
Ed. libros del zorro rojo. 145 páginas. 23 x 25,8 cm.. Castellano, Árabe

A través del tiempo y el espacio, los motivos e imágenes de lo decadente se representan repetidamente en literatura, bellas artes, música y otras formas de arte. Este libro presenta numerosas obras de arte que abarcan desde el siglo XIX hasta el surrealismo, incluyendo ilustradores europeos como Odilon Redon, Gustav Klimt, Gustave Moreau, Aubrey Vincent Beardsley y muchos más. Cada capítulo agrupa piezas por categoría estilística o movimiento artístico: Hermandad Prerrafaelita, Simbolismo en Francia, Alemania y Bélgica; Secesión de Wiener; Art Nouveau y Art Deco; Erotismo; ilustradores de libros; Artistas surrealistas, etc. Esta colección también explora el tema de la femme fatale a través de representaciones de sirenas, sirenas y brujas, así como personajes de la mitología griega, obras literarias modernas, etc. Aproximadamente 370 grandes obras de arte se presentan en un diseño elegante diseñado por Reiko Harajo, el renombrado diseñador de libros.

The Art of Decadence: European Fantasy Art of the Fin-de-Siècle. Hiroshi Unnno
Ed. PIE Books. 400 páginas. 25,7×18,6 cm. japonés , Inglés

Rebecca Roke se inspira en su formación arquitectónica y en sus amplias investigaciones y experiencia como escritora para exponer ideas sobre arquitectura y sobre la obra de profesionales destacados. Como directora de la revista Monument y corresponsal en Londres de Inside Interior Review escribió acerca del trabajo de diseñadores y arquitectos de todo el mundo. Rebecca, en su día editora de Foster + Partners en Londres, también es autora de Nanotecture y codirectora de la asesoría Corvo. En este extraño libro –que genera cierta fascinación– muestra cómo el ser humano se las apaña para crear diseños estables que puedan rodar, desdoblarse, saltar, deslizarse en trineo, flotar sobre el agua... Esta colección, de más de 250 imágenes, no se limita a tipologías icónicas como las tiendas de campaña y las caravanas, sino que ofrece una enorme variedad de estructuras móviles diseñadas para desiertos, océanos, playas, montañas y ciudades, lo cual pone de relieve una unión entre arte y movilidad. Mientras que unos proyectos recurren a la libertad para experimentar con materiales, tamaños, colores y conceptos de diseño, otros arrojan luz de manera más emotiva sobre la importancia del diseño de estructuras móviles. Movitectura también incluye diseños que ayudan a los refugiados que huyen de las zonas de conflicto, a los emigrantes económicos que esperan labrarse una vida mejor en otro lugar, a la migración medioambiental debida a causas naturales y a los sin hogar.

Movitectura: Arquitectura móvil. Rebecca Roke
Ed. Phaidon. 318 páginas. 13 x 19 cm. Castellano

Erwin Panofsky (1892 - 1968) fue un historiador del arte y ensayista alemán, exiliado en los Estados Unidos. Su obra más conocida es Estudios sobre iconología, pero sus monografías sobre Durero, Tiziano, los artistas flamencos o el arte funerario son trabajos fundamentales en la estética del siglo XX. Fue discípulo de Aby Warburg, al que conoció en 1912 en un congreso en Roma, y se convirtió en "seguidor devoto" en Hamburgo. Después de estudiar en Berlín y otras universidades alemanas, se graduó en 1914 en la Universidad de Friburgo, con una tesis sobre el pintor alemán Alberto Durero. En 1916 contrajo matrimonio con Dora Mosse, también historiadora del arte. En 1924 apareció la primera de sus grandes obras, "Idea": Ein Beitrag zur Begriffsgeschichte der älteren Kunstheorie, donde examina la historia de la teoría neoplatónica del arte. Participa en la fundación del Instituto Warburg y recibe en su formación una influencia muy decisiva de Ernst Cassirer en cuanto a la definición de "símbolo", como se aprecia en su obra La perspectiva como forma simbólica. En 1953, fruto de unas conferencias pronunciadas en la Universidad de Harvard entre los años 1947 y 1948, publicó "Los primitivos flamencos", texto fundamental que definía el propio autor de la siguiente manera: "Como la mayoría de los títulos, el de la publicación presente es impreciso. No he pretendido presentar la pintura flamenca primitiva en su totalidad [...], sino concentrar mis esfuerzos en Hubert y Jan van Eyck, el maestro de Flémalle y Roger van der Weyden. He intentado aclarar, hasta donde ha sido posible, las premisas históricas de sus logros; valorar lo que sabemos o creemos saber sobre su estilo; y seguir en líneas generales el curso de las evoluciones subsiguientes de las que puede decirse que constituyen la principal corriente de la tradición flamenca primitiva".  

Los primitivos flamencos. Erwin Panofsky
Ed. Cátedra. 16,5x24 cm. 594 páginas. Castellano 

Federico Delicado (Badajoz, 1956) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En 1970 inició su trayectoria profesional elaborando materiales audiovisuales y trabajos para prensa. Ha publicado numerosos libros para público infantil y juvenil ; entre ellos, “El niño bisiesto” e “Ícaro” (KALANDRAKA), galardonado con el VII Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado, el Premio Fundación Cuatrogatos 2016, y que ha sido incluido en la selección The White Ravens 2015 y la Lista de Honor IBBY 2016.
Este libro es un homenaje al mundo de los títeres por parte de un autor que ha nacido entre ellos, ha jugado con marionetas y ha sido titiritero. “Mundinovi” -título que procede de un pequeño retablo que en el siglo XVI servía para representar es cenas del Nuevo Mundo- también es un tributo al legado del marionetista argentino Javier Villafañe, artífice de personajes como Maese Trotamundos, que protagoniza uno de los poemas del libro.
Con una métrica tradicional a base de octosílabos, un ritmo literario ágil y un evocador ejercicio memorístico, los versos de “Mundinovi” se completan con las ilustraciones de Federico Delicado, repletas de colorido, expresividad y dinamismo. Con un estilo realista, las imágenes sitúan al público delante y detrás del teatrillo, e incluso frente a frente con los propios títeres, estableciendo una relación de cercanía y complicidad.


Mundinovi. El gran teatrillo del mundo
Juan Carlos Martín Ramos y Federico Delicado
15 x 23,5 cm.. 56 páginas. Ed. Kalandraka

El trabajo y el pensamiento de Curro Claret son el punto de arranque de esta serie de conversaciones que reúnen a reconocidas voces vinculadas al mundo del arte y el diseño. A partir de los temas recurrentes surgidos en los diálogos, Oscar Guayabero ha sabido deconstruir y reconstruir magistralmente las conversaciones hasta crear siete nuevas charlas virtuales. En ellas, las distintas miradas se unen y reordenan conformando un armónico sembrado de reflexiones, ideas, dudas y experiencias. El libro, fruto de un gran trabajo de edición de Ramón Úbeda, desborda su objetivo y no solo se convierte en una potente reflexión polifónica realizada desde el lenguaje del diseño, sino también en una reivindicación de esa cara humilde y brillante a la vez que debería instalarse en nuestra cultura industrial y que tan bien personifica Curro Claret.
Curro Claret nace en Barcelona en 1968. Estudia diseño industrial en Elisava y en Central Saint Martins de Londres. Desde 1998 trabaja como diseñador freelance, en proyectos muy diferentes (objetos, instalaciones, interiorismo, eventos-happening...), para familia, amigos, galerías, instituciones, fundaciones, el Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y diversas empresas. Al mismo tiempo ejerce ocasionalmente como profesor y tallerista de diseño industrial, principalmente en la Escuela IED de Barcelona. Actualmente, forma parte de la Junta Directiva del FAD (Foment de les Arts i el Disseny). Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos y ha recibido numerosas distinciones y premios. Su trabajo se distingue por ser fruto de una reflexión constante sobre el papel del diseñador en la sociedad y la inclusión del usuario en los procesos de creación. Al mismo tiempo su diseño se puede considerar social en tanto que a menudo es una herramienta para generar procesos de inclusión, colaboración y codiseño con colectivos de personas en situación de fragilidad.


Conversación polifónica sobre diseño y otras cosas
Retrato imperfecto de Curro Claret. Óscar Guayabero y Ramón Úbeda
Ed. Guistavo Gili. 14x21 cm. 150 páginas. Castellano

Joaquín Sorolla. La figura del pintor Joaquín Sorolla es una de las sobresalientes en la cultura que España ha producido a lo largo de su dilatada historia. Fue el representante más destacado de una corriente artística que admiraba los espacios abiertos y la luz. Pero fue él quien mejor consiguió trasladar a la superficie del lienzo esa nueva manera de ver la realidad. Los autores hacen un homenaje al pintor, ofreciendo a los lectores los resultados de una amplia y continuada investigación, que sigue abierta, sobre los aspectos personales, histórico – artísticos, teóricos y otros más prácticos como son la técnica pictórica o los materiales. De este modo, se presentan los datos científicos y documentales de que dispone este equipo de investigación pluridisciplinar, formado por especialistas de museos y profesionales integrados en distintos centros de conservación y restauración y de universidades, con el claro objetivo de ilustrar al estudioso y al público en general, sobre los usos de un artista, que fue tan prolífico, en lo que se refiere a su oficio de pintor, y la influencia que en ellos tuvieron ciertos aspectos de su vida y su carácter personal.

VV.AA. Mª Luisa Menéndez (coordinación). Ed. Tecnos
422 páginas. 17,5x24,5 cm. Castellano

El arte es un término de múltiples facetas. El Diccionario visual de términos de Arte pretende abarcar algunos de sus aspectos más básicos e im­portantes. Aunque los vocablos hacen referencia a las diferentes disciplinas, el pre­dominio de la pintura y la escultura no es casual. Con respecto a la 
ar­quitectura, aunque el diccionario es en parte complementario al Diccionario visual de términos arquitec­tónicos editado anteriormente por la misma editorial, se han recogido los principales elementos relacionados con el arte con una visión nueva, más esquemática, a la vez que se incluyen nuevos términos. Junto a los aspectos esenciales relacionados con la pintura, la escultura o la arqui­tectura aparecen tratadas otras disciplinas como la alfarería, la cerámica, la heráldi­ca, la glíptica, la orfebrería, la ebanistería, la eboraria, el grabado, etc.
Cada término contiene una exhaustiva información: definición, etimología, traducción al inglés, francés, alemán e italiano, campo semántico, desarrollo histó­rico, etc., y los elementos visuales, ya sean obras pictóricas, dibujos, infogra­fías o fotografías, ayudarán a comprender mejor el vocablo. Aunque el conjunto forma un compendio básico para estudiantes y profe­sio­nales relacionados con el ámbito del arte, también será útil para cualquier persona interesada en aprender, comprender y recrearse con el arte.

Diccionario visual . de términos de arte. Lorenzo de la Plaza, Adoración Morales  

y J. María Martínez Murillo

Ed. Cátedra. 17x25 cm.. 576 páginas. Castellano

A finales del siglo XVI se produjo una radical transformación en la relación del ser humano con el universo que cristalizó en el Barroco, y desde Roma se extendió por Europa, América y Extremo Oriente hasta el siglo XVIII. El impulso vino dado por la Iglesia Católica y la monarquía, que promovieron un arte propagandista y persuasivo para expresar su prestigio, simbolizar su autoridad y subyugar a fieles y súbditos. La exploración de mundos remotos y cercanos abrió la mente a otras realidades y los nuevos procesos científicos generaron tantas dudas como certidumbres, alimentando al unísono el positivismo y el simbolismo, el orden y la (calculada) confusión, una suma de contrastes donde nada era más real que el artificio. Las artes lograron una integración plena e inédita, y las ideas, los objetos y los artistas viajaron con fluidez, sumándose a los intercambios diplomáticos y al incipiente y elitista "turismo" para favorecer la universalidad del Barroco y la singularidad de sus expresiones locales, de una variedad y riqueza desconocidas.

Introducción al arte barroco. Beatriz Blasco

Ed. Cátedra. 15x21 cm.. 256 páginas. Castellano

The 21st-Century Art Book es una guía accesible al arte contemporáneo creado desde el año 2000. Presenta más de 280 artistas ordenados alfabéticamente de la A a la Z; desde figuras consagradas como Maurizio Cattelan, Christian Marclay, Cindy Sherman o Jeff Wall a los artistas emergentes de nueva generación. Absolutamente global, the 21st Century Art Book reúne artistas de más de 50 países y recoge la amplia gama y medios de los artistas visuales de hoy, desde óleos y esculturas en bronce a animaciones, vídeos, instalaciones y performance. Cada artista es representado por su obra más significativa realizada en este siglo acompañada de un texto que la explica y contextualiza dentro de la producción de su creador. Fácil de usar, incluye un directorio internacional de bienales y ferias de arte.

The Twenty-first century art book

Varios autores. Ed. Phaidon

304 págs.. 18,5x27,5 cm. Inglés

The 21st-Century Art Book es una guía accesible al arte contemporáneo creado desde el año 2000. Presenta más de 280 artistas ordenados alfabéticamente de la A a la Z; desde figuras consagradas como Maurizio Cattelan, Christian Marclay, Cindy Sherman o Jeff Wall a los artistas emergentes de nueva generación. Absolutamente global, the 21st Century Art Book reúne artistas de más de 50 países y recoge la amplia gama y medios de los artistas visuales de hoy, desde óleos y esculturas en bronce a animaciones, vídeos, instalaciones y performance. Cada artista es representado por su obra más significativa realizada en este siglo acompañada de un texto que la explica y contextualiza dentro de la producción de su creador. Fácil de usar, incluye un directorio internacional de bienales y ferias de arte.

The Twenty-first century art book. Varios autores. 

Ed. Phaidon. 304 págs. 18,5x27,5 cm. Inglés

Este enorme volumen presenta las formas más interesantes, creativas e inspiradoras de explicar el mundo en gráficos de información. Dividido en cinco capítulos, el libro abarca el medio ambiente, la tecnología, la economía, la sociedad y la cultura, mostrando como los conceptos complejos pueden hacerse accesibles mediante el lenguaje visual. Con casi trescientos gráficos, incluye además de las técnicas y porpuestas actuales obras maestras históricas, que puestas en persepectiva nos ayudan a entender la evolución de la visualización gráfica de datos. Nigel Holmes introduce la obra, con una infografía de su propia vida mientras Sandra Rendgen proporciona un ensayo histórico ilustrado para explorar la manera en que hemos estudiado e interpretado nuestro mundo a través de los siglos.
Sabdra Rendgen estudió historia del arte en Berlín y Amsterdam. Su trabajo como editora y en el desarrollo de conceptos para los medios está enfocado en la interfície de la cultura y la tecnología de la imagen, con un especial enfoque hacia la visualización de datos, medios interactivos y la historia de como se transmite la información. 

Understanding the World. The Atlas of Infographics

S. Rendgen, J. Wiedemann. Ed. Taschen

24,6x37,2 cm. 456 páginas. Alemán, Francés, Inglés

Nico Munuera es el segundo volumen de los pocket series dedicados a artistas de la editorial Nocapaper, un monográfico con prólogo de Álvaro de los Ángeles que busca acercar la obra del artista murciano a lectores y profesionales del arte interesados. 
El libro se compone de un texto/ensayo sobre el artista escrito por Juan Francisco Rueda, una entrevista a Munuera y un apartado de bocetos diseñado en exclusiva para la publicación a modo de cuaderno de bocetos.

Nico Munuera. Juan Francisco Reda

Ed. Nocapaper. 14x21 cm. 158 páginas

Castellano e inglés

Segunda entrega en papel de lo mejor del blog del Hematocrítico del Arte. Valga decir que el éxito y la genialidad está en la fórmula, tan sencilla como extraordinaria: El Hematocrítico selecciona y da nuevos e insospechados sentidos a un buen número de pinturas clásicas a través de reveladores pies de foto. Santos, pintores, mártires y figuras celestiales en actitudes que parecen propias de la actualidad, un gran ejercicio de humor donde la apropiación es reverenciada por su ingente masa de seguidores,  El Hematocrítico de Arte 2 (La secuela molto esperata) contiene además el prólogo de Álex de la Iglesia, que toma el relevo del impagable Nacho Vigalondo. 

El Hematocrítico de Arte

Ed. ¡Caramba!. 15 x 21 cm. 

96 páginas. Castellano

El artista, arquitecto, comisario, editor, poeta y urbanista chino Ai Weiwei ha ampliado con su polifacética obra la noción tradicional de arte y se ha convertido en uno de los personajes más significativos del panorama creativo y cultural internacional. En esta serie de entrevistas mantenidas con el comisario Hans Ulrich Obrist a lo largo de varios años, Ai Weiwei desvela el sinfín de influencias que han nutrido su obra y reflexiona sobre las múltiples dimensiones con las que se ha configurado su vida artística, desde la cerámica o los blogs, hasta la naturaleza, la filosofía o su faceta más conocida como activista político contra el gobierno de China. Un pequeño volumen de conversaciones extraordinarias que arrojan excepcional luz sobre la complejidad de la obra y el pensamiento de Ai Weiwei y se convierten, al mismo tiempo, en recordatorio crucial de la necesidad de libertad personal, política y artística de esta figura clave de la escena artística contemporánea.

Ai Weiwei. Conversaciones. Hans Ulrich Obrist

Ed. Gustavo Gili. 12x18 cm.. 130 páginas. Castellano

La aproximación al arte y a la cultura, eso que llamamos turismo cultural, se rige por una oferta estructurada en base a criterios que poco tienen que ver con el conocimiento y bastante más con los intereses económicos de las ciudades y su posicionamiento como destino. Y de eso trata este libro, es casi un manual de viajero, o cómo escapar a la percepción sesgada que habitualmente se nos ofrece.
El turismo, uno de los fenómenos más característicos en la construcción de la contemporaneidad –y hasta de la modernidad—, se ha convertido en un fenómeno esencial para nuestro tiempo. Sin embargo, lo más interesante del turismo ha sido la manera en la que esa nueva puesta en escena masiva de los últimos años, propiciada por la democratización del viaje, ha cambiado el modo mismo de representar la cultura. Paisajes contaminados, museos llenos, monumentos iluminados, productos y hasta personajes típicos..., Todo se organiza para no defraudar las expectativas del que llega. Pero el turismo, desde sus inicios un territorio visual por excelencia, es sobre todo cierta estrategia para modificar nuestra noción del mundo: llegamos hasta un sitio con el deseo de ver con nuestros propios ojos lo que anunciaba el folleto, el programa televisivo, el periódico... Y es aquí donde aparecen las primeras contradicciones entre ver y mirar, ya que viajar no es garantía de nada. Nunca hemos viajado tanto y, pese a todo, seguimos siendo incapaces de entender al otro hasta las extremas consecuencias de aceptarlo.

Rincones de postales. Estrella de Diego

Ed. Cátedra. 12,5x17,8 cm.. 224 páginas. Castellano

Dario Gamboni realiza, en este examen integral de la iconoclasia moderna, una nueva evaluación de los motivos y circunstancias que hay detrás de los ataques deliberados –tanto por instituciones como por individuos– contra edificios públicos, iglesias, esculturas, pinturas y otras obras de arte en los dos últimos siglos. La destrucción del arte, que abarca un ámbito internacional e incluye casos ciertamente cómicos y otros muy inquietantes, es, en definitiva, un ilustrativo ensayo sobre las definiciones, en perpetuo cambio y conflicto, del propio arte. Geográfica y cronológicamente, este estudio se centra en el mundo occidental después de la II Guerra Mundial. Pero aspira a indagar la his­toricidad y especificidad de la situación en la cual nos encontramos nosotros mis­mos, para lo cual abordamos también el siglo XIX y los comienzos del XX así como (si bien de forma mucho menos extensa) otras partes del mundo. De hecho, en la premisa, generalmente aceptada, de que la Revolución Francesa marcó un cambio decisivo en la historia de la destrucción y la conservación del arte, pero apoyándo­nos también en el hecho de que los acontecimientos posteriores nunca han sido estudiados en su conjunto, uno de los temas principales de este libro es qué es lo que ha cambiado en el mundo entero desde la Revolución en lo que se refiere a atacar o eliminar obras de arte deliberadamente, y qué nos enseña esto acerca de la manera en que han sido definidas, producidas, valoradas y devaluadas. 

La destrucción del arte. Dario Gamboni

Ed. Cátedra. 16,5x24 cm. 464 páginas. Castellano

En ocasiones, la complicidad del lector es un ejercicio heróico. Con el autor y con el editor. Nos referimos a esos libros en que uno no puede evitar dudar sobre si está ante una genialidad o una tomadura de pelo, porque la línea es delgada y difusa... Tienen especial mérito esas ediciones. 
Es el caso de “Pulir”. atendiendo a la nota de la editorial, demos por bueno que puede ser un libro de arte contemporáneo, de humor e incluso de autoayuda. En cualquier caso, merece la pena acercarse a él, aunque solo sea por descubrir hasta dónde la pasión por el absurdo nos puede, porque se trata de un libro para unos pocos, y falta saber si estamos o no entre ese grupo de elegidos. Una vez que hemos condenado a nuestra propia especie, una vez que el Arte ha demostrado que es incapaz de salvarnos, solo podemos recurrir a lo idiota, a lo fútil o a lo desconocido para evocar un tiempo en el que todo parecía más fácil, en el que no sabíamos qué hacíamos ni por qué lo hacíamos, pero en el que nada de todo eso hacía falta para sentir el contento de vivir. Nacho lleva tiempo invocando la paz, el orden, el amor y la alegría en sus miles de páginas garabateadas. A decir suyo, no sabe cómo hacerlo, pero sabe hacerlo bien, porque posee un gran poder: el de quien no se lo propone, el de quien simplemente no sabe hacer otra cosa en la vida. En realidad, Nacho no tiene ni idea de qué diablos hace cuando dibuja, pero lo hace. Y la gente ríe cuando lo ve. Y entonces él se pone contento, y dibuja más.

Pulir. Nacho García

Ed. Fulgencio Pimentel. 16,50 x 24 cm

208 páginas. Castellano

El arte abstracto se abrió camino en España cuando, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el Régimen se vio obligado, para subsistir, a perder parte de su retórica fascista. Frente a las tradiciones académicas, al contrario que el arte más político, lo abstracto podía situarse más allá de cualquier ideología, asumir una condición moderna (muy apreciada en las exposiciones internacionales) y enlazar con la gran tradición pictórica española, de Velázquez a Goya. Fue esto lo que propició que, durante un tiempo, la pintura abstracta fuera el arte oficial de la España franquista. Todo esto tuvo lugar en el marco del proceso de separación radical entre cultura y política que se dio en Occidente a partir de 1945, y que favoreció el espectacular reciclaje del régimen de Franco. 
A partir del análisis de la política expositiva, la crítica y la historiografía del arte abstracto en la España de posguerra, este libro explora las razones por las que el informalismo se consideró un movimiento artístico principal y, además, se entendió como una síntesis de las tradiciones artísticas españolas.

La idea de arte abstracto en la españa de franco

Julián Díaz Sánchez. Ediciones Cátedra

344 páginas. 15x21cm.. Español