David Rubín estudia diseño gráfico y se lanza al mundo del cómic, la animación y la ilustración. Con su primera obra larga, El circo del desaliento (Astiberri, 2005), es nominado como autor revelación en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona de 2006, gana el primer premio Castelao, y se edita en gallego, castellano, italiano y francés. Su siguiente novela gráfica, La tetería del oso malayo (Astiberri, 2006), también publicada en Francia, Italia y la República Checa, se lleva cuatro nominaciones a los premios del Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2007, logra el galardón al autor revelación y le acredita como finalista del I Premio Nacional del Cómic. Codirige Espíritu del bosque, un largometraje de animación CGI, y adapta al cómic Romeo y Julieta, de William Shakespeare, y El monte de las ánimas (SM, 2009), de Gustavo Adolfo Bécquer. Cuaderno de tormentas. Crónicas de los deambulares por Ciudad Espanto es una metáfora sobre la búsqueda de la inspiración, sobre el tortuoso camino que es la creación, sobre lo peligrosa que puede ser la dependencia de las musas a la hora de encontrar historias que contar. Al mismo tiempo, es un viaje por el mapa de la ciudad más terrible y a la vez fascinante del mundo, un flashback gigante que poco a poco irá desvelando las claves. La presente edición ampliada –tras una inicial publicada por Planeta en 2008, hace tiempo agotada–, cuenta con una ilustración de cubierta realizada para la ocasión por David Rubín, una nueva rotulación y 21 páginas de extras. Esas páginas que complementan el cómic incluyen varias entregas que fueron la génesis de Cuaderno de tormentas.

Cuaderno de tormentas. David Rubín
Ed. Astiberri. 128 páginas. 17 x 24 cm. Castellano

The Marvel Age of Comics 1961–1978 nos traslada al corazón de esta etapa fundamental en la historia del cómic, una era de personajes carismáticos e innovación narrativa que reinventó el género de los superhéroes. Con cientos de imágenes e información exclusiva, el libro se remonta al nacimiento de estos defensores del bien que poseían poderes tan épicos como sus adversarios, a quienes combatían en un mundo que los lectores reconocían como propio; se trataba de héroes creíbles con los mismos problemas, dificultades y defectos que la gente corriente. En la década de 1970, vemos cómo la Casa de las Ideas elevó también el terror, la espada y brujería y las artes marciales a su panteón de semidioses titánicos, presentando personajes icónicos como el Hombre Cosa, Conan y Shang Chi, demostrando que su estilo de narrativa podía triunfar y prosperar más allá de las capas y los leotardos.

La Era Marvel de los cómics 1961–1978. Roy Thomas
Ed. Taschen . 24x33 cm. 400 páginas. Castellano

Desde la legendaria serie de cómic Tank Girl (La chica del tanque) hasta las animaciones de la banda musical virtual Gorillaz, pasando por incursiones en la ópera contemporánea china y una exposición en la Saatchi Gallery de Londres, el artista, compositor y diseñador Jamie Hewlett es una de las figuras más prolíficas y eruditas de la cultura pop contemporánea.
Con influencias tan diversas como el hip hop y las películas de zombis, Hewlett se dio a conocer a mediados de la década de 1990 como cocreador de Tank Girl, una serie de cómic que destiló el espíritu de una época. Con su compañero de piso Damon Albarn creó el singular grupo musical Gorillaz, una banda de pop virtual formada por cuatro personajes de dibujos animados para la que Hewlett y Albarn grabaron cinco álbumes, organizaron impresionantes espectáculos en directo y dieron forma a composiciones musicales de premio.
Desde entonces, Hewlett ha seguido colaborando con Albarn en proyectos como la exquisita y elaborada puesta en escena de la novela china Monkey: Journey to the West de Wu Cheng’en, donde no faltan acróbatas de circo, monjes shaolín y cantantes chinos. En 2006, el Museo de Diseño de Londres lo eligió mejor “diseñador del año”, y en 2009, él y Albarn recibieron el premio BAFTA por la secuencia animada Monkey para los Juegos Olímpicos de Pekín. Más recientemente, en una muestra titulada The Suggestionists, ha expuesto su obra gráfica en la Saatchi Gallery de Londres, donde ha quedado patente la nueva dirección que ha tomado la apasionante carrera de Hewlett.

Jamie Hewlett. Julius Wiedemann
Ed. Taschen. 424 páginas. 25 x 31,7 cm. Inglés

Después de trabajar como ayudante artístico en Dark Horse Comics (a través del estudio con sede en Toronto Bright Anvil), Marvel le dio varios números de Marvel Age Spiderman, Marvel Knights 4 y X-Factor para que hiciera el dibujo a lápiz. Desarrollar y cocrear Bitch Planet con Kelly Sue DeConnick ha cambiado el rumbo de su carrera. Le han dicho que las críticas son excelentes, pero no las lee. De todos modos, está muy contento de que sean buenas. De Landro vive al este de Toronto (Ontario) con su esposa, Maya, y sus dos hijos. Bitch Planet es una distopía satírica en la que el sexismo institucional, el racismo y el fundamentalismo de la sociedad estadounidense no son algo implícito, sino sus propios principios fundacionales. En un futuro próximo la Tierra está gobernada por el Protectorado, un patriarcado que combina los peores elementos del predominio cristiano y la oligarquía corporativa. Bitch Planet es el fruto de un proyecto apasionado, audaz y subversivo cocreado por la guionista Kelly Sue DeConnick (Bella Muerte) y el dibujante Valentine De Landro. La forma en que han imaginado los personajes principales consigue hacer de ellos individuos complejos y convertirlos en símbolos del modo en que las mujeres son minusvaloradas en nuestra sociedad.

Bitch Planet. Kelly Sue DeConnick,
Valentine De Landro. Ed. Astiberri. 17,5 x 26,5 cm. 136 páginas.

Paco Roca (Valencia, 1969) es un versátil autor de cómic e ilustración. Comenzó a realizar trabajos de publicidad y acabó montando un estudio de ilustración en su ciudad natal. Pronto empezaría a compaginar los trabajos con los que se ganaba el sustento con la creación de relatos de cómic. Su trayectoria es extensa: El Faro, Arrugas –por la que recibió el Premio Nacional del Cómic en 2008, los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2008 y el Goya al mejor guión en 2012 de la versión al cine dirigida por Ignacio Ferreras, que también se llevó la estatuilla a la mejor película de animación–, Las calles de arena, Emotional World Tour, El invierno del dibujante, obra merecedora de los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2011, Memorias de un hombre en pijama, nominada a mejor obra nacional en la edición de 2012 de la citada feria de Barcelona, serie de la que ha publicado también Andanzas de un hombre en pijama y sobre la que está dirigiendo un largometraje de animación que, se prevé, se estrene en 2017. Después de ilustrar La metamorfosis, de Franz Kafka, le dio forma definitiva a El juego lúgubre. Con Los surcos del azar y ya en 2015 con La casa, una obra intimista en torno a la figura del padre desaparecido, Paco Roca ha demostrado situarse como un autor de primer nivel internacional.  Tras Memorias de un hombre en pijama (Astiberri, 2011) y Andanzas de un hombre en pijama (Astiberri, 2014), Paco Roca culmina con este tercer volumen la trilogía que protagoniza su álter ego, donde el creador valenciano demuestra de nuevo su más acentuada vis cómica y capacidad de observación al poner en su punto de mira la vida cotidiana de un cuarentón que por fin ha conseguido su sueño infantil de quedarse en casa todo el día con el pijama puesto. En este volumen incluye dos historietas nuevas realizadas para la ocasión –de 18 y 3 páginas–, así como sus colaboraciones en El País Semanal y Academia. Revista del Cine Español, nunca anteriormente recopiladas en un álbum, y pone de nuevo de actualidad una serie cuya traslación a la gran pantalla, que combina imagen animada y real, está pendiente de estreno –previsto para antes de fin de 2017– y en la que Raúl Arévalo da vida al sosias de Paco Roca.

Confesiones de un hombre en pijama
Paco Roca. Ed Astiberri. 22 x 27 cm. . 64 páginas.

Tras participar en la fundación de la revista El Tío Saín y colaborar con publicaciones como La Comictiva, Kovalsky Fly, Annabel Lee o Subterfuge, Pedro Vera (Murcia, 1967) comienza a publicar sus historietas en 1998 en la revista El Jueves. Es el padre de personajes como Nick Platino o los famosos Ortega y Pacheco, con una decena de libros publicados por El Jueves entre 2000 y 2010. En 2012 crea en la misma revista, Ranciofacts, donde repasa semanalmente las costumbres y dichos más rancios de la cultura popular española. Este es el primer volumen de la seire que reúne en una edición definitiva todas las hazañas de Ortega y Pacheco, los Bud Spencer y Terence Hill de la cultura popular española, los Starsky y Hutch de la caspa patria,. A lo largo de cuatro volúmenes, Ortega y Pacheco Deluxe recopila desde la primera hasta la última página de esta serie dibujada por Pedro Vera (autor de Ranciofacts) y publicada en El Jueves entre 1998 y 2012. El primer volumen incluye páginas publicadass en El Jueves entre 1998 y 2002, la primera historieta (inédita) de Ortega y Pacheco, tiras de los personajes nunca vistas y páginas publicas en La Opinión de Murcia antes del salto de la serie a El Jueves.

Ortega y Pacheco Deluxe Vol. 1. Pedro Vera
Ed. Astiberri. 20 x 25 cm. 200 páginas.

Josiah Brooks, es conocido por su canal de Youtube Draw with Jazza, con más de 800.000 suscriptores en todo el mundo. Propone en este libro un método para crear paso a paso personajes de ficción. Desde una estética clásica de héroes y heroínas de acción hasta la imagen más steampunk actual. Las técnicas abatcan contexto, carácter y morfología; a partir de ahí, se propone la definición de estilo, esquemas de colores y los posibles escenarios en un contexto real que delimite la apuesta final.


Cómo crear personajes de cómic y animación. Josiah “Jazza” Brooks
Ed. Anaya Multimedia / Espacio de diseño. 144 páginas . 21x27 cm.

Luis Gasca y Román Gubern continúan con sus curiosos e interesantes diccionarios relacionados con el mundo del cómic. Tras analizar las onomatopeyas y el discurso de esta forma de comunicación, ahora le ha llegado el turno al erotismo en los tebeos.

Si bien este tipo de productos siempre estuvo sometido a una férrea censura, por considerarse que estaban destinados al público infantil, el cómic ha demostrado una enorme capacidad a la hora de reflejar con dibujos todo tipo de variaciones sexuales desde lo más inocente a lo más perverso.

Como afirman los autores de este volumen, a partir de que se produjera la explosión del cómic underground norteamericano y se liberalizase el concepto de la sexualidad, los autores de tebeos pudieron reflejar con mucha más facilidad este tipo de contenidos que los fotógrafos o directores de cine, aunque solo sea por el bajo coste a la hora de representarlos.

Organizado alfabéticamente, como todo buen diccionario que se precie, el libro repasa un amplio abanico de variaciones sexuales –algunas de las cuales serán desconocidas para un lector no iniciado, como felpursufilia, esteatopigia, emetofilia, dipoldismo o dacrifilia– todo ello ilustrado con imágenes procedentes de cómics de la colección de Luis Gasca.

A la luz de la vasta documentación y conocimientos de ambos autores, que permite que en ninguno de los tres volúmenes se repita el mismo material, no sería extraño que en breve, nos sorprendieran con un nuevo tomo sobre otro tema. Esperemos que así sea.

Enciclopedia erótica del cómic. Luis Gasca y Román Gubern

Cátedra. 456 páginas. Castellano

Tras los dos volúmenes de “Donde hay pelo hay alegría”, Furillo y TMEO ponen a disposición de los lectores “El maestro”, un álbum en el que se recopilan las aventuras protagonizadas por el torero más desagradable de la historia ya publicadas por la revista vitoriana.

Dibujado con el característico trazo detallista de Furillo (en ocasiones más detallista de lo deseado) y escrito en un curioso dialecto de trazas andaluzas que en ocasiones recuerda al castellano, “El maestro” es un recital de divertidos excesos y barbaridades en campos tan variados como el sexo, la higiene personal, la salud, la gastronomía, los bares, los piropos, la homosexualidad, la Guardia Civil o las mujeres.

Un tebeo solo apto para estómagos fuertes y en ayunas, que hará disfrutar a aquellos que se acerquen a él sin miedo. Los tiquismiquis y los militantes de lo políticamente correcto, mejor abstenerse, no vayan a decir luego que no se lo habíamos avisado.

El maestro. Furillo

TMEO. 66 páginas. Castellano

“A verlas venir” es el cuarto álbum de las aventuras de Javi Cabrero. Publicado por TMEO, revista en la que acostumbran a aparecer este personaje creado por Gol, en esta ocasión el lector será testigo de los problemas sentimentales del protagonista y de la incorporación de un nuevo miembro al grupo de personajes habituales, y que no es otro que el sobrino de Javi Cabrero, un muchacho de ciudad en plena preadolescencia que chocará por costumbres y comportamiento con todos los habitantes del pueblo a excepción de su abuelo, que resulta ser tan poco sociable como el chaval.

Un entrañable y divertido cómic, compuesto por historietas de lectura independiente pero que se continúan dando lugar a un álbum de conjunto coherente, que se aleja de los escenarios y situaciones urbanas a las que estamos acostumbrados en este tipo de trabajos y nos muestra cómo es la vida en un ambiente rural, con sus momentos idílicos, sus sacrificios, su paisanaje y su paisaje que, por cierto, es uno de los puntos fuertes de Gol como ilustrador.

A verlas venir. Gol. TMEO

66 páginas. Castellano

Mireia Pérez se ha convertido en una agradable sorpresa en el panorama del cómic español, territorio tradicionalmente vedado a la mujer y en el que, salvo honrosas excepciones como el de Purita Campos, los hombres han gozado de una total hegemonía.

En muy poco tiempo, Pérez ha conseguido hacerse un hueco en este sector y, tras demostrar su talento en los formatos cortos, se ha lanzado a la aventura de crear una novela gráfica, esfuerzo que se ha visto ahora recompensado con el primer Premio Internacional de Cómic FNAC-Sins Entido.

“La muchacha salvaje”, historia de la que ahora se presenta el primer volumen titulado “Nómada”, es una historia troglodita de superación y exclusión. Una epopeya de cuando no había agua corriente cuyo planteamiento resulta más cercano a la saga literaria del Oso Cavernario o la serie de televisión que narra las aventuras del Homo Sapiens –es decir, la epopeya sufrida por un miembro de una tribu evolutivamente inferior a otras que ya pueblan la Tierra en esos años–, que a obras como “El pequeño salvaje” de Truffaut.

Colorista, divertido y con las dosis justas de violencia y sexo para hacerlo accesible a todo tipo de lectores, “La muchacha salvaje” es una lectura agradable que queda interrumpida a la espera de los siguientes volúmenes en los que se descubrirá si la protagonista será capaz de abandonar su vida nómada para acostumbrarse al sedentarismo, el cultivo de tierras y la recolección.

El hecho de que carezca de largos bloques de texto y diálogos (innegable ventaja de hacer tebeos con personajes prehistóricos a excepción de los Picapiedra), hace que el trabajo de Mireia Pérez resulte muy adecuado para ser vendido en el extranjero. De hecho, no nos extrañaría nada que en unos meses viéramos las correspondientes adaptaciones italianas y francesas.

La muchacha salvaje. Mireia Pérez

Sins Entido. 110 páginas. Castellano

Joann Sfar es un viejo conocido del público español aficionado a los cómics gracias a personajes como Sócrates el semi-perro o el profesor Bell. En esta ocasión emplea su reconocible trazo para narrar una historia protagonizada por Marc Chagall, a través del cual va desgranando anécdotas de su vida y explorando algunos de los temas que le preocuparon a lo largo de ella.

La guerra, el amor, la muerte, la religión, la política, los progromos y, por supuesto, el arte y la pintura, son objeto de reflexión por parte de un joven Chagal que, al menos en la obra de Sfar, se revela como una persona curiosa y divertida.

Es de destacar el talento de Sfar para mezcla en la narración la realidad con la ficción y cómo en esta los personajes transitan con soltura entre su vida cotidiana y su vida onírica, exponiendo al lector sus miedos, sus anhelos o sencillamente sus fantasías. Para ello el autor despliega un código de colores que diferencian los distintos momentos, escenarios o avatares por los que atraviesan sus personajes.

“Chagall en Rusia” es una interesante novela gráfica plagada de peculiares personajes en la que confluyen momentos muy divertidos –especialmente los relacionados con los amoríos del pintor–, y momentos realmente dramáticos, relacionados con la realidad histórica que le tocó vivir. Un título que demuestra una vez más la buena labor editorial que viene realizando 451 desde su aparición y que deja claro, para todos aquellos que pudieran dudarlo, que su apuesta por la novela gráfica o los libros relacionados con las artes plástica y el diseño no es un capricho pasajero.

Chagal en Rusia. Joann Sfar. 128 páginas
451 editores. Castellano

Reconocida con un Fauve de oro a la mejor obra en el Salón del Cómic de Angoulême 2011, “Cinco mil kilómetros por segundo” es una tortuosa historia de amor truncada por la incomunicación y las indecisiones, que se prolonga a lo largo de varias décadas, desde la adolescencia de sus protagonistas hasta su madurez.

Su autora, Manuele Fior, va tejiendo la narración con esa misma sencillez que caracteriza su trazo, aunque es en el aspecto cromático en el que verdaderamente destaca su trabajo. Los tonos amarillos, ocres, azules, rojos y violetas son los que determinan el momento vista y el lugar geográfico en el que se encuentran los protagonistas, como en la soleada Italia durante su adolescencia, la gélida Noruega en su juventud, el tórrido Egipto en su treintena o el violáceo futuro en su madurez.

El conjunto de la obra destaca por su aspecto orgánico, algo que la editorial Sins Entido ha sabido respetar al elegir papeles y acabados que potencian ese carácter y que habrían quedado totalmente eclipsados, si a la hora de imprimir se hubiera optado por papeles estucados, barnices o tapas duras, tan comunes en los últimos tiempos y que, en muchos casos, tan solo sirven para dotar al tebeo de unos acabados que no siempre precisa y aumentar su precio final.

De las últimas adquisiciones realizadas por la editorial madrileña en el salón francés, “Cinco mil kilómetros por segundo” y “Un lugar equivocado” son, sin duda, dos grandes aciertos. Esperemos que el público así lo entienda y se refleje en las ventas, siempre necesarias a la hora de mantener a flote un proyecto empresarial como este.

Cinco mil kilómetros por segundo. Manuele Fior

Sins Entido. 144 páginas. Castellano

El trazo crudo y sin adornos de Igort parece hecho a medida para este libro, que retrata las vidas de distintas personas marcadas por los excesos del Stalinismo en la antigua URSS.
Fruto de los viajes que el autor realizó por Rusia y Ucrania durante dos años, este trabajo es un reportaje desgarrado y sin contemplaciones de una realidad intuida a grandes rasgos, pero desconocida en sus detalles. Con el material obtenido en sus viajes, Igort desarrolla una historia que atrapa al lector y que, tras la lectura de los testimonios de esas personas cuyas vidas fueron destrozadas por decisiones totalmente arbitrarias, lo devuelve completamente cambiado y exhausto.
Un libro que descubre algo más de lo sucedido en la URSS durante las décadas de los años 30, 40 y 50 del siglo XX y que demuestra que, lejos de ser coherentes con una doctrina política, ese tipo de acciones eran más propias de desequilibrados que de hombres de estado en su sano juicio.

Cuadernos ucranianos. Memorias de los tiempos de la URSS
Igort. Sins entido. 176 páginas

No es habitual encontrar en el cómic español trabajos que apuesten por la tradición del tebeo de aventuras. Historias que se presentan en tomos auto-conclusivos, pero que plantean una narración que se alarga en uno o dos títulos. Una fórmula explorada por clásicos del género como El teniente Blueberry de Giraud y Charlier, Adèle Blanc de Tardi o Blake y Mortimer de Jacobs, pero que en España no han tenido demasiados imitadores.
“Curiosity shop” rompe la tendencia de novela gráfica y cómic de temática introspectiva a la que estamos acostumbrados actualmente y nos plantea una historia de intriga ambientada en el Madrid de principios del siglo XX y protagonizada por una heroína con personalidad suficiente como para repetir en futuras aventuras.
Este trabajo, realizado por Teresa Valero y Montse Martín –otra rareza en el cómic español, en el que no suelen prodigarse las mujeres–, es un libro ameno, con buen guión, bien dibujado y con una asombrosa labor de documentación, al que nada le impediría ser exportado a otros países. De hecho, si la segunda parte es tan interesante como esta, lo de su proyección internacional es algo sobre lo que no cabe ninguna duda.

Curiosity shop. 1914: El despertar
Teresa Valero y Montse Martín
Glénat. 56 páginas. Castellano

Élodie Durand vuelve a demostrar que el cómic es un medio artístico tan bueno como otro cualquiera para abordar temas complejos como la muerte, la enfermedad, los conflictos bélicos o el Holocausto.
En “El parénesis”, esta ilustradora francesa cuenta su experiencia como enferma de epilepsia, dolencia que marcó varios años de su vida y la obligó a someterse a una operación neurológica con graves secuelas, antes de conseguir superarla por completo y mantener una vida normal, hasta el punto de poder retomar sus estudios y carrera artística.
Narrado con la misma sencillez con la que se escribe un diario, el libro desgrana todo el proceso de la dolencia a través de los recuerdos de su autora y de los datos que ha podido recopilar tras hablar con padres y familiares pues, uno de los síntomas de la epilepsia es la pérdida de la consciencia y lagunas severas de memoria.
“El paréntesis”, como sucedía con “La ascensión del gran mal”, no es un libro fácil, pues muestra la debilidad del ser humano ante situaciones complejas, pero su lectura resulta agradable gracias a que rebosa optimismo y unas tremendas ganas de luchar para superar un trance, cuya gravedad provoca incluso la pérdida de la práctica totalidad de los conocimientos adquiridos por su protagonista a lo largo de su vida.

El paréntesis. Élodie Durand
Sins entido. 224 páginas. Castellano

De todas las editoriales especializadas en cómic de nuestro país, Sins entido es la que tal vez más atención esté prestando a los nuevos caminos por los que está discurriendo esta disciplina.
Si hace unos meses nos sorprendía con la publicación de “Body world”, el experimento de cómic web de Dash Saw, ahora hace lo propio con “Un lugar equivocado” de Bretch Evens.
La historia, que gira en torno a una reunión de amigos sobre la que planea la ausencia de Robbie, el líder y triunfador del grupo, resulta aparentemente banal en comparación con la forma elegida por Evens para narrarla. En este aspecto, el autor opta por ingeniosas soluciones visuales en las que se superponen acciones, planos, juega con las perspectivas, y recurre o prescinde de la estructura en viñetas según precise de ello. También cabe destacar el hecho de que la rotulación de la edición española haya sido realizada por el propio Brech Evens, una solución lógica en el caso de un trabajo como este en el que los textos son un elemento más de las imágenes y es imposible entenderlos como algo separado de ellas.
No es extraño, por tanto que todas estas innovaciones y experimentos hayan hecho que “Un lugar equivocado” sea galardonado con el Premio de la audacia 2011 del prestigioso festival de Angoulême.

Un lugar equivocado. Brecht Evens

Sins entido. 180 páginas. Castellano

Pocos apostarían –nosotros los primeros–, que un libro sobre un dibujante ruin, vago, facundo y adicto a las películas pornográficas, resultara una narración ágil, divertida y que consiguiera atrapar al lector desde la primera a la última página. Sin embargo, y en contra de lo esperado, así es “Consumido”, obra del norteamericano Joe Matt que continúa su serie “Peepshow” y en la que también aparecen otras figuras claves del tebeo actual como Seth o Chester Brown.
A las virtudes propias de este título se suma, como es habitual en la editorial Fulgencio Pimentel, un cuidado acabado, magnífica rotulación y, sin desmerecer la labor de Matt, es de recibo reconocer que buena parte de responsabilidad a la hora de hacer este libro ameno y absorbente es de los traductores, que consiguen que las interminables intervenciones del protagonista tengan un lenguaje ágil y coloquial, sin traicionar el espíritu del original.
A pesar de sus grandes virtudes, “Consumido” tal vez no sea un libro para todos los públicos ni para un lector poco familiarizado con los cómics. Además de carecer de una acción trepidante, su temática puede alejar de sí a un sector, principalmente el femenino, que no encuentre interesante, por ejemplo, la afición del protagonista por construir una colección de películas porno a las que ha espulgado de aquellas escenas superfluas. De hecho, el propio Matt bromea con ese asunto en un divertido marca páginas incluido en la edición y en el que dos chicas dan su sincera opinión sobre “Consumido”. El público masculino, sin embargo, se sentirá realmente retratado en muchas de sus páginas.

Joe Matt. Fulgencio Pimentel
128 páginas. Castellano

Alan Moore, prestigioso guionista de cómics y autor de clásicos recientes del género como “V de Vendetta”, “La liga de los hombres extraordinarios” y “Watchmen”, firma “La historia del año” y “El retorno”, los dos volúmenes de “Supreme”, un superhéroe creado por Rob Liefeld inspirándose en Supermán pero con una personalidad más oscura que la del héroe de Kripton.
A mediados de la década de los noventa, Moore se encontraba trabajando en proyectos tan complejos como “From Hell” y “Lost Girls”, por lo que la propuesta de Liefeld de encargarse de los guiones de Supreme supuso para él una vía de escape que le permitía relajarse y volver a abordar el género de superhéroes. Sin embargo, lo que en manos de cualquier otro guionista se hubiera convertido en algo ligero e intrascendente, en manos de Moore fue un cómic que rendía homenaje a la edad dorada del tebeo norteamericano de aventuras y superhéroes en el que las tramas y los personajes se sucedían de forma sorprendente.
Más de una década después de su aparición, DeBolsillo rescata esta obra que hará las delicias de los aficionados a Moore y que permitirá familiarizarse de forma sencilla y amable con la obra del autor inglés a aquellos que nunca hayan tenido la suerte de disfrutar sus creaciones.

Supreme 1 y 2. Alan Moore
DeBolsillo. Mondadori. 256 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Glénat y a su colección Integral, los aficionados al tebeo han podido conseguir en un solo volumen clásicos del género que en origen aparecieron por entregas en las revistas de cómic o que estaban desperdigados en diferentes libros, muchos de ellos imposibles de encontrar actualmente.

Así ha sucedido con “Taxista” de Martí, “Makoki” de Gallardo, Mediavilla y Borrayo y, más recientemente, con “El bueno de Cuttlas” de Calpurnio, personaje del que se acaba de editar el segundo volumen de sus obras completas.

A pesar de haber tenido una vida un tanto errática, que hizo que durante algunos años Cuttlas desapareciera de la escena del tebeo, lo cierto es que en todas las ocasiones en que Calpurnio ha retomado el personaje, su producción ha sido asombrosamente grande.

Tanto es así, que las historias incluidas en este volumen solo abarcan los tres álbumes que editó Glénat recopilando las páginas que se habían publicado en El País de las Tentaciones, faltando todavía todas aquellas que, desde hace casi una década, se vienen publicando en el periódico gratuito 20 minutos.

Un hecho que augura que habrá un tercer e incluso un cuarto volumen integral de Cuttlas. Una magnífica noticia para todos los aficionados a las divertidas e inteligentes aventuras de este personaje cuya sencillez y esquematismo se limita únicamente a su apariencia exterior.

El bueno de Cuttlas. Integral 2. Calpurnio

Glènat .166 páginas. Castellano