La imagen, como objeto historiográfico y fuente documental de suma utilidad, parece estar constituyendo en la actualidad un campo de investigación interdisciplinar que algunos denominan “historia de la cultura visual”; donde, sobre todo, confluyen la Historia y la Historia del Arte. Así, el estudio de la iconografía, desde una perspectiva diferente a la tradicional, otorga una especial relevancia al contexto y el acervo ideológico-cultural en el que surge y cumple su función. Del mismo modo, a la influencia ejercida por los hábitos y usos visuales de cada etapa histórica, decisivos en la manera de ver y entender las imágenes. El arte, pues, es una consecuencia de las instituciones sociales de su entorno, mas ello no impide que sus artífices puedan transgredir las normas estilísticas refrendadas. A partir de este prisma metodológico, el libro explora el impacto del discurso ascético-espiritual en la producción artística de la Contrarreforma, pero desde el punto de vista de la religión. En un periodo histórico en el que la Iglesia se benefició de las cualidades seductoras y conmovedoras del arte, de su virtualidad ritualista y ceremoniosa, en aras de la transmisión y consolidación de principios ético-piadosos paradigmáticos.


El espíritu de la imagen. Carlos Alberto González Sánchez
Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 368 páginas.

James Laver (1899-1975) fue responsable de los departamentos de dibujo y pintura en el Victoria and Albert Museum de Londres, entre 1838 y 1959. También fue un historiador de la moda y pionero descrito como “el hombre que en Inglaterra hizo respetable el estudio del traje”, y definió las relaciones entre el diseño del vestido y otras artes aplicadas, al tiempo que discutió la influencia de factores económicos y sociales sobre el desarrollo del gusto de la moda. Los caprichos de la moda a lo largo de los siglos son una fuente de interés interminable, no solo como indicación de nuestra capacidad infinita de invención, sino también debido a la relación entre el disfraz y los patrones culturales cambiantes. Laver presenta en este estudio clásico los motivos subyacentes de la moda, así como un estudio de la historia del traje. Describe los medios que han sido adoptados para satisfacer las tres funciones de la ropa: la protección, la expresión de la personalidad a través de la exposición artística y el atractivo para los demás. La invención trascendental de la aguja (hace unos 40.000 años), haciendo posible la costura de pieles, y la posterior introducción del tejido, puso en marcha el desarrollo del traje tal como lo conocemos. Todos los grandes hitos históricos —el Renacimiento, la Revolución Francesa, la Revolución Industrial, la emancipación de la mujer, las dos guerras mundiales— provocaron cambios profundos en las actitudes hacia el vestir.


Breve historia del traje y la moda
James Laver. Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 324 páginas.

El “Atlas global” es un ensayo en imágenes, concebido por un equipo de veintiséis historiadores y geógrafos  de renombre. Por medio de sesenta mapas e infografías inéditas, nos cuentan cómo Occidente se ha visto (a veces sin razón) en el centro del mundo y por qué al iniciarse el siglo XXI se hace necesario poner al día los mapas del poder. De esa manera surge ante nuestros ojos un mundo diferente, fuertemente desoccidentalizado. La belleza, la felicidad, las cárceles, los residuos, los virus, los hábitos alimenticios, la vejez, el clima..., todo se puede cartografiar.


Atlas global. Gilles Fumey; Christian Grataloup
Páginas: 152. Ed. Cátedra. Castellano

Abordar el encuentro con el Otro no es tarea fácil. El Otro no se brinda de buena gana a la mirada de uno mismo. El “judío”, el “gitano”, el “negro” y el “musulmán” son las cuatro figuras de la alteridad objeto de este libro. Seguir su presencia en las artes figurativas occidentales desde los albores de la Edad Moderna hasta la Revolución francesa significa poner al desnudo un proceso complejo, en el cual se entretejen descubrimiento, construcción e invención. La colisión entre el canon visual occidental que acaba de cristalizar en el Renacimiento y la aparición de la imagen del Otro supone reconsiderar la propia identidad frente a este Otro. Tiziano, Durero, Carpaccio, Caravaggio, Rubens, por no citar sino algunos de los más contundentes ejemplos, se enfrentaron con “el extranjero” y dieron diversas soluciones.


La imagen del Otro. Victor I. Stoichita
Ed. Cátedra. 15x 21,5. 252 páginas. Castellano

Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas ofrece una síntesis actualizada de la historia del arte en España desde el final de la Guerra Civil, sumándose al impulso de renovación historiográfica que desde el campo de la investigación viene desarrollándose en la última década. El libro presenta, así, algunas novedades con respecto a los manuales disponibles. En primer lugar, aborda la esfera del arte en sentido amplio: junto a las prácticas de los creadores, en sus páginas se discuten las principales teorías y debates historiográficos, así como la historia de las instituciones y las políticas artísticas. En segundo lugar, Arte en España (1939-2015) intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando especial atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas, a las expresiones contraculturales y populares, a las prácticas no objetuales y experimentales, a los dispositivos artísticos concebidos como vehículos de activismo social y político y, en general, a las manifestaciones habitualmente consideradas periféricas o contrahegemónicas. Por último, el libro revisa también las continuidades y fisuras entre pasado y presente, cuestionando algunos de los relatos de consenso construidos desde la transición. No se trata, sin embargo, de sustituir un canon por otro, sino de plantear nuevas preguntas e instrumentos que contribuyan a fomentar una interpretación más plural y dinámica de la historia del arte en España.

Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas
Jorge Luis Marzo y Patricia Mayayo
Ed. Cátedra. 19,5x 23,5 cm. 908 páginas. Castellano

En el transcurso de los últimos 30 años ha habido un interés académico creciente por el papel pintado antiguo y su manufactura, especialmente en Francia, donde florecieron las fábricas más famosas de los siglos XVIII y XIX. La historia de este producto artístico en España está estrechamente vinculada con Francia en cuanto a los tipos de diseños creados y a los artesanos que los realizaban. Hasta ahora la crónica de la Real Fábrica de Papeles Pintados de Madrid, fundada y dirigida durante medio siglo por una familia francesa bajo patrocinio real español, ha sido virtualmente desconocida. En este estudio original e innovador —el primero que trata el tema en España—, se recrea la trayectoria de la Real Fábrica durante cuatro reinados y se examina el gran éxito que tuvieron sus papeles pintados en la sociedad de la época, tomando como base documentos recuperados de una docena de archivos españoles y franceses.

La Real Fábrica de Papeles Pintados de Madrid . (1786-1836)

Isadora Rose-de Viejo. Ed. Cátedra. 19x23,5 cm.

262páginas. Castellano

Giorgio Vasari (Arezzo, 1511 – Florencia, 1574) se cuenta, por su pluma, no por su pincel, entre los máximos exponentes del Cinquecento. Las Vidas, publicadas en Florencia en 1550 por el editor ducal Lorenzo Torrentino, conforman una indiscutible obra maestra y fuente escrita imprescindible para quien desee un acercamiento directo al Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Giorgio Vasari fue y quiso ser antes que nada historiador y por este motivo no se contentó con narrar los hechos acaecidos sin incluir juicios y críticas, sino que gustó también “distinguir al bueno del mediocre, al excelente del bueno, y hacer cuidadosa mención de las particularidades, estilos, rasgos y fantasías de los pintores y escultores”. Se puede considerar, pues, este texto como la obra inaugural de la Historia del Arte. A esta edición anotada, que reproduce íntegramente la edición de 1550, se añade un índice de nombres y otro de lugares y obras que facilitan la localización de las obras a las que hace referencia Vasari.

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Giorgio Vasari

Ed. Ediciones Cátedra. 19,5x24cm. 372 páginas. Castellano

La editorial Cátedra reedita el que tal vez sea el tratado sobre anatomía más curioso y sorprendente de su catálogo.

Concebido y escrito por el escultor Juan Bordes, el libro repasa la representación del cuerpo humano a lo largo del periodo comprendido entre el siglo XVI al XX.

Organizado en cuatro capítulos –El dibujo, La anatomía, La proporción y la Fisiognomía–, el volumen destaca por la profusión de imágenes procedentes de cientos de libros, cuadernos de apuntes, grabados y otros materiales impresos pertenecientes a la colección del propio Bordes y que, además de proponer un interesante repaso de cómo ha evolucionado la representación de la figura humana a través de las diferentes formas de impresión, permite analizar cómo esas técnicas, por ejemplo la aparición de la fotografía, han influenciado en la forma de entender y transmitir una disciplina como la anatomía.

“Historia de las teorías de la figura humana”, que por contenido y lo peculiar de sus ilustraciones bien podría haber formado parte del catálogo de editoriales como Taschen, es un trabajo que merece, no solo su reciente reedición, sino su traducción a otros idiomas, pues estamos convencidos de que el público de otros países quedará tan asombrado como el español ante este despliegue de conocimientos sobre la materia y esa colección de materiales que, sin lugar a dudas, puede constituir una de las más importantes del mundo en manos privadas.

Historia de las teorías de la figura humana

El dibujo, la anatomía, la proporción, la fisiognomía

Juan Bordes. Cátedra. 360 páginas. Castellano

El auge que experimentan las series de ficción en la actualidad ha generado un importante cambio en el mundo de la televisión y sus espectadores, un hecho que ha repercutido muy positivamente en otros sectores. De repente, productos como camisetas, juegos, libros o muñecos han visto cómo se ampliaba el que era su público habitual –normalmente niños y adolescentes– para alcanzar a un sector de la población más adulto, en franjas de edad que superan los 30 y 40 años.

“Juego de Tronos” es sin duda uno de los éxitos de esta temporada, tanto en lo que se refiere al mundo editorial como al televisivo, lo que ha provocado que proliferen infinidad de productos relacionados con el universo creado por George R. R. Martin. Uno de ellos es este libro, prologado por el propio Martin, en el que se incluyen entrevistas con los directores, se repasan los diferentes personajes, a las diferentes sagas, se hace referencia a los capítulos y se narran anécdotas del rodaje, todo ello ilustrado con abundantes fotografías y maquetado con una estética que recrea las tipografías y la ornamentación de la serie.

Un interesante y completo libro para aficionados a “Juego de Tronos”, avalado por la HBO, cadena que financia y emite esta producción.

Juego de Tronos. El libro oficial

Bryan Cogman (et al.). Grijalbo

192 páginas. Castellano

De un tiempo a esta parte, el mundo del arte, y en consecuencia los textos y manuales relacionados con él, han comenzado a interesarse por el diseño, tanto gráfico como industrial, entendiéndolo como una actividad que va más allá de un simple arte aplicado y en el que la creación y aportación del autor es casi tan trascendente como en la obra de arte convencional.
Dicho esto, no resulta tan sorprendente que una colección tan prestigiosa como los Manuales Arte Cátedra haya dedicado uno de sus volúmenes al diseño industrial español. Una iniciativa que viene a cubrir el vacío existente sobre este tema en el que abundan los libros dedicados a un autor, pero en el que se echaba a faltar una monografía exhaustiva que aportase una visión general de lo que ha sido el origen y evolución del diseño industrial desde sus inicios allá por el siglo XIX hasta nuestros días.
Resultado del trabajo colectivo de seis autores, “El diseño industrial en España” presta especial atención, además de a las cuestiones históricas, a temas estrechamente vinculados con la evolución de la sociedad actual, como la globalización o el ecologismo, definitivos a la hora de determinar la deriva que esta actividad ha experimentado recientemente y que, muy probablemente, determinará su evolución futura.
Como complemento a estos interesantes textos, el volumen se completa con abundante material gráfico a todo color, detalle aparentemente baladí pero que no siempre está presente en los manuales o ensayos destinados al ámbito académico, lo que nos invita a pensar que tardará bastante tiempo en aparecer otro título semejante que pueda hacerle sombra a este.

El diseño industrial en España
J. Galán, J. Gual, J. M. Marín, J. Olucha, R. Torrent y R. Vidal
Cátedra / 452 páginas / Castellano

Cátedra incorpora a su colección “Cuadernos arte Cátedra” este título publicado originalmente en 2008 y que, como afirman sus autores en la introducción, “ha sido concebido como libro de consulta para estudiantes universitarios y para el público en general que se interese por la historia del arte y las artes visuales”.
A diferencia de los tratados de arte tradicionales, que adolecen del manejo de conceptos y teorías excesivamente clásicos y no prestan atención a las nuevas corrientes surgidas en las últimas décadas, este “Arte básico” incorpora teorías y visiones procedentes del marxismo, el postestructuralismo, la posmodernidad e incluso describe cómo el mundo del arte es entendido y aplicado en nuevas herramientas como internet.
Nombres como los del ensayista John Berger, el filósofo Slavoj Zizek, el lingüista Saussure, el marqués Sade, se dan cita en este libro, pequeño en tamaño pero intenso y vasto en contenidos, que se completa con un glosario de términos e imágenes de muchas de las obras a las que se hace referencia en sus páginas.

Arte básico / Grant Pooke y Diana Newall
Cátedra / 336 páginas / Castellano

Bajo la coordinación de Juan Antonio Ramírez, los autores Julián Díaz Sánchez, Ana Ávila, Carlos Reyero, Jesús Carrillo, Patricia Mayayo y Héctor Sanz Castaño realizan un interesante análisis sobre la situación y el funcionamiento del mundo del arte en España.
El papel de los museos, la influencia de los críticos y las revistas especializadas, la importancia de los catálogos, la labor de las administraciones públicas, la incorporación de las mujeres como creadoras artísticas, la importancia e institucionalización del arte marginal y “desviado” durante la Transición o la importancia de los capitales financieros como dinamizadores y motores del arte son algunos de los temas que se abordan en este ensayo.
Aunque no es un libro de divulgación ni un texto sencillo, lo cierto es que siempre es curioso saber cuáles son los mecanismos con los que se maneja un sector que, aunque siempre ha tenido una innegable vertiente cultural, también es cierto que posee mucho de negocio y apariencia. Una realidad que resulta evidente cuando analizamos el arte desde el punto de vista del coleccionismo –sujeto a extrañas corazonadas, caprichosas fluctuaciones e interesadas estrategias de promoción–, cuando nos fijamos en su relación con el sector inmobiliario –donde los centros de arte son jugosos encargos arquitectónicos– o cuando lo pensamos en relación con el sector turístico –que ha hecho de los museos epicentro de muchas de sus ofertas y propuestas.

El sistema del arte en España. Juan Antonio Ramírez (Ed.)
Ediciones Cátedra. 380 páginas. Castellano

Benito Navarrete Prieto ha sido el responsable de la actualización y revisión de la edición del clásico que sobre la pintura barroca española realizó Alfonso E. Pérez Sánchez en 1992.
A lo largo de sus casi seiscientas páginas, ilustradas con múltiples ejemplos gráficos, se analiza la realidad de los pintores en el siglo XVII, su formación, su relación con sus clientes y los géneros pictóricos por ellos desarrollados.
Además, el libro destaca por su exhaustivo análisis de la actividad pictórica en las ciudades y regiones más importantes de la época –como Madrid, Toledo, Valladolid, Valencia, Aragón, Sevilla–, de las diferentes escuelas, la mayoría de ellas vinculadas estrechamente a destacadas figuras de la disciplina y, por último, el análisis del trabajo de estos autores entre los que destacan Velázquez, Zurbarán y Carreño
Si bien “Pintura barroca en España” está pensado para el uso como manual de texto en el ámbito universitario, su carácter didáctico y su lenguaje, lo hacen accesible a todo tipo de público interesado en el tema que difícilmente encontrará otro título sobre el tema tan bien documentado pero que no caiga en el exceso academicista.
El volumen se completa con un amplio apartado de notas destinado a aclarar conceptos y datos aportados en los diferentes capítulos, una extensa bibliografía y un índice onomástico de los lugares, personajes y obras citados.

Pintura barroca en España, 1600-1750 / Alfonso E. Pérez Sánchez
Cátedra / 560 páginas / Castellano

Tras abandonar Alemania y su puesto como profesor en la Bauhaus a consecuencia de la ascensión al poder del régimen nazi, Josef Albers se exilió en Estados Unidos, país en el que continuaría su labor docente en el Black Mountain College de Carolina del Norte, lugar en el que daría clase a figuras tan destacadas como John Cage, Merce Cunningham o Robert Rauschenberg hasta que, en 1950, lo abandonase para incorporarse a la Universidad de Yale en 1950.
De su contacto con estos y otros estudiantes surgió “Interacción del color”, un libro en el que Albers explica sus teorías sobre la percepción y su significado en la Historia del Arte. Un libro a la altura de obras como “Observaciones sobre los colores” de Ludwig Wittgestein o “Teoría del color” de Goethe que, a diferencia de estos dos títulos, no fue bien recibido por los críticos y los estudiosos que entendían que sus planteamientos, en lugar de revolucionarios, eran, sencillamente, descabellados.
A pesar de esta mala acogida, “Interacción del color” no ha parado de reeditarse, desde su primera aparición en 1963 hasta nuestros días. Una labor que en nuestro país ha recaído en Alianza Editorial quien, a través de su colección Alianza Forma, acaba de lanzar una nueva edición revisada y ampliada en la que, además del corpus teórico, es posible encontrar varias decenas de ejemplos comentados que hacen de este libro una magnífica herramienta para cualquier aficionado o profesional del arte y el diseño gráfico.

Interacción del color. Josef Albers
Alianza. 168 páginas. Español

Un cuadro puede ser leído de múltiples formas. Además de sus atributos artísticos, han de tenerse en cuenta en esa interpretación aspectos relativos a quiénes lo encargaron, a quiénes iba dirigido o a su contexto histórico y sociológico.
El historiador rumano Victor I. Stoichita explica en este ensayo todas esas particularidades de forma amena, logrando que el academicismo no sea necesariamente sinónimo de tedio.
Para ello, echa mano no sólo de diferentes ejemplos pictóricos –como los autorretratos de Rembrandt, el retrato del esclavo Juan de Pareja y La Rendición de Breda de Velázquez o diferentes obras de Caravaggio que se muestran, en la mayoría de los casos, en imágenes a color– sino también literarios, citando a, entre otros, Cervantes, Gracián, Erasmo y Góngora.
Un interesante ensayo, muy bien presentado en lo que se refiere a su aspecto externo –como la elección de la tipografía y su cuerpo, la mancha de texto, la distribución de los blancos y los pies de foto–, en el que se percibe claramente la influencia de las teorías hermenéuticas de Gadamer las cuales entienden el análisis de los textos y del arte de manera amplia, compleja e interrelacionada con otros muchos acontecimientos y disciplinas.

Cómo saborear un cuadro. Victor I. Stoichita
Cátedra. 102 páginas. Español

Para varias generaciones, Alianza Editorial es sinónimo de libros asequibles, cuidados y de calidad. Colecciones como Libro de Bolsillo, Alianza Tres o Alianza Forma forman parte del paisaje doméstico de muchas familias españolas gracias a una política que no fija sus miras en las fluctuaciones del mercado ni apuesta por un libro efímero.
Este es el caso de “Desvestidas. El cuerpo y la forma real” un interesante tratado del Catedrático de Historia del Arte Carlos Reyero que arroja una nueva mirada a obras de arte cuya característica principal es el desnudo. Una nueva forma de abordar estas obras pensada para perdurar en el futuro gracias a un planteamiento que rompe con la idea acuñada en el XIX, que afirmaba que las mujeres representadas en los cuadros o esculturas no estaban desnudas sino “desvestidas”. Para Reyero, la representación femenina en el arte responde, además de a cuestiones estéticas, a una evidente atracción física hacia la mujer representada por parte del autor.
Una interesante teoría ilustrada con más de un centenar de imágenes que, a diferencia de lo que sucedía con los títulos clásicos de Alianza Forma en los que abundaba la fotografía en blanco y negro, están impresas a todo color.
“Desvestidas. El cuerpo y la forma real” tiene visos de convertirse en un título clásico de esta colección. Un libro que compartirá estantería con “La escultura. Procesos y principios” de Rudolf Wittkower, “La interacción del color” de Josef Albers, “Historia de la Arquitectura” de Kostof o “El diseño gráfico en España” y “El diseño gráfico: desde los orígenes a nuestros días” de Satué.

Desvestidas.El cuerpo y la forma real. Carlos Reyero.
Alianza Editorial. 400 páginas. Español.