Para aquellos que ya estén hartos de los libros sobre diseño repletos de santos, ilustraciones y dibujitos en los que la forma prima sobre el fondo, “Estética y diseño” es una óptima elección. Un completo y exhaustivo repaso a la relación entre esas dos disciplinas, que se adentra en profundas simas del saber, como la filosofía kantiana y hegeliana, la dicotomía platónica entre la bondad y lo bello, o realidades como el feísmo o lo kitsch. Un estudio más propio de una cátedra de estética que de una escuela de diseño y creatividad, aunque no entendemos el por qué de esta separación. No hace mucho, la formación académica de los diseñadores iba mucho más allá que el mero aprendizaje de los rudimentos de las herramientas de su oficio. Ello redundaba, además de en los resultados formales, en la solidez de la armazón conceptual de sus proyectos. Tal vez vaya siendo hora de abrir los horizontes de conocimiento para, posteriormente, aplicarlos al diseño, o a lo que se tercie.

Estética y diseño. Wenceslao Rambla. Ed. Universidad de Salamanca. 460 páginas. Idioma: español

Otro clásico del universo de los anuarios son los que edita la editorial Graphis en sus diferentes disciplinas: advertising, brochures, poster, photography y annual reports. En este caso hablaremos del Desing Annual 2008 que, como su propio nombre indica, recoge lo mejor del diseño gráfico realizado a lo largo del año pasado. Revistas, libros, folletos, logos, packaging, diseños de stands... una gran variedad de ejemplos en muy diversas aplicaciones.
Un volumen en el que, entre trabajos de todas las partes del mundo, nos alegra encontrar una ilustración del estudio Carrió Sánchez Lacasta, los Grid-it! Notepads de Astrid Stavro (reconocidos con un Platinum Case Studies) y un disco de Swan Dive del sello Siesta diseñado por Paco Lacasta.

Graphis Design Annual 2008. Varios autores. Ed. Graphis. 250 páginas. Inglés

Parece que fue ayer, pero ya han pasado veinte años desde la primera edición de los Epica Awards. Para celebrarlo, sus responsables han pensado que no había nada mejor que continuar con su labor de premiar la mejor publicidad que se realiza en Europa y editar su tradicional anuario. Un volumen con casi un millar de piezas, todas magníficas y algunas de ellas realmente geniales. Un libro que es una inversión pues, más allá de lo puramente estético, su contenido no envejecerá y seguirá siendo, en el futuro, una fuente de inspiración y diversión. De hecho, nada diferencia a este título de aquellas recopilaciones de historietas o viñetas que un caricaturista o un humorista realiza cada cierto tiempo. Ambos productos deparan horas y horas de entretenimiento, pues los dos contienen grandes dosis de talento.

Epica. Book 20. Europe’s Best Advertising. Varios autores. AVA Publishing. 400 páginas. Inglés

A día de hoy, finales del 2007 y con la guerra de Irak en pleno fragor, los carteles de guerra están más vigentes que nunca. De hecho, fueron muchos los diseñadores que, a raíz de ese conflicto, se solidarizaron y mostraron su opinión al respecto en carteles que, posteriormente, serían recopilados en diferentes libros, incluido este. Es curioso, sin embargo, ver cómo esas propuestas carecían de la garra, la contundencia y la crítica a la que el cartelismo nos ha acostumbrado a lo largo de la historia. ¿Es tal vez porque aquellos que los firman no sufren los horrores de la guerra? ¿Es porque en la era de Internet el cartel ha perdido su poder de comunicación? Para salir de dudas, ha llegado “War posters. Weapons of mass communication”, estupendo volumen en el que el autor James Aulich, en colaboración con el Imperial War Museum, recopila muestras de carteles bélicos desde la Primera Guerra Mundial hasta la actualidad. Mensajes contra el enemigo, para levantar la moral de la población civil, para pedir su colaboración en el ahorro de bienes y alimentos, para combatir a los quintacolumnistas... Una asombrosa variedad de ejemplos de un mismo género, ejecutados con asombrosa genialidad, tanto en lo que se refiere a los retratos, como a las caricaturas, los fotomontajes, el uso del color y las tipografías. Un libro indispensable, no sólo porque hable de diseño, sino porque habla de las guerras.

War posters. Weapons of mass communication. James Aulich. Ed. Thames&Hudson. 256 páginas. Inglés

Es asombroso cómo las editoriales aún no se han dado cuenta del aspecto lúdico de la publicidad, de la buena publicidad, queremos decir. El día que eso ocurra, las estanterías de las librerías y los centros comerciales estarán pobladas de libros como éste, que se convertirán en éxitos de venta. Un volumen, el decimoquinto ya, en el que se recopilan los mejores anuncios de exterior y gráfica de los prestigiosos certámenes New York Festivals, Midas Awards, The Global Awards y Ame Awards. Páginas y páginas de buenas ideas que asombran por su genialidad y su buena ejecución. Un libro para leer y releer, que ganará con el tiempo, convirtiéndose en un reflejo sociológico de lo que somos.
En esta época, en la que hemos dejado de ser ciudadanos para convertirnos en consumidores, la única esperanza que nos queda son libros como este: si tenemos que gastar, pidamos al menos que los reclamos para ello sean brillantes e inteligentes.

15 Annual International Awards Group. Varios autores. Ed. Colourscan Co. 380 páginas.

La editorial Promopress pone a disposición del lector español este titulo de Rotovision, en el que se hace un interesante repaso a los diferentes acabados creativos que se le pueden dar a un trabajo con objeto de hacerlo, como poco, más impactante y llamativo. Troqueles, insertos, desplegables, barnices, estuches, textos termograbados, cubiertas enteladas, cantos metalizados, manipulados a la carta... cientos de ideas detalladas a través de otros tantos ejemplos que han sido recopilados por Roger Fawcett-Tang. Por si esto no fuera suficiente, en sus páginas finales se incluye un glosario ilustrado de términos en el que se explica en qué consiste cada una de las técnicas empleadas. Un útil e interesante libro gracias al cual es posible conocer un poco más a fondo los procesos de la industria gráfica y que nos deja claro que, para hacer buenos trabajos, por encima de grandes presupuestos, con lo que hay que contar es con mucha imaginación y conocimiento del medio en el que se interviene.

Acabados de impresión y edición de folletos y catálogos. Roger Fawcett-Tang. Ed. Promopress.
192 páginas. Idioma: español

Cuando, dentro de unas décadas, echemos la vista atrás y queramos analizar el diseño de finales del siglo XX y principios del XXI, no nos quedará más remedio que analizar cuánto bien (o cuánto mal) ha hecho el mundo de la silueta a esta disciplina. Utilizada hasta la extenuación por estudios y diseñadores, la silueta ha sido recurso ornamental inevitable de los trabajos de los últimos años, como puede serlo el “efecto stencil” y los churretes de tinta en spray corriendo página abajo.
Sabedores de su importancia y vigencia, los responsable de la editorial Promopress han editado “1000 siluetas”, libro imprescindible en todo estudio de diseño moderno que se precie. Aquí, el profesional podrá encontrar diez centenas de ejemplos, organizados por temas como oficios, familia, música o comunicación, listos para ser utilizados en sus trabajos gracias al Cd-rom, compatible con Mac y Windows, que se regala con el libro. Una magnífica inversión si se analiza bajo el prisma del binomio utilidad-precio.

1000 siluetas. Contemporary silhouette designs. David Arocha y Antonio Triviño. Ed. Promopress.290 páginas.

La editorial Promopress pone a la venta este manual para aquellos que quieran saber más del tratamiento y manipulación de imágenes digitales. A diferencia de otros títulos similares, “Ilustracion digital” no centra su mirada únicamente en el mundo de los unos y los ceros sino en cómo éste ha sabido combinarse y enriquecerse con las técnicas tradicionales. Un libro que, para huir de lo tedioso de los manuales al uso, ha optado por ilustrar sus páginas con algunos de los más actuales trabajos gráficos, procedentes de los estudios y profesionales más innovadores del momento, de quienes se hace un perfil sobre su estilo y forma de trabajar. Tal vez sea su acierto al elegir los ejemplos analizados la virtud más destacable de “Ilustración digital” que cuenta, además, con un apartado de tutoriales que explican, paso a paso, la mecánica de producción y realización de esos trabajos.

Ilustración digital. Una clase magistral de creación de imágenes. Lawrence Zeegen. Ed. Promopress. 176 páginas. Idioma: español

Ediciones Sin Sentido continúa con esa doble apuesta que engloba el cómic de calidad hecho por mujeres. En esta ocasión presenta el libro de Rachel Deville, “Lobas”, que cuenta la historia de Rachel y Anne, dos gemelas que se enfrentan a la vida unidas por ese extraño hilo que, se supone, une a este tipo de hermanos. Un complejo y oscuro tebeo psicológico, construido como un monólogo interior. Un trabajo en la tradición europea del género, que bebe de las fuentes de los pioneros de los años 70 y que, en ocasiones, recuerda al de Miguel Ángel Martín por sus extraños personajes, sus rostros y miradas que generan desasosiego aunque, a diferencia de los tebeos de Martín, “Lobas” está realizado sin colorines ni témperas, sino con lápiz blando, a blanco y negro.

Lobas. Rachel Deville. Sin Sentido. 128 páginas. Idioma: español

Biografía en viñetas de la mítica Kiki de Montparnasse, musa de algunos de los artistas más brillantes de la primera mitad del siglo XX. Un libro ameno que se lee del tirón, a pesar de las más de trescientas páginas que lo componen. Un buen trabajo artístico de sus autores Catel & Bocquet que, sin embargo, no acaba de convencer en lo narrativo por lo insustancial de su planteamiento y lo superficial del tratamiento que se hace de la protagonista.
Articulado a través de los edificios y locales en los que vivió, actuó o pasó su vida Kiki de Montparnasse, el libro desgrana aspectos de su biografía sin ahondar en el personaje, convirtiéndose en una mera sucesión de anécdotas que desecha lo interesante de la situación política, social, cultural y artística de la época en la que está ambientada. Un libro sobre los turbulentos años 20, 30 y 40 que, lejos de escandalizar a los adultos, puede ser leído por infantes. Salvo alguna que otra mención a la cocaína y alguna referencia sexual (no explícita), el libro es completamente inocuo, algo que sorprende, dada la leyenda salvaje de Kiki y sus amigos. Tal es la intención pedagógica de este tomo, que al final se ofrece una bibliogafía de los textos consultados y los perfiles biográficos de los escritores, fotógrafos, pintores y el resto de personajes que aparecen a lo largo de este tebeo. Un libro que podría estar en las bibliotecas de los colegios... de primaria.

Kiki de Montparnasse. Catel & Bocquet. Ed. Sin Sentido. 388 páginas. Idioma: español

La guía Creativity de Albert Isern cumple diez años. Y lo celebra como mejor sabe hacerlo, con un repaso a todo lo que ha sucedido, desde el punto de vista creativo, en nuestro país, a lo largo del año 2006. Un volumen en el que está, si no lo mejor, sí lo más llamativo en lo que se refiere a exposiciones, spots, campañas, festivales, identidad corporativa, diseño industrial, fotografía, packaging, diseño editorial... Más de 500 páginas que sirven, además de para saber qué se ha hecho y no repetirse, para localizar a los autores de todas esas hazañas. De esta forma, y gracias a la Guía Creativity, en la que constan todos sus datos, además de felicitarles y darles la enhorabuena, se les pueden encargar proyectos similares. Está probado que lo harán muy bien.

Guía Creativity 10. Varios autores. 525 páginas. Idioma: Español

Ediciones Sin Sentido continúa con su labor de divulgación de la historia del tebeo a través de su colección Sin palabras. Una serie de pequeños libros que, tras repasar la vida y milagros de artistas y personajes del género como Richard Corben, Osamo Tezuka, Moebius, Hal Foster, Pequeña Lulú, Spiderman o Vázquez, alcanzan sus números 13 y 14 con los dedicados a los hermanos John y Sal Buscema y a la editorial mexicana Novaro, respectivamente. Los primeros son mundialmente conocidos por sus dibujos y entintados para personajes de Marvel como Spiderman, Conan, Hulk, los 4 fantásticos o Estela Plateada. Por lo que respecta a Novaro, una equivalencia de Bruguera pero a la mexicana, su fama se forjó por dar al mercado hispanoparlante héroes del tebeo norteamericano como Don Gato, Daniel el Travieso, Batman, Spiderman, Superman, Tom y Jerry, el Pájaro Loco e infinidad de revistas para niños y adolescentes.
Dos buenas monografías para saber más de aquello que nos hizo felices cuando éramos pequeños y que nos sigue haciendo ahora que no lo somos tanto.

Los Buscema / Novaro. Eduardo de Salazar / Alfons Moliné. Ed. Sin Sentido. 72 y 76 páginas respectivamente. Idioma: español

Los temas elegidos por los responsables de la editorial japonesa PIE Books para sus libros no acostumbran a ser los habituales del resto de las editoriales dedicadas al diseño. Además, sus monografías son extremadamente especializadas, hasta el punto de que sorprende cómo son capaces de conseguir ejemplos suficientes para llenar cientos de páginas. Graphic Simplicity es una buena muestra de todo eso. Anuncios, catálogos, tarjetas, carteles, y packaging, procedentes de todas las partes del mundo, producidos en fechas recientes y con un elemento común: la sencillez de su diseño, lo que no quiere decir que sean trabajos necesariamente cercanos a movimientos artísticos como el minimalismo. Un útil volumen de consulta que inspirará y sacará de apuros a más de un diseñador en esos días de concursos, entregas, presentaciones contrarreloj, es decir, siempre.

Graphic simplicity. Varios autores. PIE Books. 245 páginas. Inglés / Japonés

Un nuevo título de la editorial japonesa PIE Books que, como es habitual, destaca por la calidad de su impresión, su acabado y su contenido. En esta ocasión se trata de todo un tratado sobre diseño gráfico relacionado con la moda. Etiquetas, estampaciones textiles, bolsas, muestrarios, catálogos, material promocional y todas esas cosas que vemos en las tiendas de ropa y que, aunque parezca que siempre han estado ahí, en realidad tienen detrás las horas de trabajo de muchos profesionales, responsables últimos de ellas y cuyos nombres aparecen mencionados junto a los trabajos reproducidos. Un libro que, a pesar de lo complicado de la puesta en página de todos estos elementos, funciona bien desde el punto de vista visual y permite múltiples lecturas, pues los ejemplos presentes en él son, sin exagerar, miles.
Fashion brand graphics. Varios autores. Ed. PIE Books. 164 páginas. Inglés / Japonés

La primera edición de José M. Cerezo del Alfabeto de Goudy (ACK Publish, 1992) es para algunos diseñadores posesión preciada, para otros objeto de deseo, y para unos y otros, de culto.
La edición cuidada supuso que Cerezo, el de la nebulosa, hubiera de crear para la ocasión las versalitas, los números colgantes y algunas ligaduras como las de "ct" y "st". Problema éste aun por resolver, el de las ligaduras, que las empresas y diseñadores de tipos se empeñan en restringir a las habituales en alemán e inglés, insuficientes para nosotros. Sea por ello que apenas encontramos ese recurso bello en los libros en castellano, quiero pensar, y no por la vaguería o desconocimiento de los diseñadores.
Recuerdo el acontecimiento que supuso la aparición del libro entre los diseñadores de entonces. Quince años después –joder, Cerezo, que viejotes que somos los dos–, de la mano de Ézaro se reedita respetando fielmente las características de aquella primera edición. Con cubiertas nuevas, mucho más acordes con la atemporalidad que merece. En aquel entonces todos éramos en mayor o menor medida víctimas de ciertas estridencias, lógicas por lo novedoso que supuso poder "componer" en casa y en zapatillas, en aquellos primeros macs cuyas pantallas no eran mucho mayores que las que hoy tienen algunos móviles y pedeás.
Si hubiera que ponerle un "pero" a la edición, sólo se me ocurre el de la textura áspera del papel de cubiertas, que se empeña en atrapar y acumular cualquier mota de polvo a su alcance, como si tuviera hambre, y del mismo modo, exige de higiene adicional en las yemas de los dedos, empeñado el ejemplar en dejar registrado a cada lector por la sudoración.
Es éste un tratado didáctico y ameno, bellamente ilustrado, sobre los principios de la letra: los orígenes, las mayúsculas romanas, las letras antes de la impresión, las escrituras nacionales, la letra gótica...
Le siguen 27 láminas a toda página, que constituyeron en origen los Principios de Rotulación. Cada lámina consiste en 15 formas de una misma letra, que invitan al recorrido y a la comparativa, en un ejercicio recompensante.

El alfabeto y los principios de rotulación. Frederic William Goudy. Ed. Ézaro. 132 páginas. Idioma: español.

Tras el clásico de John Berger “Formas de ver”, Gustavo Gili continúa con la publicación de los títulos imprescindibles de este brillante escritor inglés. Ahora le ha tocado el turno a Otra forma de contar, el libro realizado en colaboración con el fotógrafo Jean Mohr en el que juntos pretenden dar respuesta a preguntas como ¿Qué es una fotografía? ¿Qué significa? o ¿Cómo puede ser usada?, cuestiones tan antiguas como la propia fotografía y que aún no han recibido respuesta a pesar de los intentos de personajes como Walter Benjamin, Susan Sontag o Roland Barthes, quienes también fijaron su atención en este oficio / arte centenario.
Un magnífico y clarificador libro, estructurado en cinco partes –La experiencia fotográfica y la ambigüedad de la imagen; una posible teoría de la fotografía basada en el significado; una narración sin palabras realizada a través de ciento cincuenta imágenes; reflexiones sobre dicha narración y, por último, una mirada a la vida de los campesinos objeto de las fotografías– y cuya única pega es el hecho de la mala reproducción de las imágenes, excesivamente contrastadas y sin apenas detalles, un problema que ya estaba presente en la primera edición española, realizada por otra editorial, y que podía haber sido subsanado por Gustavo Gili en esta nueva edición. Salvo ese pequeño detalle, un título totalmente recomendable para todo aquel que quiera saber algo más sobre el mundo de la imagen.

Otra manera de contar. John Berger y Jean Mohr. Ed. Gustavo Gili. 302 Páginas. Idioma: Castellano

El crítico Hilario J. Rodríguez, colaborador de publicaciones como ABC, La Vanguardia, Rockdelux y asesor de diferentes festivales cinematográficos, firma este volumen sobre la obra de los Hermanos Taviani, figuras clave del cine italiano que vivieron un momento de esplendor gracias a cintas como Hay que quemar a un hombre, Allosanfan, Padre Padrone, La Noche de San Lorenzo o Buenos días Babilonia. Películas de gran carga ideológica y política que, a pesar de su calidad estética y narrativa, han sido dejadas de lado por un público y una crítica que en los últimos tiempos parece más interesada en el cine de evasión o en los experimentos de autor, como el cine dogma, que no dejan de ser fuegos artificiales con la pólvora mojada.
Un interesante libro muy bien editado al que hay que dedicar tiempo para disfrutarlo, que tiene todo a su favor para convertirse en un libro de referencia en castellano a la hora de analizar la obra de los Taviani y que sólo necesita, como le sucede actualmente a éstos directores, captar la atención y el interés del público.

Después de la Revolución. El cine de los hermanos Taviani. Hilario J. Rodríguez. Ed. Calamar Ediciones. 286 páginas. Idioma: Castellano

En 1986 se estrenaba Terciopelo Azul, un extraño y desasosegante thriller que reformularía el género y sentaría las bases de un nuevo cine de autor, extremadamente personal, pero atractivo para el gran público. Un logro del que David Lynch es responsable en todos los aspectos. Veinte años después, el Festival Internacional de Cine de Sitges ha querido reconocer este logro, rindiendo homenaje al director norteamericano y a su filmografía. Fruto de ello es este libro en el que diferentes escritores y críticos cinematográficos desgranan y analizan la compleja obra de Lynch a través de su música o de su manera de abordar temas como el mal y el sexo.
Un libro que aunque contiene algún que otro santo sacado de películas como Cabeza Borradora, Corazón Salvaje, Terciopelo Azul o Mulholland Drive, no es para disfrutar ojeando sino para leer de principio a fin y sacar nuevas claves que permitan entender algo más todo aquello que se nos escapó tras el visionado de esas obras, que seguro ha sido mucho.

Universo Lynch. VV. AA. Calamar ediciones. 176 páginas. Idioma: Castellano

La editorial Gustavo Gili publica traducido al castellano ¿Qué es la tipografía?, un interesante libro publicado originalmente por RotoVision, que permite adentrarse de manera sencilla y lúdica en el complejo y esotérico mundo de los cuerpos (de letras), las familias, los índices, los subíndices, los interlineados, los interletrados etc.
Firmado por David Jury, director de la prestigiosa TypoGraphic, la publicación de la Internacional Typographic Designers, y jefe de diseño gráfico del Colchester School of Art and Design, ¿Qué es la tipografía? repasa de forma amena y con multitud de ejemplos visuales esta disciplina, recurriendo para ello a su historia y evolución hasta la actualidad con la aparición de las nuevas tecnologías e Internet; a sus campos de conocimiento afines –como la Semiótica, la lingüística, la retórica, o la grafología–; a sus requisitos o normas –como la legibilidad, la ortografía y la puntuación–; y a su aplicación al mundo profesional del diseño a través del análisis de retículas, de los espacios entre letras y líneas, el uso de las cursivas, de los numerales, de los paréntesis y corchetes, etc.
El libro, que se completa con el análisis de casos prácticos, un útil glosario y una bibliografía seleccionada para los que deseen profundizar más en el tema, es un útil manual para conocer y resolver dudas tipográficas sin necesidad de tener que adentrarse en los vastos, densos y clásicos tratados de tipografía tan habituales en esta disciplina y que, en muchos casos, no contemplan buena parte de las necesidades del diseñador gráfico actual.

¿Qué es la tipografía?. David Jury. Ed. Gustavo Gili. 256 Páginas. Idioma: Castellano

Demeter es la relectura que, del clásico título Drácula de Bram Stocker, ha realizado la ilustradora Ana Juan. Un álbum preciosamente editado por Edicions de Ponent que pone de manifiesto que la implicación de esta compañía para con el mundo del cómic es total, como demuestra el hecho de no haber escatimado medios a la hora de transmitir una historia compleja que incluso ha precisado de diferentes tintas, barnices o papeles para ser narrada. Un libro que se desarrolla como si de una película cinematográfica se tratase, hasta el punto de que el lector es testigo de encadenados y fundidos en las imágenes gracias a la superposición de las ilustraciones impresas en papeles vegetales traslúcidos.
Una interesante apuesta, tanto artística como empresarial que, como viene siendo habitual, no procede de las grandes editoriales del sector, sino de aquellas en las que la afición por la historieta y el gusto por las cosas bien hechas priman más que los resultados económicos, algo que, por otra parte, también es necesario y deseable para que iniciativas como ésta sigan adelante.

Deméter. Ana Juan. Edicions de Ponent. 100 páginas. Idioma: Castellano

Tomando como inspiración los Ejercicios de Estilo del sátrapa patafísico Raymond Queneau, el ilustrador norteamericano Matt Madden realiza casi una centena de versiones diferentes de un hecho cotidiano y totalmente banal, abordándolo a través de diferentes enfoques narrativos y estilísticos que van desde la deconstrucción, la fragmentación de la historia, la narración sin palabras, aquella realizada por medio de signos de admiración, de onomatopeyas, hasta el desarrollo de diferentes técnicas de dibujo, sin olvidar los homenajes a grandes artistas del cómic, como Winsor Mc Cay, Richard F. Outcault, George Herriman, Robert Crumb, y a códigos o lenguajes procedentes de sectores como la publicidad, el cómic de terror norteamericano, el tebeo de ciencia ficción de los 50, etc.
Un curioso libro que, a pesar de lo que pudiera suceder dado su carácter repetitivo, asombra por su complejidad y originalidad a la hora de trasladar al mundo del tebeo los planteamientos de Queneau y demuestra, una vez más, las dimensiones artísticas y de comunicación de un medio como el tebeo, algo que parece no haber sido aún asimilado por muchos a pesar de los esfuerzos de editoriales como Penguin (responsable de la primera edición de esa obra) o Sinsentido, la editorial que se ha animado a publicarla en España, y que es una de las empresas nacionales que más está haciendo por dignificar el mundo de la historieta en este país.

99 ejercicios de estilo. Matt Maden. Ed. Sinsentido. 220 páginas. Idioma: Castellano

Si en el caso de “Sagmeister: made your look” negábamos la leyenda de la pegatina que aparecía en su cubierta y afirmábamos que dicho libro no era un ejercicio de autocomplacencia, en el caso de este libro no nos queda más remedio que reconocer que el de Frost sí lo es.
Concebido como un ejercicio de recapitulación del trabajo realizado por este estudio radicado en Australia, buena parte de sus páginas sirven para que Mr. Frost pida perdón a los árboles por el papel que ha utilizado en el libro, haga repaso de sus colores favoritos (de la temporada 2006), ponga la fotografía de sus padres durante unas vacaciones en 1973, le dedique el libro a su esposa, publique una foto de ésta y de la hija de ambos... en definitiva, una especie de blog personal impreso y encuadernado en el que se cuentan las virtudes de Frost* (estudio y hombre) especiadas con diversos trabajos, unos realmente buenos, otros menos buenos y otros que, sinceramente, no se diferencian mucho de los que podría desarrollar un estudio medio español.
A pesar de todo, una buena publicación que puede servir de libro de consulta e “inspiración” para los diseñadores y, quién sabe, tal vez dentro de una década se reedite a petición del público como se han reeditado los libros de Sagmeister y de Tibor Kalman. Eso, quién sabe.

Frost *. Frost Design Ltd. 500 páginas. Idioma: Inglés

Desde hace doce años, los Premios a! Diseño Canon buscan destacar los mejores trabajos que, en las diferentes disciplinas del diseño (de libros, packaging, de logotipos, de revistas, ilustración etc.), se realizan en México. Fruto de esa labor es el anuario que cada año se publica con los ganadores de la correspondiente edición.
A pesar del buen aspecto y prometedor contenido, que esperábamos pudiera dar una visión interesante acerca de la realidad creativa mexicana, el presente libro no acaba de convencer a consecuencia de una selección de trabajos que resultan poco sorprendentes, visualmente pobres y muy poco interesantes por su falta de personalidad. Sin que sea nuestra intención defender un diseño mexicano basado en la tradición estética del país, igual que no defenderíamos un diseño español basado en los tópicos y folklorismos españoles del flamenco y las aceitunas, lo cierto es que los ejemplos presentes en este libro adolecen de seguir sin apenas aportación propia las directrices del diseño anglosajón. Aunque es cierto que abunda el diseño de memorias anuales o balances, campos poco dados a la sorpresa y la innovación, ni siquiera el packaging, la ilustración o los logotipos, en los que tal vez la personalidad de los clientes nacionales pudieran permitir más libertad, destacan por su calidad, descubriéndose meras imitaciones de trabajos de tiempos pasados, que podrían haber estado en anuarios de publicidad de hace quince o veinte años.

XII Premio a! Diseño Canon. Varios Autores. Ed. Books VIP. 240 páginas. Idioma: Inglés

Otra buena oportunidad para hacerse con uno de los libros de diseño gráfico que han hecho historia. Un volumen que demuestra por qué Tibor Kalman es uno de los diseñadores más influyentes y relevantes de las últimas dos décadas a través de sus cubiertas e interiores para los discos para grupos musicales como Talking Heads, sus trabajos editoriales para revistas tan prestigiosas como Interview, sus imágenes corporativas como la del Restaurant Florent, su diseño para el libro Notorious de Herb Ritts, sus títulos de créditos para diferentes películas, su consultorio de diseño grafico en la revista de la AIGA, y el que tal vez sea su labor más destacada: la dirección de arte de la revista Colors, que sorprende tanto por el hecho de que la práctica totalidad de sus páginas ha sabido aguantar el paso del tiempo, como por la contundencia y compromiso de sus contenidos, algo que no abunda en la actualidad, momento en el que lo lúdico, lo efectista y lo banal se han hecho fuertes en el quiosco.
Sólo envejecido en ciertos aspectos, como las maquetaciones fraccionadas, los usos de grandes cuerpos de letras o la querencia por el uso de determinadas tipografías que hacían furor en los 80 y los 90, Tibor es ese libro que todo diseñador necesita para convencerse de que, antes de las audacias creativas actuales, ya existía el diseño y que también existirá después de éstas, aunque tal vez no aguanten el paso de los años con la misma dignidad a como lo ha hecho el trabajo de Kalman.

Tibor. Tibor Kalman. Ed. Booth-Clibborn Editions. 420 páginas. Idioma: Inglés

A pesar de lo que señale la pegatina de su portada, en realidad este no es “otro libro de diseño auto indulgente” ni el típico libro de auto-bombo al que nos tienen acostumbrados los diseñadores gráficos tras convertirse en figuras destacadas de la profesión. Sagmeister: made your look es en realidad un interesante y divertido análisis del trabajo del austriaco Stefan Sagmeister realizado por él mismo y Peter Hall con un ácido sentido del humor y bastante autocrítica, en el que se incluyen sus buenos trabajos y sus no tan buenos, una diferenciación que, dada su naturaleza subjetiva, Sagmeister ha preferido dejar a la decisión del lector aunque, en las notas finales, declara qué parte de su trabajo le parece valioso y que parte prescindible.
Un libro que, tras años de estar descatalogado, vuelve a estar disponible en las librerías y por el que parece que no ha pasado el tiempo, no tanto por la estética de algunos trabajos que sí puede parecer superada a la vista de las nuevas tendencias en el campo del diseño, sino por los sólidos conceptos desarrollados por Sagmeister, por su creatividad y por sus interesantes reflexiones, vertidas del Alemán al inglés a partir de las anotaciones contenidas en sus diarios personales.
Un libro cuyo contenido no se agota, que permite múltiples niveles de lectura y consulta, que no debe faltar en la biblioteca de cualquier diseñador inteligente que no dudará en hacerse con una copia pues, si es difícil que la vida nos dé dos oportunidades para algo, imagínense tres.

Sagmeister: made your look. Stefan Sagmeister & Peter Hall. Ed. Booth-Clibborn Editions. 292 páginas. Idioma: Inglés

La editorial japonesa PIE Books continúa con su importante labor en el campo del diseño publicando todo aquello que pueda interesar y ser útil a los profesionales de dicha disciplina. En esta ocasión ha sido un objeto tan cotidiano y en ocasiones tan poco aprovechado estéticamente como el calendario, el objeto que ha llamado la atención de los responsables de la compañía. Unos trabajos procedentes de todos los lugares del mundo, que se alejan mucho del producto cursi, feísta e incluso obsceno al que nos tienen acostumbrados cada principio de año los bares, restaurantes, bancos o talleres de reparaciones, para adentrarse y explorar un mundo en el que la creatividad demuestra que es posible hacer buenos, bonitos, innovadores y útiles calendarios.
Troqueles de todo tipo, fantásticas ilustraciones, magníficas fotografías, impecables trabajos tipográficos, collages, soportes imposibles... todo tiene cabida en este libro que, para ser coherente con su contenido, también es un calendario. Para ello, basta desplegar su sobrecubierta y clavarla a una pared.

World Calendar Design. Varios Autores. Ed. PIE Books. 224 páginas. Idioma: Japonés / Inglés

Fotógrafo y realizador publicitario, Julio López Saguar es uno de los autores más sobresalientes del panorama español gracias a una excelente técnica y a una muy personal concepción de la imagen. Usuario del color incluso cuando éste era denostado por la práctica totalidad de los fotógrafos, que lo consideraban frívolo y poco serio, Saguar ha desarrollado diferentes líneas de trabajo entre las que se encuentran los Fotografismos, unas imágenes que exploran el mundo de la gráfica y el paisaje urbano.
USA/SALE es el catálogo de la exposición realizada recientemente por Saguar en el Museo de Valdepeñas y en él se recogen buena parte de esas fotografías cuyas particularidad es que todas ellas están realizadas durante sus frecuentes viajes a Estados Unidos por motivos de trabajo. Unas imágenes que describen la vida del país norteamericano a través de sus carteles, sus tipografías, sus neones y su exceso gráfico y que nos hacen entender un poco más, si es que esto es posible, el American Way of Life.

USA/SALE. Julio López Saguar. Ed. Ayuntamiento de Valdepeñas. 88 páginas. Idioma: Castellano

El presente libro recopila la selección del jurado y los ganadores de la primera edición de los ED Awards, los premios de diseño de alcance paneuropeo celebrada en Grecia el pasado mes de mayo.
Un volumen que permite conocer el buen trabajo que están haciendo agencias y diseñadores de lugares como Grecia, Noruega, Portugal o Croacia, países que no suelen estar presentes con demasiada frecuencia en los anuarios de creatividad al uso, no tanto por la falta de calidad de sus trabajos sino por los costes de inscripción de las piezas en dichos certámenes, algo que ha sido contemplado y tenido en cuenta por la organización de los ED Awards, quien estableció diferentes descuentos según la renta de los países, especialmente los del este de Europa.
European Design Awards 2007, al igual que sucede con los premios de los que es fruto, nace con la intención de convertirse y perpetuarse como el libro de referencia sobre el diseño europeo, siendo de obligada compra o consulta, como actualmente lo son anuarios similares como el One Show, el D&AD Anual, los Typography, o el anuario del Club de Creativos de España.

European Design Awards 2007. Varios Autores. Ed. BIS. 200 páginas. Idioma: Inglés

Algo tan habitual, útil y necesario para la vida cotidiana actual como los pictogramas, los iconos y la señalética, no suele suscitar la atención de las editoriales, y en muchos casos, ni siquiera de los profesionales que deben diseñarlos o implementarlos. Por ello resulta interesante este nuevo volumen de la editorial PIE Books dedicado a este sector a medio camino entre el diseño gráfico e industrial.

Además de los interesantes trabajos mostrados, muchos de los cuales rompen con la tradición estética a la que estamos acostumbrados y exploran nuevas formas de contar, otra de las grandes aportaciones de este libro es el hecho de que los diseños se reproducen tanto en su fase puramente ilustrativa, en dos dimensiones, como en su aplicación en la realidad en parques temáticos, guarderías, hoteles, museos, teatros, comercios etc. pudiéndose así comprobar si son eficaces o fallidos a la hora de transmitir la información que contienen.
Pictogram & Icon Graphics 2 es, en último término, un útil libro de consulta para aquellos diseñadores que, en un momento u otro de su carrera, deban afrontar este tipo de proyectos y tengan la curiosidad de saber cómo ha evolucionado la señalética desde los tiempos de Aicher, su Rotis y sus pictogramas para la olimpiada de Munich’72. Un cambio realmente notable, y en algunos casos, aunque parezca mentira, para mejor.

Pictogram & Icon Graphics 2. Varios Autores. Ed. PIE Books. 208 páginas. Idioma: Japonés / Inglés

El crítico, escritor y comisario de la exposición Untitled, celebrada en la feria Bread&Butter de Barcelona y Berlín, Steven Vogel, firma este volumen en el que por primera vez se hace un repaso del fenómeno de la moda urbana. Un libro en el que se pretende dar un enfoque creativo y sociológico a algo que no deja de ser un suculento negocio, aunque, a estas alturas del partido, lo mismo podría decirse de los libros de arte, de cine o de fotografía que se publican actualmente.

En esta guía de más de trescientas páginas, Vogel entrevista a cuarenta destacados creadores de marcas urbanas acerca de su trabajo, a la vez que reproduce múltiples ejemplos del mismo. Firmas como Stüssy, Obey, AKA, Married to the mob, Kid Robot, Twelve Bar, hablan de sus camisetas, sus zapatillas deportivas, sus monopatines, así como de los medios de promoción que utilizan para darse a conocer, como las revistas digitales, las agencias creativas, los blogs y, a partir de ahora, las librerías.
Un libro con intención innovadora y actual pero cuyo contenido parece antiguo –tal vez por haber sido visto de forma continuada en escaparates, revistas o, sin ir más lejos, en la calle–, que funciona como una enciclopedia y libro de consulta sobre moda urbana para aquellos que no la viven. Un buen libro en lo formal, que describe una realidad aparentemente underground, pero cuyo enfoque es completamente mainstream, como demuestra su extensa reseña en diferentes medios de comunicación masivos como el dominical EPS de El País, a quienes la moda urbana aún les parece exótica, innovadora, diferente, moderna.

Una guía de la moda urbana. Steven Vogel. Ed. Gustavo Gili. 352 páginas. Idioma: Castellano

Mario Hugo es un artista y diseñador neoyorquino; trabaja para clientes como Dolce & Gabanna, Uniqlo, MTV o Gas as Interface. Sus trabajos como diseñador se han visto en Wallpaper, Face o en el New York Times. Pero tras su éxito como grafista esconde también una parte más íntima de su trabajo, donde hay mucho menos ratón y teclado, y mucho más lápiz. Exquisito y académico en el trazo –es un retratista espléndido–, se aleja del manierismo al uso y de cualquier concesión a la contemporaneidad, para adentrarse en un surrealismo de aire clásico muy interesante.
Esa vertiente experimental es la que se recoge en este libro.

I've got something I'd like to show you. Mario Hugo. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

¿De qué color es la ponzoña? ¿Cómo se pinta una conducta envenenada? El tono más apropiado es el de la radiante invisibilidad, la escala de grises. (...) Queda claro: no se trata de desaparecer, hay que disfrazarse con la honorabilidad del necio y representarse amargo para ser incuestionable. Eso creen. (...) La conducta del gris todopoderoso tele-político (tele-empresario), está envenenada por la arrogancia de la aflicción. Así se aproxima Peio a sus personajes, re-retratados a partir de las fotografías que de ellos publican los periódicos, sobre las que trabaja con acuarela. Desde Paco el Pocero a Gallardón, pasando por Condolezza Rice, Berlusconi o el ministro Solves. El resultado es una gráfica de guerrilla, demoledora, inquietante. Tremendamente crítico y mordaz, renunciando a la palabra es capaz de recoger el desasosiego que le producen esos sujetos y trasponerlo al observador.
Peio es un incansable inquietante de la cultura, ajeno a los circuitos más complacientes pero entregado en lo que discurre por los caminos secundarios y paralelos de la cultura oficial. De esta faceta visual no sabíamos. Enorme sorpresa.

Conductas envenenadas. Peio H. Riaño. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

De Claret Serrahima dice J. Guillamon en el Cultura/s de La Vanguardia que "lleva en la sangre el gen noucentista, que le empuja a buscar la simetría, la miniatura". Y que es "un tipo reposado, un diseñador de la gran época, muy bien situado por relaciones y ascendencia familiar". Que sea cierto no quiere decir que no sea insuficiente. Claret es, además un inquietante cultural, prolífico
diseñador, columnista, opinante mordaz y yuntero de todos los carros que merezcan la pena. De este libro mano a mano con Vicenç Altaió me quedo con la conjunción sorprendente, entre el texto y la solución formal; y recalco lo de sorprendente, que no debería serlo. Que uno que escribe y otro que diseña se pongan para componer a pachas un libro debería no sorprendernos tanto. Y es algo que ni siquiera sería factible en la mayoría de las editoriales al uso, donde los procesos, las jerarquías los managemientos habrían dado al traste seguro con tanta audacia. Ha tenido que ser Eumo y no otra la que se lance.
Dejando de un lado la crítica literaria, que aquí no nos corresponde, centrémonos en la gráfica, si es que existe la posibilidad deslindar ambas. Claret hace un papel humilde pero esencial, que convierte el texto en libro, y lo que hubiera sido un buen ejemplar es ahora un ejemplar singular, único, sin comparación posible. No hay estridencias visuales, sino matices y guiños cómplices al escritor y al lector, en un diálogo subyacente a tres bandas realmente interesante. De momento en catalán, ojalá que le siga una buena traducción.

La consola de Cadaqués o somnis d'un fill putatiu. Vicenç Altaió y Claret Serrahima. Eumo Editorial. 194 páginas. Idioma: catalán.

Ya está en la calle el segundo número de la revista Texturas. En esta ocasión, la parte ilustrada corresponde a Ana Juan, que presenta unos dibujos que forman parte del trabajo que realizó para el cartel de le Feria del Libro de Madrid 2006.
Texturas mantiene esa estructura que encandila, de artículos de extensión comedida. Sin ser monográfico, el número se dedica a la nueva realidad de la edición, esa que empiezan a llamar los expertos "edición 2.0", y que habrá que dar por bueno el denominativo si sirve para entendernos, pero que no nos gusta. No nos gusta en la medida que, siguiendo con el paralelismo del software, habría que pensar que es mejor, supera y sustituye a la de siempre, que entonces llamaríamos edición 1.0. Y ese no es el camino. Pero terminologías aparte, lo que sí es bien cierto es que pocas veces encontraremos un volumen en el que en unas pocas horas le demos un repaso profundo a esta nueva realidad, con opiniones autorizadas y un didáctico planteamiento que es de agradecer.
A mí esta discusión de la nueva edición me recuerda a aquella otra que mantuvimos durante unos años los diseñadores, cuando aparecieron los macs, con sus gurús de tres al cuarto que no eran sino tuertos de lujo en el país de los ciegos. Al final, el debate se supera, pero hay que pasar por él.

Trama & Textura, nº 2. Trama Editorial. Madrid, 2007. 160 páginas. Idioma: Español. 12 euros.

La colección dirigida por VASAVA de pequeños libros incorpora éste sobre el trabajo de Micke Thorsby, conocido como PMFA. Sueco, reside en la actualidad en Tokio. Realiza trabajos gráficos y de diseño para el sector de la música, packaging, prendas, revistas y libros, para clientes como Universal Music, Uniqlo, Atlantic Records, Nudie Jeans, Wesc, etc.
Condescendiente con la tendencia, que no es ni bueno ni malo, el trabajo de PMFA es colorista y cultiva el preciosismo de los vectores y la tipografía, y tras lo ornamental reside una contundencia gráfica que no siempre se encuentra entre los diseñadores de su generación. Muy especialmente cabe destacar su trabajo de falso aerografo, que nos remite a los tiempos gloriosos de la máscara y el compresor, recuperando un trabajo de luces, brillos y degradados que casi teníamos olvidado y que tanto furor hizo en la ilustración publicitaria de los setenta y los ochenta. También hay que destacar sus trabajos editoriales y la gráfica discográfica, en la que explora caminos olvidados con resultados sorprendentes.

PMKFA. A bag of Grease. Vallery. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

Otro libro, éste recién salido de imprenta, de America Sanchez. Corresponde a la exposición que ha preparado para la AECI. America es obsesivo en el retrato de la grafica popular, durante años ha recogido con su cámara por todo el mundo muestras de rótulos y gráficas callejeras que ahora selecciona y ordena para esta exposición y el correspondiente libro. Pero más allá de la muestra gráfica, ésta no es sino soporte atractivopara una más interesante reflexión acerca de la diversidad cultural, que por sí sola resultaría de más difícil digestión. Al respecto, interesantísimo es el texto de Annamari Laaksonen, que profundiza sobre aspectos como la libertad cultural y los derechos culturales. Participan también con capítulo propio Milagros del Corral y Jesús Prieto de Pedro, entre otros.
El diseño del libro, equilibrado y sobrio, exquisito en el uso tipográfico, con una única licencia en el papel amarillo y las combinaciones de negro y rojo en los textos, hay que agradecérselo a Alberto Planas.

TuttiFrutti. America Sanchez y otros. Editado por la Agencia Española de Cooperación Internacional. 200 páginas. Idioma: español-inglés.

Martín Azúa recoge en este pequeño volumen sus piezas más experimentales. Más allá de un portfolio editado al uso, se trata de un recorrido por esa belleza útil que Martín reivindica con su trabajo. Hay poco aquí de diseño para la competitividad, el desarrollo y la economía, Martín diseña para las personas, algo que casi se nos está olvidando. Los objetos comparten una lírica poética con la funcionalidad.. Pero además, su utilización sensata de los materiales, las texturas, invitan a considerar cada objeto como un detonante para la reflexión.
De Martín teníamos retazos de su aportación: la casa-nido, los Get-up, la urna Bios o la bolsa catalana. Este libro nos descubre que no son objetos sueltos, que detrás esconden una coherente percepción de los que nos rodea, y una obsesión por mejorarlo.
Propone tres ejes para la reflexión: Questions ("una pregunta puede ser un proyecto, un hallazgo en sí mismo"), Utopias ("pensar en el futuro superando los problemas que ahora parecen infranqueables"), y Emergencias (las cosas que importan a las que dedicamos nuestra atención, esfuerzo y tiempo").

Questions, utopías, emergencies. Azúa, Martín. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

Este otro libro de America Sanchez no es nuevo, en realidad se editó hace un par de años, con motivo de la donación que el propio America realizara de estos 202 carteles a la biblioteca de Catalunya. Es un gesto generoso la edición, o por contra, habrá quien piense lo injusto que resulta que haya de realizarse la donación para garantizar que un trabajo como este quede publicado. Decía que el libro no es nuevo, pero como quiera que en una reciente visita al Estudio del diseñador me lo obsequiara, es de recibo hablar de él. Sobretodo porque es un ejemplar que merece y mucho, la pena. Por los carteles y por los textos, de Francesc Fontbona y Norberto Chaves. El propio Norberto es el ideólogo de la clasificación de las piezas, que ordena en base a nueve recursos gráficos: tipografía, imagen, caligrafía, dibujo, fotografía, fotomontaje, color, serie y formato. Dice Chaves: "bastará una rápida ojeada para detectar su rasgo más notorio: la diversidad de lenguajes. En el trabajo de America Sanchez predominan dos características que, combinadas, conducen al resultado: el absoluto desinterés por desarrollar un estilo propio y la vocación por la búsqueda de nuevas técnicas y recursos gráficos. Aun así, un somero análisis, incluso de las piezas más heterodoxas, permite observar hasta qué punto la experimentación en America Sanchez está puesta al servicio de la comunicaciçón y no viceversa".

202 cartells America Sanchez. Textos de F. Fontbona y N. Chaves. Ed. Biblioteca de Catalunya. 300 páginas. Idiomas: Castellano, catalán e inglés.

Dice America Sanchez (así, sin acentos), que practica a diario el dibujo y la caligrafía en pequeño formato. De ningún otro modo sería posible que se hubiera editado este volumen, con cien postales hechas a mano, todas ellas realizadas en el mismo año. La contundencia gráfica de estas imágenes tiene mucho que ver con la imprecisión burda que se autoimpone con los rudimentos y técnicas: trazos gruesos, imposibles para el detalle, aportan un verticalidad en los mensajes que nada tiene que ver con la sofisticación y la pulcritud de las técnicas digitales, que el America diseñador utiliza y desprecia en la misma medida. El diseño del libro es de Albert Planas. Junto a las postales, se adjunta un facsímil del Manifiesto Dibuja-Drawing, que escribiera el propio America en 1979 para reivindicar la recuperación del dibujo como recurso de expresión. Ya entonces decía: "El dibujo ha sido desechado como recurso de expresión de todos los hombres, empobrecido, y finalmente olvidado. Y así, este instrumento universal ha sido reducido a mera técnica especializada de los artistas, perdiendo, en este proceso, su sentido más profundo".

Dibujos y caligrafías postales. America Sanchez. 112 páginas. Editado por el propio autor. Idioma: castellano.

Hay libros para niños, hay libros para niños adultos, hay libros para adultos y para niños, que no quiere decir que sean imbéciles. Es el caso. Este libro es una metáfora exquisita con dos niveles de lectura, el de los niños y el de los que ya no lo son. Conviven perfectamente en la narración de Grassa Toro, y en las ilustraciones escultóricas de Pep Carrió. El lenguaje poético de los objetos y los materiales (que es el de Peret, y el de Isidro Ferrer y el de algún otro más) se descubre aquí con un elemento nuevo, el de los colores luminosos. Esos dioramas de madera que estos días pueden verse expuestos en el Espacio Sinsentido, trasladan el lenguaje ilustrativo al de los juguetes de antaño.
Lo de menos es que haya en la historia del libro una historia real que le da más sentido, que quienes están cerca saben de los hechos y de los personajes, más allá, es la historia de cientos de padres adoptados y de sus hijos.
Algunos libros son tanto creación como producción. Los naranjas son lo más difícil, y en este libro las reproducciones son sorprendentes, los colores parecen imposibles en un libro. Detrás están Cromotex y Brizzolis, queda claro: no es lo mismo imprimir que imprimir.

Una niña. Textos de Grassa Toro e Ilustraciones de Pep Carrió. Ed. Sins entido. 40 paginas. Idioma: Castellano.

Para una sociedad opulenta como la nuestra, la alimentación hace tiempo que ha dejado de ser una necesidad vital básica para convertirse en un hecho cultural que tiene más que ver con el acto social hasta que con la supervivencia. Actualmente, el envoltorio, la presentación y el ritual pesan más que el acto alimenticio hasta el punto de hacer más real que nunca aquello de que “se come por los ojos”.
Sabedores de ello, los responsables de la editorial Gustavo Gili han publicado en España A la carta que, como indica su subtítulo, es un volumen sobre el “diseño gráfico para restaurantes” en el que se hace un repaso a las tarjetas de visita, las cartas, los posavasos, y las decoraciones de interiores –especialmente aquellas resueltas con aplicaciones tipográficas– de restaurantes de diferentes partes del mundo.
Un libro imprescindible para conocer las nuevas propuestas visuales en el campo de la gastronomía que, al mismo tiempo pone de manifiesto tal vez sin pretenderlo, lo efímero de muchas de ellas a consecuencia de la necesidad de los diseñadores por sorprender e innovar a toda costa, creando interiores impersonales, fríos, distantes, en lugar de inventar lugares acogedores, donde demorarse, pasar un rato agradable y disfrutar sin prisas de las comidas. Una pega en último término que muy posiblemente no sea de los diseñadores sino de ese concepto que los españoles tenemos de la comida, la sobremesa y las relaciones de amistad, menos comunes en otras partes del mundo.

A la carta. Diseño gráfico para restaurantes. Grant Gibson. Editorial: Gustavo Pili. 176 Páginas. Idioma: Español

La editorial Sin Sentido continúa su labor de divulgación de la historia del cómic a través de su colección Sin palabras. Tras ocuparse de figuras y personajes míticos de dicho arte como Moebius, Hal Foster, Alan Moore, Vázquez, Corben, Ware, Conan o la Pequeña Lulú, esta vez le ha tocado el turno a Spider-Man, personaje de actualidad gracias a sus incursiones en el mundo del cine y a la reedición de sus tiras originales por la editorial Panini.
El texto, firmado por Rafael Marín, hace un repaso a la historia y aventuras del famoso superhéroe y a su compleja personalidad de adolescente tímido y acomplejado por ese extraño poder transmitido por una araña de laboratorio.
El libro, todo en blanco y negro, cuenta también con una extensa bibliografía para aquellos que partiendo de este breve ensayo, quieran zambullirse más profundamente en el trabajo de Stan Lee y Steve Ditko.
Spider-Man. El superhéroe en nuestro reflejo. Editorial: Sin Sentido. 68 Páginas. Idioma: Español

Los anuarios de ilustradores o diseñadores suelen adolecer de ser un mero catálogo, una especie de “páginas amarillas” del sector en el que los diferentes profesionales enseñan, no tanto lo mejor de su trabajo, como lo que mejor puede adaptarse a las necesidades de los clientes. No es el caso de este magnífico libro en el que, a través de más de mil imágenes, se hace un repaso a los trabajos de 150 ilustradores japoneses de primerísimo nivel, al tiempo que los propios artistas cuentan la filosofía de trabajo que desarrollan y explican las técnicas y herramientas que han utilizado para desarrollarlo. Técnicas que van desde el lápiz, al collage, desde la acuarela, hasta el Freehand, del Photoshop CS, o el CS2, al Illustrator etc. Un libro que permite conocer los caminos por los que va a evolucionar el mundo de la ilustración de los próximos años, que demuestra el gran potencial de esta disciplina, que llama a la reflexión acerca de por qué los clientes no apuestan por ella a la hora de planificar sus campañas y comunicar sus marcas, y que demuestra que en Japón hay, al menos, 150 ilustradores ab-so-lu-ta-men-te magníficos.

Illustration Book Pro 01. VV. AA. Editorial: PIE Books. 320 Páginas. Idioma: Inglés y japonés

Desde su fundación en 1975, el prestigioso estudio Pentagram viene editando, con objeto de regalar a sus clientes y amigos, una serie de cuadernillos en los que se recogen diferentes temas que han llamado la atención de una u otra manera de los profesionales de Pentagram. Con un formato, las más de las veces, de DinA5, encuadernados a caballete y, como es propio de ellos, con un diseño exquisito, los contenidos de estos cuadernillos han abarcado desde las chapas con la efigie del presidente Mao, a los libros de texto mejicanos para niños, pasando por los kimonos; un portafolio del fotógrafo Ragazzini sobre los jardines de Bomarzo; el ABC de los clichés en el diseño gráfico; las diferentes representaciones que la bandera de EEUU ha tenido en carteles, objetos, películas o fotografías; los esqueletos; el reciclaje o los juguetes de construcciones.
Aprovechando el treinta y cinco aniversario de Pentagram, Delphine Hirasuna ha recogido todo este material y ha creado The Pentagram Papers, libro en el que se puede disfrutar de estas pequeñas joyas por partida doble: además de porque se encuentran todas ellas recogidas en él, porque dicho volumen se acompaña del número treinta y seis de estos cuadernillos, el primero que abandona ese universo esotérico y se pone al alcance del público en general, al menos de aquellos que se hagan con este recomendable libro que, además de poder ser considerado ya un clásico, enseña cómo es posible sacar adelante un buen estudio de diseño y a la vez tener un hueco para la diversión, el disfrute y, por encima de todo, la curiosidad por conocer cosas nuevas.

The Pentagram Papers. VV. AA. Delphine Hirasuna (Ed.). Editorial: Thames & Hudson. 216 Páginas. Idioma: Inglés

Parece mentira cómo un libro que habla de diseccionar el diseño y que es todo un compendio de saber enciclopédico sobre dicha disciplina, está tan mal editado, con una portada tan espantosa y con unas tapas mullidas tan desagradables al tacto. Dicho esto, la verdad es que este libro es realmente divertido y muy curioso por su planteamiento y documentación. Un libro que repasa algunos de los más destacados diseños de las últimas décadas y que va detallando las referencias en las que se han inspirado sus autores para llevarlos a cabo tanto en lo fotográfico, en lo tipográfico, como en los detalles de la producción, los troqueles etc., ordenadas cronológicamente desde la más reciente hasta la más antigua. Un libro que funciona como un juego dado que presenta el diseño en cuestión en la página par y la explicación en una doble página desplegable, de manera que es posible ponerse a prueba e intentar averiguar si las relaciones que obtiene el lector son las mismas que las de los autores del libro.

The anatomy of design. Steven Heller & Mirko Ilic. Editorial: Rockport. 52 Páginas. Idioma: Inglés

Un clásico de las revistas de diseño europeas que siempre sorprende por su calidad, su buena dirección de arte y sus interesantes contenidos, cada vez más visuales y con menos texto (toda una ventaja para aquellos que les de pereza leer en inglés). En este número se pueden encontrar artículos sobre libros de fotografía amateur; el calendario de Otl Aicher para los juegos de Munich 72; los anuncios de las máquinas de preservativos de los servicios de los bares; el diseño de portadas de discos más actual; el aniversario de la Helvetica; la relación entre el surrealismo y el diseño de cubiertas de libros; pasquines y manifiestos; un extenso dossier sobre el diseño gráfico argentino y las habituales secciones de libros, cartas al director y agenda cultural.
Su único problema, las 15,99 libras (o lo que es lo mismo, los casi 28 dólares o 26 euros) de precio, un coste tal vez demasiado elevado para una revista de 88 páginas, teniendo en cuenta que hay libros de diseño realmente interesantes y de contenido menos efímero, por el mismo precio, o incluso más baratos.

Eye magazine 63. VV. AA.. Editorial: Haymarket. 88 páginas. Idioma: Inglés

Out put es una recopilación de trabajos realizados por estudiantes de comunicación visual de veintiocho países de todo el mundo durante el año 2006. Noventa trabajos, elegidos de un total de setecientos presentados, que demuestran que el diseño gráfico y la comunicación visual gozan de muy buena salud gracias a unas magníficas ejecuciones, respaldadas por sólidos conceptos que en ningún momento dan la sensación de pertenecer al book de un joven profesional. Un sorprendente y muy interesante volumen que debería servir de inspiración a muchos diseñadores veteranos, e incuso animarles a contratar en sus prestigiosos estudios a esta nueva generación que viene pidiéndoles paso, cuando no les han adelantado hace ya mucho tiempo.

Out Put. International Yearbook and student Award in Visual Communicationa 2006. Florian Pfeffer (Ed.). Editorial: BIS Publishers. 198 páginas. Idioma: Inglés

Durante el siglo XX, el cartel se ha destacado como un medio óptimo para la transmisión de todo tipo de mensajes, sean estos comerciales, políticos, sociales, de advertencia o lúdicos. Actualmente, en pleno siglo XXI y tras el desarrollo de la televisión o la aparición de nuevos medios como Internet, el cartel, en lugar de sufrir un retroceso en su producción y desarrollo, ha sabido mantenerse gracias al buen hacer de nuevos diseñadores, que lo han hecho evolucionar aplicando las innovaciones estéticas y tecnológicas a dicho medio. Ejemplo de ello es Poster Art, un volumen en el que se recogen cientos de ejemplos de carteles realizados en los últimos años por firmas y estudios de todo el mundo tan destacados como Patric Duffy at no days off, Gustavo Lacerda, Masa, Corey Holms, Pentagram, Fernando Gutiérrez o Sagmeister. Trabajos que, aunque beben de las fuentes clásicas del cartelismo, sorprenden por la reinterpretación y actualización que esos diseñadores han llevado a cabo con objeto de hacerlos suyos y hacer del cartel un medio plenamente contemporáneo. Un libro bien presentado, con explicaciones acerca de la finalidad y el origen de los trabajos que aparecen y en el que lo único que no acaba de encajar es la presentación, cuya estética es, desde el momento mismo de su publicación, más demodé que los propios carteles, el soporte efímero por excelencia.

Poster-art. Innovation in Poster Design. Charlotte Rivers Editorial: Rotovosion. 162 páginas. Idioma: Inglés

Aprovechando el hecho de que el primer volumen de los dos que conforman “Modotti. Una mujer del siglo XX” está completamente agotado, la editorial Sin Sentido ha decidido publicar una edición que recoja esas dos partes en un solo volumen lo que convierte a este libro en una magnífica oportunidad para acercarse a la figura de una de las mujeres más destacadas del siglo pasado y conocer, tanto su calidad artística como fotógrafa discípula de Edward Weston, como su compromiso político como responsable del Socorro Rojo Internacional y miembro del Partido Comunista.
Además de su atractivo como biografía, género que no es nuevo en el mundo de cómic y que se lleva repitiendo como tema recurrente desde los orígenes de esta disciplina, Modotti posee el aliciente de estar narrada en primera persona, siendo la figura del propio Ángel de la Calle la que va dando forma a la historia, a través de las investigaciones que va haciendo sobre la figura de esta mujer, muchas de la cuales surgen de las conversaciones que De la Calle tiene con el escritor Paco Ignacio Taibo II, compañero de andanzas y organizador junto con él de la Semana Negra de Gijón, de la que también se cuentan curiosidades de sus diferentes ediciones desde su fundación.

Modotti. Una mujer del siglo XX. Ángel de la Calle. Editorial: Sin Sentido. 272 páginas. Idioma: Castellano