Tecnos reedita un libro fundamental del pensamiento estético en España: Imágenes del hombre, de José Jiménez. La obra ha sido transformada significativamente con un extenso capítulo dedicado a la categoría de lo sublime y un análisis de la situación de la estética en la actualidad. El uso del término “estética” se ha generalizado tanto en los últimos tiempos que ha llegado a convertirse en una especie de lugar común en su sentido más superficial, como mero “embellecimiento” de la apariencia: personal, social o cultural. Y eso mismo es un claro indicio de hasta qué punto el despliegue de la modernidad hasta nuestros días está determinado por un intenso proceso de estetización de la vida y de la experiencia humanas. Imágenes del hombre propone ir al fondo de la cuestión, planteando una fundamentación filosófica, desde una metodología genealógica, de los problemas suscitados en ese espacio. El núcleo del libro es la fundamentación de la estética como teoría filosófica de la imagen. Entendiendo que la raíz de la imagen es la facultad de producción y comprensión simbólica de los seres humanos, tal y como ésta se plasma en los diversos grupos étnicos y culturas de la humanidad. En consecuencia, más allá de sus sentidos metafísicos, retóricos o formalistas, se propone filosóficamente una concepción antropológica de la imagen. Lo que permite cifrar la raíz de toda experiencia estética en el ámbito de la constitución y transmisión de imágenes humanas, más o menos globales, fragmentarias o difusas, que actúan como contraste y punto de referencia simbólicos en la construcción de nuestras vidas.


Imágenes del hombre. . Fundamentos de Estética
Ed. Tecnos. José Jiménez. 15,8 x 23 cm. 432 páginas. Castellano

Tras dedicar más de diez años a su tesis doctoral sobre Ramón Masats, Jaume Fuster presenta este volumen en el que sintetiza algunos de los planteamientos incluidos en estudio, concretamente la labor como editor gráfico de Masats a la hora de confeccionar sus propios catálogos y libros.

A través de un repaso de la práctica totalidad de la obra de este autor, Fuster va diseccionando su personal forma de narrar historias o describir realidades a través de imágenes.

Además de por su análisis –novedoso por poner la obra de este autor en relación con disciplinas poco tratadas en ámbitos académicos como el cómic– el libro destaca por su abundancia de imágenes, las cuales ilustran lo que se va explicando y permiten ver el grado de innovación y riesgo que Masats y otros colegas de generación –entre los que también deben incluirse a sus editores, como Esther Tusquets–, corrieron a la hora de plantear títulos como “Los sanfermines”, “Contactos”, “Viejas historias de Castilla la Vieja” o “Neutral corner”.

Gracias a su trabajo, Fuster se ha ganado el derecho a que su libro ocupe un lugar destacado junto con los catálogos del maestro. De hecho, no sería mala idea compaginar la lectura de este estudio con la revisión de los libros de Masats para sacar de ellos toda su esencia y sentido.

La edición fotográfica en Ramón Masats

Jaume Fuster. Institució Alfons El Magnànim

Diputació de València. 126 páginas. Castellano

Migel Ángel Furones, una de las mentes más lúcidas de la publicidad a nivel mundial, recopila en este volumen los artículos que, sobre el mundo de internet, viene publicando en la revista Anuncios desde hace los últimos dos años.

A lo largo de más de cincuenta textos, Furones explica cómo es internet hoy e imagina cómo será en el futuro, para lo cual echa mano de referencias históricas y culturales que abarcan desde la música clásica a la literatura, pasando por las leyendas, la mitología, la ciencia, la lingüística y la etimología. De esta forma, y a diferencia de otros escritores que han abordado la que tal vez sea la revolución cultural más importante desde la aparición de la imprenta, Furones no considera la invención de internet como un hecho aislado surgido en el siglo XX, sino como fruto de una tradición de conocimiento común que se remonta cientos de años atrás.

A pesar de todo ese acervo que contiene, este “Tres mil años de internet” resulta ser un texto ameno, fácil de entender por cualquier lector –incluidos aquellos que desconozcan todas esas referencias culturales que mencionábamos–, y que a diferencia de lo que sucede con otros análisis similares, su autor ha tenido la inteligencia de no convertirlo en un libro de anticipación o ciencia ficción. En él, todas las predicciones y futuribles sobre cómo evolucionará este invento no son más que ingeniosas especulaciones y divertimentos, no dogmas, lo que le augura una mayor longevidad que la que acostumbran a disfrutar los libros firmados por los gurús de las nuevas tecnologías, más preocupados por epatar que por hacer análisis solventes de este fenómeno.

Tres mil años de internet . Miguel Ángel Furones

Anuncios. Publicaciones Profesionales. 220 páginas .Castellano

Bajo la coordinación de Juan Antonio Ramírez, los autores Julián Díaz Sánchez, Ana Ávila, Carlos Reyero, Jesús Carrillo, Patricia Mayayo y Héctor Sanz Castaño realizan un interesante análisis sobre la situación y el funcionamiento del mundo del arte en España.
El papel de los museos, la influencia de los críticos y las revistas especializadas, la importancia de los catálogos, la labor de las administraciones públicas, la incorporación de las mujeres como creadoras artísticas, la importancia e institucionalización del arte marginal y “desviado” durante la Transición o la importancia de los capitales financieros como dinamizadores y motores del arte son algunos de los temas que se abordan en este ensayo.
Aunque no es un libro de divulgación ni un texto sencillo, lo cierto es que siempre es curioso saber cuáles son los mecanismos con los que se maneja un sector que, aunque siempre ha tenido una innegable vertiente cultural, también es cierto que posee mucho de negocio y apariencia. Una realidad que resulta evidente cuando analizamos el arte desde el punto de vista del coleccionismo –sujeto a extrañas corazonadas, caprichosas fluctuaciones e interesadas estrategias de promoción–, cuando nos fijamos en su relación con el sector inmobiliario –donde los centros de arte son jugosos encargos arquitectónicos– o cuando lo pensamos en relación con el sector turístico –que ha hecho de los museos epicentro de muchas de sus ofertas y propuestas.

El sistema del arte en España. Juan Antonio Ramírez (Ed.)
Ediciones Cátedra. 380 páginas. Castellano

Veinte años después de su publicación en lengua inglesa y más de quince de su traducción española, Cátedra reedita el Poder de las Imágenes de David Freedberg, un ensayo que, como el propio autor reconoce en el prefacio, “no trata sobre la historia del arte” sino sobre “las relaciones entre las imágenes y las personas a lo largo de la historia”. Junto con esta puntualización, la novedad aportada por Freedberg reside en que, a diferencia de lo que sucede con otros tratados similares, el suyo no se centra únicamente en la producción artística que podríamos definir como elevada o académica, sino que analiza también la influencia de las imágenes populares como exvotos, máscaras africanas, fotografías de actualidad, figuras de cera de personajes del siglo XX etc.Un texto que, a pesar de su juventud, se ha convertido en un clásico de la estética y que, sin ser un libro de los que un diseñador acostumbra a tener sobre la mesa del estudio, su lectura aclarará muchos conceptos y servirá de útil bagaje para desarrollar proyectos de comunicación, como fueron en muchos casos esa piezas que ahora consideramos artísticas y que en muchos casos fueron utilizados en el pasado como medios de transmisión de mensajes y conceptos religiosos y políticos.

El poder de las imágenes. David Freedberg. Cátedra.
500 páginas. Idioma: Español

Corresponde este volumen a la exposición que con el mismo título se ha celebrado en el Círculo de Bellas Artes, dentro de la serie Valores del Diseño. Sólidamente argumentado por el comisario Gabriel Songel, realiza un recorrido acerca de la innovación en el diseño a través de empresas españolas, centrado en cuatro ejes: producto, proceso, marketing e innovación.
Quizá donde flojee la selección de piezas es en el sesgo que, intencionado o no, se percibe con claridad. Todos los ejemplos se circunscriben al ámbito del diseño industrial y de producto. En esta querencia, que acaso sea sólo por las preferencias del responsable, subyace sin embargo un mensaje peligroso, en la medida que pudiera derivarse de ello el razonamiento de que mientras el diseño gráfico es solamente estética y ornamento, los valores de innovación están en el objeto. Siendo la segunda vez que sucede –en la anterior exposición La Utilidad del Diseño de diecisiete piezas, sólo una era de diseño gráfico– es inevitable reflexionar sobre ello, y quizá alguien concluya que en las siguientes merezca la gráfica su justa compensación.

Diseño, visión e innovación. Ed. Ddi / Circulo de Bellas Artes. 128 páginas. Idioma: Español

Actar continúa con su interesante trabajo en el campo de la arquitectura. Además de editar de manera frecuente libros sobre esta disciplina, desde hace algunos años realiza VerB, su propia publicación a través de la cual pretende poner sobre la mesa los retos a los que se enfrenta la arquitectura de hoy en día.
Después de tratar temas como el desierto americano, la nueva definición de lo orgánico, la librería pública de Seattle, o la arquitectura paramétrica, “Crisis”, el sexto volumen de VerB, fija su mirada en el conflicto existente entre el encargo arquitectónico y las demandas de un mundo cada vez más poblado, más pobre y más castigado desde el punto de vista ecológico. Así, “Crisis” recoge diferentes proyectos que pretenden dar soluciones a la construcción de viviendas en países en vías de desarrollo o conciliar la construcción de edificios con el respeto al Medio Ambiente.
Un libro pensado para profesionales de la arquitectura, que no por ello debe amedrentar a los profanos. Su profusión de imágenes y ejemplos, así como las entrevistas con los responsables de muchos de los trabajos recogidos en él, lo convierten en un texto asequible e interesante para saber qué está pasando en el mundo de la arquitectura actual.

VerB. Crisis. VV. AA.. Ed. Actar. 294 páginas. Idioma: Español

"De las exposiciones, lo mejor es el libro que queda". Quizá sea exagerada esta sentencia común, pero a menudo sucede que el catálogo puede salvar una exposición discreta, y no digo que sea el caso. La visita a una exposición tiene un beneficio espiritual, el que se consigue de la percepción única que se deriva del contacto con las piezas. Para el disfrute y la comprensión, personalmente prefiero el catálogo en la mayoría de los casos. Cuando además la exposición lo es en buena parte de reproducciones impresas, ni siquiera copias que remitan al original en tamaño, material, textura... no tengo dudas.
Así, de la exposición que se celebra en la biblioteca nacional lo que queda es este tomo, que es más libro que catálogo, en el sentido de que tiene entidad en sí mismo, y aporta información y lectura más allá de la referencia a las piezas y los autores.
Satué ha hecho un trabajo exquisito y documentado, y que a partir de la anécdota que son las piezas, se desarrolla en un tratado de tipografía que bien vale el esfuerzo de la exposición, en el entendido de que sin ella nadie lo hubiera editado, posiblemente. La conclusión, un ejemplar imprescindible.
La edición cultural se extiende en esta línea de la coedición paniaguada: una exposición genera libro bajo la responsabilidad de un editor, y por ese camino alcanza los recursos para hacerlo posible. Bien está. En este caso coeditan la Biblioteca Nacional, la Fundación Germán Sánchez Ruipérez y Siruela, con el arropo de la Dirección General del Libro, vía adquisición para bibliotecas. La salida al mercado es de 45 euros... ¿tanto? Siendo que suele haber de por medio compra oficial de ejemplares para aliviar las tristezas del editor, debería servir ello para que el precio fuera asequible... casi nunca sucede. La compra oficial es tanto más sustanciosa cuanto mayor sea el peuvepé, y así, cada vez con frecuencia mayor vemos cómo esas "coediciones" nunca son baratas para el comprador de librería, al contrario.
Y de la edición, cuesta decirlo porque estos libros son necesarios aun cuando se hagan mal, poco bueno hay que decir. El diseño es tosco y demodé, el tratamiento ortotipográfico deja mucho que desear, interlineados exagerados, ladillos centrados en caja alta... baste la composición del título en portada como ejemplo. Lástima, tratándose del contenido que se trata y de Enric, que no se merecía esto.

Arte en la tipografía y tipografía en el arte. Compendio de tipografía artística. Enric Satué. Ed. Siruela. 322 páginas. Idioma: español.

Es este un pequeño manual de dos en uno, con doble portada, dos títulos...
Por el anverso "Veintidós consejos sobre tipografía (que algunos diseñadores jamás revelarán)" y si le damos la vuelta, "Veintidós cosas que nunca debes hacer con las letras (que algunos tipógrafos nunca te dirán)".
Rompe mitos y quiebra convicciones, algunos no le perdonarán a Enric dar por buenos algunos trucos de perroviejo. Se lee de corrido en una tarde, y produce una sensación reconfortante: aunque quizá para el profesional no diga nada nuevo, leerlo negro sobre blanco sin poses ni parafernalias es de agradecer. Para estudiantes (aunque no lo recomendarán los profesores de tipografía), clientes, periodistas y cualquiera que tenga que participar mínimamente en la puesta en página de documentos escritos, resultará tremendamente útil.

Veintidós consejos sobre tipografía (que algunos diseñadores jamás revelarán) y Veintidós cosas que nunca debes hacer con las letras (que algunos tipógrafos nunca te dirán). Enric Jardí. Ed. Actar. 104 páginas. Idioma: español - inglés.

Para aquellos que ya estén hartos de los libros sobre diseño repletos de santos, ilustraciones y dibujitos en los que la forma prima sobre el fondo, “Estética y diseño” es una óptima elección. Un completo y exhaustivo repaso a la relación entre esas dos disciplinas, que se adentra en profundas simas del saber, como la filosofía kantiana y hegeliana, la dicotomía platónica entre la bondad y lo bello, o realidades como el feísmo o lo kitsch. Un estudio más propio de una cátedra de estética que de una escuela de diseño y creatividad, aunque no entendemos el por qué de esta separación. No hace mucho, la formación académica de los diseñadores iba mucho más allá que el mero aprendizaje de los rudimentos de las herramientas de su oficio. Ello redundaba, además de en los resultados formales, en la solidez de la armazón conceptual de sus proyectos. Tal vez vaya siendo hora de abrir los horizontes de conocimiento para, posteriormente, aplicarlos al diseño, o a lo que se tercie.

Estética y diseño. Wenceslao Rambla. Ed. Universidad de Salamanca. 460 páginas. Idioma: español

La editorial Promopress pone a la venta este manual para aquellos que quieran saber más del tratamiento y manipulación de imágenes digitales. A diferencia de otros títulos similares, “Ilustracion digital” no centra su mirada únicamente en el mundo de los unos y los ceros sino en cómo éste ha sabido combinarse y enriquecerse con las técnicas tradicionales. Un libro que, para huir de lo tedioso de los manuales al uso, ha optado por ilustrar sus páginas con algunos de los más actuales trabajos gráficos, procedentes de los estudios y profesionales más innovadores del momento, de quienes se hace un perfil sobre su estilo y forma de trabajar. Tal vez sea su acierto al elegir los ejemplos analizados la virtud más destacable de “Ilustración digital” que cuenta, además, con un apartado de tutoriales que explican, paso a paso, la mecánica de producción y realización de esos trabajos.

Ilustración digital. Una clase magistral de creación de imágenes. Lawrence Zeegen. Ed. Promopress. 176 páginas. Idioma: español

La primera edición de José M. Cerezo del Alfabeto de Goudy (ACK Publish, 1992) es para algunos diseñadores posesión preciada, para otros objeto de deseo, y para unos y otros, de culto.
La edición cuidada supuso que Cerezo, el de la nebulosa, hubiera de crear para la ocasión las versalitas, los números colgantes y algunas ligaduras como las de "ct" y "st". Problema éste aun por resolver, el de las ligaduras, que las empresas y diseñadores de tipos se empeñan en restringir a las habituales en alemán e inglés, insuficientes para nosotros. Sea por ello que apenas encontramos ese recurso bello en los libros en castellano, quiero pensar, y no por la vaguería o desconocimiento de los diseñadores.
Recuerdo el acontecimiento que supuso la aparición del libro entre los diseñadores de entonces. Quince años después –joder, Cerezo, que viejotes que somos los dos–, de la mano de Ézaro se reedita respetando fielmente las características de aquella primera edición. Con cubiertas nuevas, mucho más acordes con la atemporalidad que merece. En aquel entonces todos éramos en mayor o menor medida víctimas de ciertas estridencias, lógicas por lo novedoso que supuso poder "componer" en casa y en zapatillas, en aquellos primeros macs cuyas pantallas no eran mucho mayores que las que hoy tienen algunos móviles y pedeás.
Si hubiera que ponerle un "pero" a la edición, sólo se me ocurre el de la textura áspera del papel de cubiertas, que se empeña en atrapar y acumular cualquier mota de polvo a su alcance, como si tuviera hambre, y del mismo modo, exige de higiene adicional en las yemas de los dedos, empeñado el ejemplar en dejar registrado a cada lector por la sudoración.
Es éste un tratado didáctico y ameno, bellamente ilustrado, sobre los principios de la letra: los orígenes, las mayúsculas romanas, las letras antes de la impresión, las escrituras nacionales, la letra gótica...
Le siguen 27 láminas a toda página, que constituyeron en origen los Principios de Rotulación. Cada lámina consiste en 15 formas de una misma letra, que invitan al recorrido y a la comparativa, en un ejercicio recompensante.

El alfabeto y los principios de rotulación. Frederic William Goudy. Ed. Ézaro. 132 páginas. Idioma: español.

La editorial Gustavo Gili publica traducido al castellano ¿Qué es la tipografía?, un interesante libro publicado originalmente por RotoVision, que permite adentrarse de manera sencilla y lúdica en el complejo y esotérico mundo de los cuerpos (de letras), las familias, los índices, los subíndices, los interlineados, los interletrados etc.
Firmado por David Jury, director de la prestigiosa TypoGraphic, la publicación de la Internacional Typographic Designers, y jefe de diseño gráfico del Colchester School of Art and Design, ¿Qué es la tipografía? repasa de forma amena y con multitud de ejemplos visuales esta disciplina, recurriendo para ello a su historia y evolución hasta la actualidad con la aparición de las nuevas tecnologías e Internet; a sus campos de conocimiento afines –como la Semiótica, la lingüística, la retórica, o la grafología–; a sus requisitos o normas –como la legibilidad, la ortografía y la puntuación–; y a su aplicación al mundo profesional del diseño a través del análisis de retículas, de los espacios entre letras y líneas, el uso de las cursivas, de los numerales, de los paréntesis y corchetes, etc.
El libro, que se completa con el análisis de casos prácticos, un útil glosario y una bibliografía seleccionada para los que deseen profundizar más en el tema, es un útil manual para conocer y resolver dudas tipográficas sin necesidad de tener que adentrarse en los vastos, densos y clásicos tratados de tipografía tan habituales en esta disciplina y que, en muchos casos, no contemplan buena parte de las necesidades del diseñador gráfico actual.

¿Qué es la tipografía?. David Jury. Ed. Gustavo Gili. 256 Páginas. Idioma: Castellano

Un clásico de las revistas de diseño europeas que siempre sorprende por su calidad, su buena dirección de arte y sus interesantes contenidos, cada vez más visuales y con menos texto (toda una ventaja para aquellos que les de pereza leer en inglés). En este número se pueden encontrar artículos sobre libros de fotografía amateur; el calendario de Otl Aicher para los juegos de Munich 72; los anuncios de las máquinas de preservativos de los servicios de los bares; el diseño de portadas de discos más actual; el aniversario de la Helvetica; la relación entre el surrealismo y el diseño de cubiertas de libros; pasquines y manifiestos; un extenso dossier sobre el diseño gráfico argentino y las habituales secciones de libros, cartas al director y agenda cultural.
Su único problema, las 15,99 libras (o lo que es lo mismo, los casi 28 dólares o 26 euros) de precio, un coste tal vez demasiado elevado para una revista de 88 páginas, teniendo en cuenta que hay libros de diseño realmente interesantes y de contenido menos efímero, por el mismo precio, o incluso más baratos.

Eye magazine 63. VV. AA.. Editorial: Haymarket. 88 páginas. Idioma: Inglés