Carlos Cánovas inició su actividad fotográfica en 1972. Hasta 1980 obtuvo numerosos premios y distinciones en salones de fotografía y, a partir de ese año, comenzó a desarrollar su obra personal y a ejercer una notable actividad docente, impartiendo talleres y cursos especializados en diversos centros y universidades, tanto de naturaleza técnica como de historia de la fotografía, así como en relación con su propio trabajo. Su obra se ha mostrado en numerosas exposiciones, individuales como las realizadas en el Museo de Bellas Artes (Bilbao) o el Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia), y colectivas, entre las que destacan las realizadas en el Instituto Cervantes en diversos países, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en el Museum of Contemporary Photography (Chicago) o en el Instituto Cultural de México (Washington). La construcción del paisaje urbano y la formación de una experiencia vinculada a la creación de la imagen y al establecimiento de su dimensión estética y poética, son los temas que Carlos Cánovas trata en sus series de fotografías desde los años ochenta hasta hoy. Su interés en las áreas periurbanas y en los límites de las ciudades le ha llevado a explorar distintas zonas industriales y residenciales, manteniendo siempre una visión poética. En este libro más de un centenar de fotografías, muchas de ellas inéditas, se reparten en cuatro apartados: «Extramuros» (1982- 1986), desarrollado en torno a la ciudad de Pamplona y el Vallès Oriental (1990) de Barcelona, en el que documenta algunos aspectos residuales de una Cataluña entre lo industrial y lo rural; «Paisajes sin retorno» (1993-94), donde registra el Bilbao industrial en los momentos previos a su transformación; en «Paisaje anónimo» (1994-2006) continúa la exploración de las periferias, con una selección de imágenes que recorren distintas ciudades españolas; por último, «Séptimo cielo» (2007-2016) es su trabajo para el proyecto artístico «Tender Puentes».



En el tiempo. Carlos Cánovas. Ed. Museo Universidad . de Navarra
29 x 24 cm. 190 páginas. Castellano e Inglés

La búsqueda de lo que hoy conocemos como fotografía forma parte de una compleja trama de experimentos llevados a cabo por numerosos científicos y aficionados a las artes no solo en las grandes metrópolis europeas, sino también en los sitios más apartados de la civilización occidental. Esta obra nos presenta las pesquisas, zozobras y hallazgos de Hercule Florence, francés afincado en el interior de Brasil, quien, en 1833, logró fijar imágenes visibles a través de la cámara oscura, además de proponer el uso del negativo y bautizar el descubrimiento con el nombre que hoy le damos: fotografía. Después de más de doscientos años de su nacimiento, sus descubrimientos no caben dentro del mundo de las coincidencias, sino que responden a la búsqueda decimonónica por mejorar los medios de reproducción de la imagen, privilegiada desde entonces como una senda del conocimiento. El análisis de Kossoy no se agota con la fotografía; por el contrario, a partir de ella abre el camino a la reflexión sobre las maneras en que la cultura latinoamericana ha sido abordada.



Hercule Florence el descubrimiento aislado de la fotografía
Boris Kossoy. Ed. Cátedra. 272 páginas. 16,5 x 24 cm. Castellano

Desde que Vasari en la primera edición de sus "Vite" (1550) denominase Renacimiento al periodo artístico que comienza al despuntar el siglo XV en Florencia, y posteriormente en otras partes de Italia, el término ha sido sinónimo de "buen arte". Incluso en nuestros días, el Renacimiento permanece como un hito que se erige sobre otros momentos, estilos, alejados de sus principios. No obstante, con frecuencia se sigue el rígido planteamiento vasariano que no ve más allá del arte italiano. Sin duda fue excepcional, pero los Alpes no definen la frontera del Renacimiento. El arte de la época en los Países Bajos y en otros estados no es ni la continuación de lo medieval ni un mero sucedáneo de lo italiano. Este libro, abierto a diferentes interpretaciones más allá de la italocéntrica, resalta las principales obras, los grandes creadores, los comitentes y las teorías que sustentaron el arte de un periodo que hoy sigue siendo considerado excepcional, y que cuanto más se profundiza en su estudio parece engrandecerse.


El Renacimiento. Miguel Ángel Zalama
Ed. Cátedra. 15,5x21 cm. 228 páginas. Castellano

Dos espectaculares eventos celebrados en Barcelona, el Congreso Eucarístico de 1952 y el Mobil World Congress en el siglo XXI, son el punto de partida para retratar en este libro los vicios acumulados por el poder desde la época de Franco hasta la actualidad. La institución familiar es la protagonista de esta narración visual elaborada a partir de textos diversos que provienen tanto de la retórica franquista como del omnipotente lenguaje de la gestión empresarial.
En El Congreso encontramos textos e ilustraciones intervenidas que hacen pensar en este capitalismo esquizofrénico en el que vivimos, que promete la felicidad si aceptamos convertirnos en líderes tenaces en busca de éxito y dinero. El Congreso invita a reaprender lecciones hace tiempo aprendidas como la de la creación del mundo o la diferencia entre el infierno y el cielo. Ignot sorprende adorando una hamburguesa, bautizando con una botella de Coca-Cola en el instituto nacional de la colonización, donde todos repiten sonriendo y al unísono una lección nueva: que el juego de la muerte es el fin del juego. 
La construcción de las ilustraciones resulta inquietante, en la reinterpretación de imágenes supuestamente preexistentes y que a modo de falso collage definen un lenguaje mordaz.

El congreso. Ignot (Ignasi Deulofeu)

Ed. Morsa. 12x20 cm. 134 páginas. Castellano

Antes de dedicarse por completo a la literatura, Georges Perec era archivero. Tal vez esa obligación por siglar, clasificar y guardar cosas hizo que, en  octubre de 1974, Perec decidiera verter en un libro todo lo que acontecía en la plaza Saint-Sulpice de París.

Durante tres días, el escritor anotó los más mínimos detalles sobre la gente que pasaba, los vehículos que circulaban, el cambiar de las nubes, los movimientos del sol, los fenómenos atmosféricos, el volar de los pájaros... Detalles cotidianos que, si los analizamos en conjunto, tienen la apariencia de la más absoluta nada pero que son los que conforman nuestra vida cada día.

Esas observaciones dieron lugar a “Tentativa de agotamiento de un lugar parisino”, libro publicado ahora por Gustavo Gili, que sigue el camino emprendido por otros artistas en su afán por describir el paso del tiempo y los cambios experimentados por aquellas cosas que parecen inmutables como Andy Warhol y su cinta “Empire” o los cuadros de Monet sobre la catedral de Ruán.

Un libro que debe ser leído atendiendo al momento histórico en el que surge y en el que la arquitectura y el urbanismo eran objeto de diferentes debates, como los emprendidos por los internacional situacionistas para mejorar la calidad de vida de las ciudades, a través de métodos de análisis y obtención de datos como las “derivas”.

Tentativa de agotamiento de un lugar parisino. Georges Perec

Gustavo Gili. 64 páginas. Castellano

El arte primitivo es difícil de ubicar en el marco del arte occidental. Aunque es innegable su pertenencia al mundo de lo estético, su estudio ha sido tradicionalmente labor de la Antropología –en lugar de por las Bellas Artes–, y tanto los marchantes como el mercado, le han prestado muy poca atención.
Estrechamente vinculado al colonialismo, no será hasta principios del siglo XX cuando el arte primitivo comienza a ser valorado por los artistas de vanguardia. Sin embargo y aunque estos artistas incorporaron a sus obras influencias primitivistas, este tipo de arte continuó estando poco valorado.
Estela Ocampo, profesora de Teoría e Historia del Arte en la Universidad Pompeu Fabra, aborda en este volumen el tema del arte primitivo, su estrecha vinculación con el mito y las sociedades en las que surge, su aceptación por la sociedad occidental –primero como atracción en los gabinetes de curiosidades y posteriormente en los museos– y, finalmente, la situación actual del arte primitivo contemporáneo.
De lectura amena, sencilla comprensión y un gran número de ilustraciones, “El fetiche en el museo” es una magnífica oportunidad para acercarse a esta realidad tan desconocida como atractiva y exótica.

El fetiche en el museo. Aproximación al arte primitivo.
Estela Ocampo. Alianza Editorial. 280 páginas. Castellano