Cuando Le Corbusier comparó el Partenón con un automóvil Grand-Sport no solo estaba dando crédito a la "boutade" proferida pocos años antes por Marinetti ("un coche de carreras es más bello que la "Victoria" de Samotracia"); en realidad, estaba insuflando nueva vida en las viejas metáforas mecanicistas que desde mediados del siglo XVII se habían ido extendiendo de la filosofía natural a todas las disciplinas humanas (también a la política y la religión) bajo la égida de un modelo bello a fuer de funcional: el reloj. Desde una perspectiva que abarca el arte, la ciencia y la filosofía, "La ley del reloj" analiza el papel de la metáfora de la máquina en la arquitectura desde sus primeras expresiones al calor de la ideología mecanicista de la Ilustración hasta sus manifestaciones contemporáneas, para mostrar que, al contrario de lo que en su momento no se cansaron de proclamar los panegiristas del Movimiento Moderno, la imitación de las máquinas no proporcionó a la arquitectura objetividad, ni tampoco claridad compositiva ni, por supuesto, neutralidad política, sino que inoculó en ella nuevas dosis de ideología y contradicción.

La ley del reloj. Eduardo Prieto
Ed. Cátedra. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano

La ilimitada producción y mercantilización de las imágenes en la cultura contemporánea ha relegado el concepto de imagen a una forma superficial, estilizada y efímera de representación artística y de comunicación visual. Sin embargo, las imágenes constituyen un vehículo esencial para la percepción, el pensamiento, el lenguaje y la memoria y, en el conjunto del imaginario que configura nuestras mentes, las imágenes poéticas y corpóreas se erigen como categorías fundamentales, puesto que son la raíz de toda expresión artística. En el ámbito de la arquitectura, las experiencias espaciales duraderas consisten precisamente en imágenes vividas y corpóreas que se han convertido en parte inseparable de nuestras vidas.
Este libro ahonda en la naturaleza de la imagen. Tras revisar su controvertido papel en la cultura contemporánea y la mínima atención que le ha brindado la tradición logocéntrica filosófica occidental, Juhani Pallasmaa nos muestra la gran complejidad del universo de la imagen, donde entran en juego elementos como el tiempo, el espacio, el cuerpo o la metáfora, y nos brinda, a través de estas páginas, un delicioso alegato a favor de una revisión crítica de la imagen.
Juhani Pallasmaa (Hämeenlinna, Finlandia, 1936) es arquitecto y trabaja en Helsinki. Fue profesor de arquitectura en la Universidad de Tecnología de Helsinki, director del Museo de Arquitectura de Finlandia y profesor invitado en diversas escuelas de arquitectura de todo el mundo. Autor de numerosos artículos sobre filosofía, psicología y teoría de la arquitectura y del arte, su obra Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos se ha convertido en un clásico de la teoría de la arquitectura y es de lectura obligatoria en diferentes escuelas de arquitectura de todo el mundo. Pallasmaa es también autor de The Architecture of Image: Existential Space in Cinema, Encounters. Architectural Essays y La mano que piensa.

La imagen corpórea. Imaginación e imaginario en la arquitectura

Juhani Pallasmaa. Ed. Gustavo Gili. 17,50x21,5 cm.

184 páginas. Castellano

Interesante reedición de la obra que en 1924 escribiera Erwin Panofsky, para muchos su primer trabajo ambicioso y, desde luego, una propuesta seminal de lo que van a ser sus contribuciones posteriores donde se plantea una pregunta reiterada: ¿qué significados se esconden tras las apariencias 

de las imágenes? El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón, y llega en un  momento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del Arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, Wölfflin y Warburg —este último decisivo para Panofsky—, quienes entre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800,  elaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce. Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lector contemporáneo que aspira a empaparse de la cultura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizada que parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin tener en cuenta la “calidad” de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los “estudios vi­suales”: a cada época le corresponde un sistema 

de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. 

Es esa particularidad de su pensamiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable discusión moderna.

Erwin Panofsky (Hannover, 30 de marzo de 1892 - Princeton, Nueva Jersey, 14 de marzo de 1968) fue un historiador del arte y ensayista alemán exiliado en los Estados Unidos. Su obra más conocida es Estudios sobre iconología, pero sus monografías sobre Durero, Tiziano, los artistas flamencos o el arte funerario son trabajos fundamentales en la estética del siglo XX.

Idea. Erwin Paniofsky

Ed. Cuadernos Arte Cátedra. 12,50x17,7 cm

278 páginas. Castellano

Jean-Paul Jouary, profesor de filosofía y amante de la gastronomía, ha sido un frecuente comensal de El Bulli hasta que el restaurante cerró sus puertas recientemente.

En este libro, analiza la labor de Ferran Adrià desde la reflexión filosófica, llegando a comparar al cocinero con un creador a la altura de artistas plásticos y músicos.

Para Jouary, la vivencia del que acude a comer a El Bulli no se diferencia excesivamente de la de una persona que busca una experiencia cultural. Para argumentar este planteamiento, el autor francés describe en las páginas del libro algunos de los platos creados por Adrià y su equipo y otros elementos reseñables, como la colocación de esos platos en el orden de la carta o la confección de esta y su manera de alternar sabores y texturas.

Además de por su planteamiento teórico, el libro destaca por su especto gráfico, especialmente por las fotografías de Francesc Guillamet que capturan los platos que se mencionan en el texto con una gran calidad de detalles, que permiten imaginar algunas de las características de los mismos y las sensaciones que pretenden transmitir.

Ferran Adrià, ¿cocinero o artista?. Un filósofo en el Bulli

Jean-Paul Jouary. Alianza Editorial. 160 páginas. Castellano

El escritor y profesor de filosofía Fréderic Schiffter firma diez ensayos breves en los que analiza los diferentes sistemas filosóficos o formas de afrontar la vida de sendas figuras destacadas del pensamiento occidental, como Nietzsche, Pessoa, Prust, Freud, Schopenhauer y Ortega y Gasset.

En este ensayo, Schiffter analiza cómo estos personajes afrontan situaciones cotidianas de la vida, como el mundo laboral en el caso de Nietzsche, el pesimismo de Pessoa, el amor en Ortega o la muerte en Montaigne.

“Filosofía sentimental” es un interesante libro de divulgación filosófica, muy adecuado para plantar en los lectores la semilla del interés por esta disciplina, la cual puede terminar llevándolos hacia las fuentes de las que bebe este trabajo y que no son otras que las obras que conforman buena parte de las estructuras mentales, sociales y políticas del mundo en el que vivimos.

Filosofía sentimental. Fréderic Schiffter

451 editores. 152 páginas. Castellano

Hubo una época en la que la Estética era algo más que un vocablo para referirse a la apariencia física, la moda o lo espectacular. Por entonces, esta disciplina se codeaba con otras afines a ella como la filosofía, la poética, las bellas artes.
Actualmente, el concepto de Estética abarca innumerables matices que se extienden desde lo culturalmente más elevado a lo más banal. Por esa razón, Jacques Aumont, profesor universitario y antiguo redactor de Cahiers du Cinéma que ya abordó el tema de la estética a través de la historia del cine, ha decidido aclarar en “La estética hoy” qué es lo que se considera como tal en nuestros días.
Orientado al público especializado, bien por motivos académicos, bien por cuestiones profesionales, “La estética hoy” explica el fenómeno a la luz de las nuevas formas de arte, de las técnicas de creación y producción en serie, de los medios de comunicación de masa, de la psicología, la antropología, la sociología, a la vez que se desmarca de la concepción que de la estética ha imperado en la sociedad europea occidental hasta hace no mucho y que respondía a conceptos y realidades ancladas en el siglo XIX que a su vez bebían de fuentes que se remontaban a la Grecia y la Roma clásicas.

La estética hoy. Jacques Aumont
Cátedra. 336 páginas. Castellano