Este libro –una edición plurilingüe: español, inglés, italiano– ofrece una completa historia del diseño gráfico desde el fin del siglo XIX hasta el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Traza la evolución de esta disciplina creativa desde sus primeras manifestaciones en el diseño de carteles pasando por la publicidad, la identidad corporativa, el embalaje y el diseño editorial. Ordenado cronológicamente, el libro incluye más de 2500 diseños fundamentales de todo el mundo, 71 de los cuales van acompañados de información detallada. Además, ofrece reseñas sobre 61 figuras clave en la disciplina, entre las que destacan Alphonse Mucha (carteles publicitarios de chocolate), Edward Johnston (logotipo y tipografía del metro de Londres), El Lissitzky (creador del constructivismo), Herbert Matter (pósteres turísticos con fotomontaje de Suiza), Saul Bass (títulos de crédito animados) y A. M. Cassandre (pósteres art déco). Con su amplio conocimiento sobre el tema, Jens Müller presenta los diseños más destacados de cada año junto a breves textos sobre hitos del diseño. Por su parte, en su ensayo introductorio David Jury revisa el diseño gráfico desde sus orígenes en la impresión, el grabado y la litografía tempranos hasta los notables desarrollos creativos del siglo XIX. Además, cada década va precedida, a modo de prólogo, por un breve resumen y una impresionante cronología visual que ofrecen una vívida perspectiva general de la variedad de la producción gráfica en ese período, así como el panorama global que, en su momento, describió y definió. Un segundo volumen, actualmente en preparación, examinará el periodo que va desde la década de 1960 hasta hoy.



Graphic Design. Vol.1, 1890–1959. Jens Müller, Julius Wiedemann
Ed. Taschen. 480 páginas. 24,6 x 37,2 cm. Varios idiomas

Hablar de los hábitos de consumo de alcohol y tabaco de los estadounidenses es contar una historia de cien años de publicidad destinada a seducirlos para que se entregaran a estos vicios deliciosos. Este catálogo de anuncios muestra las numerosas y extensas campañas y tendencias a la hora de beber y fumar en Estados Unidos que, para bien o para mal, exploran un capítulo vibrante de la historia de la publicidad. El alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que darse grandes festines visuales. En este compendio de anuncios se explora cómo la representación de estos productos se movía entre la elegancia y la excentricidad, y se descubre cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran. Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan con imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como El Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.

20th Century Alcohol & Tobacco Ads
Steven Heller y Jim Heimann. Ed. Taschen
392 páginas. 23,8 x 30,2 cm. Varios idiomas

Nacido en 1959, Paul Cox es un artista francés con múltiples talentos conocido por su diseño gráfico, ilustración y arte escénico. En 1999, ganó el Premio Bologna Ragazzi en Ficción en la Feria del Libro Infantil de Bolonia. Las obras de Cox son diseños gráficos encantadores. Esta recopilación muestra sus diversas obras, que fueron lanzadas principalmente en Francia y Japón. Desde anuncios publicitarios para la Opéra National de Lorraine à Nancy, la marca japonesa MUJI en París y el tren bala Hokuriku en Japón, hasta publicaciones únicas sobre letras y formas, los divertidos dibujos de Cox, las combinaciones de colores brillantes y el toque humano característico se combinan para crear un estilo de diseño gráfico propio. Este título también es un acercamiento al estilo de vida de Cox presentando sus objetos favoritos, bocetos, además de una entrevista con el artista.

Paul Cox. Design & art. Paul Cox
Ed. PIE International. 224 páginas. 
25,7 × 18,2 cm. Japonés

Muchos diseños modernos han sido influenciados por  la década de 1980. Este título muestra alrededor de 200 artículos, entre ellos carteles, CD, moda, portadas de libros, envases para cosméticos y golosinas… Son diseños que nos recuerdan a los 80, pero en los que se produce una traslación al diseño actual. El libro está dividido en cinco secciones: Cute Punch, New ‘80, Techno Pop, Comical Pop y Neon Dreamy.
Cute Punch presenta diseños de caracter o temática femeninos. New ‘80 son la combinación de la cultura de los ‘80 y la cultura juvenil.
Techno Pop es el término japonés original que se refiere a la música que representan bandas como Perfume o artistas como Miku Hatsune. Estos diseños contienen formas geométricas que dan una impresión neo-futurista. Comical Pop muestra diseños de alto impacto y coloridos, como los que se presentan en el diseño de cómic estadounidense. Por último, la sección Neon Dreamy muestra diseños de ensueño con colores de neón. Los diseños pueden estar basados ​​en el diseño de los años ochenta, pero su asociación con celebridades populares y la recreación de artistas jóvenes los convierte en algo completamente nuevo. Todos los diseñadores presentados son artistas jóvenes, talentosos y prometedores de todo el mundo.

Fancy Pop Design. Ed. PIE International
224 páginas. 25,5×19 cm. Japonés

La cuidadísima edición de este recopilatorio del ingente trabajo de José María Cruz Novillo en el ámbito de la identidad visual debería hacer reflexionar a algunos. Que se publique en Gran Bretaña y en inglés, también. Más allá, este libro es imprescindible para analizar su trabajo en conjunto, y entender que aunque trabaje muchas veces con la sencillez de geometrías y el contraste plano, en realidad sus marcas están diseñadas en su cabeza en el espacio tridimensional, como si la síntesis viniera después. Posiblemente no existe en nuestro diseño un maestro tan coherente en su trayectoria, tan poco alejado de sus principios, y sin embargo aun se le debe un reconocimiento desde las instituciones. Sí, ya sabemos que recibió el honorífico Premio Nacional… pero es anecdótico: sigue siendo un desconocido cuando su impacto visual en la memoria de las personas en este país es mucho mayor que el de cualquier artista contemporáneo, el de cualquier cineasta, y el de cualquier diseñador de moda. ¿Alguien puede imaginar que en Estados Unidos nadie conociera a Milton Glasser? Pues pregunten a sus vecinos quién es Pepe Cruz Novillo.


Cruz Novillo. Logos. Ed. Counter-Print
368 páginas. 20,5 x 21 cm. Inglés

Titulado en Diseño Gráfico por la Escuela Massana de Barcelona, Víctor Escandell comienza su trayectoria profesional como ilustrador en 1989 trabajando para la productora de animación D’Ocon Films Productions. Hace más de 15 años que es colaborador de El Periódico de Cataluña, y en prensa, ha ilustrado también para los diarios El Mundo, El País y La Vanguardia. Desde 1994 colabora con las principales agencias de publicidad ilustrando campañas gráficas y de TV, de ámbito nacional e internacional (McCann Erickson, Delvico Bates, TBWA, Euro RSCG, Bassat Ogylby, SCPF*, FMRG, Casadevall Pedreño, Morera Design, etc). En el mundo editorial ha publicado numerosos libros ilustrados, tanto para público infantil como para adulto, y gracias a sus variados registros estilísticos, colabora también como ilustrador para instituciones y empresas de diversos sectores. En 1998, funda Alehop, estudio que ofrece servicios de diseño gráfico e ilustración. Ha sido galardonado varias veces por su trabajo en premios como: Junceda, Anuaria, Daniel Gil y ÑH05 de Diseño Periodístico. En 2007 fue seleccionado como autor de habla catalana por el Institut Ramon Llull para la exposición de ilustradores en la Feria del Libro de Frankfurt. En Enigmas, Víctor propone un juego, en el que mediante la imaginación o la lógica, individualmente o en grupo, hay que dar solución a las adivinanzas propuestas.

Enigmas. Víctor Escandell. Ed. Zahorí Books
64 páginas. 24 x 29,5 cm. Castellano, catalán

Sozapato es licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Central de Ecuador, graduada en Diseño Gráfico en el Instituto Metropolitano de Diseño de Quito y ha completado su formación con un Máster de Libro Infantil Ilustrado en la Escuela i con i, en Madrid. Como ilustradora, ha trabajado con editoriales de Ecuador, Chile, Colombia y España. Ha ganado varios premios de dibujo, pintura y diseño. Su primer libro como autora, “Colorín colorado”, fue seleccionado para representar a Ecuador en la lista de honor IBBY 2014. También ha estudiado artes escénicas en el laboratorio Malayerba y en El Teatro del Cronopio, especializándose en teatro-clown. Actualmente forma parte del colectivo teatral español-ecuatoriano El Gran Ticlop. En Matilde, Sofía presenta una historia actual evocadora de una antigua leyenda sobre un pincel mágico. Trata sobre el poder de la imaginación y la creatividad; un poder incluso indómito, si quien lo maneja no sabe controlarlo. En este sentido, se aprecia un guiño al oficio artístico y al papel del maestro como guía. La obra, con un final abierto, no se agota en un primer acercamiento, sino que permite descubrir nuevos detalles y personajes de oculto protagonismo en sucesivas lecturas. Con una estudiada narrativa que compensa la ausencia de palabras, está estructurado en grupos de viñetas y en escenas a doble página, incluyendo representaciones de estilo cinematográfico propias del lenguaje de la banda diseñada, que refuerzan el carácter dinámico del relato.

Matilde. Sofía Zapata Ochoa, SOZAPATO
Ed. Kalandraka. 16 x 16 cm.. 48 páginas

Quinientos de los diseños gráficos más emblemáticos de todos los tiempos, desde los inicios de la reproducción mecánica hasta el presente.
El proceso de comunicación visual y resolución de problemas a través del uso de la tipografía, el espacio, la imagen y el color nos informa la forma en que nos conectamos a través de lenguas y culturas. Derivado del Archivo Phaidon de Diseño Gráfico, este fascinante compenio celebra la larga y rica historia del diseño gráfico, desde la primera muestra de tipo móvil y la Crónica de Nuremberg del siglo XV hasta las revistas de vanguardia, carteles y efímeras de hoy. Compilado y escrito por un equipo global de expertos, este libro tiene un carácter internacional donde se cuzan los estilos y filosofías del diseño en las diferentes partes del mundo.



Graphic, 500 Designs that Matter
Ed. Phaidon. 16,3 x 12,3 cm. 708 páginas

John Alcorn (1935-1992) fue un célebre diseñador gráfico e ilustrador norteamericano. En sus inicios trabajó para Esquire, CBS y fue uno de los miembros fundadores de Push Pin Studios junto con Milton Glaser y Seymour Chwast. Diseñador de un buen número de portadas de libros, también ilustró y diseño diversos libros infantiles y fue el diseñador de los carteles y de los títulos de crédito de algunas de las películas de Federico Fellini.En esta imaginativa reflexión sobre el proceso de escritura y sus aspectos físicos y sociales, la pluma de Murray McCain y el trabajo artesanal de ilustración y diseño de John Alcorn ejercen, al igual que en su antecesor ¡Libros!, un poder de fascinación en plena era digital sobre el lector de cualquier edad. Las ilustraciones y las tipografías originales de John Alcorn subrayan de manera vibrante, no exenta de comicidad, el valor mítico y mundano de la escritura. Esta edición recupera la tinta luminosa y el dibujo a mano, tanto de imágenes como de palabras, de la obra original publicada hace más de medio siglo.

Escribir. John Alcorn y M. McCain . Ed. Libros del Zorro Rojo
54 páginas. 12,5 x 18 cm.. Castellano

En el universo de las revistas impresas, la belleza de la independencia editorial radica en la infinita libertad que nos da para elegir exactamente cómo queremos crear, distribuir y compartir nuestra publicación. Pero esta misma libertad abre un universo extensísimo de posibilidades en lo referente a su concepción, diseño, impresión y distribución: ¿Cuál será mi modelo editorial? ¿Qué periodicidad me irá mejor? ¿Qué equipo de colaboradores necesito? ¿Cómo elijo el formato? ¿Incluyo publicidad o no? ¿Cómo la consigo? Y luego, el espinoso tema de la distribución… Este libro es una guía práctica e ilustrada para sacar adelante una revista independiente. Con el proceso editorial como hilo conductor, el libro examina todos y cada uno de los pasos y decisiones que hay que tomar a la hora de editar una publicación periódica. Cada capítulo incluye orientaciones básicas, consejos prácticos, ejemplos y entrevistas en profundidad con algunos actores clave del mundo de la edición independiente. Sin ánimos de ofrecer una única fórmula mágica, este libro no solo presenta una panorámica completa del proceso de edición sino también una magnífica instantánea de la escena editorial indie de referencia a nivel internacional: desde proyectos artesanos y caseros a aventuras de gran éxito comercial, pasando por otros casos intermedios reseñables. Angharad Lewis es editora de la revista Grafik y redactora de temas vinculados a la cultura y el diseño. También imparte clases de Comunicación Visual en la Sir John Cass Faculty of Art, Architecture and Design de la London Metropolitan University.


¿Quieres publicar una revista? Autoedición, diseño, creación 
y distribución de publicaciones independientes. Angharad Lewis. 
19 x 23 cm. 168 páginas. Ed. Gustavo Gili. Castellano

Nueva edición revisada y ampliada de Diseño gráfico: Nuevos fundamentos, que ha pasado a la categoría de clásico por aportar un nuevo enfoque en el aprendizaje del diseño gráfico. Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips analizan las estructuras formales del diseño y se las explican a los estudiantes con un lenguaje actual, lleno de referencias contemporáneas y numerosos ejemplos visuales. El resultado es un magnífico manual básico de diseño, riguroso y atractivo, dirigido a todos aquellos que quieran comprender el diseño gráfico desde una perspectiva crítica e informada. El libro, renovado y ampliado con nuevos ejemplos en esta segunda edición, analiza los elementos y estructuras que subyacen a todo proyecto de diseño (ya sea un logotipo, un cartel, o un sitio web) y nos enseña a manipularlos de forma práctica, a jugar con soltura y solidez con la escala, el ritmo, el color, la jerarquía, las retículas, etc. Así, el estudiante de diseño aprenderá a crear construcciones ricas y complejas partiendo de relaciones básicas y simples.

Diseño gráfico: Nuevos fundamentos. Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips
Ed. Gustavo Gili. 20x22,5 cm. 264 páginas. Castellano

La impresión artesanal vive un revival sin precedentes. Para los diseñadores ha supuesto la apertura de un universo de posibilidades estéticas y de recursos gráficos que les ha permitido abandonar las pantallas de sus ordenadores y lanzarse a investigar y experimentar con la materialidad de la tinta y el papel. Por su parte, los usuarios cada vez están más sensibilizados respecto al valor de lo manufacturado y las ediciones limitadas. Papel y tinta ofrece una panorámica de las técnicas, métodos y materiales más utilizados actualmente para imprimir de forma artesanal. Por medio de las obras de algunos de los principales diseñadores e impresores del panorama internacional, el libro muestra el uso de la serigrafía, la impresión tipográfica o la xilografía así como la inspiración y destreza necesarias para producir artesanalmente todo tipo de diseños, desde rompedores carteles de concierto o artículos rústicos de papelería hasta xilografías retro o manualidades.

Papel y tinta. John Foster. Ed. Gustavo Gili
192 páginas. 23,5x23,5 cm. Castellano

¿Por qué Warhol es un impostor? ¿Cómo se crean las identidades nacionales? ¿De dónde surge nuestra manía por coleccionar? ¿Qué es lo que vemos desde el retrovisor de Grand Theft Auto V? ¿Por qué valoramos la imperfección? Empezando por la a de ‘auténtico’ este libro se convierte, letra a letra, en una herramienta para comprender la cultura contemporánea, y nuestra pasión por la moda, el diseño, la tecnología y el arte. Más que un diccionario, es, sobre todo, un análisis personal del mundo que nos rodea y  de la importancia del diseño en él. 
Deyan Sudjic (1952) estudió arquitectura en Edimburgo y colaboró en diversas publicaciones especializadas en diseño antes de hacerse cargo de la dirección del Design Museum de Londres, la institución más emblemática del mundo en el campo del diseño. 

B de Bauhaus. Deyan Sudjic . Ed. Turner

356 páginas. 14x22 cm

Coincidiendo con la donación y catalogación de la colección de carteles del estudio de diseño gráfico formado por Pilar Villuendas y Josep Ramon Gómez, al Museu d’Història de Barcelona, se ha publicado Barcelona, una iconografia urbana de la Transició el nuevo volumen de la colección MUHBA Documents, que recoge  estos 280 carteles cedidos y los textos de Josep Bracons, Josep Fontana y Daniel Giralt-Miracle. Estos carteles realizados desde 1975 hasta 1995, o lo que es lo mismo, desde el final del franquismo hasta el post olimpismo.

Barcelona, una iconografia urbana de la Transició

Pilar Villuendas. Josep Ramon Gómez. 164 páginas

Tamaño: 21x29,7 cm. Idioma: Catalán

Interesante recopilación de las obras de diseño por Keisuke Unosawa, entre las que se encuentran, por ejemplo, sus conocidísimas tarjetas de felicitación pop-up para el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Sus diseños simples, elegantes y sorprendentes son reconocidos y valorados por diseñadores de todo el mundo. Este libro presenta sus obras comerciales, así como algunas obras privadas seleccionadas. Anuncios, tarjetas de felicitación, identidad visual, escaparates de las tiendas, etc. Además de las imágenes de las piezas acabadas, el libro incluye en muchos casos las plantillas y troqueles de sus trabajos, lo que lo convierte en una herramienta eminentemente práctica.

Paper Folding Designs  Keisuke Unosawa 

Ed. Piebooks 18,5 x 26 cm. 250 páginas

Inglés y Japonés

Yurio Seki es un diseñador gráfico japonés reconocido por sus diseños coloristas y su sensibilidad. Aunque su labor profesional abarca la dirección de arte editorial, el packaging, la identidad visual, es conocido por sus diseños de texturas y motivos decorativos para papel y tela.
Esta es la segunda recopilación editada de trabajos Yurio Seki, también conocido por su marca, Salvia. Sus modelo son usados no sólo para productos textilesm o papeles para pared: ediciones de libros, envases, artesanía... El libro, de caracter eminentemente didáctico, incluye muestras reales de sus papeles estampados. 

Designs and patterns. Yurio Seki

Ed. Pie Books. Tamaño: 15x21 cm. Idioma: Inglés

John Alcorn (1935-1992) fue un célebre diseñador gráfico e ilustrador norteamericano. En sus inicios trabajó para Esquire, CBS y fue uno de los miembros fundadores de Push Pin Studios junto con Milton Glaser y Seymour Chwast. Diseñador de un buen número de portadas de libros, también ilustró y diseño diversos libros infantiles y fue el diseñador de los carteles y de los títulos de crédito de algunas de las películas de Federico Fellini. 

En 1962, junto a Murray McCainse se planteó cómo contarle a un niño lo que es un libro. Y lo hicieron, precisamente con este libro. Hoy está considerada una de las obras más preciadas en la historia del libro ilustrado infantil.

A través de un rítmico juego textual y visual de preguntas, respuestas, aseveraciones y exclamaciones, Alcorn y McCain proponen al lector el pequeño lector su respuesta: que el libro es objeto, industria, texto, lenguaje, conocimiento, emoción, aprendizaje, diversión, tipografía, lectura, imagen, diseño, edición y, en definitiva, una ventana abierta a todo.

Pero además, este pequeño volumen que GGili reedita ahora en castellano y catalán, es un referente entre los editores de libros infantiles. Impreso a tres tintas, azul oscuro, rosa fluorescente y amarillo (estos dos últimos, superpuestos, actuan como cuarto color, un rabioso naranja), es un exquisito juego de tipografías e ilustraciones, que se mantiene intacto con respecto al original. Un trabajo, el de la adaptación gráfica a nuestro idioma, exquisito al punto de que merecería saberse a quién es debido. Entretanto, conformémonos con agradecérselo a María Serrano, su editora.

En 1962 la versión original les valió a los autores el reconocimiento del American Institute of Graphic Arts (AIGA) como uno de los 50 mejores libros del año. TAmbién entonces fue premiado como mejor libro infantil del año por el New York Times.

¡Libros!

Murray McCain y John Alcorn

Ed. Gustavo Gili. 48 páginas. 12x17,8cm

Español

El clásico de Enric Satué ha sido revisado, corregido y aumentado para adaptarlo a los nuevos tiempos y acercarlo a los lectores más jóvenes. Un libro que durante mucho tiempo ha sido imprescindible para tener una visión general –pero no por ello menos fiel a los hechos– sobre la disciplina del diseño gráfico a lo largo de la historia.

Aunque en un primer momento pueda parecer que estudios y manuales de este tipo resultan obsoletos al existir internet, el hecho de haber sido realizado por uno de los diseñadores claves de la historia del diseño en España y su sistematización, hacen de él un material al que siempre se puede recurrir con la confianza de saber que está bien documentado. En todo caso, el lector que desee profundizar en sus contenidos, encontrará en él numerosas referencias bibliográficas –no necesariamente relacionadas con el diseño, lo que lo hace aún más atractivo– e internet, como sucedía con el dinosaurio de Monterroso, seguirá ahí incluso para abundar en esas nuevas pistas bibliográficas.

Ahora solo falta desear que Satué se decida a actualizar su otro gran libro, aquel que repasa la historia del diseño gráfico español y que, a la vista de lo que se ha desarrollado el sector en los últimos tiempos y dada la aparición de muchos y muy buenos estudios y profesionales, promete ser bastante más voluminoso de lo que era en su primera edición.

El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días

Eric Satué. Alianza Forma. 696 páginas

En pocas palabras, este título organizado por Ellen Lupton –profesora, diseñadora gráfica y comisaria en el Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York– es un ameno manual práctico perfecto para conocer y desarrollar las actividades necesarias para llevar a buen puerto un trabajo creativo.

Como si fuera un juego o un libro de actividades, “Intuición, acción, creación” va desgranando los pasos que debe dar un creativo para desarrollar su labor en textos breves, claros y apoyados por consejos destinados a evitar que la actividad se encalle o fracase.

El libro cuenta además con estudios de casos concretos –entre los que se cuenta la campaña Laus de Toormix–, en los que se analiza el problema a resolver y la idoneidad de las soluciones aportadas, todo ello con una clara intención de hacer que el producto resulte visualmente muy atractivo. Tanto es así, que este libro podría ser utilizado en otros ámbitos no necesariamente relacionados con el diseño y ni siquiera con los negocios, sino en un escenario educativo en el que se quiera promover el trabajo en equipo, la creatividad, el ingenio y la búsqueda de soluciones para situaciones de la vida cotidiana.

Intuición, acción, creación. Graphic design thinking

Ellen Lupton (Ed.). Gustavo Gili. 184 páginas. Castellano

Cada año suelen aparecer varios títulos que recopilan los trabajos de diseño gráfico e interiorismo que se han realizado a lo largo de los meses anteriores en campos como el diseño de locales comerciales y de tarjetas de visita. Son libros que suelen tener un público fiel conformado por aquellos cuyos trabajos aparecen incluidos en ellos y sus colegas de profesión, interesados en saber lo que se ha hecho en otros lugares del mundo en su sector.

Las diferencias entre todos esos libros suelen ser pocas pues todos acostumbran a tener una buena factura en lo que se refiere a diseño e impresión. Sin embargo, si nos fijamos bien hay elementos que marcan la diferencia. Este es el caso del libro que nos ocupa, una producción de la editorial alemana Gestalten que destaca por la buena selección de los trabajos que, todo hay que decirlo, ha sido realizada únicamente en base a criterios de calidad y no mediante contraprestación económica por parte de los elegidos hacia la editorial, costumbre que, aunque pueda sorprender a muchos, suele ser habitual en muchos de estos libros recopilatorios.

En sus páginas pueden encontrarse interesantes ejemplos de imágenes corporativas para pequeños negocios de todo el mundo, que demuestran que las pequeñas empresas también pueden disponer de un diseño correcto, sorprendente y cuidado, sin necesidad de realizar grandes desembolsos. De hecho, muchas de las propuestas juegan con soluciones que resultan baratas a la hora de producir, lo que evita que el cliente, después de pagar el diseño o de hacer la primera tirada, lo abandone por no poder asumir reimpresiones de los papeles de carta, las facturas o las tarjetas.

Por último, otra de las diferencias de este volumen respecto de sus competidores es el hecho de estar impreso en Alemania que, aunque pueda resultar ligeramente más caro que hacerlo en China, permite afirmar sin sonrojarse que realmente se han respetado las normativas ecológicas y laborales.

Introducing:. Visual identities for small businesses. VV. AA.

(Ed. Robert Klantes, Sven Ehmann y Anna Sinofzik)

Gestalten. 256 páginas. Inglés