El retrato reúne una excepcional colección de imágenes inspiradoras para el fotógrafo de cualquier nivel y condición. Para esta obra, los comisarios de 1x.com, la galería fotográfica virtual más grande del mundo, han seleccionado las fotos de entre las miles de imágenes alojadas en su web, realizadas por fotógrafos procedentes de todos los rincones del planeta. Imágenes inspiradoras acompañadas por una elaborada información sobre el artista, su visión y la historia que se esconde tras la imagen, junto con detalles sobre las técnicas y herramientas empleadas para conseguirla. Esta obra desnuda el trabajo de algunos de los artistas más brillantes del panorama fotográfico (la visión, localizaciones, esquemas de iluminación, los ajustes de cámara, equipamiento…) con un lenguaje sencillo, claro y conciso, para resaltar el valor del retrato fotográfico como disciplina artística y potenciar su habilidad artística. 1x.com es una de las agencias más prestigiosas a nivel internacional, y la galería fotográfica virtual más grande del mundo. Cuenta con red social propia, tutoriales técnicos, foro y páginas personales para que los artistas expongan sus trabajos. Su exigente sistema de publicación, mediante la selección por un jurado profesional y experto, la ha convertido en una de las principales galerías del mundo. En ella miles de fotógrafos profesionales se benefician de su alto nivel de visibilidad y de su constante demanda por revistas, medios de comunicación y grandes empresas multinacionales.

Fotoinspiración: El Retrato. Ed. Anaya

22,5x22,5 cm.. 144  páginas. Castellano

El universo de los cómics ha generado en poco más de un siglo una espectacular constelación de fantasías y mitos, que unas veces procedían de la tradición artística multisecular, pero en otras se forjaron como invenciones específicas para el nuevo medio. 
Así se codearon, desde sus 
primeras décadas, los seres fabulosos de la arcaica tradición grecolatina con los héroes lanzados a viajes espaciales, los centauros con los primeros astronautas, las walkyrias con los científicos perversos que aspiraban a destruir 
la civilización, por no mencionar el temprano despliegue de barrocas fantasías oníricas. Coetáneos del cine, los cómics gozaron de la ventaja de no estar sujetos a los imperativos del naturalismo fotográfico, que sólo podía eludirse con laboriosos trucajes. De este modo forjaron sus estirpes visionarias.

El Universo fantástico del cómic. Luis Gasca y Román Gubern

Ed. Cátedra. 19,5x24,2 cm. 408 páginas. Castellano

Cuando don Quijote supo que su historia ya estaba en letra impresa, se alborotó algún tanto, recelando que el autor de ella pudiera desmandarse en sus atribuciones de historiador puntual y escrupuloso. Pero fue al conocer la existencia del Quijote apócrifo cuando dijo la memorable frase: “Retráteme el que quisiere, pero no me maltrate”. La profecía de Sansón Carrasco (“A mí se me trasluce que no ha de haber nación ni lengua donde no se traduzca”) se ha cumplido con creces. No ha habido manifestación artística que no haya tomado alguna vez a don Quijote como asunto. De entonces acá quizá sea don Quijote el personaje más retratado de la historia de la literatura. Este libro es un testimonio antológico de esa devoción por su figura en diversas manifestaciones artísticas: en ellas se dan cita, con el respeto que pedía don Quijote, la simpatía por el personaje y la admiración por aquel “hombre honrado” que dio noticia de sus discretas locuras.

Don Quijote en el Arte  y Pensamiento de Occidente

John J. Allen y Patricia S. Finch

Ed. Cátedra. 19,5x24,2 cm.. 248 páginas. Castellano

El arte es un término de múltiples facetas. El Diccionario visual de términos de Arte pretende abarcar algunos de sus aspectos más básicos e im­portantes. Aunque los vocablos hacen referencia a las diferentes disciplinas, el pre­dominio de la pintura y la escultura no es casual. Con respecto a la 
ar­quitectura, aunque el diccionario es en parte complementario al Diccionario visual de términos arquitec­tónicos editado anteriormente por la misma editorial, se han recogido los principales elementos relacionados con el arte con una visión nueva, más esquemática, a la vez que se incluyen nuevos términos. Junto a los aspectos esenciales relacionados con la pintura, la escultura o la arqui­tectura aparecen tratadas otras disciplinas como la alfarería, la cerámica, la heráldi­ca, la glíptica, la orfebrería, la ebanistería, la eboraria, el grabado, etc.
Cada término contiene una exhaustiva información: definición, etimología, traducción al inglés, francés, alemán e italiano, campo semántico, desarrollo histó­rico, etc., y los elementos visuales, ya sean obras pictóricas, dibujos, infogra­fías o fotografías, ayudarán a comprender mejor el vocablo. Aunque el conjunto forma un compendio básico para estudiantes y profe­sio­nales relacionados con el ámbito del arte, también será útil para cualquier persona interesada en aprender, comprender y recrearse con el arte.

Diccionario visual . de términos de arte. Lorenzo de la Plaza, Adoración Morales  

y J. María Martínez Murillo

Ed. Cátedra. 17x25 cm.. 576 páginas. Castellano

En el transcurso de los últimos 30 años ha habido un interés académico creciente por el papel pintado antiguo y su manufactura, especialmente en Francia, donde florecieron las fábricas más famosas de los siglos XVIII y XIX. La historia de este producto artístico en España está estrechamente vinculada con Francia en cuanto a los tipos de diseños creados y a los artesanos que los realizaban. Hasta ahora la crónica de la Real Fábrica de Papeles Pintados de Madrid, fundada y dirigida durante medio siglo por una familia francesa bajo patrocinio real español, ha sido virtualmente desconocida. En este estudio original e innovador —el primero que trata el tema en España—, se recrea la trayectoria de la Real Fábrica durante cuatro reinados y se examina el gran éxito que tuvieron sus papeles pintados en la sociedad de la época, tomando como base documentos recuperados de una docena de archivos españoles y franceses.

La Real Fábrica de Papeles Pintados de Madrid . (1786-1836)

Isadora Rose-de Viejo. Ed. Cátedra. 19x23,5 cm.

262páginas. Castellano

A finales del siglo XVI se produjo una radical transformación en la relación del ser humano con el universo que cristalizó en el Barroco, y desde Roma se extendió por Europa, América y Extremo Oriente hasta el siglo XVIII. El impulso vino dado por la Iglesia Católica y la monarquía, que promovieron un arte propagandista y persuasivo para expresar su prestigio, simbolizar su autoridad y subyugar a fieles y súbditos. La exploración de mundos remotos y cercanos abrió la mente a otras realidades y los nuevos procesos científicos generaron tantas dudas como certidumbres, alimentando al unísono el positivismo y el simbolismo, el orden y la (calculada) confusión, una suma de contrastes donde nada era más real que el artificio. Las artes lograron una integración plena e inédita, y las ideas, los objetos y los artistas viajaron con fluidez, sumándose a los intercambios diplomáticos y al incipiente y elitista "turismo" para favorecer la universalidad del Barroco y la singularidad de sus expresiones locales, de una variedad y riqueza desconocidas.

Introducción al arte barroco. Beatriz Blasco

Ed. Cátedra. 15x21 cm.. 256 páginas. Castellano

Puede leerse en la primera solapa que El diccionario ilustrado de la democracia española es una obra rigurosa, documentada, contrastada y completamente inédita, fruto del trabajo abnegado de veintiún profesionales que brindan, cuatro décadas después de la muerte del dictador, una visión panorámica, lúcida y certera del periodo democrático que nos hemos dado entre todos. Un trabajo destinado a convertirse en el referente por antonomasia de las obras de consulta que tratan esta apasionante etapa de nuestra historia. O a lo mejor no. Afortunadamente no es eso. Se trata de un compendio sagaz de viñetas estructuradas a modo de glosario y es el primer libro en papel editado por Orgullo y Satisfacción.

Diccionario ilustrado de la democracia española. VV.AA.

Ed. Caramba. 224 páginas. 17x21 cm.. Castellano

Este viaje por lugares extremos en América Latina empieza en México, a la sombra de una inmensa barriada de viviendas sociales de la década de 1960, cuando las colmenas de pisos baratos parecían la solución a la escasez de vivienda. Sigue visitando las villas miseria de Buenos Aires, los cerros de Caracas, las favelas de Río, las casas ampliables de Chile, las laderas de Medellín ahora salvadas por el Metrocable… y diversas iniciativas de vivienda social planteadas con espíritu práctico, creatividad y una mirada al futuro.
Desde mediados del siglo XX, cuando la utopía del movimiento moderno se fue a América Latina para morir, la región se ha convertido en un campo de pruebas para las concepciones más radicales de lo que es una ciudad. En el continente más urbanizado del planeta, las ciudades extremas han dado pie a situaciones extremas. Justin McGuirk las ha recorrido y vivido y el resultado es este libro radical, imprescindible para interesados en la política, el urbanismo y las maneras de vivir en el siglo XXI.

Ciudades radicales. Un viaje a la nueva arquitectura latinoamericana

Justin McGuirk. Ed. Turner Noema. 304 páginas. 14x22 cm.

Castellano

El patrimonio cultural es la herencia recibida del pasado y depósito de la memoria. El reconocimiento, valoración y conservación del patrimonio cultural se orienta al mantenimiento de nuestra identidad histórica como comunidad humana. Este amplio y crucial cometido convierte al patrimonio en un concepto enunciado desde presupuestos dialécticos y críticos, en constante redefinición. Este libro invita al lector a adentrarse en la reflexión sobre el concepto de patrimonio cultural, su sentido y sus valores dentro de nuestra sociedad actual. Mientras que los primeros capítulos se centran en la formación del concepto de patrimonio cultural y su expansión, en los siguientes se plantea una reflexión acerca de los principios de la conservación del patrimonio cultural teniendo en cuenta el notable incremento de la patrimonialización (ciudades históricas, patrimonio inmaterial, cultura popular, etc.) que se ha producido en las últimas décadas.

Patrimonio cultural. Ignacio González-Varas

Ed. Cátedra. 15x21 cm.. 256 páginas. Castellano

Diez años después del extraordinario éxito que supuso en todo el mundo la publicación de Suite francesa, rescatada milagrosamente del olvido, Emmanuel Moynot se adueña de la primera de las dos partes de la novela para ofrecer una dimensión visual de este clásico de Irène Némirovsky. Como en una película de Renoir o Robert Altman, los personajes, sus trayectorias y sus destinos colisionan y se entrelazan en las carreteras del gran éxodo de 1940, dibujando un enorme fresco de las horas más oscuras, en las que las columnas del orden social y moral del país parecían derrumbarse. Así, las figuras inolvidables que habitan en las páginas de Némirovsky cobran vida y nos invitan a reencontrarnos con viejos conocidos como el banquero Corbin, los amables Michaud, el clan de los Péricand, el malogrado padre Philippe, la frívola Arlette Corail, el siniestro Corte y su descerebrada amante, en suma, todo el muestrario de perdedores, atormentados, puros y víctimas de esta gran debacle francesa. Y de paso, descubrimos que la autora de David Golder —una apasionada de la narración cinematográfica— habría sido una excelente guionista.
Emmanuel Moynot se considera más narrador que artista gráfico. Publicó sus primeros trabajos en la década de los ochenta, y el propio Tardi lo escogió como su sucesor para la serie Nestor Burma. Sus obras se caracterizan por ser sombrías y turbadoras, y suelen abordar temas de cierta profundidad, con frecuencia de carácter político.

Suite francesa. Emmanuel Moynot

Ed. Salamandra. 224 páginas. 17,2x24cm.

Desde mediados de la década de 1940 el panorama de las artes visuales empieza a transformarse de manera radical: París y las viejas vanguardias pasarán a la historia para dejar paso a un nuevo periodo en el cual Estados Unidos y América Latina empiezan a adquirir un auge hasta el momento impensado. Se abre de este modo una nueva forma de acercarse al hecho artístico que, con nuevos actores y nuevos guiones, cambia por completo el panorama de las artes visuales y las formas de narrarlo. El libro se aproxima a esos nuevos relatos haciendo un especial énfasis en cuestiones esenciales para el cambio de paradigma que se opera en el arte a partir de la segunda mitad del siglo XX: desde la puesta en cuestión de asuntos básicos como la unicidad y la originalidad, la mayor visibilidad de las mujeres artistas o la importancia de la teoría en la producción y lectura de las obras, hasta los nuevos lugares de exhibición o la irrupción de otros países fuera del ámbito de poder tradicional.

Artes visuales en Occidente desde la segunda mitad del siglo XX

Estrella de Diego. Ed. Cátedra. 15x21 cm.. 216 páginas. Castellano

Esta publicación, en forma de estuche, contiene la edición facsímil del libro original en ruso así como la edición facsimilar en español. Un tercer volumen, titulado Una bofetada al gusto público, aborda el alcance de este libro en el contexto de la vanguardia rusa.
Durante su estancia en Berlín, Vladímir Maiakovski estableció contactos para que una antología de sus poemas se editara en dicha ciudad. El libro salió al año siguiente, en 1923, con el título de Para la voz, con una selección realizada por el propio autor de trece poemas publicados desde 1913. El devenir personal de Maiakovski frente a los acontecimientos que, a un ritmo vertiginoso, se producían en Rusia, aparece reflejado en su libro a través de un lenguaje en el que se exalta el nuevo orden social. El paso dado por Maiakovski hacia una poesía accesible a un público mayoritario fue cuestionado por algunos poetas de su generación, como es el caso de Ósip Mandelshtam. A pesar del cambio radical en su forma de concebir la poesía, Maiakovski siguió produciendo de manera esporádica poemas amorosos y líricos. Esta poesía de sentimientos también aparece recogida en esta antología.
Maiakovski concibe Para la voz junto al pintor y diseñador El Lisitski, que interviene como proyectista del libro, como una partitura que se convierte en un instrumento necesario para sus recitales. A pesar de que sus composiciones mantienen la secuencia lineal propia de los libros de poesía, El Lisitski rompe con esta uniformidad introduciendo al comienzo de cada poema un dispositivo visual que va acompañado de una pestaña que, juntas, conforman el índice.

Para la voz. Vladimir Maiakovski/El Lisitski/J. A. Sarmiento

Ed. Universidad de Castilla-La Mancha, 15,2x 20cm

En mayo de 2012, Neil Gaiman se subió a una tarima universitaria para pronunciar el discurso de graduación. Durante los siguientes diecinueve minutos expuso a los estudiantes sus ideas sobre la creatividad, el coraje y la entereza. Los animó a incumplir las normas, a pensar sin trabas ni barreras. Los incitó a cometer errores sin someterse a la dictadura del éxito. Les mostró las victorias del fracaso. A aquellos pintores, músicos, escritores y soñadores en ciernes les regaló una consigna: HACED BUEN ARTE. Este pequeño volumen contiene el texto completo de su estimulante arenga acentuado por el no inquietante diseño de Pablo Martín: se diría que el diseñador asume como propio el texto, y de la mano de la gráfica desordenada del dadaísmo aplica en la puesta en página las propuestas que el autor hace en el libro.

Errores infalibles para (y por) el arte. Neil Gaiman

Ed. Malpaso. 11,8x21,5 cm.. 100 páginas. Castellano

Tener narices, despedirse a la francesa, mojar el churro, salir del armario... El castellano rebosa de esas expresiones populares cuyo significado no tiene mucho o nada que ver con las palabras que las forman, y que se te estampan en la cabeza como postales de colores, vivas y crudas.
Tras un primer recopilatorio, Con dos huevos (Astiberri, 2014), Héloïse Guerrier y David Sánchez exploran una nueva tanda de locuciones surrealistas, desconcertantes y tronchantes a las que Quevedo hubiera recurrido sin duda para meterse con Góngora.
En el plano gráfico, cada expresión viene ilustrada de manera literal. De esta forma, estas locuciones del lenguaje coloquial, formadas por términos sencillos, muchas veces vinculados con el ámbito de la comida o de la sexualidad, adquieren una poesía visual inesperada. Descontextualizadas y tomadas al pie de la letra, se tornan surrealistas, absurdas, casi inquietantes.
David Sánchez (Madrid, 1977). Su primera novela gráfica, Tú me has matado, le valió el premio al autor revelación en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona. No cambies nunca, fue nominada a mejor obra de autor español en el mismo salón. También es el autor de Videojuegos y de La muerte en los ojos. Es el responsable del diseño de las cubiertas de la editorial Errata Naturae y ha ilustrado para la misma editorial el libro Paul está muerto.

Cagando leches. Héloïse Guerrier. . Ilustraciones: David Sánchez

Ed. Astiberri. 13,3x18,5 cm.. 104 páginas. Castellano

Todo el mundo tiene envidia de mi mochila voladora es una selección de las tiras cómicas de Tom Gauld, que durante los últimos años ha hecho las delicias de los lectores del prestigioso diario británico The Guardian. Con una mirada irónica y una predilección por la excentricidad y el absurdo, las historietas de Gauld conforman un microcosmos en el que se entremezclan lo clásico y lo contemporáneo, las referencias culturales y las veleidades del comportamiento humano, y donde coexisten novelistas frustrados, detectives victorianos y robots. 
Tom Gauld nació en 1976 en Aberdeenshire, Escocia, y estudió Ilustración en el Edinburgh College of Art y el Royal College of Art. En la actualidad vive en Londres, donde trabaja como ilustrador y caricaturista. Además de su tira semanal en The Guardian, publica en The New York Times, The New Yorker, The Believer y Granta. Su primera novela gráfica, Goliat (2012), que narra la historia bíblica desde el punto de vista del gigante, fue recibida elogiosamente por la crítica, obtuvo un notable éxito entre los lectores y se tradujo a nueve idiomas.

Todo el mundo tiene envidia de mi mochila voladora. Tom Gauld

Ed. Salamandra. 21x15,50. 164 páginas. Castellano

La tipografía es una disciplina histórica que cuenta con abundantes y rigurosas normas para su correcto ejercicio. Pero cuando la tipografía se desembaraza de su condición estática y se hace virtual, los lectores alteran los parámetros de la representación visual según nuevas necesidades y preferencias. ¿Qué ocurre entonces? ¿Cómo puede el diseñador controlar esos principios y garantizar la calidad tipográfica de sus composiciones?
Escrito por un equipo de diseñadores docentes y estudiantes del MICA y editado por Ellen Lupton, Tipografía en pantalla no solo aborda los nuevos fundamentos de la tipografía cuando se usa en pantalla sino que explora en profundidad los entresijos del diseño destinado a este soporte. Para ello se centra en las cuestiones concretas que surgen en el día a día del desarrollo de un proyecto de diseño digital: desde el amplio catálogo de fuentes existentes para web hasta cómo componer los párrafos y alinear el texto en pantalla, o cómo tratar la señalética y crear sistemas de iconos para un entorno digital. Lejos de ignorar el saber acumulado por años de desarrollo y evolución de la tradición tipográfica, la guía se sube a hombros de esta disciplina histórica para seguir avanzando y forjando nuevos recursos técnicos y nuevas formas visuales.

Tipografía en pantalla. Ellen Lupton

Ed. Gustavo Gili. 17,7x21,5 cm. 208 páginas. Castellano

Los Crímenes ejemplares son un compendio de testimonios anónimos que muestran los razonables y al mismo tiempo disparatados motivos que llevaron a sus autores a cometerlos. En este sentido, la de Max Aub no es sino una confesión más, que abre el libro: “Me declaro culpable y no quiero ser perdonado. Estos textos —dejo constancia— no tienen segundas intenciones: puro sentimiento”.
Al Liniers historietista le conocemos por su tira cómica Macanudo, que comenzó a publicarse en 2002 en la Argentina y que hoy en día se edita en multitud de países. Cualquiera puede identificar su estilo aparentemente ingenuo o su uso del factor sorpresa como generador del humor absurdo, pero es otro Liniers el que descubrimos en las páginas de los Crímenes ejemplares. Sin perder de vista sus técnicas de composición siempre tradicionales la tinta china y la acuarela en lugar del dibujo por ordenador ni la experimentación constante que caracteriza su producción, Liniers abandona aquí su estilo más contenido para dialogar con los rasgos esenciales de la obra de Aub, para dibujar la violencia y hacerlo con violencia, pues sus trazos rápidos como cuchillazos en una atinada bicromía de rojo y negro acompañan la serie de brevísimos textos que componen los Crímenes.

Crímenes ejemplares. Max Aub. Ilustraciones: Liniers

Ed. Libros del zorro rojo. 16,7x24 cm.

92 páginas. Castellano

Cristina Durán (Valencia, 1970) y Miguel Á. Giner Bou (Benetússer, 1969) son licenciados en Bellas Artes en la especialidad de dibujo. Desde 1993 se dedican profesionalmente al cómic y la ilustración en su estudio propio, LaGRÚAestudio.
Sus dos novelas gráficas anteriores, Una posibilidad entre mil (Sins Entido, 2009) y La máquina de Efrén (Sins Entido, 2011), han recibido varios premios y nominaciones. También han participado en dos álbumes colectivos: Enjambre (Norma Editorial, 2014) y Viñetas de Vida, de Oxfam Intermón (Editorial Astiberri, 2014). Miguel Ángel es profesor de Guión y Narración Gráfica en el Máster de Diseño e Ilustración (UPV), en ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología) y en Aula Oberta (UV). Ambos forman parte de la APIV (Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia) y actualmente Miguel Ángel es el presidente de la misma.
Una gran amistad se acaba sin que uno sepa por qué. Una pareja que parecía perfecta se rompe. A raíz de un accidente de circulación, Manu –un crítico de cine culto y cínico, que vive refugiado en su soledad– comienza a rememorar sus años universitarios, en particular su amistad con Roberto y Maider, con quienes compartía su pasión por el cine, el jazz y la literatura. A modo de una improvisación jazzística, donde las melodías principales se entrelazan con las secundarias, los recuerdos de Manu van surgiendo de su memoria hasta desvelar el aciago suceso que marcó sus vidas. Aderezada con la presencia de personalidades de la música y del cine, la nueva novela gráfica de Durán y Giner Bou, autores de Una posibilidad entre mil y La máquina de Efrén, es una inquietante exploración del voraz laberinto que, a menudo, engulle las mejores historias de amor y amistad.

Cuando no sabes qué decir. Cristina Durán y Miguel Á. Giner Bou

Ed. Salamandra. 17x24 cm. 128 páginas. Castellano

En ocasiones lo único que hace falta para encender la mecha de la inspiración son unas palabras sabias que pongan en marcha nuestro cerebro. Esto es lo que hace precisamente Palabra de diseñador, un delicioso y divertido compendio de citas, máximas y reflexiones de más de un centenar de destacados profesionales de la historia de la creación visual. Como si de una tertulia de sobremesa se tratase, en estas páginas un diseñador del siglo XIX se sienta entre dos creadores contemporáneos, y nosotros tenemos la inmensa suerte de asistir como oyentes a su conversación topándonos con personajes de la talla de Saul Bass, Irma Boom, Chip Kidd, Ellen Lupton o Herman Zapf. Un pequeño gran libro, regalo perfecto para diseñadores y estudiantes de diseño, y para cualquier persona que sienta curiosidad por las ideas y las personalidades que han dado forma al arte de la comunicación visual.

Palabra de diseñador. Sara Bader. Ed. Gustavo Gili. 

12,5 x 18,5 cm.. 160 páginas . Castellano

En los noventa cuatro estudiantes de Bellas Artes que se hacían llamar La Penya editaron ocho números de Mondo Lirondo, un fanzine donde escupían sus tiras e historietas... Eran Albert Monteys, Alex Fito, Ismael Ferrer y José Miguel Álvarez. Quince años años después todo aquel material se reedita en tapa dura de la mano de Caramba Cómics.
Pero no nos quedemos en la recopilación, que es anécdota. Recuperar del baúl lo que ya está hecho es un recurso en tiempos de crisis, nunca hubo tantas reediciones y refritos, esta vez no se trata de eso. Mondo Lirondo Original incorpora con extensión inusitada anécdotas, justificaciones, y material de proceso. Esto es arqueología de la historieta. Añadimos a ello que un segundo tomo más pequeño aporta material nuevo, de hoy, en el que se demuestra que el niño ya no es tan niño y además no estaba muerto.

Mondo Lirondo Original. Mondo Lirondo Returns

Ed. ¡Caramba!. 17x26 cm.. 272/60 páginas. Castellano

Existen dos herramientas fundamentales en la vida y en la obsesión de cualquier artista: la luz y el color. Este libro no pretende ofrecer solo recetas sobre cómo mezclar los colores ni se limita a describir las técnicas de iluminación. Este libro, eso sí, contesta las preguntas más frecuentes que se hacen los artistas: ¿Qué pasa con los colores del cielo durante la puesta de sol?, ¿cómo varían los colores según la distancia?, ¿cómo conseguimos que una forma parezca tridimensional?
Una obra escrita pensando en profesionales del arte de todos los tipos, aquellos interesados en el enfoque realista tradicional y también para los que sienten curiosidad por las estructuras y misterios del mundo visual.
Su autor, James Gurney, recurre a su experiencia como pintor al aire libre e ilustrador científico, y comparte rigurosa y abundante información sobre herramientas tan importantes. Manual para artistas tradicionales y digitales de cualquier nivel, esta guía viene a llenar el gran vacío que hay entre la teoría abstracta y el conocimiento práctico. Ya trabaje con pinturas o con píxeles, ya use la realidad o la imaginación, da lo mismo, en ambos casos esta será una de sus inevitables referencias sobre la esencia y los fundamentos de la luz y el color.

Luz y color. James Gurney. Ed. Anaya Multimedia

224 páginas. 21x27 cm.. Castellano

Miguel Brieva (Sevilla, 1974) es un dibujante y escritor español. Su medio de expresión son viñetas gráficas que reflejan el estilo de la primera publicidad de los años 1950-1960 y textos cortos que suelen tomar forma de historietas, aforismos, definiciones, poesía y poesía visual. Comenzó autoeditándose en los primeros años del siglo XXI en la publicación Dinero. Después ha trabajado en el periódico Diagonal, El Jueves, La Vanguardia, Cinemanía, Ajoblanco, Mondo Brutto, El País y Rolling Stone, entre otros. La editorial Mondadori ha publicado, con licencia Creative Commons, recopilatorios de sus trabajos. En 2006 creó un grupo de música llamado Las Buenas Noches junto con sus colegas, donde toca actualmente el cuatro venezolano, el charango e instrumentos de percusión.
En un mundo a la deriva económica, en una sociedad acosada y en peligro de descomposición, Víctor, un joven que lleva parado varios años, se debate entre el desánimo y la depresión. Un día, sin previo aviso, comienza a vivir extraños fenómenos que lo van alejando poco a poco de la realidad al tiempo que le ofrecen una visión reveladora de la misma. Lo que me está pasando es la primera novela gráfica de Miguel Brieva.

Lo que me está pasando. Miguel Brieva

Ed. Reservoir Books 21x27 cm. 112 páginas. Castellano

Fotoinspiración. Fotografía de paisajes reúne una excepcional colección de imágenes inspiradoras para el fotógrafo de cualquier nivel y condición interesado en la fotografía de paisajes. Para este libro, los comisarios de la prestigiosa galería 1x.com han seleccionado las más impresionantes de entre las miles de imágenes alojadas en su web, realizadas por fotógrafos de todo el mundo.Todo con un lenguaje claro, sencillo y conciso, para acercar esta técnica a todo tipo de niveles. Porque tener una buena cámara no siempre es sinónimo de calidad.

Fotografía de paisajes 1x.com. Ed. Anaya Multimedia

23x23 cm. 144 páginas. Castellano

La fotografía de calidad es mucho más que hacer fotos atractivas. Es mostrar a los demás lo que considera destacable en el mundo y hacerles sentir algo especial. En este libro, Art Wolfe proporciona las herramientas necesarias para que lo consiga, para que se desprenda de los prejuicios que limitan a muchos artistas y consiga transformar su fotografía en el proceso. Es la clase magistral definitiva de Wolfe, en la que comparte los secretos y técnicas que ha aprendido durante más de cuatro décadas de reconocida trayectoria. Junto al otro autor del libro, Rob Sheppard, Wolfe reta al lector a replantearse los prejuicios que definen y limitan su fotografía; a ver más allá del sujeto para que la luz y las sombras le ayuden a conseguir la imagen perfecta; a seleccionar la cámara y el objetivo adecuado para la imagen que tiene en la cabeza, y por último, a identificar los grandes errores de la composición para aprender a evitarlos.

El arte de la fotografía. Art Wolfe, Rob Sheppard

Ed. Anaya multimedia. 22x28 cm. 258 páginas. Castellano

El mapa, símbolo de cultura y desarrollo científico, es, en su esencia gráfica, dibujo del territorio. La representación cartográfica se ha configurado como un auténtico lenguaje visual repleto de códigos y conocimiento en continua evolución desde hace milenios. Muchos son los libros que nos hablan del mapa y evocadoras sus imágenes, pero este va un poco más lejos. En “Dibujo y territorio” se analiza particularmente la construcción del lenguaje gráfico del mapa en estrecha relación con los conceptos de representación y dibujo, entendiendo que son necesarias las referencias al arte, la ciencia, la técnica cartográfica, así como el estudio de su historia y valores simbólicos. Este libro dedicado a la cartografía, topografía, convenciones gráficas e imagen digital propone un acercamiento a la etimología, evolución y desarrollo de las técnicas gráficas asociadas a la representación del territorio desde sus orígenes como obras de carácter único, hasta nuestros días, con mapas creados para el consumo de masas (Lino Cabezas e Inmaculada López Vílchez); estudia la imagen visual del territorio a través de las coreografías, los panoramas y el dibujo de los descubridores (Juan Carlos Oliver); la planificación territorial (Núria Ricart)„ hasta llegar a la imagen tecnológica del territorio (Oriol Camacho); abordando otros aspectos complementarios como su extensión en el arte contemporáneo o su simbología de poder.

Dibujo y territorio. Lino Cabezas G., 

Inmaculada López V., y otros. Ed. Cátedra

325 páginas. 19,5x26 cm. Castellano

Miguel Cerro es ilustrador, y ahora también editor. El pequeño formato de edición cuidada es su territorio. Dejadez, inconformismo y otros retratos no deja de ser una recopilación de las imágenes de esas personas que tenemos más o menos cerca, que alguna vez nos han hablado de ellas o incluso, tenemos en la familia, con una personalidad muy particular y que no pasa desapercibida. Este libro recoge 30 retratos de esas personas de una manera surrealista pero con una explicación lógica, se intenta buscar por un lado, la perplejidad y el impacto a primera vista y por otro, que la propia persona encuentre la conexión con el comentario de cada imagen y tener así una idea más clara de cada personalidad.. A partir de aqui, Miguel Cerro dejará de fijarse en personas para seguir buscando otras cosas curiosas aquí, allí, dentro, fuera...

Dejadez, inconformismo y otros retratos. Miguel Cerro Rico

Ed. Libros de un extraño árbol. 11,2x14,5 cm.. 64 páginas. Castellano

“Cuadros de una exposición” es un libro-disco protagonizado por Ocazul, que nos guía por el Museo de San Petersburgo contemplando las pinturas del artista Viktor Hartmann. Acompañando el recorrido, los lectores pueden escuchar la obra que Modest Mussorgsky compuso en memoria de su amigo, interpretada por la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Giuseppe Sinopoli. Fantasía y realidad se dan la mano en este relato que invita a despertar la curiosidad, la imaginación; y donde los lienzos  toman vida, haciendo de la visita al museo una experiencia inolvidable para los sentidos. Con trazos delicados y colores suaves, Xosé Cobas acompaña  los textos y las melodías con imágenes llenas de magia, sutileza  y elegancia. Destaca el cuidado detallismo en las representaciones arquitectónicas del espacio museístico y los elaborados juegos de luz. Haciendo una recreación de los cuadros originales, el ilustrador nos introduce en la propia dimensión pictórica de las obras. Y, entre lienzo y lienzo, a modo de transición o paseo, surge una abstracción artística que refleja el sentimiento de la música;   como una sinfonía cromática, en línea con la musical. La influencia  del pintor Fernando Zóbel y los guiños al movimiento romántico están presentes en esta hermosa propuesta estética.

Cuadros de una exposición. Xosé Cobas y José Antonio Abad

Ed. Kalandaka. 24,5x21,5 cm. 48 páginas. Castellano

Joe Sacco (Malta, 1960) vive en Portland, Oregón. Tuvo su primer gran éxito a mediados de los años noventa con la novela gráfica Palesti, fruto de una inmersión de dos meses en los territorios de Gaza y Cisjordania, y con la que obtuvo el premio American Book Award. En el año 2000 publicó su siguiente obra, Gorazde: zona protegida, acerca de la guerra civil en Bosnia oriental, y por la que recibió el galardón Guggenheim Fellowship, el premio Eisner, y que el New York Times escogió como uno de los mejores libros del año, y la revista Time como mejor cómic. En 2003, y a modo de continuación de su anterior trabajo, publicó El mediador, de nuevo centrado en el conflicto de la antigua Yugoslavia.
Bumf es un cómic radical, con un sentido del humor brutal. El título hace referencia al papel higiénico en inglés coloquial: un juego de palabras que alude a documentos superfluos y material publicitario cuya utilidad pasa por, o bien limpiarse el culo, o convertirse en material de reciclaje. Bumf también hace referencia a la cantidad de información irrelevante que abunda hoy día en el periodismo más popular y sensacionalista.
Pone sobre la mesa temas ya tratados por Thomas Pynchon en su novela El arco iris de gravedad: la guerra, la violencia, la cultura militar y la perversión sexual interactúan. También está en la línea del trabajo de Robert Crumb o Chester Brown. Es arte subversivo, ese que en ocasiones los artistas consagrados abandonan a medida que sus carreras avanzan. Lo que hace Sacco en esta ocasión es remover y agitar nuestra percepción de la realidad; pone de relieve las motivaciones y objetivos de los más poderosos, sobre todo en tiempos de totalitarismos corporativos y gubernamentales. Bumf retrata a una élite militar dirigida por pervertidos sexuales que, en nombre de la seguridad nacional, comenten barbaridades. Richard Nixon –Sacco es consciente de que todos los delitos por los que Nixon fue investigado en la actualidad ya no son delito– ha resucitado en la piel de Obama para alzarse sobre las ruinas de la democracia americana. El presidente ve Estados Unidos como una versión demente del paraíso de Nixon hecho realidad: listas de asesinatos, guerras interminables, un Estado que admite la tortura, la desaparición de la privacidad, el control en nombre de la seguridad... Mientras las clases más desfavorecidas siguen sufriendo la marginación. Se trata, en definitiva, de una crítica feroz al gobierno estadounidense, y de la vuelta de Sacco a sus raíces más underground.

BUMF. Joe Sacco. Ed. Anaya Multimedia

18,5x24 cm. 288páginas. Castellano

“Al otro lado” es el tercer título de la trilogía de cuentos oníricos y sobre los sentimientos de la que forman parte Donde viven los monstruos y La cocina de noche. Permanecía inédito en España pero ahora Kalandraka se aventura a editarlo de golpe en español, gallego, catalán, euskera y portugués. Se publicó en 1981, después de que Maurice Sendak viajase a Alemania a propósito de ilustrar los cuentos de los hermanos Grimm. La huella de los pintores románticos alemanes –en concreto Philipp Otto Runge– ha quedado marcada en este libro, que ha recibido numerosos premios: Caldecott Honor Book, National Book Award for Children’s Book, Library of Congress Children’s Book, American Book Award, New York Times Best Illustrated Book, entre otros. También se percibe la influencia de los cuentos de hadas, en los que Sendak se basa para mostrar las emociones de la protagonista hacia su hermana pequeña, a la que deberá rescatar –afrontando su responsabilidad y con valentía– de los duendes que la han raptado. Además, aborda la capacidad para resolver los errores cometidos, la lealtad con uno mismo y con los demás en un mundo confuso. Maurice Sendak (Brooklyn, Nueva York, 1928 – Connecticut, 2012) realizó más de 90 libros infantiles desde 1951; una prestigiosa trayectoria por la que recibió en 1970 el Premio Andersen y el Premio Laura Ingalls Wilder en 1983. En 1996 el Gobierno de los Estados Unidos le entregó la Medalla Nacional de las Artes y en 2003 le concedieron el Premio Internacional Astrid Lindgren de Literatura Infantil, junto con la autora austriaca Christine Nöstlinger. Estudió pintura y dibujo en el Art Students League de Nueva York. Consiguió su primer empleo como ilustrador para All America Comics y en 1951 comenzó a trabajar como ilustrador para la editorial Harper and Brothers. Impulsó una auténtica revolución en el panorama literario infantil por las ideas, la forma y el contenido de sus libros.

Al otro lado. Maurice Sendak. Ed. Kalandraka

25,5x23. 42 páginas. Castellano

La serie Sexo y chapuza representa una faceta quizá desconocida de la obra de Carlos Giménez. Tras abordar la posguerra y la Transición, y manteniendo su interés habitual por lo social, aborda aquí sin tapujos la chapucera sexualidad del ser humano.
Por las páginas de este volumen integral, formado por seis álbumes, planea el fantasma del sida, al que se suma una tropa de hombres y mujeres burlados, eyaculadores precoces, preservativos que se resisten o gays que salen del armario. Todo Sexo y chapuza es, sin duda, el retrato tan real como esperpéntico de nuestras hazañas sexuales, en muchos casos menos gloriosas de lo que queremos hacer creer.
Carlos Giménez (Madrid, 1941) es el autor más importante de la historieta española de las últimas tres décadas. Cronista de la transición política en la trilogía España. Una, Grande y Libre y autor del mejor retrato interior del mundo del cómic español en la serie Los Profesionales, es también el máximo exponente del tebeo autobiográfico con las series Paracuellos y Barrio, o en álbumes como Rambla arriba, Rambla abajo. En trabajos más recientes, ha centrado su atención en la Guerra Civil española, con la tetralogía 36-39: Malos tiempos, y asimismo ha regresado al panorama de las agencias de dibujantes con la serie Pepe. Ha realizado además, a lo largo de su dilatada carrera, algunos de los mejores cómics españoles de ciencia-ficción como Dani Futuro, Delta 99, Hom o Érase una vez en el Futuro. Ha recibido los galardones más importantes del mundo de la historieta como dibujante y como guionista, entre los que destacan la Medalla al Mérito de las Bellas Artes en su categoría de Oro (2003), el Gran Premio del Saló del Còmic de Barcelona (2005) y el Premio del Patrimonio del Festival Internacional de la Historieta de Angulema por Paracuellos (2010).

Todo sexo y chapuza. Carlos Giménez

Ed. Debolsillo. 21x21cm.. 488 páginas. Castellano

Este libro recorre la argumentación teórica y una aproximación al autor a modo de conversaciones de The Black Forest, un proyecto producido para el Museo Universidad de Navarra por Iñigo Manglano-Ovalle. Su proyecto se materializa en dos cubos revestidos de madera de pino radiata, carbonizadas, usando una técnica japonesa de arquitectura conocida como “Shou Sugi-Ban”, con una antigüedad de más de mil años. Este procedimiento crea un exterior carbonizado, de color negro y plateado, que es naturalmente resistente al tiempo y la descomposición. Los dos cubos, de dimensiones de 5x5, irán acompañados por unas imágenes a gran escala tomadas en el Hayedo de Quinto Real, en el norte de Navarra, que cuentan con la misma textura que el propio carbón que sale del carbonizado del pino.  Su proceso de impresión es derivado también del carbón, material que centra todo su trabajo.
Basado en el ensayo Bauen, Denken, Wohnen (Construir, pensary habitar) del filósofo alemán Martin Heidegger, esta construcción guarda relación con la cabaña del filósofo en la selva negra, así como con cuestiones como la deforestación, la naturaleza y el impacto ecológico de la cultura contemporánea. Se trata de una crítica implícita a nuestra relación con la naturaleza a través de la imagen del carbón. Los dos cubos forman una escultura, pero también una intervención arquitectónica en el espacio.
Iñigo Manglano-Ovalle (Madrid, 1961), español afincado en Chicago, es un artista de consolidada trayectoria internacional. Sus obras han estado presentes en eventos como la XXIV Bienal Internacional de Sao Paulo, la Dokumenta de Kassel o la Bienal del Museo Whitney de Nueva York. Su trabajo está incluido en grandes colecciones como el Whitney Museum of American Art (Nueva York), Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York), Art Institute of Chicago, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (México) y el Museum of Moderne Kunst (Frankfurt), entre otros. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur (2001), premio Media Arts del Centro Wexner para las Artes, Columbus, Ohio (1997- 2001), así como una beca en el Fondo Nacional de las Artes (1995).

The Black Forest. . Íñigo Manglano-Ovalle

Ed. Museo Universidad de Navarra. 17x17 cm. 104 páginas. varios idiomas