Tonohau es una pequeña localidad nipona a la que va a parar Daniel Wells, un joven estadounidense que llega a Japón para trabajar como profesor auxiliar de inglés.

A partir de ese hecho, Lars Martinson desarrolla una historia sobre las diferencias culturales, las relaciones humanas, el amor y la soledad en el que abundan los momentos cómicos y alguna que otra escena, si no dramática, si un tanto triste.

Si bien Martinson no es un virtuoso del dibujo, demostrando un mayor talento para los ambientes y escenarios que para el diseño de personajes, su forma de trabajar es eficaz y permite mantener el interés a pesar de las más de doscientas páginas de cuenta el libro.

Lo único que llama la atención es lo extraño que resulta que un dibujo con tanta textura y trazo manual esté acompañado de bocadillos rotulados con tipografía mecánica. Un detalle aparentemente mínimo, pero que en ocasiones contrasta en exceso con el conjunto de la página. En todo caso, dicha decisión corresponde al propio autor y, como tal, habrá que tenerla como buena, al menos en lo que respecta a cómo concibió estéticamente el acabado de la obra.

Tonoharu. Lars Martinson

Sins Entido. 268 páginas. Castellano

Un completo manual para conocer los rudimentos del cine. Desde la preproducción de una película, pasando por la escritura del guión, la selección de la cámara, los objetivos, el negativo... Así hasta la postproducción. Lo único que no se detalla en este volumen sobre cómo se hace un filme son las tareas de promoción, distribución y estreno.

El director de fotografía Jack Anderson comparte con el lector sus más de tres décadas dedicado al mundo del cine. Unas lecciones que compaginan el romanticismo y la magia de la creación cinematográfica con lo prosaico de sacar adelante un proyecto en el que pueden estar involucrados cientos de personas y grandes cantidades de dinero en juego.

Además de cientos de anécdotas, el libro está ilustrado por infinidad de ejemplos gráficos, muchos de ellos, poco conocidos por proceder de fuentes profesionales, como fabricantes de equipamiento o películas independientes. De hecho, lo único que afea a este título es la constante cita en todos y cada uno de los pies de foto de la procedencia de las imágenes y los agradecimientos por su cesión, un hecho que ralentiza y dificulta la lectura, más aún cuando podía haberse resuelto incluyendo al final una página de créditos de las fotografías.

De aspirante a cineasta. Sin pegarse un tiro en el pie

Jack Anderson. Anaya Photo club. 368 páginas. Castellano

Desde la aparición de la escritura, el hombre ha creado muchos y muy diversos instrumentos para desarrollarla. De entre todos ellos, la imprenta destaca por su importancia, tanto desde el punto de vista conceptual, como por su capacidad para generar, desde su invención, grandes cantidades de material escrito.

La aparición de los tipos de imprenta supone que la escritura deja de ser un trabajo manual para convertirse en un proceso industrial, lo que hace necesario reflexionar sobre cómo trasladar aquellos elementos que caracterizan a la escritura al diseño del tipo móvil.

Albert Corbeto y Marina Garone analizan en este volumen toda esa revolución cultural que transformó diferentes disciplinas y facetas de la vida humana. Desde la industria, la sociedad, la economía y el arte, hasta la religión e incluso asuntos relacionados con la percepción. Unos cambios que continúan en la actualidad con la aparición de las tipografías digitales.

Lejos de ser un texto complejo y difícil, el libro de Corbeto y Garone resulta riguroso pero ameno, hasta el punto de no resultar descabellado pensar que, en el momento en que sea traducido al castellano, se convertirá en uno de los manuales de referencia a la hora de estudiar la disciplina en las escuelas y universidades españolas e iberoamericanas. Algo a lo que también contribuye su apéndice con un listado de las fundiciones digitales más importantes y su completa bibliografía.

Història de la tipografia.

L’evolució de la lletra des de Gutenberg fins a les foneries digitals

296 páginas. Albert Corbeto, Marina Garone.Catalán

Justin Torres, joven promesa de la literatura norteamericana y colaborador de revistas como The New Yorker y Granta, aborda en esta novela la vida de una familia de origen portorriqueño en el Brooklyn de los años 80.

Una historia de tintes autobiográficos en los que Torres va desgranando la vida cotidiana de un matrimonio latino y sus tres hijos. Anécdotas que discurren entre lo cómico, lo excesivo y que abordan la infancia y la familia desde un punto de vista diferente, alejado de tópicos y sin hurtarle ni un ápice de dureza.

Una brillante primera novela que ha rovocado que los críticos tengan muchas esperanzas en esta joven figura de la literatura anglosajona.

Nosotros los animales. Justin Torres

Mondadori. 144 páginas. Castellano

El periodismo literario es uno de los lenguajes que con más intensidad ha transformado la narrativa actual. Un fenómeno difícil de definir por su enorme extensión pero que, como sostiene María Angulo Egea, podría ser entendido como “una mirada”: encontrar en lo que todos miran aquello que no todos ven y, además, tener el convencimiento de que “no da igual contar la historia de cualquier manera”.

Partiendo de premisas similares, once autores coordinados por Jorge Miguel Rodríguez, contribuyen con sendos capítulos a este volumen, que pretende arrojar luz a este nuevo género literario que presenta la vida real como si fuera una novela.

Además de una visión general sobre este fenómeno literario, es de destacar que varios de los ensayos se centren en cómo este tipo de periodismo se ha desarrollado en países como Argentina y Colombia, lo que aleja el libro de ese recurrente anglocentrismo que suele dominar muchos de los estudios actuales.

También es de destacar el hecho de que, al final de cada capítulo, el autor del ensayo correspondiente detalla la bibliografía empleada para su redacción, lo que permite al lector ampliar sus conocimientos sobre el tema en caso de estar interesado.

Visto el resultado, no es casual que este trabajo se haya editado en el sello 451, ya que, desde hace unos años, esta editorial ha apostado por el periodismo como el tema de su colección “Documentos”, en la que, hasta la fecha, se han publicado trabajos de autores tan destacados como el norteamericano Norman Mailer (“En la cima del mundo”) o el argentino Rodolfo Wlash (“Operación Masacre” y “¿Quién mató a Rosendo?”).

Contar la realidad. El drama como eje del periodismo literario

Coord. Jorge Miguel Rodríguez. 451. 312 páginas. Castellano

“Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cinamue a nuestros tiempos” de Giorgio Vasari es uno de los libros claves para conocer la biografía de artistas claves de la época renacentista como Giotto, Filippo Brunelleschi, Donatello, Piero della Francesca, Fra Angelico, Leon Battista Alberti, Antonello da Messina, Alessio Baldovinetti, Fra Filippo Lippi, Leonardo da Vinci o, el que hoy nos ocupa, Rafael.

La editorial Cátedra, a través de su colección Cuadernos de Arte, ha rescatado de esa vasta obra la biografía del artista de Urbino y la ha puesto a disposición del público en una cuidada edición de bolsillo, que incluye reproducciones a todo color de algunas de las obras más conocidas de Rafael, como la Escuela de Atenas, el Cardenal o los Desposorios de la Virgen.

Una muy buena y económica forma de conocer algo más de la vida de Rafael y adentrarse en la obra de Vasari, cuyas “Vidas” están de nuevo a disposición del público gracias a la reedición que Cátedra ha hecho en su colección Grandes Temas.

Vida de Rafael de Urbino. Pintor y arquitecto

Giorgio Vasari. Cátedra. 96 páginas. Castellano

El presente volumen recopila las reflexiones y trabajos que los profesores y estudiantes de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid han desarrollado en relación con las necesidades y problemas arquitectónicos de la ciudad actual.
Estructurado en base al artículo “Madrid Centro: el espacio-ciudad en la metrópolis velada”, escrito por el que fuera director de esa escuela de arquitectura, Ángel Luis Fernández, el libro se completa con otros ensayos que, partiendo de aquel, abordan otros temas como la tecnificación de los espacios públicos y reflexionan sobre cómo podría mejorar la ciudad de Madrid.
Un libro que, si bien está destinado a un público familiarizado con la disciplina y la problemática urbanística y arquitectónica, puede ser disfrutado por cualquier lector –que, al fin y al cabo, es receptor de muchos de los planteamientos y soluciones que en él se exponen– y cuya vocación es ir más allá de una mera recopilación de trabajos de estudiantes para trascender el ámbito académico español.


Madrid Centro: el espacio-ciudad en la metrópolis velada
Ángel Luis Fernández et al. Escuela de Arquitectura de la UEM
Universidad Europea de Madrid. 248 páginas. Castellano e inglés

Tras dedicar más de diez años a su tesis doctoral sobre Ramón Masats, Jaume Fuster presenta este volumen en el que sintetiza algunos de los planteamientos incluidos en estudio, concretamente la labor como editor gráfico de Masats a la hora de confeccionar sus propios catálogos y libros.

A través de un repaso de la práctica totalidad de la obra de este autor, Fuster va diseccionando su personal forma de narrar historias o describir realidades a través de imágenes.

Además de por su análisis –novedoso por poner la obra de este autor en relación con disciplinas poco tratadas en ámbitos académicos como el cómic– el libro destaca por su abundancia de imágenes, las cuales ilustran lo que se va explicando y permiten ver el grado de innovación y riesgo que Masats y otros colegas de generación –entre los que también deben incluirse a sus editores, como Esther Tusquets–, corrieron a la hora de plantear títulos como “Los sanfermines”, “Contactos”, “Viejas historias de Castilla la Vieja” o “Neutral corner”.

Gracias a su trabajo, Fuster se ha ganado el derecho a que su libro ocupe un lugar destacado junto con los catálogos del maestro. De hecho, no sería mala idea compaginar la lectura de este estudio con la revisión de los libros de Masats para sacar de ellos toda su esencia y sentido.

La edición fotográfica en Ramón Masats

Jaume Fuster. Institució Alfons El Magnànim

Diputació de València. 126 páginas. Castellano

Tomando como punto de partida su discurso de recepción en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Antonio Bonet Correa repasa la historia del café como lugar de encuentro y tertulia desde su creación hasta la actualidad. Un viaje en el tiempo que está estrechamente relacionado con la evolución cultural de occidente y cuya influencia se ha dejado sentir en cuadros, dibujos, poemas, novelas, ensayos y otras formas de expresión artística. De hecho, estos materiales son parte importante del libro que, a lo largo de sus páginas, ilustra lo narrado con múltiples imágenes y, en sus capítulos finales, incluye poemas relacionados con esos locales e incluso un estudio sobre los libros que hablan del tema.

De lectura amena y nada academicista, a pesar de su origen, “Los cafés históricos” es un libro que gustará a un gran número de lectores que disfrutarán de las anécdotas bien por interés histórico, bien por el vínculo emocional que toda persona tiene con ese tipo de lugares por haber pasado en ellos algún momento destacado o amable de su vida.

Además, el libro funciona como una interesante fuente de información a la hora de que el lector abra nuevas sendas por las que satisfacer su curiosidad artística o literaria gracias a la gran cantidad de citas, nombre y obras que se mencionan en él.

Los cafés históricos. Antonio Bonet Correa

Cátedra. 348 páginas. Castellano

Cada año suelen aparecer varios títulos que recopilan los trabajos de diseño gráfico e interiorismo que se han realizado a lo largo de los meses anteriores en campos como el diseño de locales comerciales y de tarjetas de visita. Son libros que suelen tener un público fiel conformado por aquellos cuyos trabajos aparecen incluidos en ellos y sus colegas de profesión, interesados en saber lo que se ha hecho en otros lugares del mundo en su sector.

Las diferencias entre todos esos libros suelen ser pocas pues todos acostumbran a tener una buena factura en lo que se refiere a diseño e impresión. Sin embargo, si nos fijamos bien hay elementos que marcan la diferencia. Este es el caso del libro que nos ocupa, una producción de la editorial alemana Gestalten que destaca por la buena selección de los trabajos que, todo hay que decirlo, ha sido realizada únicamente en base a criterios de calidad y no mediante contraprestación económica por parte de los elegidos hacia la editorial, costumbre que, aunque pueda sorprender a muchos, suele ser habitual en muchos de estos libros recopilatorios.

En sus páginas pueden encontrarse interesantes ejemplos de imágenes corporativas para pequeños negocios de todo el mundo, que demuestran que las pequeñas empresas también pueden disponer de un diseño correcto, sorprendente y cuidado, sin necesidad de realizar grandes desembolsos. De hecho, muchas de las propuestas juegan con soluciones que resultan baratas a la hora de producir, lo que evita que el cliente, después de pagar el diseño o de hacer la primera tirada, lo abandone por no poder asumir reimpresiones de los papeles de carta, las facturas o las tarjetas.

Por último, otra de las diferencias de este volumen respecto de sus competidores es el hecho de estar impreso en Alemania que, aunque pueda resultar ligeramente más caro que hacerlo en China, permite afirmar sin sonrojarse que realmente se han respetado las normativas ecológicas y laborales.

Introducing:. Visual identities for small businesses. VV. AA.

(Ed. Robert Klantes, Sven Ehmann y Anna Sinofzik)

Gestalten. 256 páginas. Inglés

Son pocos los autores que pueden ser considerados renovadores del lenguaje o sector artístico en el que desarrollan su creatividad. No nos equivocaríamos si incluyésemos a Joe Sacco en esa minoría de dibujantes que con su obra ha abierto nuevas sendas en el campo de la novela gráfica. Si bien es cierto que retoma propuestas como las que Will Eisner o Harvey Peckard pusieron en marcha en las décadas de los 60 y 70, sus reportajes sobre Palestina o la antigua Yugoslavia han hecho que el mundo del cómic conviva con el del reportaje periodístico clásico y crezca en madurez y complejidad.

“Reportajes”, editado en nuestro país por Mondadori, recopila algunos de los trabajos periodísticos que este ilustrador, nacido en Malta pero nacionalizado norteamericano, ha realizado en los últimos años en países y zonas en conflicto como India o el Cáucaso. En todos ellos, demuestra su gran talento para trasladar a imágenes y en forma de narración secuencial los testimonios que ha ido recogiendo a pie de calle. Unas vivencias que, por su crudeza y su dramatismo podrían alejar a los lectores, pero que en manos de Sacco se tornan historias apasionantes, absorbentes, de esas que no pueden abandonar una vez que se ha comenzado a leerlas.

“Reportajes” destaca también por incluir algunos trabajos realizados en color, técnica poco habitual en Sacco, y que en sus manos no es un mero ornamento sino un recurso narrativo que enriquece la historia sin entorpecerla.

Reportajes. Joe Sacco

Mondadori. 168 páginas. Castellano

Después de leer este título, ya no hay excusas para no ponerse manos a la obra y diseñar toda una familia de letras con sus diferentes pesos.

Gracias al espíritu didáctico que guía a todos los libros publicados por Tipo e Editorial, aquellos que se acerquen por primera vez al mundo de la tipografía por ordenador encontrarán en este “Cómo crear tipografías”, sencillas explicaciones, tanto en lo que se refiere al hecho concreto de diseñar como a lo que se refiere al corpus teórico relacionado con esta disciplina o los problemas actuales a los que se enfrenta.

Los responsables de esta proeza pedagógica han sido Laura Meseguer, Cristóbal Henestrosa y José Scaglione, tres de los tipógrafos más destacados del momento en España e Iberoamérica, que, en lugar de escribir un libro a seis manos, han preferido repartirse las diferentes secciones, dejando que cada uno de ellos aborde aquello que mejor conoce.

El libro se completa con un abundante material gráfico que va ejemplificando lo que se cuenta en los textos, que destacan además de por su sencillez, por la cercanía hacia el lector con la que están escritos, especialmente en los últimos capítulos en los que Meseguer y Henestrosa, explican por qué eligieron su profesión y de dónde viene su pasión por la tipografía.

Como broche, el volumen se cierra con un glosario de términos que, aunque breve, siempre resulta de útil.

Cómo crear tipografías. Del boceto a la pantalla

Cristóbal Henestrosa, Laura Meseguer, José Scaglione

Tipo e Editorial. 144 páginas. Castellano

En un mundo en el que la imagen en movimiento tiene una total omnipresencia en los medios de comunicación y la vida cotidiana, es comprensible que muchos de los lenguajes que hasta ahora eran predominantemente estáticos, como los escritos o meramente gráficos, muten para incorporar la animación.

Esta es la base de “Informotion” un volumen en el que se recopilan algunos de los mejores trabajos de infografía realizados en el mundo, en los que la animación tiene un papel predominante a la hora de presentar los datos.

Sin embargo, lo que diferencia a este libro de otros semejantes es que “Informotion”, además de una recopilación, es un manual sobre cómo desarrollar ese tipo de proyectos.

De esta forma, a lo largo de sus capítulos se abordan desde nociones básicas sobre qué es una infografía, los diferentes tipos de diagramas para presentar los datos o referencias a la teoría de la percepción –y a las leyes de la simetría, la proximidad y la continuidad–, hasta los formatos y resoluciones a las que deben desarrollarse este tipo de trabajos, las tipografías que mejor funcionan en movimiento, las técnicas de animación, los colores, los ángulos de cámara o las locuciones.

A pesar de su abundante contenido, la oferta de este volumen no acaba en su formato papel. Los editores del libro han creado un apartado en la página web de la editorial Gestalten desde el que se puede descargar un vídeo explicativo tecleando un código que aparece en cada uno de los ejemplares. Una solución que consigue armonizar su contenido referente a lo audiovisual con el tradicional formato en papel y que nos demuestra que, si bien el libro digital puede ser el futuro, el presente del libro convencional es capaz de resolver satisfactoriamente las necesidades de los lectores.

Informotion- Animated infographics

Tim Finke, Sebastian Manger (Ed.) y Stefan Fichtel (Co-Ed.)

Gestalten. 208 páginas. Inglés

El Centro de Diseño de Castilla La Mancha presenta la monografía dedicada al que, sin duda, es uno de los diseñadores más importantes del país y, más concretamente, de esa comunidad castellana: Pepe Cruz Novillo.

A pesar de la brevedad del espacio disponible, apenas cuarenta páginas, los autores, Manuel Álvarez Junco y Miguel Ángel Milá, logran hacer un exhaustivo repaso a la extensa carrera de Cruz Novillo, desde sus comienzos en la Escuela de Artes y Oficios de Cuenca, pasando por la agencia de publicidad Clarín y hasta sus proyectos actuales con el estudio Cruz+Cruz. Dicho repaso se hace principalmente por medio de una extensa entrevista, a cargo de Milá, la cual se acompaña con un texto de introducción de Álvarez Junco y una cronología de su carrera, en la que se detallan galardones recibidos, exposiciones realizadas en solitario o colectivas, una lista de los museos y colecciones que atesoran algunas de sus obras y aquellas esculturas que están en edificios o lugares públicos.

La monografía se completa con una muy buena selección de imágenes en la que, además de los trabajos más conocidos del diseñador, se incluyen otros no tan populares pero igual de interesantes.

Cruz Novillo. Colección Creativos 5

CLM Diseño. 40 páginas. Castellano

“Expresiones de la locura”, definido por Paul Éluard como “el libro de imágenes más bello que ha existido”, es uno de los primeros textos que analiza desde un punto de vista crítico las expresiones artísticas desarrolladas por personas aquejadas de problemas mentales. Un texto publicado por primera vez en 1923 y que se ha convertido en un clásico gracias a la fascinación que provocó en artistas de la talla de Picasso, Dalí o Klee y a haber asentado las bases de lo que posteriormente sería conocido como el art brut. El libro recorre desde un punto de vista psicológico y psicopatológico esa creación artística que surge sin ser consciente de serlo y que nace de la irrefrenable necesidad del ser humano de crear hasta en las situaciones más adversas. En sus páginas se dan cita todo tipo de técnicas como dibujos, pinturas, collages, textiles e incluso creaciones literarias realizadas con escasos medios técnicos, siendo algunos de los soportes de estas obras, materiales tan humildes como el papel higiénico, periódicos viejos, papel de pared o miga de pan y saliva. A pesar de su importancia y trascendencia en el mundo del arte, “Expresiones de la locura” permanecía inédito en nuestra lengua hasta ahora, cuando la editorial Cátedra se ha decidido a publicarlo en una cuidada edición en tapa dura en la que se incluyen ilustraciones en blanco y negro y color de las obras analizadas.


Expresiones de la locura.. El arte de los enfermos mentales Hans Prinzhorn. Cátedra. 386 páginas. Castellano

La obra de Velázquez ha marcado la carrera de buena parte de los pintores que lo sucedieron. Nombres como los de Renoir, Manet, Picasso, Degas o Dalí encontraron en el pintor español un referente que marcó buena parte de su producción llegando, en ocasiones, a ser casi una obsesión, como en el caso de Francis Bacon, quien dedicó toda una serie de lienzos a reinterpretar su retrato del Papa Inocencio X.

A pesar de la innegable importancia de su obra, que ha dado lugar a innumerables estudios, lo cierto es que se conoce poco de su vida más allá de su matrimonio con la hija de su maestro Francisco Pacheco, sus viajes a Italia, o su nombramiento como pintor de la corte de Felipe IV.

El investigador francés Bartolomé Benassar parte de los avances que, en el campo de la biografía velazqueña, se produjeron en los actos del cuarto centenario de su nacimiento y nos ofrece este libro en el que, a través de un texto asequible, conciso y ameno, traza una breve biografía del pintor Sevillano. Un trabajo que puede ser una buena introducción para aquellos que posteriormente quieran ahondar en estudios más extensos y eruditos.

El libro se completa con un pliego en el que se muestran a algunas de sus obras más destacadas, acompañadas de una breve explicación; un capítulo de referencias cronológicas relativas a la época en que vivió Velázquez; una bibliografía; un índice onomástico y otro de las obras del pintor citadas en el texto.

Velázquez. Vida. Bartolomé Bennassar

Cátedra. 248 páginas. Castellano

Desde hace unos años asistimos a la proliferación de libros que nos recomiendan qué obras literarias, discos, películas o ciudades hay que leer, escuchar, ver o visitar antes de morir.

Estos trabajos editoriales que normalmente responden a un canon occidental de las disciplinas tratadas, quedando fuera otras realidades culturales, acostumbran a tener resultados desiguales y parecen estar destinados a facilitar la vida tanto a los que la avalancha de información actual les desborda, como a los que precisan de un prescriptor para tomar sus propias decisiones.

Aunque “1001 cómics que hay que leer...” no deja de ser una propuesta similar a aquéllas, su enciclopédico contenido, su inteligente selección de títulos y su intento por abarcar obras de todos los rincones del mundo, lo hacen un volumen muy interesante que permite que los no iniciados se acerquen sin miedo al mundo del tebeo y los que ya disfrutan de este género descubran títulos o autores que desconocían.

Como sucede con cualquier selección, y más aún cuando se hace en territorios tan amplios como el cómic mundial, los criterios de selección del compilador pueden no coincidir con los del lector, que echará a faltar muchos títulos y discrepará de la inclusión de otros. En todo caso, este “1001 cómics que hay que leer...” es un estupendo entretenimiento que no se agota en una sola sentada y al que se puede regresar tantas veces como queramos.

1001 cómics que hay que leer antes de morir

Paul Gravett. Grijalbo. 960 páginas

Aquellos que quieran introducirse en el mundo de la fotografía como forma de expresión tienen en este libro una buena oportunidad para ello.

En este didáctico título, este teólogo de formación y fotógrafo de profesión, repasa diferentes temas relacionados con el hecho de tomar fotografías como los encuadres, el foco, la exposición, la profundidad de campo, la velocidad de obturación y los significados que estos elementos o su resultado tienen a la hora de leer las imágenes según los cánones estéticos occidentales.

Tras esta introducción más general, Du Chemin pasa a analizar veinte fotografías de su autoría que son diseccionadas minuciosamente a través de explicaciones escritas y gráficos. En dichos análisis, el fotógrafo valora la elección de los encuadres (mostrando las fotos elegidas y otras de la misma serie que fueron descartadas), los puntos de fuga, las líneas implícitas, el color, la distribución de elementos, la proporción áurea, etc.

Un índice onomástico y un texto a modo de conclusión por parte del autor en el que explica que la fotografía es mucho más que lo que él puede resumir en un libro, ponen punto y final a este volumen que, a pesar de esas lógicas reservas enunciadas por Du Chemin, no deja de ser una forma de acercarse a este lenguaje artístico.

El lenguaje fotográfico. David Du Chemin

Anaya. 272 páginas. Castellano

Hace unos meses nos hacíamos eco de la aparición de la edición norteamericana de “Mister Wonderful”, disponible en España gracias a Penguin, y nos preguntábamos cuánto tendríamos que esperar para disfrutar de la edición en castellano.

No ha hecho falta esperar mucho para responder a esa cuestión pues, desde mediados del mes de marzo, ya está en las librerías la edición española. La hazaña se la debemos a Reservoir Books, el sello más transgresor de Mondadori, que como sucedió con títulos anteriores de Daniel Clowes como “Ice Heaven” y “Wilson”, ha respetado el formato y acabados originales de “Mister Wonderful”.

En este nuevo título, Clowes retoma sus personajes atormentados para construir una historia que, aunque él define como “de amor” en el subtítulo, en el fondo sigue conteniendo esa amargura y acidez que lo han convertido en uno de los mejores autores de cómic del mundo.

Desde el punto de vista estético, “Mister Wonderful” es todo un recital de dibujo, composición y entintado. Un estupendo trabajo que supone un hito más en el la coherente y sólida carrera de este autor norteamericano.

Mister Wonderful. Daniel Clowes

Reservoir books. 80 páginas. Castellano

Sins entido presenta este curioso libro cuya principal novedad es el hecho de que su lectura no se circunscribe a las páginas que lo conforman, sino que continúa en el terreno digital visitando la sección que la página web de la editorial ha habilitado para esta obra.

Un experimento visual y todo un lucimiento por parte de su autor, Marc-Antoine Mathieu, que construye una compleja historia a través de series de viñetas que recrean fragmentos temporales de tres segundos cada uno, por ser ese el tiempo que necesita la luz en recorrer 900.000 kilómetros y una bala de revólver en recorrer un kilómetro.

“3 segundos” es una interesante historia de cine negro sin una sola línea de diálogo, en el que los juegos de espejos, la óptica y un zoom continuo juegan un papel fundamental a la hora de esbozar una historia que requiere de la participación total del lector, quien debe armarla como si se tratase de un puzle compuesto por decenas de piezas que, tomadas desde el punto de vista artístico, adquieren la forma de viñetas y, desde el temporal, de pequeñas fracciones de tiempo.

3 segundos. Marc-Antoine Mathieu

Sins entido. 72 páginas. Castellano

La renovada colección Anaya Photo Club aborda en este volumen el mundo de la fotografía y su relación con la animación y el 3D.

De la mano de Xanti Rodríguez, el lector se adentrará en los secretos de estas disciplinas de forma paulatina, comenzando con un diccionario de términos que facilitarán la comprensión de las explicaciones posteriores, continuando con la elección del material, el equipo informático, los programas de retoque y edición, y concluyendo con consejos destinados a mejorar y enriquecer el producto, que van más allá del mero dominio de la técnica.

El libro se acompaña de un DVD en el que se incluyen las imágenes y materiales de los ejemplos tratados en los tutoriales, con la intención de que el usuario pueda recrear en su casa el proyecto o resolver dudas al respecto en cualquier momento.

La única pega que podemos encontrarle a este título (y que no es achacable al autor ni a la editorial) es su limitada vigencia. A consecuencia de las continuas innovaciones en el campo tecnológico y estético, es fácil presumir que muchas de las explicaciones y ejemplos que aquí se contienen se quedarán obsoletas porque obsoletos quedarán los programas con los que se han realizado o las tendencias estéticas en boga en el momento actual. En todo caso, una buena compresión de cómo se construyen este tipo de proyectos permitirá al lector adaptarse sin problemas a las modificaciones que puedan producirse en este campo en el futuro.

Fotografía y cine de animación

Xanti Rodríguez. Anaya. 256 páginas. Castellano

Lisa Moore aborda en esta novela su propia experiencia con la muerte, la tragedia familiar, la ausencia y los recuerdos.
La escritora canadiense se remonta al 14 de febrero de 1982, fecha en la que una fuerte tormenta provoca el hundimiento de la plataforma petrolera Ocean Range en las costas de Newfoundland. “Febrero” narra los hechos posteriores a ese terrible suceso en el que perece su esposo y cómo se ve obligada a continuar su vida sola, con un hijo y otro por nacer.
Un relato que presta especial atención a los detalles cotidianos, a las descripciones psicológicas de los personajes y que, a pesar de su crudeza, contiene momentos de verdadera belleza literaria y buenas dosis de mordacidad.

Febrero. Lisa Moore
541 editores. 328 páginas. Castellano

La museología es una de las disciplinas que más ha evolucionado en los últimas décadas. La preocupación de las instituciones públicas por la cultura y las políticas que permitan el acceso de los ciudadanos a la misma, han sido claves para que los centros de arte evolucionasen hasta cotas inimaginables en épocas anteriores.

A la sombra de esta nueva realidad han surgido ensayos y tratados que sistematizan y recopilan todos esos avances, como fue el caso de “Introducción a la nueva museología” que, desde su aparición a fines de los años 90, se convirtió en uno de los textos claves en lo que se refiere al panorama español de los museos.

Más de diez años después, este estudio de Luis Alonso Fernández ha sido revisado y actualizado por Isabel García Fernández quien, entre otras cosas, ha acortado el título hasta convertirlo simplemente en “Nueva museología”, por entender que sus contenidos van más allá de la mera introducción y son un estudio en profundidad del tema hasta el punto de transformar muchos de los planteamientos que regían la disciplina.

Además de repasar la historia de los museos, los criterios de organización y catalogación de las colecciones o el contexto social e histórico en el que surgieron y evolucionaron, “Nueva museología” incluye un glosario de términos relacionados con el tema, un índice analítico y otro temático y una muy útil bibliografía comentada que, no solo detalla los títulos, autores, editoriales y años de edición, sino que también explica brevemente sus contenidos, lo que resulta una ayuda inestimable a la hora de valorar si el libro es o no de nuestro interés.

Nueva museología. Luis Alonso Fernández

Alianza Forma. 208 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Gustavo Gili podemos disponer en España de la versión en castellano de la colección que, sobre el mundo del diseño industrial y gráfico, ha editado el Design Museum de Londres.

Entre los títulos disponibles se encuentra “¿Cómo diseñar una silla?”, “¿Cómo diseñar una lámpara” y el que hoy nos ocupa, “¿Cómo diseñar un tipo?”.

Gracias a su lenguaje sencillo y al abundante material gráfico que lo ilustra, el lector interesado por el mundo de la tipografía, sea profesional, estudiante o profano, encontrará en este volumen las nociones básicas de esta disciplina, desde los inicios de la escritura, su mecanización, su evolución estilística a lo argo de la historia y, finalmente, su digitalización.

Una entrevista con Jonathan Barnbrook y Marcus Leis Allion, ilustrada con ejemplos de sus tipografías, y un breve glosario de términos, completan el contenido de este libro.

Cómo diseñar un tipo. Design Museum / OctopusLtd.

Gustavo Gili. 112 páginas. Castellano

En países donde la industria de ocio está muy desarrollada, es habitual que los estrenos cinematográficos nazcan vinculados a otros productos como cómics, cromos, productos de alimentación o ropa. En España, sin embargo, son pocos los ejemplos de películas al margen de la industria de Hollywood que se basan en este tipo de estrategias para su promoción. Este es el caso de “Lobos de Arga”, película de Juan Martínez Moreno que, unas semanas antes de su estreno, presentó su versión cómic cuya adaptación ha corrido por cuenta de Hernán Migoya, Rubén del Rincón, Manuel Carot y Carlos del Rincón.

Como en el guión original, la provincia orensana de Agra es el escenario de las aventuras y desventuras de Tomás Mariño, un joven escritor que es requerido con engaños por los habitantes del pueblo para acabar con una maldición centenaria.

Migoya, que últimamente no para en su labor como guionista de ficción para cómics, realiza una gran labor de adaptación que trufa con tronchantes chistes y detalles que, junto al buen trabajo de todos los dibujantes implicados, convierten al tebeo en un divertido complemento de la película.

Lobos de Arga. Migoya, Rubén, Man, Carlos

Glénat. 80 páginas. Castellano

Anaya ha renovado su colección Photo Club con la publicación de nuevos títulos, que incorporan las últimas novedades, técnicas y estéticas en el mundo de la imagen.

Entre esas novedades se encuentra este “Iluminar, disparar y retocar”, un volumen esencialmente práctico en el que se explica a través de múltiples ejemplos gráficos y textos concisos, cómo se trabaja la iluminación en la toma fotográfica y se lleva a cabo todo el proceso posterior de postproducción con programas de retoque de imagen.

Entre los ejemplos que se incluyen en el libro están las iluminaciones propias de retratos de cuerpo entero, de primer plano, para editoriales de moda, para temática deportiva o con una, dos, tres y cuatro luces. Además, el libro incluye información sobre el material necesario para desarrollar este tipo de proyectos, como los diferentes tipos de flash, lámparas de luz continua, las cámaras de fotos, los fondos, los ventiladores, etc.

En conjunto, el libro está destinado tanto a aficionados como a profesionales de la fotografía con experiencia que, si bien conocerán muchos de los temas que aquí se tratan, siempre podrán encontrar trucos útiles para sus sesiones fotográficas.

Iluminar, disparar y retocar. Scott Kelby

Anaya multimedia. 272 páginas. Castellano

Otro de los libros monográficos sobre fotografía que forma parte de las novedades de la colección Anaya Photo Club. En esta ocasión el tema a tratar es la toma nocturna y las fotografías de larga exposición.

A la hora de organizar el contenido, Harold Davis ha optado por combinar la explicación puramente teórica con ejemplos en los que narra sus propias experiencias y detalla las particularidades y anécdotas que rodearon la realización de algunas de sus fotografías.

A diferencia de otros títulos, que prestan una especial atención a los tutoriales de los programas de retoque de imagen, “Fotografía nocturna...” opta por dar más protagonismo a las fotografías acabadas y a los textos explicativos, por entender que la clave de este tipo de imágenes está en la toma, momento en el que hay que resolver dificultades como el apoyo de la cámara, el tiempo de exposición, el viento, o el movimiento de los objetos presentes en el plano.

Fotografía nocturna y de larga exposición. Harold Davis

Anaya Photo Club. 224 páginas. Castellano

Camille Vannier narra en este libro sus experiecias en un piso compartido de Barcelona a través de las particularidades de sus habitantes. Desde aquél que tiene pasión por contemplar competiciones deportivas en la televisión, a las chicas adictas al incienso, sin olvidar el que solo puede comer con su tenedor o el que únicamente ingiere sopa.

Un libro sencillo, ameno, que destaca por la buena integración entre el dibujo a lápiz y los textos rotulados a mano y la forma de tratar a los personajes, cuyos rostros son sustituidos por los números relativos al orden en el que se incorporaron al piso.

También es reseñable el buen trabajo de Sins entido en lo que se refiere al diseño o los acabados de la edición. Sin embargo, se echa a faltar en este título tan amable algo de la mala leche, el humor ácido y el ingenio que caracteriza a esa otra obra cumbre del costumbrismo sobre pisos compartidos que es la película “Gente Pez”.

El horno no funciona. Camille Vannier

Sins entido. 136 páginas. Castellano