Pocos apostarían –nosotros los primeros–, que un libro sobre un dibujante ruin, vago, facundo y adicto a las películas pornográficas, resultara una narración ágil, divertida y que consiguiera atrapar al lector desde la primera a la última página. Sin embargo, y en contra de lo esperado, así es “Consumido”, obra del norteamericano Joe Matt que continúa su serie “Peepshow” y en la que también aparecen otras figuras claves del tebeo actual como Seth o Chester Brown.
A las virtudes propias de este título se suma, como es habitual en la editorial Fulgencio Pimentel, un cuidado acabado, magnífica rotulación y, sin desmerecer la labor de Matt, es de recibo reconocer que buena parte de responsabilidad a la hora de hacer este libro ameno y absorbente es de los traductores, que consiguen que las interminables intervenciones del protagonista tengan un lenguaje ágil y coloquial, sin traicionar el espíritu del original.
A pesar de sus grandes virtudes, “Consumido” tal vez no sea un libro para todos los públicos ni para un lector poco familiarizado con los cómics. Además de carecer de una acción trepidante, su temática puede alejar de sí a un sector, principalmente el femenino, que no encuentre interesante, por ejemplo, la afición del protagonista por construir una colección de películas porno a las que ha espulgado de aquellas escenas superfluas. De hecho, el propio Matt bromea con ese asunto en un divertido marca páginas incluido en la edición y en el que dos chicas dan su sincera opinión sobre “Consumido”. El público masculino, sin embargo, se sentirá realmente retratado en muchas de sus páginas.

Joe Matt. Fulgencio Pimentel
128 páginas. Castellano

Como cada año, el FAD publica su memoria a actividades. En esta ocasión se trata de un grueso volumen diseñado por David Torrents y Silvia Mínguez en el que, además de repasar lo hecho por esta asociación a lo largo del 2010, se proponen ciertas cuestiones relacionadas con la profesión de diseñador como “¿Diseñar es la mejor manera de prever el futuro?”, “¿Podemos cambiar el presente?”, “¿Cuál es nuestro sitio?”, “¿Debemos diseñar para la gente? ¿O con la gente?”. 
Aprovechando que estamos con preguntas, nosotros planteamos las siguientes: “¿Por qué este año el libro del FAD solo tiene un volumen”, “¿Por qué a la hora de elegir cuál de los dos se eliminaba, se ha decidido eliminar aquél que muestra los trabajos de los socios y mantener el que sirve de tarjeta de visita de la asociación ante las instituciones públicas y las empresas?”.
En ocasiones, las asociaciones se olvidan de que son sus socios los que las dotan de sentido y de fuerza. Las relaciones, acuerdos y prebendas procedentes de empresas, instituciones o gobiernos solo son posibles en la medida de que aquellos hacen que sean entes con representatividad y capacidad para negociar en nombre del colectivo.
Por ello, y aunque a la gente que subvenciona este tipo de organizaciones les encanta ver en qué se ha  gastado su dinero, a los socios, que suelen disfrutar de una situación económica menos desahogada que la de esas empresas, tampoco les viene mal poder mostrar al mundo qué es lo que hacen.
Tal vez la solución sea que un año se publique el libro de socios y otro la memoria o incluso, que ésta última, dado que no es más que un trámite, se publique en pdf. Además de los socios, lo agradecerá el medio ambiente.

Les preguntes són més importants que les respostes? 
Varios autores. FAD. 698 páginas 
Catalán. Castellano. Inglés

Gracias a la editorial Debolsillo, perteneciente a Random House Mondadori, los seguidores de Carlos Giménez van a poder disfrutar en breve de toda su obra. No es una exageración. Cuando decimos toda, es toda pues, gracias a la colección “Todo...” ya se ha editado “Todo Paracuellos”, “Todo 36-39: Malos tiempos”, “Todo los profesionales” y el próximo otoño está prevista la publicación de “Todo Barrio”, a la que seguro que seguirán las “Historias de sexo y chapuza”, “España una... grande... y libre” y los álbumes de historias independientes.
Tras abordar su infancia en los colegios de Auxilio Social y su adolescencia en la Barcelona de los años 50, Carlos Giménez recopiló en los diferentes tomos de “Los profesionales” sus recuerdos sobre sus primeros años como dibujante de tebeos profesional en la Agencia Selecciones Ilustradas de Josep Toutain.
Aunque la vida del dibujante de cómics español nunca ha sido un camino de rosas, de las aventuras narradas por Giménez en esta obra y del prólogo firmado por José Mª Beá se tiene la sensación de que no había nadie más afortunado en esa época y en este país que los dibujantes.
En ese aspecto, “Los Profesionales” tal vez sea la obra más optimista y divertida de Carlos Giménez. Un trabajo en el que las miserias de la España autárquica y la dictadura, las agotadoras jornadas de trabajo, los bajos sueldos o la tiranía de los jefes, quedan en un segundo plano, ocultas por las salvajes gamberradas que esta pandilla de ilustradores cometían constantemente.
Como regalo, la editorial ha incluido también en este volumen “Rambla arriba, Rambla abajo”, libro independiente pero más cercano a la temática de “Los profesionales” que a “Paracuellos”, “Barrio” u otras obras de su autor.

Todo Los profesionales. Carlos Giménez
Debolsillo. 664 páginas. Castellano

Cuando un autor declara convencido que la trama, los personajes, el escenario y el tema son los mayores enemigos de la novela, es evidente que estamos ante un autor muy particular. Este es el caso de John Hawkes, escritor estadounidense nacido en 1925 y renovador de géneros clásicos como la novela negra, el relato de aventuras bélicas o el western.
“La pata del escarabajo” es un ejemplo de este último caso, una parodia de las aventuras de Oeste norteamericano tantas veces exploradas por el cine y las novelitas “pulp”. Todo lo que sucede en ella gira en torno a la construcción de una presa en una ciudad en medio del desierto, o mejor dicho, a la no construcción de la misma a consecuencia de un accidente, hecho que trunca las esperanzas de prosperidad de todo el pueblo. La única esperanza de los habitantes es aferrarse al mito de Mulge Lampson, el trabajador fallecido durante las obras, cuya muerte provocó la paralización del proyecto y cuya vida y acciones convierten en leyenda.
Una novela diferente, que ha llegado a manos del lector español gracias a la editorial Meettok y al esfuerzo de Jon Bilbao, traductor y autor de un entusiasta prólogo a través del cual transmite al lector su admiración por Hawkes.

La pata del escarabajo. John Hawkes
Meettok. 230 páginas. Castellano

En una sociedad predominantemente visual como la que habitamos, pocos dudan de que la imagen se ha convertido en un lenguaje en sí mismo.

Si en el pasado la importancia de los hermeneutas se basaba en su talento y capacidad para desentrañar los significados de las Escrituras o cualquier otro texto, en la actualidad el verdadero poder recae en aquél que es capaz de interpretar los cientos de signos visuales a los que estamos expuestos cada día.

Sin embargo, y a pesar de su trascendencia, pocos han sido los que se han atrevido a abordar el tema en un tratado exhaustivo que plasme la complejidad del signo visual desde otras culturas que no sea únicamente la occidental.

El Groupe m asumió este reto de analizar el signo visual y lo hizo desde un punto de vista amplio que, no solo evitaba el etnocentrismo, sino que abarcaba diferentes disciplinas como la semiótica, la psicología, la retórica y la geometría. Sus conclusiones, redactadas en forma de tratado en 1993, vuelven a estar a disposición del público casi veinte años después de su primera aparición gracias a Cátedra y su colección Signo e imagen.

A pesar de lo atractivo e interesante del tema, “Tratado del signo visual” no es un texto amable y, si bien aporta respuestas a las cuestiones relativas a este tema, lo cierto es que el lector se las tendrá que ganar a pulso, poniendo de sí atención, esfuerzo y conocimientos aunque, por otra parte, nadie dijo que esto del saber era sencillo o se obtenía por gracia divina.

Tratado del signo visual. Groupe m

Cátedra. 448 páginas. Castellano

Alan Moore, prestigioso guionista de cómics y autor de clásicos recientes del género como “V de Vendetta”, “La liga de los hombres extraordinarios” y “Watchmen”, firma “La historia del año” y “El retorno”, los dos volúmenes de “Supreme”, un superhéroe creado por Rob Liefeld inspirándose en Supermán pero con una personalidad más oscura que la del héroe de Kripton.
A mediados de la década de los noventa, Moore se encontraba trabajando en proyectos tan complejos como “From Hell” y “Lost Girls”, por lo que la propuesta de Liefeld de encargarse de los guiones de Supreme supuso para él una vía de escape que le permitía relajarse y volver a abordar el género de superhéroes. Sin embargo, lo que en manos de cualquier otro guionista se hubiera convertido en algo ligero e intrascendente, en manos de Moore fue un cómic que rendía homenaje a la edad dorada del tebeo norteamericano de aventuras y superhéroes en el que las tramas y los personajes se sucedían de forma sorprendente.
Más de una década después de su aparición, DeBolsillo rescata esta obra que hará las delicias de los aficionados a Moore y que permitirá familiarizarse de forma sencilla y amable con la obra del autor inglés a aquellos que nunca hayan tenido la suerte de disfrutar sus creaciones.

Supreme 1 y 2. Alan Moore
DeBolsillo. Mondadori. 256 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Glénat y a su colección Integral, los aficionados al tebeo han podido conseguir en un solo volumen clásicos del género que en origen aparecieron por entregas en las revistas de cómic o que estaban desperdigados en diferentes libros, muchos de ellos imposibles de encontrar actualmente.

Así ha sucedido con “Taxista” de Martí, “Makoki” de Gallardo, Mediavilla y Borrayo y, más recientemente, con “El bueno de Cuttlas” de Calpurnio, personaje del que se acaba de editar el segundo volumen de sus obras completas.

A pesar de haber tenido una vida un tanto errática, que hizo que durante algunos años Cuttlas desapareciera de la escena del tebeo, lo cierto es que en todas las ocasiones en que Calpurnio ha retomado el personaje, su producción ha sido asombrosamente grande.

Tanto es así, que las historias incluidas en este volumen solo abarcan los tres álbumes que editó Glénat recopilando las páginas que se habían publicado en El País de las Tentaciones, faltando todavía todas aquellas que, desde hace casi una década, se vienen publicando en el periódico gratuito 20 minutos.

Un hecho que augura que habrá un tercer e incluso un cuarto volumen integral de Cuttlas. Una magnífica noticia para todos los aficionados a las divertidas e inteligentes aventuras de este personaje cuya sencillez y esquematismo se limita únicamente a su apariencia exterior.

El bueno de Cuttlas. Integral 2. Calpurnio

Glènat .166 páginas. Castellano

La historia de la literatura está llena de manuscritos rechazados, de escritores malnutridos incapaces de alimentarse de su arte y de editores ciegos al éxito editorial aunque lo tengan delante de sus narices. Proust, García Márquez, Navokov, Joyce, Lowry son algunos de los nombres incluidos en la larga lista de autores que, en un momento u otro de sus carreras, fueron rechazados por una editorial.

Esta realidad, tan habitual como sorprendente, ha dado pie a Íñigo García Ureta para escribir este ensayo sobre el fracaso que, lejos de caer en el derrotismo, lleva un optimista título: “Éxito”.

Con una larga experiencia profesional como editor y gracias a la desinteresada colaboración de algunos de sus colegas cuya opinión no ha dudado en consultar a través de encuestas, García Ureta explica cuál es el proceso que sigue un libro después de su escritura y hasta conseguir la luz verde para su publicación. Un periplo narrado con decenas de ejemplos y mucho sentido del humor, que convierten a “Éxito” en un libro asequible para todo aquél interesado en el mundo de la literatura, independientemente de que esté vinculado al sector editorial o tenga intención de ver su obra impresa en las mesas de novedades de las librerías.

Éxito. Un libro sobre el rechazo editorial

Íñigo García Ureta. Trama editorial

152 páginas. Castellano

Hace tiempo que el cómic demostró ser un lenguaje capaz de abordar con éxito todo tipo de temas por complejos que estos sean. Para aquellos que aún lo consideren un género menor, les recomendamos hacerse con un ejemplar de “Logicomix” y sumergirse en sus páginas, a través de las cuales descubrirán de manera amena y sencilla –pero no por ello menos rigurosa–, la historia de la lógica narrada por el que fuera uno de sus renovadores: el filósofo inglés Berdtrand Russel.

Con prólogo de Fernando Savater y un guión realizado bajo asesoría de expertos en la materia, “Logicomix” es un buen trabajo de divulgación que puede prender en los lectores la llama de la curiosidad por la filosofía, la lógica y los estudios del lenguaje desarrollados por autores de la talla de Ludwig Wittgestein, quien también forma parte del reparto de este tebeo.

De hecho, es su aspecto narrativo el punto fuerte de esta obra, que en lo estético adolece de cierta simplicidad derivada de haber sido creado y trabajado por ordenador, tanto en lo que se refiere al dibujo, como al entintado y la rotulación.

El libro se completa con un apéndice en el que se incluyen unos breves perfiles biográficos de los protagonistas y personajes básicos de la filosofía clásica, así como definiciones de términos imprescindibles para entender el tema y unos apuntes bibliográficos para aquellos que quieran profundizar más en el tema. Puestos a imaginar, no estaría nada mal que los filósofos del futuro reconocieran que se interesaron por la disciplina después de leer “Logicomix”; también Schliemann descubrió Troya tras leer apasionadamente “La Iliada”.

Logicomix. A. Doxiadis, C. H. Papadimitriou, A. Papadatos, A. di Donna.

Sins entido. 352 páginas. Castellano

El Art directors club de Europa ha decidido que en el futuro no editará más anuarios. Desde el año que viene, la filosofía de estos galardones se basará en pagar por inscribir trabajos que, en caso de ser premiados, ni tendrán repercusión ni se preservaran para futuras generaciones en un libro. De esta forma, el mayor aliciente que tienen los participantes de este certamen de creatividad desaparece con este “In gold we trust”.
Como viene siendo habitual, el contenido de este nuevo anuario está compuesto por los trabajos que, tras haber sido premiados en sus países de origen, han sido elegidos por el jurado que en esta edición estuvo presidido por Lluis Bassat.
Anuncios de cine y TV, gráficas, páginas webs, anuncios interactivos... llenan las páginas de este volumen muy bien diseñado y articulado a través de una serie de cuadernillos que preceden a cada una de las categorías y narran la historia de una especie de Goldfinger obsesionado por el oro. Una historia que en ciertas ocasiones resulta graciosa y, en otras, sonrojante y de bastante mal gusto, lo que nos lleva a pensar que, en ciertas ocasiones, los creativos se olvidan de que los chistes y los chascarrillos del colectivo solo funcionan dentro de él y que, fuera de ese contexto, resultan pueriles, inapropiados y de un gusto discutible cuando proceden de personas a las que se supone adultas.

In gold we trust 
Best of european design & advertising 2010
Varios autores. Art directors club of Europe
564 páginas. Inglés

La llegada de las nuevas herramientas de creación y tratamiento de imagen hace ya más de dos décadas hizo que tuviéramos que acostumbrarnos a una nueva estética en el mundo del cómic, un hecho que ha vuelto a repetirse recientemente con la aparición de internet. Ahora, al exceso de líneas rectas en los trazos o a los colores degradados se suma, por ejemplo, el formato vertical pensado para la pantalla del ordenador y el “scroll”.

Dash Shaw ha sido uno de los pioneros en crear cómics para la web con “Body World”, un trabajo nominado a los Premios Eisner 2009 y magníficamente editado por Sins entido que, si bien puede tener interés para los historiadores del género, tal vez no lo tenga tanto para los aficionados a consecuencia de su insulso guión, pobres dibujos y un incómodo formato, apto para la computadora pero no para la lectura tradicional.

David Mazzucchelli, autor del aclamado “Asterios Polyp”, ha afirmado: “he visto el futuro de los cómics y su nombre es Dash Shaw”. Por lo que a nosotros respecta, si el futuro del cómic pasa por esto, nos quedamos con Yellow Kid, Little Nemo y hasta las pinturas de Altamira.

Body world. Dash Shaw
Sins entido. 400 páginas. Castellano

Migel Ángel Furones, una de las mentes más lúcidas de la publicidad a nivel mundial, recopila en este volumen los artículos que, sobre el mundo de internet, viene publicando en la revista Anuncios desde hace los últimos dos años.

A lo largo de más de cincuenta textos, Furones explica cómo es internet hoy e imagina cómo será en el futuro, para lo cual echa mano de referencias históricas y culturales que abarcan desde la música clásica a la literatura, pasando por las leyendas, la mitología, la ciencia, la lingüística y la etimología. De esta forma, y a diferencia de otros escritores que han abordado la que tal vez sea la revolución cultural más importante desde la aparición de la imprenta, Furones no considera la invención de internet como un hecho aislado surgido en el siglo XX, sino como fruto de una tradición de conocimiento común que se remonta cientos de años atrás.

A pesar de todo ese acervo que contiene, este “Tres mil años de internet” resulta ser un texto ameno, fácil de entender por cualquier lector –incluidos aquellos que desconozcan todas esas referencias culturales que mencionábamos–, y que a diferencia de lo que sucede con otros análisis similares, su autor ha tenido la inteligencia de no convertirlo en un libro de anticipación o ciencia ficción. En él, todas las predicciones y futuribles sobre cómo evolucionará este invento no son más que ingeniosas especulaciones y divertimentos, no dogmas, lo que le augura una mayor longevidad que la que acostumbran a disfrutar los libros firmados por los gurús de las nuevas tecnologías, más preocupados por epatar que por hacer análisis solventes de este fenómeno.

Tres mil años de internet . Miguel Ángel Furones

Anuncios. Publicaciones Profesionales. 220 páginas .Castellano

El futuro del libro tanto del tradicional como el electrónico es algo que a día de hoy no está nada claro. ¿Acabará desapareciendo el libro en papel? ¿Será el libro digital dentro de unos años como lo conocemos actualmente? ¿Cuáles son los retos a los que se enfrentará un diseñador de libros electrónicos en el futuro? Para resolver estas y otra muchas cuestiones, los responsables de las Xarxes d’Opinió del FAD invitaron a destacadas personalidades del mundo del diseño, los medios de comunicación y las nuevas tecnologías –entre los que se encontraban Chema Lapuente, Román Gubern, Enric Jardí y Rosa Llop– a que expresaran sus reflexiones al respecto en una serie de conferencias y encuentros. El resultado de esas charlas ha sido recopilado ahora en este volumen que destaca, no solo por su interesante contenido sino por su magnífica maquetación, responsabilidad de Ángel Sanz, y por unas ilustraciones realizadas con maquetas de papel, obra de Jeny Chih Chieh Teng que, lamentablemente, quedan un tanto deslucidas a consecuencia de la impresión en blanco y negro.

La lletra digital. Reptes i interrogants al voltant del llibre electrònic
Varios autores. FAD. 176 páginas. Catalán

Una nueva entrega de las historietas de Liniers, heredero de autores como Gary Larson y renovador del género de las tiras diarias de periódico, gracias a su personal fórmula que aglutina un estilo reconocible en el trazo; inteligencia, humor, ternura y absurdo en la narración y un universo plagado de personajes fuera de lo habitual incluso para un tebeo.
Para aquellos que no lo conozcan, en este sexto volumen encontrarán retazos de vida, detalles de cotidianidad y reflexiones de personajes como el gato Fellini, el oso Madariaga, los pingüinos, los duendes, Picasso, Sartre o Johnson. Aquellos que ya estén familiarizados con la obra de Liniers, no precisan de más explicación.
Lo que sí que necesita alguna explicación es el hecho sorprendente de que los diarios españoles hayan decidido darle la espalda a la tira diaria como aliciente a la hora de captar nuevos lectores y mantener los existentes. Mientras Liniers triunfa a nivel mundial con las tiras que publica en el diario La Nación de Argentina, en España, ninguna cabecera salvo La Vanguardia publica tiras de forma habitual. Un hecho que ya asombra por incomprensible en el caso de la dirección y la empresa del diario Público que hace unas cuantas semanas se ha permitido el lujo de despedir a Mauro Entrialgo y prescindir de su inteligente “Plétora de Piñatas”.

Macanudo. Liniers. Mondadori. Reservoir Books
96 páginas. Castellano

Los informes corporativos pueden ser uno de los trabajos más áridos a los que se enfrenta un diseñador en su carrera.
La necesidad de incluir todo tipo de datos relativos a una empresa los convierte en proyectos prácticamente vedados a la originalidad y creatividad, hasta el punto de que, en ocasiones, recurrir a elementos que se salgan de lo que se considera correcto y ortodoxo en el sector empresarial es tenido por una frivolidad. En general, los informes y memorias de grandes empresas acostumbran a ser anodinos, aburridos y muy poco atractivos desde el punto de vista visual. Por eso, resulta agradable encontrar libros como este “Corporate brochure designs” en el que se pueden encontrar trabajos de estas características, que destacan del resto por su brillante ejecución, dentro de lo que cabe.
Decenas de ejemplos de informes cuyo acierto está en cosas tan sencillas como optar por un ilustrador en lugar de recurrir a las típicas fotografías de banco de imagen, apostar por la tipografía a la hora de articular y dar coherencia al conjunto, o decidirse por una gama cromática determinada e incluso el blanco y negro o un bitono.
Si bien no estamos ante un libro cuya lectura pueda servir de deleite y diversión, el diseñador que se encuentre en la tesitura de realizar un trabajo de este tipo hallará en él múltiples ejemplos con sus características bien detalladas y alguna que otra idea que le permitirán salir airoso del compromiso. Es cierto que no es mucho para un libro de este tipo, pero ustedes mejor que nadie saben lo complicado y poco agradecidos que son este tipo de trabajos.

Corporate brochure designs. Varios autores
PIE Books. 224 páginas. Castellano

Bloc, publicación especializada en arte y literatura infantil, acaba de publicar su sexto número. Una buena noticia, de no ser porque coincide con la decisión de sus editores de tomarse un receso destinado a reenfocar el proyecto que, por tener un carácter más vocacional que empresarial, resulta difícil de compatibilizar con el resto de actividades de sus responsables.
En esta ocasión, el tema que articula los diferentes contenidos es el juego y los juguetes como materia prima de los álbumes ilustrados y, entre los artículos que tratan el asunto, se encuentran una conversación entre Pepe Carrió, Juan Vidaurre y Antonio Ventura; un reportaje sobre la labor como diseñador de juguetes desarrollada por el pintor uruguayo Joaquín Torres García y una entrevista con Juan Bordes, escultor y autor del libro “La infancia de las Vanguardias”.
El número se completa con reseñas de álbumes ilustrados como “Clown” de Quentin Blake, “Otto” de Tomi Ungerer y “Ser quinto” de Ernst Jandl y Norman Junge.
Esperamos que el proyecto Bloc pueda ser retomado en el futuro con la misma calidad y rigor que lo ha caracterizado desde su primer número. Nunca está de más una revista que aborde el tema de los libros infantiles desde un punto de vista crítico, maduro y consciente de la importancia que esos productos editoriales tienen en el desarrollo y socialización de los niños.

Bloc. Varios autores. 96 páginas

Cualquier persona estaría de acuerdo en que resulta inconcebible una monografía sobre, por ejemplo, el diseño de comercios en Escandinavia. La especialización del tema es tal, que apenas daría para unas decenas de páginas. Sin embargo, nada más lejos de la realidad y, una vez más, la editorial japonesa PIE Books nos sorprende con un volumen de casi doscientas páginas a todo color con ejemplos de la mejor gráfica aplicada a los comercios de esa región de norte de Europa.

Los trabajos, que abarcan todo tipo de sectores comerciales, desde restaurantes a hoteles, pasando por cafés, tiendas de ropa y alimentación, poseen un alto grado de calidad y demuestran que el buen diseño escandinavo no es exclusivo de las grandes marcas de muebles desmontables.
Como siempre, un libro inspirador, cuya única pega es el hecho de que, desde que existe eso de la globalización, es complicado encontrar elementos diferenciadores entre los trabajos que se hacen en Escandinavia o en cualquier otra parte del mundo. Un hecho que, por otra parte, nos permite resaltar el aspecto inspirador de este título y la posibilidad de aplicar, con los pertinentes cambios para no ser detectado, muchas de las ideas aquí recopiladas a los clientes españoles.

Shop image graphics in Scandinavia. Varios autores
PIE Books. 196 páginas. Inglés. Japonés

Hubo una época en la que la Estética era algo más que un vocablo para referirse a la apariencia física, la moda o lo espectacular. Por entonces, esta disciplina se codeaba con otras afines a ella como la filosofía, la poética, las bellas artes.
Actualmente, el concepto de Estética abarca innumerables matices que se extienden desde lo culturalmente más elevado a lo más banal. Por esa razón, Jacques Aumont, profesor universitario y antiguo redactor de Cahiers du Cinéma que ya abordó el tema de la estética a través de la historia del cine, ha decidido aclarar en “La estética hoy” qué es lo que se considera como tal en nuestros días.
Orientado al público especializado, bien por motivos académicos, bien por cuestiones profesionales, “La estética hoy” explica el fenómeno a la luz de las nuevas formas de arte, de las técnicas de creación y producción en serie, de los medios de comunicación de masa, de la psicología, la antropología, la sociología, a la vez que se desmarca de la concepción que de la estética ha imperado en la sociedad europea occidental hasta hace no mucho y que respondía a conceptos y realidades ancladas en el siglo XIX que a su vez bebían de fuentes que se remontaban a la Grecia y la Roma clásicas.

La estética hoy. Jacques Aumont
Cátedra. 336 páginas. Castellano

Mucho antes de dar el salto al mundo de la edición convencional, Kioskerman (seudónimo del autor argentino Pablo Holmberg) era ya bien conocido en el mundo de internet, medio en el que comenzó a publicar sus trabajos allá por el año 2004.
Entre las líneas de trabajo disponibles en la red se encontraba este “Edén”, un conjunto de historias ambientadas en un reino imaginario e idílico en el que habitan humanos, animales, otras criaturas y gobernado por un monarca que, por aspecto y actitud, recuerda al King Aroo de Jack Kent.
Además de estas referencias lejanas, en “Edén” está muy presente la influencia de autores actuales como Liniers, especialmente en aquellas historias que retratan la poética de la cotidianeidad. Sin embargo, Kioskerman ha sido capaz de crear un estilo y universo coherente y sólido que permite que la obra tenga grandes posibilidades de desarrollo narrativo en el futuro.
De hecho, es la solidez de las historias y personalidad de los personajes lo que ha permitido que otros autores, concretamente Miguel B. Núñez, hagan su propia historia de “Edén” y que ésta se incluya en el libro sin que desentone con las realizadas por Kioskerman.
Por último, solo cabe destacar la buena presentación de esta edición, realizada por Sins Entido y Gráficas Díaz Turidi que, puestos a imprimir, han impreso hasta el interior de las cubiertas, para que aquellos que miran hasta debajo de las solapas de los libros se encuentren con una agradable sorpresa.

Edén. Kioskerman. Sins entido

124 páginas. Castellano

Dentro de su colección Biblioteca Litterae, en la que se exploran temas relacionados con la aparición de la imprenta, las expresiones literarias manuscritas, la escritura epistolar, los antiguos archivos familiares y otros temas afines, la editorial Calambur ha editado este catálogo de las muestras de letras impresas en España hasta el año 1833. Un trabajo realizado por el historiador del arte y estudioso de la aparición y evolución de la imprenta en España Albert Corbeto, que pone al alcance del público aquellos impresos realizados por los grabadores, fundidores o impresores para mostrar las características de una determinada tipografía y que, normalmente, solían estar restringidos al uso profesional, lo que aumenta su escasez y curiosidad.

A pesar de iniciativas como la del proyecto “Imprenta Real”, lo cierto es que la historia de la imprenta española y sus artífices continúa siendo un arcano. Razón de más para considerar a “Especímenes tipográficos españoles” como un interesante e imprescindible libro que arroja luz a este hecho histórico no solo por su parte de ensayo sino, muy especialmente, por la reproducción de casi dos centenares de especímenes que harán las delicias de aficionados y estudiosos. Para aquellos que aún tengan ganas de más, Corbeto les reserva un localizador de ejemplares para conocer de dónde procede cada uno de esos especímenes, un índice de punzonistas, fundidores e impresores y una bibliografía sobre el tema.

Especímenes tipográficos españoles

Catalogación y estudio de las muestras de letras impresas

hasta el año 1833

Albert Corbeto / Calambur / 192 páginas / Castellano

La labor de rescate y difusión de los orígenes del tebeo español que está realizando Glénat es digna de reconocimiento. De un tiempo a esta parte, y compaginándolo con sus divisiones de manga y proyectos realizados por autores de actualidad, esta editorial ha puesto a disposición del aficionado las obras de Purita Campos y Carmen Barbará, a las que se ha sumado recientemente la del dibujante José Grau y el guionista Silver Kane, pseudónimo de Francisco González Ledesma, conocido autor de cientos de novelas populares del oeste y policiacas.
“El teniente negro”, publicada por entregas durante la época de los 60 por la editorial Bruguera, es un tebeo del oeste tamizado por la personal visión que de la Norteamérica de la Guerra de Secesión tenían dos españoles de ideas republicanas en plena dictadura franquista.
El resultado es un libro de aventuras en el que se dan cita miembros del Klu Klux Klan, bellas muchachas, ricos hacendados que se disfrazan de negros para mantener su verdadera identidad oculta y oligarcas malvados.
“El teniente negro” es un trabajo que burla la censura allí donde puede, que la asume cuando toca y que incluye momentos verdaderamente delirantes como un bombardeo con botellas de nitroglicerina por parte de una bandada de buitres. No en vano y en palabras de Hernán Migoya, prologuista de este volumen, bajo su aparente inocencia “El teniente negro” esconde en sus viñetas considerables dosis de crítica política e incluso veladas referencias a la Guerra Civil.

El teniente negro / Silver Kane y José Grau
Glénat / 256 páginas / Castellano

La alegría de ganar la lotería puede tornarse la mayor de las pesadillas si eres un miembro del GRAPO, vives en la clandestinidad y careces de documento nacional de identidad para cobrar el premio.
Ese el punto de partida de “Los Millones”, un proyecto de guión cinematográfico que, con el tiempo, ha terminado convirtiéndose en la primera novela de Santiago Lorenzo. Un libro en el que el autor de Portugalete retrata la vida del Madrid de final de los años ochenta, sin nostalgias, con inteligencia, un gran sentido del humor, un aún mayor dominio del lenguaje y un respeto total hacia el lector, algo poco frecuente en la literatura actual, en la que abundan los productos destinados únicamente epatar y satisfacer los egos de sus autores. En este aspecto, “Los Millones” es una novela escrita a la antigua usanza. Sin prisas, cocinada a fuego lento, paladeando el léxico, cuidando la urdimbre de las tramas, moldeando a los personajes y entendiendo esto de la literatura como un placer, tal vez un arte, pero nunca como un producto de usar y tirar.

Los Millones / Santiago Lorenzo
Libros de Mondo Brutto / 206 páginas / Castellano

A diferencia de la energía, los símbolos se crean y se destruyen según las necesidades de las sociedades u organizaciones en las que surgen, pues una de sus finalidades es aglutinar a sus miembros, generar adhesiones sin fisuras y neutralizar (cuando no liquidar) a los disidentes.
Tras el fin de la Guerra Civil Española a finales de los años treinta de siglo pasado, se generó una enorme cantidad de símbolos destinados a justificar y enaltecer el Régimen Franquista. Personajes elevados a la categoría de héroes; combates disfrazados de cruzadas morales de liberación; el enaltecimiento de los caídos del bando vencedor; la demonización y el escarnio de los derrotados; el diseño de emblemas, ritos y celebraciones alusivas al nuevo orden y la construcción de la figura del Caudillo como personaje ungido por la divinidad son algunos de los elementos que caracterizaron la dictadura franquista y que son objeto de estudio en este ensayo.
Un libro que no solo arroja luz sobre una realidad de nuestra historia reciente, sino que nos pone alerta sobre la forma de creación de este tipo de elementos de manipulación de los estados, sean éstos democráticos o dictatoriales, y a los que, con menos folclore y boato que antaño, seguimos estando sometidos y expuestos todos los ciudadanos.

España, Año Cero
La construcción simbólica del Franquismo
Zira Box / Alianza Editorial / 392 páginas

De un tiempo a esta parte, el mundo del arte, y en consecuencia los textos y manuales relacionados con él, han comenzado a interesarse por el diseño, tanto gráfico como industrial, entendiéndolo como una actividad que va más allá de un simple arte aplicado y en el que la creación y aportación del autor es casi tan trascendente como en la obra de arte convencional.
Dicho esto, no resulta tan sorprendente que una colección tan prestigiosa como los Manuales Arte Cátedra haya dedicado uno de sus volúmenes al diseño industrial español. Una iniciativa que viene a cubrir el vacío existente sobre este tema en el que abundan los libros dedicados a un autor, pero en el que se echaba a faltar una monografía exhaustiva que aportase una visión general de lo que ha sido el origen y evolución del diseño industrial desde sus inicios allá por el siglo XIX hasta nuestros días.
Resultado del trabajo colectivo de seis autores, “El diseño industrial en España” presta especial atención, además de a las cuestiones históricas, a temas estrechamente vinculados con la evolución de la sociedad actual, como la globalización o el ecologismo, definitivos a la hora de determinar la deriva que esta actividad ha experimentado recientemente y que, muy probablemente, determinará su evolución futura.
Como complemento a estos interesantes textos, el volumen se completa con abundante material gráfico a todo color, detalle aparentemente baladí pero que no siempre está presente en los manuales o ensayos destinados al ámbito académico, lo que nos invita a pensar que tardará bastante tiempo en aparecer otro título semejante que pueda hacerle sombra a este.

El diseño industrial en España
J. Galán, J. Gual, J. M. Marín, J. Olucha, R. Torrent y R. Vidal
Cátedra / 452 páginas / Castellano

Con un poco más de retraso que la edición catalana, pero justo a tiempo para la reciente campaña de Navidad, ha llegado a las librerías la versión castellana del esperado trabajo de Daniel Clowes. La edición que, salvo un formato ligeramente más pequeño y un menor gramaje en el papel, nada tiene que envidiar a la edición original americana, pone al alcance del público español la historia de Wilson, un extraño y desequilibrado personaje cuya vida cambia al enterarse que tiene una hija adolescente, a la que no duda en secuestrar con la intención de iniciar relación paternofilial.
Una obra construida a base de historias cortas de una sola página en las que Clowes despliega su amplio registro de estilos, desde los más realistas a los de trazo más cómico e informal, que resulta más amable que las anteriores obras del autor norteamericano, experto en tejer historias atormentadas y desasosegantes.
“Wilson” cuenta con la ventaja de que, gracias a la labor de Mondadori y a su buena red de distribución, no ha quedado relegado a las librerías especializadas en tebeos sino que ha llegado a un gran número de librerías generalistas, lo que esperamos influya en la divulgación del cómic entre el gran público, la gran asignatura pendiente de la industria de la historieta en España.

Wilson / Daniel Clowes
Mondadori / 96 páginas / Castellano

Después de sus aventuras junto a Moebius y Juan Jiménez, con los que firmó obras como “El incal” y “La casta de los Metabarones”, respectivamente, Alejandro Jodorowsky se ha unido a Fred Beltrán para desarrollar el guión de “Megalex”.
La historia, ambientada en una imaginaria ciudad del futuro en la que los valores han perdido la batalla frente al desarrollo industrial y el progreso tecnológico, retrata una sociedad en la que la adicción a la droga está impuesta por ley, la realización de cualquier tipo de trabajo está castigada y la pena de muerte rige para todo aquél que intente reproducirse por medios biológicos en lugar de por técnicas de laboratorio. A pesar estas restricciones, la Naturaleza y la vida sin restricciones legales se abren camino en Megalex en el Bosque de Chem y en la historia de amor protagonizada por Zerain y Kavatah.
Una fábula apocalíptica cargada de simbolismos y metáforas, realizada con un detallado dibujo y barroca ornamentación, en la que las técnicas tradicionales de dibujo se mezclan con las nuevas tecnologías de ilustración por ordenador. Un planteamiento que da como resultado una obra muy en la línea estética de los anteriores trabajos de Jodorowsky, que no defraudará a sus seguidores, tanto en el campo del cómic como en el de la psicomagia o el tarot.

Megalex / Alejandro Jodorowsky, Fred Beltrán
Mondadori / 166 páginas / Castellano

Cátedra incorpora a su colección “Cuadernos arte Cátedra” este título publicado originalmente en 2008 y que, como afirman sus autores en la introducción, “ha sido concebido como libro de consulta para estudiantes universitarios y para el público en general que se interese por la historia del arte y las artes visuales”.
A diferencia de los tratados de arte tradicionales, que adolecen del manejo de conceptos y teorías excesivamente clásicos y no prestan atención a las nuevas corrientes surgidas en las últimas décadas, este “Arte básico” incorpora teorías y visiones procedentes del marxismo, el postestructuralismo, la posmodernidad e incluso describe cómo el mundo del arte es entendido y aplicado en nuevas herramientas como internet.
Nombres como los del ensayista John Berger, el filósofo Slavoj Zizek, el lingüista Saussure, el marqués Sade, se dan cita en este libro, pequeño en tamaño pero intenso y vasto en contenidos, que se completa con un glosario de términos e imágenes de muchas de las obras a las que se hace referencia en sus páginas.

Arte básico / Grant Pooke y Diana Newall
Cátedra / 336 páginas / Castellano

Aunque el reclamo que aparece en suportada (“III Premio internacional de novela gráfica Fnac-Sins entido”), resulta un tanto confuso, “¡Pintor!” de Esteban Hernández ha sido, efectivamente, el ganador de la tercera edición del premio que esta editorial convoca en colaboración con la conocida cadena de tiendas especializadas en productos culturales.
Si en las dos primeras ediciones los trabajos elegidos abordaban el lenguaje del cómic desde un punto de vista más artístico y con un lenguaje elaborado y complejo, en esta ocasión el jurado se ha decantado por una obra que apuesta por la comicidad, tanto en el trazo como en la narración.
“¡Pintor!” cuenta la historia de un anciano que, bajo su apariencia de pintor de brocha gorda, oculta una curiosa actividad artística que, además de su faceta visual o decorativa, tiene mucho de conceptual. Una actividad anónima y hasta cierto punto clandestina que, cuando es descubierta, le acarreará tantos sufrimientos como satisfacciones.
Además de a la obra en sí misma, este premio hace también justicia a la labor que su autor lleva desarrollando en el mundo del tebeo de forma independiente desde hace muchos años. Un reconocimiento que esperemos le dé la repercusión que necesita para que echen a andar los muchos proyectos que tiene en mente y que pueden consultarse en su página web http://estebanhernandez.net.

¡Pintor! / Esteban Hernández
Sins entido / 80 páginas / Castellano

Bajo la coordinación de Juan Antonio Ramírez, los autores Julián Díaz Sánchez, Ana Ávila, Carlos Reyero, Jesús Carrillo, Patricia Mayayo y Héctor Sanz Castaño realizan un interesante análisis sobre la situación y el funcionamiento del mundo del arte en España.
El papel de los museos, la influencia de los críticos y las revistas especializadas, la importancia de los catálogos, la labor de las administraciones públicas, la incorporación de las mujeres como creadoras artísticas, la importancia e institucionalización del arte marginal y “desviado” durante la Transición o la importancia de los capitales financieros como dinamizadores y motores del arte son algunos de los temas que se abordan en este ensayo.
Aunque no es un libro de divulgación ni un texto sencillo, lo cierto es que siempre es curioso saber cuáles son los mecanismos con los que se maneja un sector que, aunque siempre ha tenido una innegable vertiente cultural, también es cierto que posee mucho de negocio y apariencia. Una realidad que resulta evidente cuando analizamos el arte desde el punto de vista del coleccionismo –sujeto a extrañas corazonadas, caprichosas fluctuaciones e interesadas estrategias de promoción–, cuando nos fijamos en su relación con el sector inmobiliario –donde los centros de arte son jugosos encargos arquitectónicos– o cuando lo pensamos en relación con el sector turístico –que ha hecho de los museos epicentro de muchas de sus ofertas y propuestas.

El sistema del arte en España. Juan Antonio Ramírez (Ed.)
Ediciones Cátedra. 380 páginas. Castellano

Tras su exposición en las calles de Oviedo durante el mes de mayo de 2010, los carteles realizados para la décimo primera edición de Motiva han sido recopilados en este libro, que lleva por título “Tu don más natural”, lema que sirvió de inspiración a la convocatoria y que pretendía concienciar a la población de la importancia y necesidad de donar los órganos para salvar otras vidas.
Además de reproducir todos los trabajos presentados, entre los que se encuentran los de Mario Eskenazi, Cruz Novillo, Enric Aguilera, La Camorra, Javirroyo, Ruiz+Company, Peret, Pablo Amargo y Marco Recuero, el volumen incluye imágenes de los carteles colocados en mupis e integrados en su contexto urbano.
La propuesta se completa con los textos que los autores adjuntaron a su obra para explicar las motivaciones de la misma y, en alguna que otra ocasión, facilitar su comprensión por parte de los espectadores.

Tu don más natural / Varios autores
Escuela de arte de Oviedo / 230 páginas / Castellano

Eduardo Becerra reúne a algunos de los escritores más lúcidos del panorama actual para que reflexionen sobre la forma de concebir las ciudades en el campo de la literatura, el cine o los cómics.
Textos de Rodrigo Fresán, Jorge Eduardo Benavides, Jordi Costa sobre ciudades imaginarias, ciudades que se repiten, ciudades de cine negro que conforman un libro de ensayos que no desentonaría en las bibliotecas de las facultades de arquitectura y que tal vez serviría para que los arquitectos del futuro planificasen ciudades, si no más habitables, más imaginativas y sorprendentes.

Ciudades posibles
Arte y ficción en la constitución del espacio urbano
Eduardo Becerra (ed.) / 451 editores / 222 páginas / Castellano

Si bien la arquitectura ha sido tradicionalmente estudiada como parte del arte –especialmente aquella que corresponde a los periodos clásico, románico, gótico, renacentista y barroco–, lo cierto es que en la época contemporánea parece haberse independizado de esta disciplina, para ser considerada una actividad por sí misma, al margen de los movimientos y tendencias artísticas y más atenta a cuestiones relacionadas con la política, la sostenibilidad o el ecologismo.
En los últimos tiempos, sin embargo, la arquitectura ha vuelto a formar parte del arte, no tanto por deseo de sus artífices, los arquitectos, sino por la atención que artistas de otros campos le han prestado, y que les ha llevado a integrar elementos propios de la arquitectura –desde fotografías de edificios, a materiales arquitectónicos, maquetas, interiores domésticos, desarrollos urbanos...– en sus propuestas visuales, pictóricas, de instalaciones, performánticas, etc.
A esta realidad artística, concretamente a la acaecida entre los años 1970 y 2008, es a la que David Moriente dedica “Poéticas arquitectónicas en el arte contemporáneo”, un ensayo en el que se dan cita nombres como Gordon Matta-Clark, Bernd y Hulla Becher, Isidro Blasco y Santiago Sierra, que, por excesivamente especializado, está indicado para estudiosos e interesados en el arte o la arquitectura, pero que tal vez abrume a los que se acerquen a él solo por curiosidad.

Poéticas arquitectónicas en el arte contemporáneo / David Moriente
Cátedra / 432 páginas / Castellano

En 1980, el historiador Howard Zinn publicó “La otra historia de Estados Unidos”, una obra heredera de los movimientos surgidos en los años 60 que analizaban la historia del país norteamericano y su política imperialista desde un punto de vista crítico.
Tres décadas más tarde, Mike Konopacki y Paul Buhle han decidido adaptar la obra de Zinn al cómic, dando lugar a esta “Historia popular del imperio americano”, trabajo tan interesante como fallido. Interesante por su capacidad para atrapar al lector con una historia que nada que tiene que ver con la que han sostenido de manera oficial los diferentes gobiernos estadounidenses, y fallida por la mala ejecución de la misma, a consecuencia de unos dibujos torpes, un discurso estético más que discutible y un uso de la técnica –especialmente de los filtros de Photoshop y otros programas de diseño– falta no ya de gusto, sino de destreza y oportunidad.
Un libro que podría haberse convertido en un referente del tebeo histórico y en material de divulgación para colegios, institutos e incluso universidades, pero cuya pobre ejecución aconsejaría mantener fuera del alcance de los niños, porque al no tener todavía formado el criterio en cuestión de cómic, a ver si va a ser peor el remedio que la enfermedad y lo que se gana en el campo de la Historia se pierde en el terreno del Arte.

Una historia popular del Imperio Americano / Una adaptación gráfica
Howard Zinn, Mike Konopacki, Paul Buhle / Sins entido / 288 páginas

Benito Navarrete Prieto ha sido el responsable de la actualización y revisión de la edición del clásico que sobre la pintura barroca española realizó Alfonso E. Pérez Sánchez en 1992.
A lo largo de sus casi seiscientas páginas, ilustradas con múltiples ejemplos gráficos, se analiza la realidad de los pintores en el siglo XVII, su formación, su relación con sus clientes y los géneros pictóricos por ellos desarrollados.
Además, el libro destaca por su exhaustivo análisis de la actividad pictórica en las ciudades y regiones más importantes de la época –como Madrid, Toledo, Valladolid, Valencia, Aragón, Sevilla–, de las diferentes escuelas, la mayoría de ellas vinculadas estrechamente a destacadas figuras de la disciplina y, por último, el análisis del trabajo de estos autores entre los que destacan Velázquez, Zurbarán y Carreño
Si bien “Pintura barroca en España” está pensado para el uso como manual de texto en el ámbito universitario, su carácter didáctico y su lenguaje, lo hacen accesible a todo tipo de público interesado en el tema que difícilmente encontrará otro título sobre el tema tan bien documentado pero que no caiga en el exceso academicista.
El volumen se completa con un amplio apartado de notas destinado a aclarar conceptos y datos aportados en los diferentes capítulos, una extensa bibliografía y un índice onomástico de los lugares, personajes y obras citados.

Pintura barroca en España, 1600-1750 / Alfonso E. Pérez Sánchez
Cátedra / 560 páginas / Castellano