A diferencia de la energía, los símbolos se crean y se destruyen según las necesidades de las sociedades u organizaciones en las que surgen, pues una de sus finalidades es aglutinar a sus miembros, generar adhesiones sin fisuras y neutralizar (cuando no liquidar) a los disidentes.
Tras el fin de la Guerra Civil Española a finales de los años treinta de siglo pasado, se generó una enorme cantidad de símbolos destinados a justificar y enaltecer el Régimen Franquista. Personajes elevados a la categoría de héroes; combates disfrazados de cruzadas morales de liberación; el enaltecimiento de los caídos del bando vencedor; la demonización y el escarnio de los derrotados; el diseño de emblemas, ritos y celebraciones alusivas al nuevo orden y la construcción de la figura del Caudillo como personaje ungido por la divinidad son algunos de los elementos que caracterizaron la dictadura franquista y que son objeto de estudio en este ensayo.
Un libro que no solo arroja luz sobre una realidad de nuestra historia reciente, sino que nos pone alerta sobre la forma de creación de este tipo de elementos de manipulación de los estados, sean éstos democráticos o dictatoriales, y a los que, con menos folclore y boato que antaño, seguimos estando sometidos y expuestos todos los ciudadanos.

España, Año Cero
La construcción simbólica del Franquismo
Zira Box / Alianza Editorial / 392 páginas

De un tiempo a esta parte, el mundo del arte, y en consecuencia los textos y manuales relacionados con él, han comenzado a interesarse por el diseño, tanto gráfico como industrial, entendiéndolo como una actividad que va más allá de un simple arte aplicado y en el que la creación y aportación del autor es casi tan trascendente como en la obra de arte convencional.
Dicho esto, no resulta tan sorprendente que una colección tan prestigiosa como los Manuales Arte Cátedra haya dedicado uno de sus volúmenes al diseño industrial español. Una iniciativa que viene a cubrir el vacío existente sobre este tema en el que abundan los libros dedicados a un autor, pero en el que se echaba a faltar una monografía exhaustiva que aportase una visión general de lo que ha sido el origen y evolución del diseño industrial desde sus inicios allá por el siglo XIX hasta nuestros días.
Resultado del trabajo colectivo de seis autores, “El diseño industrial en España” presta especial atención, además de a las cuestiones históricas, a temas estrechamente vinculados con la evolución de la sociedad actual, como la globalización o el ecologismo, definitivos a la hora de determinar la deriva que esta actividad ha experimentado recientemente y que, muy probablemente, determinará su evolución futura.
Como complemento a estos interesantes textos, el volumen se completa con abundante material gráfico a todo color, detalle aparentemente baladí pero que no siempre está presente en los manuales o ensayos destinados al ámbito académico, lo que nos invita a pensar que tardará bastante tiempo en aparecer otro título semejante que pueda hacerle sombra a este.

El diseño industrial en España
J. Galán, J. Gual, J. M. Marín, J. Olucha, R. Torrent y R. Vidal
Cátedra / 452 páginas / Castellano

Con un poco más de retraso que la edición catalana, pero justo a tiempo para la reciente campaña de Navidad, ha llegado a las librerías la versión castellana del esperado trabajo de Daniel Clowes. La edición que, salvo un formato ligeramente más pequeño y un menor gramaje en el papel, nada tiene que envidiar a la edición original americana, pone al alcance del público español la historia de Wilson, un extraño y desequilibrado personaje cuya vida cambia al enterarse que tiene una hija adolescente, a la que no duda en secuestrar con la intención de iniciar relación paternofilial.
Una obra construida a base de historias cortas de una sola página en las que Clowes despliega su amplio registro de estilos, desde los más realistas a los de trazo más cómico e informal, que resulta más amable que las anteriores obras del autor norteamericano, experto en tejer historias atormentadas y desasosegantes.
“Wilson” cuenta con la ventaja de que, gracias a la labor de Mondadori y a su buena red de distribución, no ha quedado relegado a las librerías especializadas en tebeos sino que ha llegado a un gran número de librerías generalistas, lo que esperamos influya en la divulgación del cómic entre el gran público, la gran asignatura pendiente de la industria de la historieta en España.

Wilson / Daniel Clowes
Mondadori / 96 páginas / Castellano

Después de sus aventuras junto a Moebius y Juan Jiménez, con los que firmó obras como “El incal” y “La casta de los Metabarones”, respectivamente, Alejandro Jodorowsky se ha unido a Fred Beltrán para desarrollar el guión de “Megalex”.
La historia, ambientada en una imaginaria ciudad del futuro en la que los valores han perdido la batalla frente al desarrollo industrial y el progreso tecnológico, retrata una sociedad en la que la adicción a la droga está impuesta por ley, la realización de cualquier tipo de trabajo está castigada y la pena de muerte rige para todo aquél que intente reproducirse por medios biológicos en lugar de por técnicas de laboratorio. A pesar estas restricciones, la Naturaleza y la vida sin restricciones legales se abren camino en Megalex en el Bosque de Chem y en la historia de amor protagonizada por Zerain y Kavatah.
Una fábula apocalíptica cargada de simbolismos y metáforas, realizada con un detallado dibujo y barroca ornamentación, en la que las técnicas tradicionales de dibujo se mezclan con las nuevas tecnologías de ilustración por ordenador. Un planteamiento que da como resultado una obra muy en la línea estética de los anteriores trabajos de Jodorowsky, que no defraudará a sus seguidores, tanto en el campo del cómic como en el de la psicomagia o el tarot.

Megalex / Alejandro Jodorowsky, Fred Beltrán
Mondadori / 166 páginas / Castellano

Cátedra incorpora a su colección “Cuadernos arte Cátedra” este título publicado originalmente en 2008 y que, como afirman sus autores en la introducción, “ha sido concebido como libro de consulta para estudiantes universitarios y para el público en general que se interese por la historia del arte y las artes visuales”.
A diferencia de los tratados de arte tradicionales, que adolecen del manejo de conceptos y teorías excesivamente clásicos y no prestan atención a las nuevas corrientes surgidas en las últimas décadas, este “Arte básico” incorpora teorías y visiones procedentes del marxismo, el postestructuralismo, la posmodernidad e incluso describe cómo el mundo del arte es entendido y aplicado en nuevas herramientas como internet.
Nombres como los del ensayista John Berger, el filósofo Slavoj Zizek, el lingüista Saussure, el marqués Sade, se dan cita en este libro, pequeño en tamaño pero intenso y vasto en contenidos, que se completa con un glosario de términos e imágenes de muchas de las obras a las que se hace referencia en sus páginas.

Arte básico / Grant Pooke y Diana Newall
Cátedra / 336 páginas / Castellano

Aunque el reclamo que aparece en suportada (“III Premio internacional de novela gráfica Fnac-Sins entido”), resulta un tanto confuso, “¡Pintor!” de Esteban Hernández ha sido, efectivamente, el ganador de la tercera edición del premio que esta editorial convoca en colaboración con la conocida cadena de tiendas especializadas en productos culturales.
Si en las dos primeras ediciones los trabajos elegidos abordaban el lenguaje del cómic desde un punto de vista más artístico y con un lenguaje elaborado y complejo, en esta ocasión el jurado se ha decantado por una obra que apuesta por la comicidad, tanto en el trazo como en la narración.
“¡Pintor!” cuenta la historia de un anciano que, bajo su apariencia de pintor de brocha gorda, oculta una curiosa actividad artística que, además de su faceta visual o decorativa, tiene mucho de conceptual. Una actividad anónima y hasta cierto punto clandestina que, cuando es descubierta, le acarreará tantos sufrimientos como satisfacciones.
Además de a la obra en sí misma, este premio hace también justicia a la labor que su autor lleva desarrollando en el mundo del tebeo de forma independiente desde hace muchos años. Un reconocimiento que esperemos le dé la repercusión que necesita para que echen a andar los muchos proyectos que tiene en mente y que pueden consultarse en su página web http://estebanhernandez.net.

¡Pintor! / Esteban Hernández
Sins entido / 80 páginas / Castellano

Bajo la coordinación de Juan Antonio Ramírez, los autores Julián Díaz Sánchez, Ana Ávila, Carlos Reyero, Jesús Carrillo, Patricia Mayayo y Héctor Sanz Castaño realizan un interesante análisis sobre la situación y el funcionamiento del mundo del arte en España.
El papel de los museos, la influencia de los críticos y las revistas especializadas, la importancia de los catálogos, la labor de las administraciones públicas, la incorporación de las mujeres como creadoras artísticas, la importancia e institucionalización del arte marginal y “desviado” durante la Transición o la importancia de los capitales financieros como dinamizadores y motores del arte son algunos de los temas que se abordan en este ensayo.
Aunque no es un libro de divulgación ni un texto sencillo, lo cierto es que siempre es curioso saber cuáles son los mecanismos con los que se maneja un sector que, aunque siempre ha tenido una innegable vertiente cultural, también es cierto que posee mucho de negocio y apariencia. Una realidad que resulta evidente cuando analizamos el arte desde el punto de vista del coleccionismo –sujeto a extrañas corazonadas, caprichosas fluctuaciones e interesadas estrategias de promoción–, cuando nos fijamos en su relación con el sector inmobiliario –donde los centros de arte son jugosos encargos arquitectónicos– o cuando lo pensamos en relación con el sector turístico –que ha hecho de los museos epicentro de muchas de sus ofertas y propuestas.

El sistema del arte en España. Juan Antonio Ramírez (Ed.)
Ediciones Cátedra. 380 páginas. Castellano

Tras su exposición en las calles de Oviedo durante el mes de mayo de 2010, los carteles realizados para la décimo primera edición de Motiva han sido recopilados en este libro, que lleva por título “Tu don más natural”, lema que sirvió de inspiración a la convocatoria y que pretendía concienciar a la población de la importancia y necesidad de donar los órganos para salvar otras vidas.
Además de reproducir todos los trabajos presentados, entre los que se encuentran los de Mario Eskenazi, Cruz Novillo, Enric Aguilera, La Camorra, Javirroyo, Ruiz+Company, Peret, Pablo Amargo y Marco Recuero, el volumen incluye imágenes de los carteles colocados en mupis e integrados en su contexto urbano.
La propuesta se completa con los textos que los autores adjuntaron a su obra para explicar las motivaciones de la misma y, en alguna que otra ocasión, facilitar su comprensión por parte de los espectadores.

Tu don más natural / Varios autores
Escuela de arte de Oviedo / 230 páginas / Castellano

Eduardo Becerra reúne a algunos de los escritores más lúcidos del panorama actual para que reflexionen sobre la forma de concebir las ciudades en el campo de la literatura, el cine o los cómics.
Textos de Rodrigo Fresán, Jorge Eduardo Benavides, Jordi Costa sobre ciudades imaginarias, ciudades que se repiten, ciudades de cine negro que conforman un libro de ensayos que no desentonaría en las bibliotecas de las facultades de arquitectura y que tal vez serviría para que los arquitectos del futuro planificasen ciudades, si no más habitables, más imaginativas y sorprendentes.

Ciudades posibles
Arte y ficción en la constitución del espacio urbano
Eduardo Becerra (ed.) / 451 editores / 222 páginas / Castellano

Si bien la arquitectura ha sido tradicionalmente estudiada como parte del arte –especialmente aquella que corresponde a los periodos clásico, románico, gótico, renacentista y barroco–, lo cierto es que en la época contemporánea parece haberse independizado de esta disciplina, para ser considerada una actividad por sí misma, al margen de los movimientos y tendencias artísticas y más atenta a cuestiones relacionadas con la política, la sostenibilidad o el ecologismo.
En los últimos tiempos, sin embargo, la arquitectura ha vuelto a formar parte del arte, no tanto por deseo de sus artífices, los arquitectos, sino por la atención que artistas de otros campos le han prestado, y que les ha llevado a integrar elementos propios de la arquitectura –desde fotografías de edificios, a materiales arquitectónicos, maquetas, interiores domésticos, desarrollos urbanos...– en sus propuestas visuales, pictóricas, de instalaciones, performánticas, etc.
A esta realidad artística, concretamente a la acaecida entre los años 1970 y 2008, es a la que David Moriente dedica “Poéticas arquitectónicas en el arte contemporáneo”, un ensayo en el que se dan cita nombres como Gordon Matta-Clark, Bernd y Hulla Becher, Isidro Blasco y Santiago Sierra, que, por excesivamente especializado, está indicado para estudiosos e interesados en el arte o la arquitectura, pero que tal vez abrume a los que se acerquen a él solo por curiosidad.

Poéticas arquitectónicas en el arte contemporáneo / David Moriente
Cátedra / 432 páginas / Castellano

En 1980, el historiador Howard Zinn publicó “La otra historia de Estados Unidos”, una obra heredera de los movimientos surgidos en los años 60 que analizaban la historia del país norteamericano y su política imperialista desde un punto de vista crítico.
Tres décadas más tarde, Mike Konopacki y Paul Buhle han decidido adaptar la obra de Zinn al cómic, dando lugar a esta “Historia popular del imperio americano”, trabajo tan interesante como fallido. Interesante por su capacidad para atrapar al lector con una historia que nada que tiene que ver con la que han sostenido de manera oficial los diferentes gobiernos estadounidenses, y fallida por la mala ejecución de la misma, a consecuencia de unos dibujos torpes, un discurso estético más que discutible y un uso de la técnica –especialmente de los filtros de Photoshop y otros programas de diseño– falta no ya de gusto, sino de destreza y oportunidad.
Un libro que podría haberse convertido en un referente del tebeo histórico y en material de divulgación para colegios, institutos e incluso universidades, pero cuya pobre ejecución aconsejaría mantener fuera del alcance de los niños, porque al no tener todavía formado el criterio en cuestión de cómic, a ver si va a ser peor el remedio que la enfermedad y lo que se gana en el campo de la Historia se pierde en el terreno del Arte.

Una historia popular del Imperio Americano / Una adaptación gráfica
Howard Zinn, Mike Konopacki, Paul Buhle / Sins entido / 288 páginas

Benito Navarrete Prieto ha sido el responsable de la actualización y revisión de la edición del clásico que sobre la pintura barroca española realizó Alfonso E. Pérez Sánchez en 1992.
A lo largo de sus casi seiscientas páginas, ilustradas con múltiples ejemplos gráficos, se analiza la realidad de los pintores en el siglo XVII, su formación, su relación con sus clientes y los géneros pictóricos por ellos desarrollados.
Además, el libro destaca por su exhaustivo análisis de la actividad pictórica en las ciudades y regiones más importantes de la época –como Madrid, Toledo, Valladolid, Valencia, Aragón, Sevilla–, de las diferentes escuelas, la mayoría de ellas vinculadas estrechamente a destacadas figuras de la disciplina y, por último, el análisis del trabajo de estos autores entre los que destacan Velázquez, Zurbarán y Carreño
Si bien “Pintura barroca en España” está pensado para el uso como manual de texto en el ámbito universitario, su carácter didáctico y su lenguaje, lo hacen accesible a todo tipo de público interesado en el tema que difícilmente encontrará otro título sobre el tema tan bien documentado pero que no caiga en el exceso academicista.
El volumen se completa con un amplio apartado de notas destinado a aclarar conceptos y datos aportados en los diferentes capítulos, una extensa bibliografía y un índice onomástico de los lugares, personajes y obras citados.

Pintura barroca en España, 1600-1750 / Alfonso E. Pérez Sánchez
Cátedra / 560 páginas / Castellano

¿Qué pasaría si Dios en persona bajase a la tierra? La respuesta está en este libro de Marc-Antoine Mathieu galardonado con el Gran Premio de la Crítica de ACBD.
Un tratado de filosofía hecho tebeo cuyas viñetas desgranan algunas de las teorías sobre a existencia de Dios enunciadas por destacados pensadores como Descartes, Voltaire, Pascal, Sarte y Jung, a lo largo de la historia.
A diferencia de los títulos que se editan actualmente en el sector del cómic, “Dios en persona” es un trabajo denso, en ocasiones complicado, con un guión sólido muy bien ejecutado en el aspecto artístico, que pone en solfa la sociedad en la que vivimos, especialmente la de los medios de comunicación, la publicidad y los poderes fácticos comenzando por la judicatura y acabando por los diferentes gobiernos mundiales.
Un libro diferente, valiente en su planteamiento tanto en el aspecto artístico como en el empresarial que, de no ser por empresas como Sins entido, decididas a mantener con dignidad su personal línea editorial aunque ello les suponga renunciar a ventas masivas de ejemplares o a la aceptación por parte del gran público, pasarían sin pena ni gloria e incluso serían imposibles de publicar en nuestro país.

Dios en persona / Marc-Antoine Mathieu
Sins entido / 128 páginas / Castellano

Aunque por el nombre pueda resultar un personaje desconocido, toda persona que haya tenido una infancia más o menos confortable durante la segunda mitad del siglo XX sabe quién es Ray Harryhausen. Si bien es cierto que son pocos los que podrían reconocerlo en una fotografía e incluso escribir bien su apellido, de lo que no hay duda es de que seguro guardan un magnífico recuerdo de sus películas. Hitos del cine, éxitos de las sesiones continuas y, hasta hace poco, habituales de la programación televisiva como “Surgió del fondo del mar”, “Simbad y la princesa”, “El viaje fantástico de Simbad”, “Simbad y el ojo del tigre”, “Los viajes de Gulliver”, “Jasón y los argonautas” y “Furia de titanes”, entre muchos otros títulos.
Carlos Díaz Maroto, de la mano de Calamar Ediciones y con el apoyo del propio Harryhausen y la The Ray&Diana Harryhausen Fundation, entidad encargada de gestinar su legado, rinde un homenaje al que merecidamente califica de “mago del stop-motion” con un estudio de casi trescientas páginas profusamente ilustrado con carteles, fotocromos e imágenes promocionales en el que, además de un perfil biográfico de Harryhausen y un análisis de los efectos especiales en el cine anterior a él, desgrana algunas de sus más destacadas producciones, analiza los proyectos que no llegaron a realizarse y dedica un capítulo a la influencia de su trabajo en los tebeos. Un interesante y ameno estudio que viene a cubrir de una vez por todas, el vacío existente en nuestro país en lo que se refiere a bibliografía sobre este gran genio del cine que tan buenos ratos ha proporcionado al público.

Ray Harryhausen / El mago del Stop-motion
Carlos Díaz Maroto / Calamar ediciones
288 páginas / Castellano

Una nueva entrega, la cuarta ya, de las “pequeñeces de Lewis Trondheim”, en la que el autor francés da rienda suelta a sus preocupaciones cotidianas. Escenas del día a día con las que cualquier mortal se sentirá identificado, gracias a la capacidad de Trondheim para presentar al ser humano, empezando por él mismo, con toda sus grandezas y sus miserias.
A diferencia de otros trabajos autobiográficos semejantes firmados por otros autores, “Mi sombra a lo lejos” no resulta pretencioso ni pedante y entre sus muchas virtudes podríamos aventurarnos a afirmar que destacan sus efectos terapéuticos, gracias al optimismo e hilaridad que contiene y que está presente incluso en las situaciones más graves y preocupantes, como la extirpación de unos pólipos de las cavidades nasales del protagonista.
También cabe destacar la belleza de los dibujos y el talento de Trondheim para trabajar la acuarela, un hecho que acostumbra a pasar desapercibido a la hora de valorar esta línea de trabajo, que suele ser tomada más como un divertimento del autor que como una magna obra al estilo de las novelas gráficas. Un hecho curioso, habida cuenta de que, tras la publicación de cuatro volúmenes de estas aventuras, es evidente que este trabajo ha adquirido una entidad que supera con creces la anécdota y que, con el tiempo, constituirá un corpus a través del cual reconstruir la vida de su autor, algo que intentan hacer muchas otras obras con más aspiraciones que ésta, aunque con mucha menos fortuna.

Mi sombra a lo lejos / Lewis Trondheim
Sins entido / 128 páginas / Castellano

Hartos de los acabados planos y artificiales de los ordenadores, muchos diseñadores se han reencontrado con la naturalidad del trazo manual, la imperfección del trabajo artesano y el carácter orgánico de las texturas. Proyectos que, además de disfrutarse visualmente, pueden ser tocados, desconchados, deshilachados o ninguna de estas tres cosas pues, en muchos casos, el empleo de las texturas se limita a un mero recurso estético o un trampantojo.
“Design textures”, magníficamente editado por PIE Books, presta atención a esta tendencia del diseño y la creatividad actual a través de más de un centenar de trabajos que emplean estos recursos de alguna manera, bien desde el punto de vista de los materiales, bien de los acabados, la técnica empleada o de las imágenes fotográficas que aparecen en ellos.
Posavasos que imitan cristales rotos o galletas partidas; encuadernaciones en tela y piel; estuches hechos con yeso; golpes secos y tintas en relieve; manchas de café; fondos de césped o de metales erosionados son algunos de los ejemplos que se incluyen en este volumen que despeja, en caso de que la hubiera, cualquier duda sobre las posibilidades creativas de las texturas y su eficacia a la hora de hacer menos artificial y más cercano cualquier trabajo de diseño.

Design texture. Varios autores
PIE Books. 192 páginas. Inglés y japonés

Con un año de retraso y coincidiendo con el estreno de la película “El gran Vázquez” dirigida por Óscar Aibar, Glénat ha publicado el volumen definitivo que recopila la obra que el dibujante Manuel Vázquez realizó –bajo su propia firma o pseudónimos como Sappo–para el público adulto durante los años 70, 80 y 90 y que, aunque buena parte de ella había sido publicada por esa misma editorial en álbumes individuales y comic-books, resultaba actualmente imposible de encontrar.
Un magnífico libro que incluye títulos míticos como “Mujeres o diosas”, “Vázquez agente del fisco”, “Gente peligrosa” o “Sábado sabadete” y proporcionará horas de diversión y risas a aquellos niños que crecieron leyendo Anacleto, las Hermanas Gilda, la Abuelita Paz o la Familia Cebolleta y a los que dichos personajes entrañables les pueden resultar en la actualidad un tanto edulcorados en su madurez. Tal vez consciente de ello, o por liberarse de las estrecheces creativas de editoriales como Bruguera, Vázquez no dudó en ofrecer a sus lectores adultos temas más acordes con su edad. Desde autoparodias en las que se retrataba como aficionado al bingo y eterno moroso del fisco, a mofas sobre la sociedad actual y, por supuesto, generosas raciones de sexo y humor grueso. En resumen, “Lo peor de Vazquez” incluye el mejor humor cafre surgido de una de las mentes más lúcidas y brillantes que ha dado el tebeo español en toda su historia.

Lo peor de Vázquez
Vázquez
Glénat / 568 páginas / Castellano

Un catálogo de tipografías de reciente creación que responden a las necesidades y gustos de los diseñadores actuales. Un libro de diseño que, a diferencia de lo que abunda en las estanterías de las librerías especializadas, es más útil y funcional que bello, pues su objetivo no es servir de adorno o de deleite visual sino de herramienta para los profesionales del diseño. De hecho sus únicas concesiones a lo ornamental son unas obras gráficas en las que se han aplicado las fuentes y que se adjuntan al lado de los especímenes de cada una de ellas, con la intención de que el lector se haga una idea de las posibilidades de uso de la misma. Como no podía ser de otra forma, “Fontology” se sirve con un CD en el que se incluyen todas las fuentes que aparecen en él, tanto para plataformas Mac como para PC. Sin embargo, hay que advertir que, al final del volumen, se hace la salvedad de que dicha inclusión no supone la cesión del copyright, que pertenece a sus respectivos autores, ni la autorización para usos lucrativos de las mismas. Un texto que, mucho nos tememos, no va a resultar muy eficaz pues ya se sabe como es esto: estando al final del libro y en letra pequeña...

Fontology. Maia Francisco

Promopress. 240 páginas. Castellano, ingles y francés

Libro que recoge todos los premios, finalistas y miembros de los jurados de todos los premios de arquitectura e interiorismo organizados por el FAD desde 1958 hasta el año 2008. Casi seiscientas páginas en las que las imágenes de edificios, planos, escenografías y diseños expositivos, se aderezan con informaciones referentes a los hechos históricos y sociales más relevantes de cada año, como la elección de John F. Kennedy como presidente de los Estados Unidos, su asesinato, la apertura de la primera tienda Habitat en Londres, la guerra de Vietnam, el mayo del 68, la aparición del primer videojuego, la muerte de Franco, las primeras elecciones democráticas, el golpe de estado, las olimpiadas de Barcelona, la entrada del Euro y así hasta la crisis económica mundial.
Un libro ameno, que se puede disfrutar poco a poco sin necesidad de agotarlo en una sola tacada y cuya única pega es que solo se hayan editado 900 ejemplares destinados a obsequiar a los patrocinadores, mecenas, socios y otros compromisos de Arquin FAD.

Premios FAD 1958-2008. 50 anys D’Arquitectura i interiorisme a la península ibérica
Arquin FAD. 560 páginas. Catalán

Un nuevo kilo de Kesselskramer que viene a sumarse a los dos publicados hace unos años aunque, en esta ocasión, su apariencia no es árida como la de un ladrillo, sino llamativa como un paralelepípedo verde fluorescente.
Salvo esas mínimas diferencias, esta nueva cita con los trabajos de la agencia holandesa es similar a la anterior: páginas y páginas de buenos trabajos, sean éstos para clientes, como las campañas para el Hans Brinker Budget Hotel y los caramelos Läkerol o con fines de autopromoción, como la colección de libros “In almost every picture”.
Magníficos proyectos que permiten hacerse una idea del potencial empresarial y el talento de los trabajadores de Kesselskramer y que invitan a sospechar que no es posible que todo en esa agencia sea tan bueno, tan inspirador, ni tan idílico. Como en cualquier compañía, creativa o no, es difícil darse cuenta de que no deben de ser pocos los trabajos incómodos, poco agradecidos y de resultados insatisfactorios que se hacen en ella. De no ser así, Kesselskramer es sin lugar a dudas el paraíso laboral para cualquier persona con interés en la creatividad, en el trabajo bien hecho y en la buena vida.

A new kilo of Kesselskramer. Varios autores
PIE Books. 428 páginas. Inglés y japonés

Rocket company y PIE Books ponen a disposición de los lectores un resumido “Who’s who” del diseño realizado en el Reino Unido desde los años 80 hasta la actualidad.
Un volumen en el que, aunque faltan otros muchos nombres, se dan cita figuras de la talla de Neville Brody, Non Format, Tomato, Jonathan Barnbrook y Mind Design.
Sin apenas texto, tan sólo un breve perfil y una entrevista de cada uno de los protagonistas, el libro está centrado en repasar los mejores trabajos de cada uno de esos estudios, en los que abunda la producción para compañías discográficas y el trabajo editorial para revistas o editoriales.
Además de sus atractivos directamente relacionados con el diseño, el libro posee el interés añadido de retratar el día a día de los estudios e incluir imágenes de sus interiores, que permiten ver las zonas de trabajo, el contenido de sus estanterías, su decoración... algo semejante a lo que hacen las revistas del corazón con las casas de los personajes famosos pero infinitamente más interesante y enriquecedor.

Hello UK graphics. Graphic design in the UK since 1980s
Rocket company. Pie Books
208 páginas. Inglés / Japonés

Un nuevo ejemplo de la magnífica labor que, en el sector editorial relacionado con el diseño, realiza la compañía japonesa PIE Books. En esta ocasión, su atención se centra en el uso de estampados, patrones y dibujos repetitivos a la hora de resolver un trabajo de diseño.
Como siempre, la capacidad de sus responsables para rastrear una amplia variedad de ejemplos procedentes de diferentes lugares del mundo es asombrosa y, una vez más, consigue que este “Patterns in graphics” sea un interesante manual de referencia sobre las posibilidades creativas de los patrones en folletos, guardas de libros, envoltorios para productos cosméticos, portadas e interiores de CD, carteles, tarjetas de visita, papeles de pared o bolsas para comercios.
Sin embargo, no son los usos que se les pueden dar sino el diseño de los propios patrones lo que verdaderamente llama la atención de este libro. Patrones en su gran mayoría creados expresamente para cada uno de los clientes empleando todo tipo de motivos, no sólo geométricos u ornamentales como suele ser habitual, sino con elementos figurativos e incluso aparentemente abstractos.
Un libro que permite una doble lectura, la de disfrutar de los buenos diseños entendidos como un todo homogéneo y la de escudriñar esos fondos, patrones y estampados para averiguar cómo se trenzan para formar esas repeticiones que pueden extenderse hasta el infinito.

Patterns in graphics. Varios autores
Pie Books. 160 páginas. Inglés. Japonés

Este volumen recoge casi mil quinientos ejemplos entre pictogramas, ideogramas y signos, los cuales se adjuntan, para regocijo del lector, en un CD compatible con las plataformas de Mac y PC.
Un libro que será de utilidad en muchos estudios por la cantidad y variedad de ejemplos que incluyen, aunque es justamente ese exceso lo que en ocasiones juega en su contra. En nuestra opinión, y a sabiendas de que figuras de la talla de Félix Beltrán y Aaron Marcus no estarán de acuerdo a la vista de los elogiosos prólogos que han escrito para la ocasión, hubiera sido deseable una cierta criba de material que eliminase aquellos pictogramas poco logrados, confusos y en ocasiones un tanto pueriles.
Un comentario que, por supuesto, no pretende restar valor a aquellas series, que las hay y en abundancia, en las que la estética y el planteamiento confluyen dando lugar a colecciones de pictogramas útiles, funcionales y divertidas.

Imagomundi. LSDspace. Promopress
224 páginas. Castellano. Inglés. Francés

“Flowerhead” del pintor alemán Olaf Hajek es un libro inusual. En primer lugar porque en estos tiempos que corren no es habitual que una editorial decida publicarle un libro monográfico, y menos aún con tan buenos acabados, a un artista vivo que aún no ha cumplido los 45 años. En segundo lugar, porque el trabajo de Hajek, aunque habitual en medios como la edición alemana de Payboy, no responde a las tendencias actuales de la ilustración y la pintura. Su estilo, en el que se pueden aislar trazos de primitivismo, el Gauguin de la época tahitiana, el fovismo y el arte pop, resulta muy personal y sorprendente tanto por la ejecución como por los planteamientos e inclusión en sus cuadros de temas clásicos y actuales. En este aspecto, las obras de Hajek opseen referencias a Boticelli, a Shakespeare según lo retrató John Taylor, a El Bosco, con la misma naturalidad que lo hacen con Michael Jackson, Gandhi; Joni Mitchell o Lisa Simpson.
Un curioso volumen que muy probablemente influirá en muchos de los trabajos de ilustración y publicidad que veremos en los próximos meses y años.

Flowerhead. Olaf Hajek. Gestalten
144 páginas. Inglés

Lolo Rico, directora del recordado programa de RTVE La Bola de Cristal, ha recopilado en este libro -realizado con la colaboración especial de Iñaki Pérez-, seiscientos títulos, entre películas y series, destinadas al público infantil de entre 3 y 12 años.
Una guía destinada a facilitar a los padres su labor a la hora de elegir las películas que van a ver sus hijos y que incluye, desde clásicos del cine como “El acorazado Potemkin”, “Una noche en la ópera” o “El maquinista de la General”, hasta las cintas más recientes, como las de Harry Potter, “Up” o “Piratas del Caribe”, todas ellas explicadas con una sucinta descripción y una ficha con el género, la materia de la que trata, el tipo de personajes que aparecen en ellas y la edad recomendada.
Para facilitar la labor, al final del volumen se incluyen varios índices. Uno onomástico, otro que ordena las películas según la edad, otro de personajes, y por último, uno que agrupa las películas según los temas que en ellas se tratan, como “adopción”, “castigos”, “ricos”, “discapacidad”, “futuro”, “lealtad”...
Un útil e interesante libro, escrito sin prejuicios hacia la infancia que invita a que los niños se familiaricen desde pequeños con obras maestras del cine sin atender a excusas injustificadas como “es en blanco y negro”, “es antigua” o “es muda”.
Por último, cabe destacar que este libro pertenece a la Biblioteca Civican, proyecto elegido por los clientes de Caja Navarra, pionera en la Banca Cívica y en consultar con sus clientes, dónde quieren que se reinviertan los beneficios generados por sus depósitos.

Filmoteca infantil. Lolo Rico
Caja Navarra. 206 páginas. Castellano

Un nuevo volumen del prestigioso anuario del Type Directors Club que recoge, en opinión del jurado correspondiente, el mejor trabajo creativo relacionado con la tipografía realizado en todo el mundo durante el año 2009.
Un libro que, como viene siendo habitual en los últimos años, supera en calidad y creatividad a la gran mayoría de los anuarios editados por los diferentes clubes de creativos y los surgidos como resultado de los diversos certámenes publicitarios que se celebran anualmente.
Un hecho que no es incompatible con afirmar que este volumen resulta un poco más flojo que los precedentes tal vez porque las dificultades económicas de estos tiempos han obligado a los estudios a ser más selectivos y conservadores a la hora de inscribir los trabajos más.
En todo caso, este Typography 30 contiene suficientes propuestas interesantes como para hacer que merezca la pena atesorar el tomo en los estantes de la biblioteca. Sin ir más lejos, el habitual anexo que, en esta ocasión, reproduce el sexto anuario de esta asociación y en el que se reproducen trabajos de Saul Bass, Paul Bacon, Herb Lubalin y George Lois, entre otros grandes del diseño y la tipografía.

Typography 30. The Annual of the Type Directors Club
Varios autores. Type Directors Club
364 páginas. Inglés

Pocos libros hacen tanto honor a su título como este. Efectivamente, el arco le sirve al ingeniero de Caminos, Canales y Puertos César Lanza como excusa para repasar buena parte de la historia de la civilización occidental desde la época romana hasta nuestros días a través de ejemplos arquitectónicos, fotografías, manifestaciones artísticas e incluso aquellos personajes que, de forma directa o indirecta, han abordado la figura del arco en sus investigaciones.
De esta forma, figuras como la de Lewis Carrol, Ludwig Wittgenstein, Oscar Niemayer, Cerdá y Eduardo Torroja se suceden a lo largo de sus páginas, haciendo realidad la afirmación del propio Lanza, quien define el arco no como “una tipología estructural cuya misión más importante sea resistir sino otorgar paso y hacerlo, además, abriéndose ampliamente a la luz”.
Sin lugar a dudas, los arcos de César Lanza no son meras construcciones sino la abertura por la que pasa la arquitectura, sus disciplinas afines como la matemática, el urbanismo e incluso otras adyacentes como la pintura, la escultura y hasta la poesía.

El arco como excusa. Cosas y formas en la ingeniería del transporte
César Lanza. Ineco Tifsa
304 páginas. Castellano

La revista Bloc continúa su interesante labor de divulgación del mundo de la ilustración y la literatura infantil y juvenil, un sector enormemente atractivo pero apenas conocido por el gran público, que suele quedarse con lo anecdótico y no llega a reparar en la calidad artística y conceptual de muchas de esas obras.
En su número cinco, correspondiente a la primavera de 2010, abordan como tema principal las relaciones entre el cine y los álbumes ilustrados. Un asunto de total actualidad a la vista de las recientes adaptaciones a la gran pantalla de obras como “Donde viven los monstruos”, “Shreck”, “El expreso polar” y otras no tan recientes, como “Ferdinando el toro”, uno de los clásicos de la primera época de los estudios Disney.
El número se completa con unas amplias entrevistas, profusamente ilustradas, a Miguelanxo Prado y a Roberto Innocenti.
Una interesante revista que promete más sorpresas, como la que se anuncia para su número seis, dedicado en buena parte a la relación entre los juguetes y los libros y cómo aquéllos pueden servir de materia prima a los álbumes ilustrados.

Bloc. Revista internacional de arte y literatura infantil
Varios autores. Publicaciones de Arte y Literatura S. L.
94 páginas. Castellano. Inglés

La editorial Glènat puede enorgullecerse de haber redescubierto al gran público los tebeos para chicas, un género habitualmente denostado por los aficionados más puristas, pero que se ha vuelto cada vez más atractivo con el paso de los años, no solo porque permiten revivir la infancia a aquellos que los leyeron en su momento, sino porque sirven de documento sociológico para conocer cómo era la sociedad española en los años 60 y 70 o, mejor dicho, cómo le gustaría haber sido.
Tras el éxito de las reediciones de los libros de Purita Campos y su personaje Esther, ahora le ha tocado el turno a Mary Cuper Fernández, más conocida como “Mary ‘Noticias’”, una moderna y audaz reportera de televisión surgida de la imaginación y los lápices de Ricardo Acedo y Carmen Barbarà.
En este volumen, que respeta el formato horizontal de los cuadernillos originales, se incluyen los quince primeros números de “Mary ‘Noticias’”, la reproducción de sus portadas a todo color, una introducción a cargo de Antonio Martín y una entrevista con la propia Barbarà realizada por Mar Calpena, en la que la autora recuerda cómo surgió el personaje, su inesperada desaparición por decisión de la editorial y sus extenuantes procesos de trabajo, que le obligaban a entregar un tebeo a la semana.
Un cómic bien ejecutado, en la tradición de clásicos como Modesty Blaise y Diabolik, que se lee con gusto, cierta ternura y hace pasar un buen rato.

Mary “Noticias”. Ricardo Acedo y Carmen Barbará
Glènat. 168 páginas. Castellano

Definitivamente, el que haga grafiti o esté relacionado con el y no esté representado en este libro es que no pinta nada, nunca mejor dicho, en el mundo del arte urbano.
De la mano de la editorial alemana Gestalten, Patrick Nguyen y Stuart Mackenzie han recopilado los trabajos y las opiniones de los artistas, responsables de galerías de arte y museos que destacan, a lo largo y ancho del mundo, por su labor en el campo del arte urbano. Una expresión artística sobre la que existen una serie de prejuicios y estereotipos que quedan totalmente demolidos gracias a “Beyond the street”, como el hecho de que el grafiti es sólo pintar las paredes con sprays y rotuladores; que es una expresión artística propia de gente muy joven o que es un arte al margen de los circuitos del arte convencional.
En sus páginas se dan cita autores emergentes, pioneros del grafiti que cuentan en la actualidad con edades comprendidas entre los cuarenta y cincuenta años; pintores o artistas que emplean técnicas peculiares, como el lisboeta Alexandre Farte, que hace retratos a gran escala picando el yeso de las paredes o el portorriqueño Dzine que hace esculturas barrocas inspiradas en la cultura popular, sin olvidar al alemán Boris Hoppek, conocido por sus muñecos de trapo.
Entre los representantes españoles (que también los hay) se encuentran Miss Van, Sixeart, Escif y, cómo no, la magnífica Nuria Mora.
Definitivamente, el que quiera saber qué se cuece en esto del arte urbano, tiene que tener en su biblioteca este “The 100 leading figures in urban art”.

Beyond the Street. The 100 leading figures in urban art
Patrick Nguyen y Stuart Mackenzie (Eds.). Gestalten
400 páginas. Inglés

En el primer título de la editorial Tipo e, Manuel Sesma ha elegido a dieciséis tipógrafos nacionales e internacionales para que expliquen cuál es el método que emplean para elegir la tipografía que han de emplear en un determinado trabajo.
Andreu Balius, Pablo Cosgaya, Rubén Fontana, Laura Meseguer, José María Ribagorda, Íñigo Jerez, José Scaglione y John Moore son algunos de esos profesionales que nos adentran por los secretos, defectos y virtudes de tipografías como la Carmen, la Plasma, la Stempel Garamond, la Paper Planes#2 Set, la Caledonia o la Ibarra Real.
Prologado por Marina Garone, responsable de dar un enfoque teórico y científico al libro, “Tipo elige tipo” sigue la senda iniciada por Enric Jardí en su “22 consejos sobre tipografía” y, al igual que éste, logra acercar la disciplina, además de a los profesionales del diseño, a aquellas personas que no tienen por qué estar familiarizadas con la tipografía pero tienen curiosidad por saber algo más de un tema que, gracias a la llegada de las tecnologías al ámbito doméstico, está cada día más presente en sus vidas.

Tipo elige tipo. Varios Autores
Tipo e Editorial. 56 páginas. Castellano

Más de tres décadas después de su aparición como reportaje periodístico, la editorial 451 pone a disposición del público español la versión íntegra de este trabajo realizado a cuatro manos entre el fotógrafo Jon Naar y el escritor Norman Mailer. Un proyecto que puede ser tenido como el primer acercamiento de un intelectual a la realidad del grafiti y la primera vez que éste es calificado como de movimiento artístico emergente, en contra de lo sostenido por muchos críticos, artistas y, por supuesto, las autoridades.
De hecho, y como buen periodista, Mailer no olvida recabar la opinión al respecto del máximo representante de aquellos que persiguen a los grafiteros: el alcalde de Nueva York, que describe el efecto destructivo y desmoralizador que los grafiteros tienen entre la población. Sin embargo, eso no es óbice para que “La fe del grafiti” acabe siendo un relato épico de los muchachos en su mayor parte procedentes de los guetos, que dedican buena parte de su tiempo a marcar la ciudad con sus nombres.
Un libro que habla de exclusión social, de evasión, de reafirmación personal, de violencia, rebeldía y de arte, aunque sus protagonistas no tengan conciencia de ser o de encarnar ninguno de estos principios, pues su mayor preocupación es poder desarrollar su afición de la forma más osada pero evitando cualquier roce con una policía que no duda en golpearlos, requisarles los útiles para pintar, multarlos y, en ocasiones, castigarlos con el que tal vez sea el castigo más humillante para un grafitero: limpiar las paredes y vagones de metro de pintadas, borrando las suyas y las de sus demás compañeros.

La fe del grafiti. Norman Mailer y Jon Naar
136 páginas. Castellano

Trama editorial publica un nuevo título de su colección “Tipos Móviles” dedicada a sacar a la luz la labor callada y anónima de los editores.
En esta ocasión le ha tocado el turno a Diana Athill, veterana editora que colaboró con André Deutsch desde el lanzamiento de su editorial hasta la venta de la misma en 1985.
Un volumen en el que se dan cita, junto con cuestiones puramente del negocio, vivencias y anécdotas cotidianas más propias del ámbito familiar que de la labor editorial, lo que lo alejan de la típica lectura para iniciados y entendidos y la convierten en un texto agradable y ameno para aquellos que tengan cierto interés en el tema o deseen conocer cómo son en las distancias cortas escritores como Jean Rhys, Alfred Chester o V. S. Naipaul.
Un libro que, como es habitual en las colecciones de Trama, cuenta en su portada con un motivo o guiño relacionado con el mundo de la edición y la imprenta y que, en el caso de Stet, lleva la firma de Miguel San José Romano.

Stet [Vale lo tachado]. Recuerdos de una editora
Diana Athill. Trama editorial
256 páginas. Castellano

Lo peor que le puede suceder a un chiste es que necesite explicación. Por ello, todo intento de explicitar los mecanismos y funcionamiento del humor es una tarea que requiere mucho tacto y talento si no se quiere aburrir a los destinatarios con explicaciones obvias o innecesarias.
Manuel Álvarez Junco, Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, diseñador gráfico y humorista, ha salido airoso de ese reto y ha conseguido que su “Diseño de lo incorrecto” sea un libro ameno en el que se repasa la historia del humor gráfico - especialmente la relación de éste con el diseño gráfico- recurriendo para ello a las más diversas fuentes, desde los conocidos tratados psicoanalíticos al respecto, los ensayos de Bretón sobre el asunto, manifestaciones humorísticas en restos arqueológicos griegos y cavernas prehistóricas, las incursiones en el tema de artistas clásicos como Da Vinci, Bernini o los Carracci, hasta llegar a las últimas teorías enunciadas sobre el humor gráfico. Un contenido que se adereza con citas de diversos autores al comienzo de los capítulos y, cómo no, numerosos ejemplos firmados por estrellas del género (y de otras disciplinas afines) como Gary Larson, Mingote, Forges, Brossa, Dalí y Peridis, que también firma el prólogo.
Un interesante acercamiento al tema del humor gráfico desde una perspectiva poco habitual, como es su capacidad de transgredir, su incorrección y su poder para poner en solfa el mundo que nos rodea.

El diseño de lo incorrecto. La configuración del humor gráfico. Manuel Álvarez Junco
La crujía. 144 páginas. Castellano

El mundo de las etiquetas de vino es uno de los más atractivos para los diseñadores gráficos. Además de ser un sector muy relevante desde el punto de vista económico -lo que permite que destine buena parte de sus presupuestos al diseño-, siempre ha mirado con buenos ojos a esta disciplina por, entre otras cosas, ser las etiquetas de sus botellas el medio a través del cual establecen contacto con sus clientes.
Consciente de esta importancia, el diseñador Eduardo del Fraile ha escrito “Wine labels on bottle design”, libro que repasa la historia de las etiquetas de vino desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, sin olvidar los diferentes tipos de botellas, cuyos nombre y formas merecen un capítulo aparte al comienzo del volumen.
Habitualmente, los libros relativos al vino y su gráfica eran realizados por las propias bodegas, que utilizaban ese tipo de productos como elemento promocional con el consiguiente sesgo a la hora de realizar la selección de las piezas pues, lógicamente, sólo incluían las de la bodega promotora.
“Wine labels on bottle design” viene a solventar ese problema pues su aproximación al tema se realiza de manera ajena a los intereses comerciales de las marcas que aparecen en él.
Cabe destacar, además del gran trabajo de documentación y recopilación realizado y de los cientos de imágenes que en él se recogen, el exquisito diseño y magnífica presentación de “Wine labels on bottle design” –con portada en corcho incluida- también responsabilidad de Eduardo del Fraile.

Wine labels on bottle design. Eduardo del Fraile
Index Books. 300 páginas. Inglés

Hace algún tiempo y por obligación legal, los tebeos llevaban en su portada una leyenda que advertía que su contenido era para adultos. Una aclaración para aquellos que, pensando que los cómics son cosas de niños, se aventuraban a comprar sin ton ni son revistas plagadas de violencia, sexo y humor grueso.
Tras la lectura de “Duelo de caracoles”, el nuevo trabajo de Sonia Pulido y Pere Joan, no sería mala idea rescatar dicha advertencia e incluirla en la portada del mismo, para que los lectores supieran a qué se atienen.
No es que en este volumen abunden las obscenidades, la ultraviolencia o las salidas de tono; de hecho, brillan por su ausencia, pero les aseguramos que este libro es lo más “para adultos” que se ha publicado en el campo de los tebeos desde hace tiempo.
Si fuera un disco, “Duelo de caracoles” sería uno de Esclarecidos o de Franco Batiatto; si fuera un programa de televisión, uno de Eduardo Punset; si fuera una obra de teatro, una de David Mamet; si fuera un libro, uno de Luis Alberto de Cuenca. En definitiva, “Duelo de Caracoles” al que no le negamos la calidad de los dibujos de Sonia Pulido, del guión de Pere Joan y del Prólogo de Félix Romero, es un cómic para adultos, es decir, para personas mayores. Incluso nos atreveríamos a decir que es un tebeo para personas mayores que piensan, y más concretamente, que piensan los tebeos no son para niños.

Duelo entre caracoles. Sonia Pulido / Pere Joan
122 páginas. Castellano

Nueva entrega de las pequeñeces de Lewis Trondheim que, como bien afirma en su contraportada, es “un libro con muchas cosas y no muy grandes”. Un centenar de páginas en las que se recogen anécdotas de viaje por parajes exóticos, vivencias de la vida en pareja, paradojas del día a día, charlas intrascendentes entre amigos y extrañas reflexiones como aquellas sobre en qué lugares de una habitación de hotel hay más gérmenes. En definitiva, una colección de las preocupaciones cotidianas de este ilustrador francés, fundador de la prestigiosa l’Association y presidente del festival de Angoulême. “La felicidad inquieta” es un divertido tebeo muy bien dibujado, que destaca por su acabado en acuarela y que nos demuestra que en el mundo de la historieta no todo tiene que ser novelas gráficas o proyectos ambiciosos. También hay sitio para productos sencillos, frescos y que analicen el mundo en que vivimos con menos solemnidad y más sentido del humor. Una fórmula que tal vez sea menos comercial a la hora de dignificar, poner en valor al cómic y llamar la atención de los medios sobre él, pero más efectiva a largo plazo, pues consigue aquello que le falta al tebeo en nuestro país y que no es otra cosa que lectores

La felicidad inquieta. Lewis Trondheim.
Sins entido. 128 páginas. Castellano

David Bailey ha sido considerado el fotógrafo que mejor ha retratado la década de los 60, una afirmación en la que ha tenido mucho que ver el hecho de que Michelangelo Antonioni se inspirase en él para construir el personaje protagonista de Blow-Up, cinta emblemática que recreaba la efervescencia del Swingin’ London con aparición de The Yardbirds incluida.
Con el paso del tiempo, Bailey ha demostrado que era mucho más que un fotógrafo de temporada, afianzando durante los años 70, 80 y 90 una interesante carrera en la que ha desarrollado trabajos de moda, reportaje, publicidad y prensa.
El interés de su trabajo ha llevado a la editorial inglesa Phaidon a dedicarle esta monografía que acaba de ver la luz. Un volumen encuadernado entapa dura con solapas y a un precio que no supera los 10 euros, en el que se recogen más de cincuenta fotografías organizadas en orden cronológico y acompañadas de una breve explicación de las mismas realizada por Jackie Higgins, responsable también de la selección de imágenes y del estudio sobre Bailey que abre el libro.
Una buena oportunidad de acercarse a la obra de este profesional y revisar la historia de la sociedad occidental de las últimas décadas a través de algunos de sus iconos como John Lennon y Paul McCartney, Mick Jagger, Brigitte Bardot, Basquiat, Brassaï, Lartigue, Jane Birkin, Man Ray, Michael Caine o Andy Warhol.

David Bailey. Jackie Higgins
Phaidon. 128 páginas. Inglés

Mondadori continúa con su interesante y arriesgada labor editorial en el terreno del cómic que le ha llevado a editar, junto a títulos de previsible éxito como “George Sprott” de Seth o “Viviendo del cuento” de Juanjo Sáez, otras obras cuyo calado entre los aficionados al género resulta más complicado. Este es el caso de, por ejemplo, los cuadernos de bocetos de Art Spiegelmann o este “Alicia en Sunderland” de Bryan Talbot.
A pesar de que estamos en el “Año Alicia”, lo cierto es que este libro no es uno de esos productos amables que aprovechan el éxito suscitado por la película de Tim Burton. “Alicia en Sunderland” es una ambiciosa obra de más de trescientas páginas que disecciona el clásico de Lewis Carrol desde todos los puntos de vista posibles, como la relación entre el autor y Alice Liddell -la niña que inspiró el personaje de Alicia-, la historia de Gran Bretaña o las reinterpretaciones que de la historia y el personaje han hecho otros autores.
Además de su interés narrativo, el libro cuenta con un gran atractivo gráfico gracias a la capacidad de Talbot para explorar, sin ningún tipo de pudor ni miedo, nuevos territorios en el campo de la historieta y mezclar estilos, estéticas y técnicas, entre las que se encuentran el collage, la fotografía o la superposición de imágenes.
De igual manera, sin prejuicios, sin miedo y consciente de que no está ante una adaptación de este clásico inglés a la manera de Disney, es como el lector debe acercarse a “Alicia en Sunderland”. Si así lo hace, sin duda lo disfrutará.

Alicia en Sunderland. Bryan Talbot
Mondadori. 336 páginas. Español

Un libro que, como declara José Figueras, Presidente de Figueras internacional Seating, compañía editora de Seating together, muestra el diseño reciente de auditorios desde una perspectiva diferente: el patio de butacas.
El encargado de llevar a cabo esta tarea ha sido el arquitecto Juli Capella que, además de seleccionar aquellos auditorios más innovadores de los construidos en los últimos años en todo el mundo -como los del Casino de París, los Teatros del Canal de Madrid, la Casa Milá de Barcelona o el Dansk Radio Byen de Copenhague, algunos de los cuales llevan la firma de arquitectos de talla internacional como Jean Nouvell-, hace una introducción de la evolución de estos recintos públicos a lo largo de la historia, remontándose a los teatros de la antigua Grecia, los circos romanos, a las iglesias del medioevo y el Renacimiento, a los Corrales de Comedias del Siglo de Oro, los teatros de ópera del XIX, los cines del XX, los estadios deportivos, hasta llegar a los auditorios actuales.Un libro bien documentado, escrito, ilustrado y editado que dejará un tanto fríos a los lectores no especializados pero que hará las delicias de los aficionados y profesionales de la arquitectura, quienes seguro lo utilizarán como libro de referencia y consulta durante los próximos años.

Seating together. Arquitectura de auditorios en el siglo XX. Juli Capella
Figueras International Seating. 216 páginas. Español-inglés