La curiosidad y la inquietud –como demuestra la ponencia sobre el estado de la creatividad que su agencia Herederos de Rowan impartió en las jornadas Abla celebradas recientemente– son dos de las características que definen a Óscar Bilbao, autor de “Los nietos bastardos de Warhol”, novela que narra la vida de un adolescente español de esos que desean que su vida sea un eterno fin de semana en el que no falten las “pirulas”, los botellines de Lanjarón, ni la música “bakalao”.
Antonio Infante Amasa, más conocido como Tony, es el personaje a través del cual Óscar Bilbao hace un repaso de esa parte de la juventud actual que, deslumbrados por los flashes y la fama, no dudan en sacrificar su vida para satisfacer las ansias devoradoras de las revistas del corazón o las factorías televisivas y sus programas, se llamen éstos “Gran Hermano”, “Generación Ni-Ni” o “El diario de”.
Con una prosa ágil y un lenguaje que parecería inventado de no ser porque es habitual escucharlo en la calle a poco que se agudice el oído, Bilbao va desgranando situaciones que permiten al lector ser testigo de la ascensión del joven Tony hasta conseguir esa fama de segunda división que resulta tan breve, que deja al muchacho (y al lector) con ganas de más.

Los nietos bastardos de Warhol. Óscar Bilbao
Blurb.com. 98 páginas. Español

Trama editorial continúa descubriendo a los aficionados a la literatura los secretos que esconde la labor de creación de un libro.
En esta ocasión, y tras publicar sendos libros firmados por editores de la talla de Hubert Nyssen y Tom Maschler, les ha tocado el turno a Giulio Einaudi y Jérôme Lindon, cuyas experiencias son narradas por Severino Cesari y Jean Echenoz, respectivamente, aunque en situaciones muy diferentes.
El primero explica, a lo largo de diferentes conversaciones con Cesari, su trayectoria como editor, desde sus comienzos, muy ligados a la resistencia antifascista, hasta la crisis de la editorial y su consiguiente venta al grupo Mondadori.
Por su parte, Lindon es recordado por Echenoz, quien desea dejar testimonio de su estrecha relación con su editor la misma noche de conocer la noticia de su fallecimiento.
Dos formas de entender el proceso de creación de un libro que, al menos en el caso de Einaudi, es también un repaso a lo mejor de la literatura y el pensamiento italianos de la segunda mitad del siglo XX a través de personajes como Pavese, Pasolini, Calvino, Bobbio y Primo Levi, entre otros.

Conversaciones con Giulio Einaudi. Severino Cesari
Trama Editorial. 228 páginas. Castellano
Jérôme Lindon. Mi editor. Jean Echenoz
Trama editorial. 62 páginas. Castellano

Determinar cuál es la tipografía más adecuada para un proyecto no es tarea sencilla. Los tipos de letras tienen una increíble capacidad para empaparse y acumular referencias históricas, significados y otros elementos culturales que, sumados al hecho de su mayor o menor legibilidad, hacen que decantarse por unos u otros no sea una tarea inocua.
“1000 fuentes tipográfias”, escrito por Graham Davis, Robin Dodd y Keith Martin bajo la supervisión del diseñador y profesor de las Universidades de Brighton y Kingston Bob Gordon, es el libro ideal para facilitar ese tipo de tarea.
En él, y organizadas según sus características principales (fuentes con remates, de palo seco, para rotulación, para carteles y publicidad, para web y pantalla etc.), se detallan un millar de tipografías con un código basado en números y colores que permiten determinar de forma rápida y sencilla si la fuente tiene una familia reducida, de gama media, extensa o enorme; si son de un diseñador destacado; si dispone de numerales no alineados etc.
El libro se completa con un breve introducción en la que se explican los conceptos básicos de la tipografía, un glosario con los términos más importantes de la disciplina, unas concisas biografías de los diseñadores más importantes en este campo como Baskerville, Bodoni, Garamond, Gill, Frutiger, Spiekermann o Zapf, una bibliografía recomendada y un listado de sitios webs relacionados con la tipografía, entre los que se encuentran fundiciones clásicas y sitios que permiten la descarga de fuentes de forma gratuita.

1000 fuentes tipográficas. Bob Gordon (ed.)
Gustavo Gili. 512 páginas. Castellano

Actualmente, la responsabilidad medioambiental del diseñador es un requisito indispensable a la hora de poder desarrollar con éxito su trabajo. A día de hoy, un buen diseño no lo será tanto si para su producción es necesario un gasto excesivo de agua, si las materias primas proceden de proveedores no certificados por ciertos organismos o si es imposible su reciclado una vez finalizada su vida útil.
De esta forma, tanto los diseñadores como las empresas productoras, temerosas de que el cliente final rechace sus creaciones, han comenzado a mostrar claramente una conciencia ecológica. Muestra de ello son los mil ejemplos que Rebecca Proctor recoge en “Diseño ecológico”. Un libro en el que es posible encontrar todo tipo de productos para hacer más fácil y agradable la vida cotidiana, desde vajillas a tejidos sin olvidar todo tipo de mobiliario e incluso juguetes, cuya característica principal es que son respetuosos con el Medio Ambiente en mayor o menor medida.
Para determinar este nivel de respeto, cada uno de los ejemplos recogidos se acompaña de una serie de iconos que determinan si el producto en cuestión es biodegradable, fabricado sin sustancias tóxicas, reciclable, reciclado, de comercio justo o de origen local.
Para ser coherente con lo que enuncia, era necesario que este libro contara también con sus certificaciones medioambientales, algo que se ha conseguido gracias a su impresión en papeles con certificación FSC, hecho que queda un tanto empañado debido a que dicha impresión se ha realizado en China, país conocido por sus altas emisiones de CO2.

Diseño ecológico 1000 ejemplos. Rebecca Proctor
Gustavo Gili. 352 páginas. Castellano

Lo “retro” es un recurso muy eficaz en el mundo del diseño. El hecho de jugar con estéticas por todos conocidas, muchas de las cuales se enraízan en lo más hondo de nuestros recuerdos, lo hacen agradable y más sencillo de entender que otras propuestas visuales que, por innovadoras, resultan más difíciles de digerir.
Consciente del auge que en los últimos años ha experimentado el diseño inspirado en las décadas de los 50 y 60, la editorial Promopress ha puesto a la venta “Estilo retro/Style retro”, un volumen en el que se incluyen muestras de fondos, tipografías, gamas cromáticas, gráficos vectoriales, tramas, texturas, pinceles para Illustrator y Photoshop y una galería en la que se recogen carteles, logotipos y otros ejemplos de trabajos inspirados en tiempos pasados.
Otro de los alicientes de “Estilo retro/Style retro” es el hecho de contar con un CD en el que se incluyen todos los materiales del libro, a excepción de las tipografías, de las que se detallan nombres, autores, empresas que las comercializan e información sobre si son de acceso gratuito o deben ser adquiridas para su uso.
Aunque la selección de materiales resulta un tanto heterogéneo y en ocasiones el concepto de “retro” es un poco laxo, tal vez porque responde a los gustos y decisiones de una única persona, concretamente a Grant Friedman, “Estilo retro” es un útil material que sacará de apuros a más de uno y convencerá a los clientes, especialmente a aquellos menos abiertos a la experimentación.

Estilo retro / Style retro. Grant Friedman
Promopress. 160 páginas. Castellano / Francés

En la segunda mitad de los años 70, la revista Sunday Manga japonesa dio carta blanca a Shigeru Mizuki para de realizar su siguiente obra. Haciendo uso de esa libertad, el autor japonés presentó “Hitler”, una biografía del dictador nazi muy bien documentada y fiel a los hechos históricos que narra.
Aunque, según el testimonio de Mizuki, el decantarse por ese tema no era algo premeditado, lo cierto es que la vida del autor había estado marcada por la política y decisiones del líder alemán. Reclutado a los 20 años, Mizuki tuvo que combatir con las fuerzas del Eje contra los Aliados. En el frente enfermó de malaria y, mientras se recuperaba en un hospital de campaña, perdió el brazo izquierdo a consecuencia de una explosión, algo que marcaría su carrera posterior puesto que, al ser zurdo, tuvo que aprender a valerse y dibujar con el brazo derecho.
A pesar de estos hechos, “Hitler” es una obra serena, que narra los acontecimientos históricos con objetividad y sin exaltaciones de ningún tipo, lo que no quita que quede patente la opinión que Mizuki -quien reconoce que cuando era un joven ignorante de 18 años se vio embriagado por la figura de Hitler- tiene de un personaje cuyos actos lo definen como uno de los mayores genocidas de la historia.
Un interesante tebeo que, además de sus logros artísticos -entre los que destacan los diferentes registros estéticos que desarrolla Mizuki y que mezclan la caricatura con la recreación académica de los escenarios, las ciudades y acontecimientos como el putsch de Munich, la noche de los cuchillos largos, la anexión de Austria, la capitulación de París o la caída del Berlín- funciona como un magnífico material pedagógico que acerca la Historia a los lectores con rigor y de forma amena.

Hitler. La novela gráfica. Shigeru Mizuki
Glénat. 288 páginas. Castellano

Una nueva aventura de Sócrates, el perro filósofo y parlanchín que, en esta ocasión y tras verse liberado temporalmente de la autoridad de su torpe y beligerante amo Heracles, se ve inmerso en el mito de Edipo convirtiéndose, ni más ni menos, que en el preceptor del repudiado hijo de Layo y Yocasta, a quien deberá mantener con vida a pesar del negro destino que se cierne sobre él.
Una divertida forma de familiarizarse con los clásicos griegos gracias a un guión ágil, un dibujo de trazo suelto y un entintado con masas de color sin apenas degradados.
Un libro sencillo de leer, hilarante en ocasiones, cuyo abrupto final augura una continuación (la cuarta ya de las aventuras del perro Sócrates) y que, a pesar de su inocente apariencia exterior, no es un tebeo infantil pero sí es una buena lectura para un público adolescente que desee familiarizarse con cómics más complejos. Una advertencia gratuita si fuera hecha en una sociedad madura en la que estuviera asumida la importancia del cómic como medio de expresión artística y no como mera diversión de infantes, pero que resulta pertinente en la sociedad española, entre otras cosas, para evitar posibles reclamaciones de padres tan airados y ofendidos como desinformados.

Sócrates 3. Edipo en Corinto. Joann Sfar y Christophe Blain
Sins entido. 48 páginas. Castellano

Diego Moldes realiza un breve pero detallado y ameno estudio de la novela del conde polaco Jan Potocki, “Manuscrito encontrado en Zaragoza”, y su posterior adaptación al cine por parte del realizador Wojciech Jerzy Has en 1964.
Una película que ha encandilado a figuras del cinematógrafo como Luis Buñuel, Martin Scorsesse, Francis Ford Coppola o el líder del conjunto musical Grateful Dead, Jerry García, a quien le fue dedicada la edición remasterizada que Coppola y Scorsesse realizaron en 2001 de la cinta de Has y cuyo cartel, inspirado en los del mítico Fillmore de San Francisco, sirve, con las necesarias adaptaciones, de portada a este libro.
Un texto que va más allá del análisis de esta película en concreto y cuya intención última es reivindicar la figura de Has, uno de los realizadores polacos más importantes de la segunda mitad del siglo XX, cuya obra es prácticamente desconocida en nuestro país, no sólo por el público en general, sino también por buena parte de la crítica y estudiosos de la disciplina cinematográfica.

El manuscrito encontrado en Zaragoza. Diego Moldes
Calamar ediciones. 128 páginas. Castellano

Sin duda, lo mejor de “Tengo algo en el ojo” son sus casi quinientas imágenes que ejemplifican gráficamente los temas tratados en sus páginas.
Anuncios, fotogramas, cubiertas de libro, carteles, o cuadros sinópticos que complementan unos interesantes textos en los que Bo Bergström ha sido capaz de resumir décadas de estudio relativo a la comunicación comercial y a sus trucos para llamar la atención de los consumidores.
Un libro que pone al alcance de estudiantes, periodistas y profesionales del diseño, de una forma sencilla y amena, los planteamientos de autores que han tratado esta disciplina, como es el caso de John Berger, Josef Albers, Roland Barthes y Susan Sontag, todos ellos recomendados en la bibliografía adjunta al final del libro.
Un volumen que, a diferencia de lo que sucede con otros títulos relacionados con el mundo del diseño, no es un libro de consulta sino un manual didáctico que se lee fácilmente, gracias a que aquello que cuenta no es algo abstracto o indeterminado, sino una realidad estrechamente vinculada al lector y a la sociedad en la que vive.

Tengo algo en el ojo. Técnicas esenciales de comunicación visual
Bo Bergström. 240 páginas. Promopress. Español

La aparición de las herramientas digitales provocó que muchos diseñadores gráficos, cegados por las nuevas tendencias estéticas y las facilidades derivadas del empleo de dichas herramientas, se volcasen en ellas hasta el punto de dejar a un lado las técnicas y acabados tradicionales. Una actitud que produjo infinidad de trabajos de aspecto artificial en los que la personalidad del diseñador quedaba eclipsada, en muchos casos, por la máquina.
Recientemente, nuevas hornadas de diseñadores han descubierto la calidez y la complejidad de los trabajos realizados a mano y han comenzado, cautivados por la humanidad y personalidad de las imperfecciones, a producir trabajos en los que el diseño se mezcla con la artesanía.
En By hand, PIE Books recoge una buena muestra de ese tipo de trabajo. Proyectos en los que las herramientas digitales, aunque presentes, ceden el protagonismo a las técnicas tradicionales de rotulación, ilustración y maquetación. Carteles, folletos, etiquetas, portadas de discos, entre otros muchos ejemplos, realizados con rotuladores, lápices, rotrings, cutter, ramas, hojas, objetos reciclados y una pizca de ordenador que demuestran que, como en la cocina, él éxito de un proyecto está en saber mezclar los ingredientes con inteligencia y sin que el predominio de uno u otro mate el sabor de los demás.

By hand. Handmade elements in graphic design. VV. AA.
PIE Books. 476 páginas. Inglés / Japonés

En un mundo en el que la letra impresa ha dejado paso a la imagen fija o en movimiento como medio de comunicación predominante, no es extraño que los catálogos de arte hayan perdido el aspecto de libro para adquirir otras formas híbridas en las que el papel convive con los soportes de imagen como el vídeo o el DVD.
Ese es el caso de la exposición “Del éxtasis al arrebato. 50 años del otro cine español”, comisariada por Andrés Hispano y Antoni Pinent y organizada por en el Centre de Cultura de Contemporània (CCCB) y Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), cuyo catálogo tenía que ser, necesariamente, algo más que una colección de textos y fotografías sobre el tema.
De esta forma, junto con el correspondiente libro en el que, además de los inevitables textos institucionales de este tipo de eventos se recogen una serie de cuestionarios a los autores de las piezas expuestas, “Del éxtasis al arrebato” cuenta con un doble DVD que contiene la totalidad de las obras expuestas.
Casi una treintena de cortometrajes y piezas experimentales firmadas por, ente otros, realizadores de la talla de Carles Santos, Javier Aguirre, Iván Zulueta, Manuel Huerga, Antoni Miralda, José Antonio Sistiaga, Equipo 57 o José Val del Omar, que por primera vez se ponen a disposición de los aficionados.
Un magnífico catálogo cuyo éxito ha sido dejar a un lado los prejuicios y los tópicos de este tipo de productos y saber adaptarse al contenido de la exposición a la que pertenece y a las necesidades de sus potenciales destinatarios.

Del éxtasis al arrebato. Un recorrido por el cine experimental español. VV. AA.
Cameo, CCCB, Seacex. Español / Inglés

Como decíamos en la reseña relativa a “Tarjetas comerciales 3”, el mundo de las tarjetas de visita resulta inabarcable a consecuencia de su amplísima variedad.
El mejor ejemplo de ello es “Smart designs. Business cards”, de la editorial japonesa PIE Books, en el que se recopilan varios cientos de este tipo de trabajos que, aunque parezca sorprendente y salvo en un par o tres de casos, son totalmente diferentes a las que se incluyen en el título de Gustavo Gili.
En el caso de PIE Books, además de una mayor presencia de tarjetas procedentes de Japón y otros países del entorno asiático, la selección tiende a resaltar aquellas tarjetas más creativas, con formatos menos habituales, acabados especiales, soportes diferentes al papel y conceptos que resaltan la actividad comercial de la empresa a la que anuncian.
Un libro que, al igual que sucedía en el caso anterior, permite estar al día de lo que se está haciendo actualmente, no sólo en el mundo de las tarjetas comerciales, sino también en el del diseño en general, y cuya utilidad dentro de un estudio de diseño está más que probada.

Smart designs. Business cards. VV. AA.
PIE Books. 232 páginas. Inglés / Japonés

Coincidiendo con el ochenta aniversario del estreno de Un perro andaluz, llega a las librerías “Los años rojos de Luis Buñuel” en el que Roman Gubern y Paul Hammond, expertos en cine y surrealismo, desgranan la militancia comunista del director durante la década de los años 30.
A pesar de que Buñuel nunca escondió sus convicciones de izquierdas y su ateismo, lo cierto es que eludió reconocer su militancia en el Partido Comunista para evitarse problemas como residente en Estados Unidos y no comprometer a su familia que, una vez acabada la Guerra Civil, permanecía en la España del régimen de Franco.
“Los años rojos” saca a la luz esta faceta no tan conocida de la vida de Buñuel y ahonda, a través de documentos, cartas, contratos, anuncios de prensa y fotogramas, en la etapa que va desde el estreno de La edad de oro hasta el estallido de la Guerra y su marcha definitiva de España, pasando por su estancia en Hollywood, su pertenencia al Grupo Surrealista en París, la instauración de la República o el estallido de la Guerra Civil.
Un libro que interesará a aquellos que ya estén familiarizados con la vida y la obra de Buñuel pero que tal vez resulte un tanto árido para los que se enfrenten a ella por primera vez, a consecuencia de su especialización y a sus continuas referencias a la filmografía del realizador aragonés.

Los años rojos de Luis Buñuel. Roman Gubern y Paul Hammond
Cátedra. 424 páginas. Español

Un cuadro puede ser leído de múltiples formas. Además de sus atributos artísticos, han de tenerse en cuenta en esa interpretación aspectos relativos a quiénes lo encargaron, a quiénes iba dirigido o a su contexto histórico y sociológico.
El historiador rumano Victor I. Stoichita explica en este ensayo todas esas particularidades de forma amena, logrando que el academicismo no sea necesariamente sinónimo de tedio.
Para ello, echa mano no sólo de diferentes ejemplos pictóricos –como los autorretratos de Rembrandt, el retrato del esclavo Juan de Pareja y La Rendición de Breda de Velázquez o diferentes obras de Caravaggio que se muestran, en la mayoría de los casos, en imágenes a color– sino también literarios, citando a, entre otros, Cervantes, Gracián, Erasmo y Góngora.
Un interesante ensayo, muy bien presentado en lo que se refiere a su aspecto externo –como la elección de la tipografía y su cuerpo, la mancha de texto, la distribución de los blancos y los pies de foto–, en el que se percibe claramente la influencia de las teorías hermenéuticas de Gadamer las cuales entienden el análisis de los textos y del arte de manera amplia, compleja e interrelacionada con otros muchos acontecimientos y disciplinas.

Cómo saborear un cuadro. Victor I. Stoichita
Cátedra. 102 páginas. Español

El mundo de las tarjetas de visita es insondable. Aunque dé la sensación de que está todo inventado, lo cierto es que este pequeño pedazo de papel u otros materiales no deja de sorprender gracias a su versatilidad y capacidad para acoger y transmitir en unos pocos centímetros cuadrados la personalidad de una empresa.
Por ello, no es extraño que toda editorial relacionada con el mundo del diseño que se precie cuente en su catálogo con uno o varios libros sobre el tema. Gustavo Gili no iba a ser una excepción, y muestra de ello es la reciente publicación de un volumen sobre tarjetas de visita que viene a sumarse a otros dos anteriormente editados.
“Tarjetas comerciales 3. Saludos con identidad” reúne cientos de ejemplos procedentes de diferentes lugares del mundo, realizados con las más diversas técnicas –desde la impresión offset a la serigrafía, pasando por los troquelados, los golpes en seco o los barnices– y con las formas más sorprendentes pues, a la vista de los ejemplos recogidos, las tarjetas de visita no tienen por qué ser necesariamente rectangulares.
Un libro que, a pesar de no ser totalmente novedoso por explorar un tema ya conocido, contiene unos interesantes ejemplos que resultarán muy útiles a cualquier estudio que necesite diseñar tarjetas para sus clientes o renovar las propias.

Tarjetas comerciales 3. Saludos con identidad
Gustavo Gili. 272 páginas. Español

En los últimos tiempos la editorial Penguin ha disfrutado de una importante presencia en los medios. La razón ha sido, además de sus renovadas colecciones dirigidas por Dave Pearson, la publicación de diversos libros que rescataban de los archivos algunas de sus mejores cubiertas.
Cuando parecía que ese interés se había apagado, Penguin vuelve a nuestras páginas gracias a un nuevo título cuya característica principal es el hecho de estar firmado por la Penguin Collectors Society, asociación cuyos aficionados, absolutos expertos en la historia y anécdotas de la editorial, disfrutan atesorando sus libros y descubriendo ejemplares difíciles y raros.
A diferencia de lo que sucedía con los anteriores libros sobre el tema, Penguin by illustrators no se limita a ser una sucesión de imágenes ordenadas con mayor o menor acierto, sino un estudio profusamente ilustrado sobre las diferentes colecciones y algunos de los más destacados profesionales que pusieron su talento para el dibujo al servicio de la casa. Personajes como Quentin Blake, Milton Glaser, Aaron Robinson o Michael Foreman son recordados en estas páginas gracias a través de sus trabajos y un perfil biográfico.
Un magnífico trabajo que merece, por méritos más que sobrados, compartir estantería con Penguin By Design: A Cover Story 1935-2005 y Seven Hundred Penguins.

Penguin by illustrators
Penguin Collectors Society
Penguin. 198 páginas. Inglés

Cuando pensamos en un libro que pueda interesar a los diseñadores gráficos, acostumbramos a imaginarlo repleto de imágenes impactantes, de trabajos de diseñadores consagrados, fotografías, reproducciones de carteles, de cubiertas de discos... Sin embargo, en muchas ocasiones los diseñadores necesitan libros más prosaicos que aborden de manera sencilla los diferentes aspectos de la profesión, desde cómo elegir un centro para ampliar conocimiento, cómo presentar un curriculum, cómo poner en marcha un estudio, cómo tratar con los clientes o cómo afrontar un proyecto creativo.
El todo-en-uno del diseñador gráfico es ese tipo de libro. Un volumen en el que las imágenes no son lo más importante y cuyos textos incluyen reflexiones y testimonios de diseñadores que servirán de consejo y apoyo para aquellos que, en los inicios de su carrera, se encuentren desorientados o tentados en tirar la toalla porque las cosas no resultan tan sencillas como se imaginaban antes de sumergirse como profesional en el verdadero mundo del diseño.

El todo-en-uno del diseñador gráfico
Secretos y directrices para una buena práctica profesional
Ana Labudovíc, Nenad Vukusic
Promopress. 192 páginas. Español

El Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Sins Entido, organizado por los grandes almacenes y la editorial del mismo nombre, ha celebrado recientemente su segunda edición.
Un jurado compuesto por, entre otros, el ganador de la primera convocatoria, Jorge González, el propietario de Sins Entido, Jesús Moreno, y el responsable de Acción Cultural de Fnac España, Víctor Moreno, falló a favor de “La estación de las flechas”.
Firmada por los franceses Guillaume Trouillard y Samuel Stento, la obra parte de un hecho tan absurdo como la adquisición por parte de una pareja de ancianos de una familia de indios enlatados, un producto de Mulliganstradition que desde su invención reportó pingües beneficios al emprendedor Irvin McMulligan.
Tras acampar en la sala de estar, la familia india, compuestapor un padre, una madre y un hijo adolescente, la tranquila vida de los ancianos comenzará a transformarse a consecuencia de las diferentes costumbres de los indios y la aparición de extraños personajes como un fotógrafo muerto años atrás, esquimales o buscadores de oro.
Un cómic inusual en el que, en contra de lo que suele ser habitual, la narración destaca por encima del dibujo hasta el punto de ser ésta la que determina los diferentes códigos visuales o estilos de dibujo –como diarios personales manuscritos, folletos de instrucciones o álbumes fotográficos–, que deben ser utilizados en cada momento.
Un merecido premio al que sólo le afea el hecho de la poco acertada maquetación de los textos en tipografía mecánica y cuya estética resulta afín a Fueye –ganador de la primera edición– y, por tanto, muy en la línea editorial por la que apuesta Sins Entido desde hace décadas. Un hecho que nos hace preguntarnos si en este certamen tienen alguna posibilidad de éxito tebeos que exploren otro tipo de lenguajes, temas y estéticas menos preciosistas, menos amables y más transgresoras.

La estación de las flechas.
Sins Entido. 104 páginas. Español.

La editorial valenciana Campgràfic continúa con su valiosa labor en el campo de la tipografía con la publicación de textos relacionados con dicha disciplina y que, de no ser por ellos, aún continuarían inéditos en castellano.
En esta ocasión presentan “Romper las reglas” un volumen editado con motivo de la exposición del mismo nombre celebrada en el Museu Valencià de la Il·lustració i de las Modernitat (Muvium) que recoge textos relacionados con el diseño, la tipografía y el cartelismo suizo firmados por diferentes autores, algunos de ellos estrechamente relacionados con el tema, como Bettina Richter, Armin Hofmann y Wolfgang Weingart.
El libro cuenta además con numerosas ilustraciones y trabajos de la época, que ponen de manifiesto la calidad y capacidad de ruptura que durante los años ochenta desplegó el diseño gráfico suizo, habitualmente asociado al racionalismo, la mesura, el equilibrio y otros conceptos heredados de movimientos vecinos geográficamente como la Bauhaus, pero que en esa época coqueteaba con fenómenos como el punk y los movimientos estéticos más underground.
Un libro que demuestra que el buen hacer de Campgràfic como editorial no sólo está en el mero hecho de publicar libros y hacerlo muy correctamente sino en su inteligencia a la hora de elegir qué títulos incluye en su catálogo.

Romper las reglas. Tipografía suiza de los turbulentos años ochenta. VV. AA.
Campgràfic. 238 páginas. Español.

Si en un hipotético futuro consiguiéramos que en los lineales del supermercado aparecieran los trabajos que se recogen en este “@Supermarket: Package designs”, el acto de ir a la compra sería una actividad cultural semejante a la de visitar un museo o asistir a un concierto.
De nuevo, la editorial nipona PIE Books nos sorprende con un libro en el que se recopila una muestra de diseño realizado para productos del sector de la alimentación.
Más de un centenar de magníficos ejemplos procedentes de todo el mundo, aunque con predominio de los realizados en Japón por razones obvias, presentados de una forma atractiva gracias a las ilustraciones realizadas con la técnica del collage Natsko Seki y Taiko & Associates y que sirven de separación a las diferentes secciones del libro.
Además de las virtudes gráficas de los trabajos seleccionados, cabe destacar la innovación en los envases que se ha producido en los últimos tiempos y el hecho de la paulatina incorporación al sector de la alimentación de recipientes y contenedores que, por su forma y aspecto, parecían más propios de sectores como el de la limpieza doméstica o el automovilismo. Una arriesgada innovación que funciona y enriquece un mundo como el del packaging, en el que parece que está todo inventado pero que no deja de sorprendernos.

@Supermarket: Package designs. Foods, drinks and various consumer products.
PIE Books. 160 páginas. Inglés / Japonés

Para varias generaciones, Alianza Editorial es sinónimo de libros asequibles, cuidados y de calidad. Colecciones como Libro de Bolsillo, Alianza Tres o Alianza Forma forman parte del paisaje doméstico de muchas familias españolas gracias a una política que no fija sus miras en las fluctuaciones del mercado ni apuesta por un libro efímero.
Este es el caso de “Desvestidas. El cuerpo y la forma real” un interesante tratado del Catedrático de Historia del Arte Carlos Reyero que arroja una nueva mirada a obras de arte cuya característica principal es el desnudo. Una nueva forma de abordar estas obras pensada para perdurar en el futuro gracias a un planteamiento que rompe con la idea acuñada en el XIX, que afirmaba que las mujeres representadas en los cuadros o esculturas no estaban desnudas sino “desvestidas”. Para Reyero, la representación femenina en el arte responde, además de a cuestiones estéticas, a una evidente atracción física hacia la mujer representada por parte del autor.
Una interesante teoría ilustrada con más de un centenar de imágenes que, a diferencia de lo que sucedía con los títulos clásicos de Alianza Forma en los que abundaba la fotografía en blanco y negro, están impresas a todo color.
“Desvestidas. El cuerpo y la forma real” tiene visos de convertirse en un título clásico de esta colección. Un libro que compartirá estantería con “La escultura. Procesos y principios” de Rudolf Wittkower, “La interacción del color” de Josef Albers, “Historia de la Arquitectura” de Kostof o “El diseño gráfico en España” y “El diseño gráfico: desde los orígenes a nuestros días” de Satué.

Desvestidas.El cuerpo y la forma real. Carlos Reyero.
Alianza Editorial. 400 páginas. Español.

Javier Cosnava firma el guión de este álbum que narra la vida de los habitantes de Ciudad Jardín, una urbanización residencial apenas a un kilómetro de distancia de un campo de concentración, en la que viven las familias de los oficiales encargados de la gestión del mismo.
Una historia basada en hecho reales, cuya crudeza ha tenido que ser rebajada con objeto de que resulte verosímil al lector, hecho que nos da una idea de las atrocidades cometidas contra los prisioneros durante su internamiento.
Además del interés histórico, “Un buen hombre” cuenta con el atractivo de estar ilustrado por diez dibujantes, que dan forma a la historia principal a través de los puntos de vista de los diferentes personajes. Una decisión que, a pesar de los distintos estilos de cada uno de estos profesionales o su experiencia (a algunos se les nota más veteranía que a otros), no afecta a la unidad del proyecto que se lee como una obra homogénea, gracias a, entre otras cosas, al establecimiento de unas pautas para uso común, algunas de las cuales se pueden ver al final del libro en forma de bocetos de los personajes. De esta forma, los ilustradores pudieron recrear a cada uno de los actores de este drama sin renunciar a su estilo personal y evitando que el lector se despistase al ver que sus rasgos cambiaban de un autor a otro.
Por último, el libro se completa con un prólogo de Rosa Torán, Historiadora y Presidenta de “Amical de Mautaushen y otros campos” y un breve anexo en el que el autor detalla, a través de fotografías y textos, cuáles son los escenarios y los personajes reales en los que inspiraron “Un buen hombre”.

Un buen hombre. VV. AA. Glénat.
78 páginas

A petición del público, Sins entido reedita en tapa dura “La vida es buena si no te rindes”, uno de los mejores títulos de su catálogo y del dibujante canadiense Seth, que declara en él su amor por los tebeos, los grandes maestros del género y sus personajes, como Schulz y la pandilla de Snoopy, Reg Smythe y su Andy Capp, Hergè y Tintín, Dr. Seuss y antiguos dibujantes de la mítica New Yorker, donde también publica el propio Seth.
Un lanzamiento que, de paso, se adelanta al “George Sprott: (1894-1975)”, el trabajo más reciente del canadiense y que será publicado en España por Mondadori.
Dividido en seis partes y realizado en un asombroso bitono, “La vida es buena si no te rindes” es un tratado de cómo debe de ser un buen álbum de cómics, empezando por el título y acabando en los materiales que se adjuntan al final del mismo y que completan la narración, aunque no lo suficiente como para que el lector consiga discernir si la historia de la que acaba de ser testigo es real o una completa invención.
“La vida es buena si no te rindes” narra las peripecias de un dibujante, trasunto del propio Seth, que intenta reconstruir la vida de Kalo, un desconocido ilustrador de los años 30 y 40, a través de las pocas viñetas que ha publicado a lo largo de su carrera. Una aventura que nos lleva por tiendas de libros de segunda mano, pueblos perdidos de Norteamérica, visitas a antiguos conocidos y familiares de Kalo, mientras el autor reflexiona sobre la infancia, los recuerdos, los tebeos y la vida moderna.
La vida es buena si no te rindes. Seth. Sins entido.
200 páginas. Español.

Tomando como referencia “Me acuerdo”, Libro de Gorge Perec inspirado a su vez en “I Remember” de Joe Brainard, Zeina Abirached recopila en este libro algunas de sus vivencias durante su infancia en el Beirut asolado por la guerra.
Un libro que, a pesar de su vínculo con Perec, funciona más como una segunda parte de su “Juego de las golondrinas” que como un verdadero homenaje al escritor francés.
En este aspecto, el libro adolece de las mismas pegas que su antecedente, su excesivo parecido estético y narrativo con Marjane Satrapi, algo que si sigue repitiéndose en el futuro puede lastrar, hasta el punto de frustrarla, la incipiente carrera de Abirached.
Si se deja a un lado este hecho (y esa tipografía ornamentada y un tanto infantilista empleada por la autora) lo cierto es que el libro tiene a su favor ciertas virtudes, como que es breve, de sencilla lectura, con algunos recursos narrativos brillantes y ameno.

Me acuerdo. Beirut. Zeina Abirached. Sins entido.
96 páginas. Español.

En los últimos tiempos estamos asistiendo, por evidentes motivos de mercadotecnia, a un abuso del término “novela gráfica” para definir lo que toda la vida han sido tebeos y posteriormente cómics. Sin embargo, “Tamara Drewe” no sólo encaja a la perfección en la definición que del término novela gráfica acuñó su creador, Will Eisner, sino que incluso podríamos decir que la excede.
En ocasiones, la nueva obra de Posy Simmonds funciona como un tebeo con mucha letra y, en otras, como un libro ilustrado. En ambos casos, el resultado es realmente sorprendente gracias a la maestría de Simmonds para el dibujo y su talento narrativo para urdir una trama compleja y divertida, con diferentes niveles de lectura, y que pone de manifiesto muchas de las posibilidades que posee el cómic como expresión artística.
Se echa a faltar, sin embargo, un mejor uso de las tipografías por parte del autor a la hora de separar esos diferentes niveles de lectura. Un descuido que afea el conjunto y que, por una vez, no es exclusivo de la edición española, pues ya estaba presente en la edición original inglesa.
Un problema que radica en el abuso por parte de los dibujantes de tipografías digitales por resultar más cómodas que las rotuladas a mano, olvidando que, en ocasiones, y especialmente cuando nos encontramos ante un dibujo en el que tienen mucho protagonismo el trazo y las texturas, las tipografías realizadas con ordenador resultan demasiado frías, impersonales, distantes, hasta el punto de no conseguir integrarse en el conjunto de la página.
Salvo esta objeción, que pasa a un segundo plano en el momento en el que el lector se zambulle en las relaciones de los diferentes habitantes de Stonefield, “Tamara Drewe” es uno de los trabajos más interesantes de los editados últimamente en el mundo del tebeo.

Tamara Drewe. Posy Simmonds. Sins entido.
272 páginas. Español.

A pesar de que forma parte de una colección de cuadernos editados por la Universidad Politécnica de Valencia, “Retórica tipográfica” no tiene nada que ver con ese tipo de publicaciones universitarias que responden más a las necesidades de los profesores de los diferentes departamentos para afianzar su carrera profesional, que a las necesidades científicas de la disciplina o a las demandas de conocimiento de los alumnos.
La primera de sus diferencias es su cuidada presentación, en la que destaca una correcta maquetación y un muy buen uso de la tipografía, como no podía ser de otra manera. La segunda es un contenido que aborda uno de los temas clásicos del diseño gráfico no desde el punto de vista de la estética sino del de la percepción y la semiótica.
Un libro de sencilla lectura que, si bien no descubre nada nuevo, aclara de forma amena muchos de los conceptos relacionados con el uso y aplicación de la tipografía.
Un título cuya única pega radica en el hecho de que, a consecuencia de su breve extensión, reproduce gráficamente muy pocos de los ejemplos a los que se hace mención en el texto.
Tal vez en un futuro, “Retórica tipográfica” disfrute de una edición en la que este pequeño detalle pueda ser subsanado para beneficio del libro y, por supuesto, de sus lectores.

Retórica tipográfica. Alberto Carrere.
Cuadernos de imagen y reflexión nº8.
Universidad Politécnica de Valencia.
134 páginas. Español.

Europa ha sido la cuna del diseño contemporáneo. Desde el movimiento Art&Crafts a la renovación de escuelas como Bauhaus, sin olvidar el modernismo o el Art Noveau, Europa ha tenido mucho que ver a la hora de guiar el desarrollo de esta disciplina durante el siglo XX.
Patiendo de esa premisa, los editores de “100% Graphic Design Portfolio” han querido analizar, o mejor dicho poner de manifiesto, el buen el estado del diseño europeo actual, acudiendo para ello a los diseñadores más jóvenes y sus propuestas.
El problema es que joven y europeo no es necesariamente garantía de buen diseño, como tampoco lo es un abundante número de páginas o una cuidada presentación a la hora de determinar la calidad de un libro.
Por eso, a pesar de las buenas intenciones y la magnífica presentación de “100% European Graphic Design Portfolio”, la sensación que deja tras su lectura es un tanto insatisfactoria.
Es indudable la gran calidad de muchos de los estudios representados, sin embargo, su elevado número, sumado a la poco acertada elección de los trabajos publicados, no juega a favor del resultado final. Tanto es así, que el lector llega a pensar que está ante uno de esos anuarios en los que es posible aparecer previo pago de una cuota a la editorial responsable de la publicación aunque, por lo que hemos podido averiguar, no sea así.

100% European Graphic Design Portfolio. Pageone.
408 páginas. Inglés.

Pablo Correa ha diseñado y seleccionado los trabajos incluidos en “Just for you”. Una colección de piezas procedentes de distintos lugares del mundo cuyo denominador común es que todas ellas están vinculadas afectivamente con el diseñador que las firma.
Tarjetas, carteles, ilustraciones, recordatorios de nacimientos, invitaciones de boda, envoltorios para CDs, cuadernos de viaje, felicitaciones navideñas, chapas, muñecos de trapo... y otras muchas formas de transmitir afectos a través de piezas visuales son algunos de los ejemplos que se incluyen este libro, cuyo diseño encaja perfectamente con su contenido. Un logro fruto de la inteligencia al mezclar la estética racionalista con el caos o el orden y el desorden, conceptos estrechamente relacionados con los sentimientos y los afectos.
Un libro que muestra otra forma de hacer diseño, mucho más libre, sin algunas de las ataduras derivadas de los encargos y que prueba que los diseñadores también tienen su corazoncito.

Just for you. Designs from the heart. Pablo Correa.
Índex Books. 300 páginas. Español / Inglés

Enciclopédico libro en el que se recogen trabajos recientes en el campo de la señalética, diseño de interiores para tiendas y comercios, diseño expositivo y stands para ferias y congresos.
A pesar de que en muchos casos este tipo de trabajos tienen un carácter efímero, es sorprendente cómo en esta disciplina, el diseño despliega una capacidad de experimentación sorprendente y unos presupuestos que, al menos aparentemente, no reparan en gastos. Esa puede ser la explicación de que muchos de los ejemplos que aparecen en este libro sorprendan por la combinación de las técnicas clásicas del diseño con las nuevas tecnologías de sectores como el vídeo, la iluminación o la arquitectura.
Un libro perfecto para los diseñadores relacionados con este tipo de proyectos, que también resultará interesante para los especializados en diseño gráfico que tengan curiosidad por ver cómo se aplican los elementos gráficos de las diferentes empresas en grandes dimensiones y superficies que no tiene nada que ver con el papel u otros soportes semejantes.

Display, comercial space & sign design. Vol. 36. Rikuyosha
362 páginas. Inglés / Japonés

Es difícil definir el contenido de este libro. ¿Es un libro sobre diseño real? Ese que puede presentarse a cualquier cliente y producir a gran escala con técnicas al alcance de cualquiera ¿O es sobre diseño ideal? Ese que se fabrica al detalle en pocas unidades y de forma casi manual.
Para sus responsables, “The 4th element” es una recopilación de llamativos e interesantes trabajos promocionales de todo tipo procedentes de cualquier lugar del mundo; para el lector será una fuente de ingeniosas propuestas de comunicación comercial con sorprendentes producciones. Sin embargo, ambos estarán de acuerdo en que muchas de los trabajos de este volumen parecen complicados de llevar a cabo en procesos a gran escala. Nos referimos a esos cuadernos cosidos a mano, las encuadernaciones artesanales en fieltro, plástico y otros materiales, las cubiertas bordadas, las impresiones en serigrafía, los troqueles de hojas interiores y los estuches para libros o envases para bebidas. Trabajos que conviven en sus páginas con productos menos elaborados desde el punto de vista de la forma, pero imaginativos e innovadores en su diseño y concepto.
Por último, y para que su propuesta no pueda ser tachada de incoherente, los editores de “The 4th element” han decidido presentar su libro de una forma poco usual pero susceptible de ser llevada a cabo en una producción seriada, para lo cual han optado por una encuadernación en tela morada, con estampaciones en dorado en el lomo y unas imágenes lenticulares en la portada y contraportada.

The 4th element. Design from here, now and beyond. Artpower.
256 páginas. Inglés.

Fernando Montañés, periodista especializado en Publicidad, Marketing y Comunicación, firma este libro que repasa el medio siglo de vida de uno de los productos españoles más representativos: el whisky DYC. Con un tono ameno y abundantes anécdotas curiosas, que diferencian este producto de otros similares, Montañés comienza su narración remontándose a los orígenes de este tipo de licor para, a continuación, explicar el cómo y el por qué del nacimiento de una marca de whisky nacional en la España de los años 50. Como era de esperar, tratándose de uno de los mayores expertos en publicidad del país, Montañés, además de referencias a la evolución empresarial de la marca y la compañía, realiza un interesante estudio de la comunicación de DYC, desde sus teasers que anunciaban el lanzamiento de un desconocido producto llamado DYC allá por los años 60, hasta la actualidad con campañas como “Gente sin complejos” u “Ocho años. Ni un minuto menos”, destinadas a promocionar las diferentes variedades de este destilado, sin olvidar esas campañas que, aún en la época de la dictadura, colocaban a la mujer en el mismo plano que el hombre a la hora de anunciar DYC.Un libro muy bien editado, de correcto diseño, interesante contenido que dice mucho y bien del por qué del éxito de esta marca de licor. 

50 años DYC. El éxito de una marca. Fernando Montañés.
124 páginas. Idioma: Español

La recopilación en un solo volumen de los diferentes álbumes de La ascensión del Gran Mal puede ser considerada, sin riesgo a equivocarse, una de las noticias más importantes de la temporada en lo que al mundo del tebeo se refiere. Las únicas dos pegas que se pueden sacar a esta magnífica iniciativa de Sin sentido es el hecho de que esta nueva edición de la obra de David B se presenta con un título más explícito pero menos evocador y misterioso al original y un formato diferente, menor en tamaño. Respecto a ambos asuntos suponemos que algo habrá tenido que decir el autor, pues resultan elementos esenciales de la obra y no entenderíamos que nos escandalizamos ante la modificación de, por ejemplo, las películas cuando se doblan, se interrumpen con publicidad o se colorean y no cuando los álbumes son hinchados y deshinchados, reducidos y aumentados según las necesidades del mercado. Salvo esto, resulta todo un lujo poder disfrutar de una de las historias más interesantes y complejas que ha dado el cómic en los últimos años. Un tebeo que narra la historia de una familia cuya vida gira en torno a la enfermedad de su hijo mayor y para la cual buscan todo tipo de soluciones, desde aquellas relacionadas con la medicina ortodoxa, hasta la inmersión de todos sus miembros en comunas macrobióticas. Una historia que evoluciona en tratamiento, lenguaje y recursos a medida que evolucionan y crecen sus propios personajes. De esta forma, el David B. Niño o adolescente no habla como el David B. Adulto, como tampoco lo hacen sus padres, esperanzados y llenos de energía al principio del libro y agotados y envejecidos al final del mismo. Un libro complejo, duro, pero muy interesante, pues nadie ha dicho que los teneos tengan que ser necesariamente una sucesión de chistes y dibujos divertidos.

Epiléptico.La ascensión del Gran Mal. David B.
Ediciones Sins entido. 676 páginas. Idioma: Español

La editorial Gustavo Gili continúa editando títulos de su colección Claves del diseño. Monografías que analizan de manera detallada, tanto en el aspecto teórico como en el práctico, temas como los logotipos, los folletos y, como en el caso que ahora nos ocupa, el packaging y los folletos. Firmado por Capsule –empresa fundada por Brian Adducci y Aaron Keller que actualmente aglutina en su equipo a diseñadores, abogados y escritores dedicados al desarrollo de marcas– y adaptado a la realidad española por Felicidad Cirugeda, Packaging y Folletos son detalladas guías con las que enfrentarse a cualquier proyecto de este tipo con cierta seguridad.

Además de una introducción acerca de qué es el packaging, qué son los folletos, su importancia para las marcas y su influencia para los consumidores, los libros contienen trucos y consejos para armonizar diseño con, por ejemplo, las normativas sanitarias, sus logotipos o los textos legales; análisis de ejemplos prácticos y una galería final con trabajos en los que se detallan los datos de la autoría y el cliente. Aunque normalmente este tipo de títulos parecen pensados para estudiantes de diseño, lo cierto es que ambos títulos resultan muy útiles para profesionales que ya estén en activo gracias a su sencillez, su facilidad de lectura y su capacidad para resolver dudas y aportar soluciones en momentos de urgencia y dudas. 

Claves del diseño. Packaging/Folletos. Capsule. Versión española de Felicidad Cirugeda.
Gustavo Gili. 192 páginas. Español

Siete historias breves que se entrelazan y acaban (o empiezan, ya que la sucesión de los capítulos se hace del siete al uno) en una escena donde todas confluyen y se explican. Un álbum de ilustración cuya narración se construye sin necesidad alguna de palabras y en el que las imágenes contienen una gran carga onírica dando lugar a dormitorios en los que brotan árboles, cajeros automáticos amenizados por mujeres enmascaradas y monos saltimbanquis o camas que viajan por el mundo descubriendo lugares o asistiendo a traumáticos hechos como el atropello de una niña que corre para recuperar su globo. Ejecutado en tono grises con una técnica que aglutina texturas de plumilla, grafito, pinceles y aguadas, Pejac apenas emplea el color. Tan sólo lo hace para destacar algunos elementos de la escena que suelen ser objetos relacionados con el personaje que la protagoniza. Vuelo rasante es, en definitiva y a pesar de pequeños fallos de principiante (como generar imágenes con texturas a base de clonar o pegar otros trozos sin difuminar las juntas), un interesante ejercicio que demuestra la calidad de Pejac como ilustrador y narrador y le augura un interesante futuro en ambas disciplinas.

Vuelo rasante. Pejac. Viaje a Bizancio Ediciones
58 páginas. Idioma: Español

Veinte años después de su publicación en lengua inglesa y más de quince de su traducción española, Cátedra reedita el Poder de las Imágenes de David Freedberg, un ensayo que, como el propio autor reconoce en el prefacio, “no trata sobre la historia del arte” sino sobre “las relaciones entre las imágenes y las personas a lo largo de la historia”. Junto con esta puntualización, la novedad aportada por Freedberg reside en que, a diferencia de lo que sucede con otros tratados similares, el suyo no se centra únicamente en la producción artística que podríamos definir como elevada o académica, sino que analiza también la influencia de las imágenes populares como exvotos, máscaras africanas, fotografías de actualidad, figuras de cera de personajes del siglo XX etc.Un texto que, a pesar de su juventud, se ha convertido en un clásico de la estética y que, sin ser un libro de los que un diseñador acostumbra a tener sobre la mesa del estudio, su lectura aclarará muchos conceptos y servirá de útil bagaje para desarrollar proyectos de comunicación, como fueron en muchos casos esa piezas que ahora consideramos artísticas y que en muchos casos fueron utilizados en el pasado como medios de transmisión de mensajes y conceptos religiosos y políticos.

El poder de las imágenes. David Freedberg. Cátedra.
500 páginas. Idioma: Español

En un mundo como el del tebeo, liderado en los últimos tiempos por tendencias estéticas vinculadas al manga japonés, sorprende ver cómo en los últimos tiempos hay autores que están bebiendo de fuentes más cercanas, si no geográficas sí culturales, como pueden ser las obras de Alberto Breccia. Ese es el caso de autores como Jorge González autor de Fueye o del que ahora nos ocupa, Andrés G. Leyva, cuyo trazo, narración y temática recuerdan al maestro argentino. Evelyn es, por tanto, una historia gótica de vampiros, construida con sombras, claroscuros y texturas que se lee de un tirón y deja buen recuerdo. Un trabajo que sin ser memorable no desentona en absoluto con el resto de novedades presentes en las librerías y al que se le pueden sacar pocas pegas. La más destacable, el hecho de que el trazo manual de los dibujos y el rotulado por ordenador de los gritos, ruidos y expresiones (no de los bocadillos) no hacen un buen maridaje, algo que últimamente pasa desapercibido a los autores pero que saca de la historia al lector por advertir cierta incongruencia entre ambas estéticas.Además de la historia en sí, el álbum contiene en sus últimas páginas una especie de regalo para el lector. La oportunidad de asomarse a la chistera de G. Leyva y conocer algunos de sus trucos a la hora de desarrollar Evelyn. Anotaciones, story boards, bocetos de los personajes y hasta una pequeña escultura de uno de ellos. Pistas que nos cuentan algo más sobre este autor, por ejemplo, que tiene personalidad artística suficiente como para desarrollar con éxito un estilo propio sin manierismos y en territorios no explorados por otros dibujantes.

Evelyn. El extraordinario caso del doctor Corman. Andrés G. Leyva
Sins entido. 64 páginas. Idioma: Español

A todos nos gusta que nos regalen cosas cuando acudimos a un establecimiento, incluso si se trata del calendario de varillas de bambú que dan a la salida de los restaurantes chinos. De hecho, en alguna ocasión hasta estaríamos dispuestos a comprar dicho calendario para llevarnos un recuerdo de nuestra última visita o de cómo nos sentó el cerdo agridulce siempre que estuviera un poco mejor diseñado de lo que está. Pues bien, para los dueños de restaurantes chinos, de comercios en general y de los diseñadores que trabajan para ellos, la editorial PIE Books ha publicado Premium Novelties. Un libro en el que se recogen multitud de ejemplos de regalos promocionales o de productos de merchandising vinculados a una marca que pueden ser comercializados por ésta para incrementar de forma extra los ingresos del negocio. Corbatas, bolsas de tela con el logotipo y otros motivos decorativos relacionados con la compañía, cajas de cerillas, mascotas de peluche o resina, camisetas, chapas, cds y, claro está, calendarios, son algunos de las ideas que se pueden encontrar en este libro, aunque hemos de advertir que la alta calidad de los productos que se muestran está estrechamente relacionada con la calidad la imagen corporativa de la empresa, o lo que es lo mismo, antes de abordar el regalo promocional o el merchandising de una compañía tal vez haya que adecentarle primero su imagen y logotipo.

Premium Novelties. Graphics for promotional kits, gifts & goodies. VV. AA.
PIE Books. 164 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

Decidir cuál será el color corporativo de una marca no es un hecho baladí para un diseñador. Dado que acompañará a la marca en todas sus comunicaciones, entre otras muchas cosas hay que conseguir que sea notorio y reconocible pero sin que se parezca al de marcas rivales ni resulte estridente o desagradable a los destinatarios. Tampoco hay que olvidar que, salvo que se pretenda otra cosa, deberá poderse reproducir con técnicas de impresión estándar para no aumentar los costes de producción y, ya que estamos metidos en harina, habrá que tener en cuenta las connotaciones o efectos psicológicos que los colores tienen sobre el cerebro humano. En definitiva, muchas variables con demasiadas implicaciones como para improvisar sobre ello. Por eso es interesante echarle un ojo a este Branding by color donde se recogen cien ejemplos en los que otras tantas marcas muestran cómo han utilizado, con éxito, el color en su imagen y sus comunicaciones. A diferencia de lo que sucede con otros libros de la editorial PIE, en esta ocasión el criterio de ordenación de los trabajos no responde a, por ejemplo, la actividad a realizar. En Branding by color se suceden empresas de los sectores empresariales más dispares. Desde la gastronomía a las finanzas, desde el deporte a la telefonía móvil, desde unas líneas aéreas a una marca de automóviles. El criterio de selección ha sido, como no podía ser de otra manera, el de las gamas de colores (Azul-morado, verde, rojo-rosa, naranja-amarillo-marrón, blanco y negro, dorado-plateado y diferentes combinaciones de color), o que hace del libro una útil guía para acabar con los prejuicios sobre los colores, sacarles el máximo partido y conseguir con, por ejemplo, una simple combinación de dos tonalidades, un resultado cromático complejo que resulte impactante y funcione de cara a la marca y el cliente final.

Branding by color. 100 successful graphic designs. VV. AA. PIE Books.
222 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

Parecería imposible reunir más de un centenar de magníficos ejemplos de diseño gráfico aplicado al sector de la alimentación procedentes de todo el mundo de no ser porque, hace unos años, los responsables de la editorial PIE Books ya lo consiguieron en su título Food shop graphics. No contentos con ello, han decidido repetir la hazaña editando New food shop graphics, un volumen que, si bien aborda la misma temática, pone a disposición del lector un nuevo centenar de trabajos en los que el diseño gráfico aborda el mundo de la hostelería. Envoltorios, bolsas, cajas, menús, interiorismo para restaurantes, bares y tiendas de delicatessen, logotipos y desarrollo de imágenes corporativas en cuberterías, vajillas, posavasos o servilletas, cajas de cerillas, flyers, obsequios para fidelizar clientes… todo tiene cabida en este libro en el que, junto a cada uno de los trabajos, se acompañan los datos de los diseñadores y la dirección del establecimiento en cuestión. Un gran título que hará las delicias de los profesionales del diseño, no sólo porque permite estar al día de lo que se hace a nivel mundial en el campo de la hosteleria sino porque proporciona ideas tanto en el aspecto gráfico como en el industrial pues, a la vista de los ejemplos recogidos en New food shop graphics, el mundo de la alimentación es un campo en el que ambas disciplinas están obligadas, más que nunca, a trabajar en equipo.

New food shop graphics. VV. AA. PIE Books.
192 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

A pesar de las muchas diferencias, tanto históricas como artísticas y culturales, de personajes como Andy Warhol, Cindy Sherman, Richard Serra, Joseph Beuys, Man ray, Bruce Nauman, László Molí-Nagy, Gordon Matta-Clark, Fernand Léger, Ken Jacobs, Max Ernst, Marcel Duchamp o Salvador Dalí, lo cierto es que entre todos ellos se puede establecer un nexo común, concretamente el de haberse adentrado en un momento u otro de sus carreras en el mundo del cinematógrafo. Bien sea para experimentar con la potencia de ese nuevo lenguaje artístico, como puede ser el caso de Duchamp o Dalí; bien para documentar sus performances como en el caso de Joseph Beuys; bien para hacer que su producción pictórica aumentase de valor como en el caso de Warhol, lo cierto es que gracias a estos autores el cine se olvidó por un momento de su dimensión puramente comercial para desplegar sus posibilidades artísticas y adentrarse en el campo de la experimentación tanto en lo visual y estético, como en lo narrativo y técnico. Carlos Tejeda ha seguido la pista de estos (y otros muchos) artistas, de sus obras y ha confeccionado en Arte en fotogramas todo un tratado sobre la materia. Un ensayo que aborda en sus más de cuatrocientas páginas las relaciones entre el arte pictórico, el cinetismo y la cinematografía, los mecanismos ilusorios de movimiento, los primeros ingenios para producir la sensación de imágenes en movimiento como la cronofotografía, el uso artístico que los diferentes –ismos dieron al cinematógrafo, la aparición en los años sesenta del siglo XX de las segundas vanguardias, el pintor como personaje de película y el celuloide como soporte pictórico.Ilustrado con abundantes fotografías que sirven de ejemplo de lo expuesto en el texto, el libro se completa con una interesante bibliografía y unos perfiles biográficos de los protagonistas que permiten al lector ubicar al personaje en su contexto histórico, artístico y cultural y le proporcionan información sobre su filmografía, libros sobre el personaje y otros datos relacionados como su página web en caso de que la tenga.

Arte en fotogramas. Cine realizado por artistas. Carlos Tejeda
427 páginas. Idioma: Español

La presentación al cliente es una de las fases críticas del proceso creativo. Una explicación caótica, un story board mal planificado o un logotipo bocetado de manera poco clara pueden mandar al traste una magnífica idea. Por esa razón resulta muy interesante conocer de qué manera presentan los diseñadores de diferentes partes del mundo sus trabajos y ver la evolución de los mismos hasta convertirse en un cartel, un libro, un spot, una imagen corporativa o una serie de personajes pensados para arrasar en el campo del merchandising. Graphics for visual presentations de la editorial japonesa PIE Books nos da la oportunidad de adentrarnos en los secretos de una buena presentación a través de más de un centenar de ejemplos procedentes de estudios de todo el mundo (aunque, por motivos lógicos, predominan los japoneses). Unos ejemplos que se presentan con todo detalle, con explicaciones referentes a cómo surgió el encargo y con una ficha técnica sobre las personas involucradas en su desarrollo. Una buena oportunidad para, además de mejorar como diseñadores, ponerse al día sobre las nuevas propuestas visuales y profesionales que destacan en el diseño actual.

Graphics for visual presentations.  VV. AA. PIE Books.
160 páginas. Idioma: Inglés/Japonés

En ocasiones los títulos buscan envolver los libros en un paño que los haga más adecuados para el punto de venta y atractivos para el lector. No es el caso de este libro de Jacob Bañuelos Capistrán cuyo título, Fotomontaje, describe sin adornos ni aditivos lo que acoge en sus casi cuatrocientas páginas, y que no es otra cosa que un repaso y análisis crítico de este lenguaje artístico que aglutina técnicas procedentes de artes clásicas como la pintura, el dibujo y de otras más actuales como el diseño gráfico, el lenguaje comercial y, cómo no, la fotografía.
Respaldado por una basta bibliografía que aparece reseñada al final del volumen, Bañuelos Capistrán realiza un recorrido por la historia del fotomontaje desde sus primeras manifestaciones en el siglo XIX, hasta nuestros días con la aparición de las técnicas digitales, sin olvidar su edad de oro de la mano de los dadaístas en la década de los 20 del siglo pasado.
Un libro que, como no podía ser de otra manera tratándose de un tema como este, contiene abundantes ilustraciones, muchas de las cuales son poco conocidas y no han sido reproducidas anteriormente y cuya única pega es el hecho de que todas ellas se reproducen en blanco y negro. Un hecho que, en un primer momento, llamará la atención del lector pero que pronto pasará desapercibido cuando comprenda que éste es un libro de análisis, no una mera colección de cromos de los que está el mercado repleto.

Fotomontaje. Jacob Bañuelos Capistrán. Cátedra.  

376 páginas.  Idioma:Español.