Mario Hugo es un artista y diseñador neoyorquino; trabaja para clientes como Dolce & Gabanna, Uniqlo, MTV o Gas as Interface. Sus trabajos como diseñador se han visto en Wallpaper, Face o en el New York Times. Pero tras su éxito como grafista esconde también una parte más íntima de su trabajo, donde hay mucho menos ratón y teclado, y mucho más lápiz. Exquisito y académico en el trazo –es un retratista espléndido–, se aleja del manierismo al uso y de cualquier concesión a la contemporaneidad, para adentrarse en un surrealismo de aire clásico muy interesante.
Esa vertiente experimental es la que se recoge en este libro.

I've got something I'd like to show you. Mario Hugo. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

¿De qué color es la ponzoña? ¿Cómo se pinta una conducta envenenada? El tono más apropiado es el de la radiante invisibilidad, la escala de grises. (...) Queda claro: no se trata de desaparecer, hay que disfrazarse con la honorabilidad del necio y representarse amargo para ser incuestionable. Eso creen. (...) La conducta del gris todopoderoso tele-político (tele-empresario), está envenenada por la arrogancia de la aflicción. Así se aproxima Peio a sus personajes, re-retratados a partir de las fotografías que de ellos publican los periódicos, sobre las que trabaja con acuarela. Desde Paco el Pocero a Gallardón, pasando por Condolezza Rice, Berlusconi o el ministro Solves. El resultado es una gráfica de guerrilla, demoledora, inquietante. Tremendamente crítico y mordaz, renunciando a la palabra es capaz de recoger el desasosiego que le producen esos sujetos y trasponerlo al observador.
Peio es un incansable inquietante de la cultura, ajeno a los circuitos más complacientes pero entregado en lo que discurre por los caminos secundarios y paralelos de la cultura oficial. De esta faceta visual no sabíamos. Enorme sorpresa.

Conductas envenenadas. Peio H. Riaño. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

De Claret Serrahima dice J. Guillamon en el Cultura/s de La Vanguardia que "lleva en la sangre el gen noucentista, que le empuja a buscar la simetría, la miniatura". Y que es "un tipo reposado, un diseñador de la gran época, muy bien situado por relaciones y ascendencia familiar". Que sea cierto no quiere decir que no sea insuficiente. Claret es, además un inquietante cultural, prolífico
diseñador, columnista, opinante mordaz y yuntero de todos los carros que merezcan la pena. De este libro mano a mano con Vicenç Altaió me quedo con la conjunción sorprendente, entre el texto y la solución formal; y recalco lo de sorprendente, que no debería serlo. Que uno que escribe y otro que diseña se pongan para componer a pachas un libro debería no sorprendernos tanto. Y es algo que ni siquiera sería factible en la mayoría de las editoriales al uso, donde los procesos, las jerarquías los managemientos habrían dado al traste seguro con tanta audacia. Ha tenido que ser Eumo y no otra la que se lance.
Dejando de un lado la crítica literaria, que aquí no nos corresponde, centrémonos en la gráfica, si es que existe la posibilidad deslindar ambas. Claret hace un papel humilde pero esencial, que convierte el texto en libro, y lo que hubiera sido un buen ejemplar es ahora un ejemplar singular, único, sin comparación posible. No hay estridencias visuales, sino matices y guiños cómplices al escritor y al lector, en un diálogo subyacente a tres bandas realmente interesante. De momento en catalán, ojalá que le siga una buena traducción.

La consola de Cadaqués o somnis d'un fill putatiu. Vicenç Altaió y Claret Serrahima. Eumo Editorial. 194 páginas. Idioma: catalán.

Ya está en la calle el segundo número de la revista Texturas. En esta ocasión, la parte ilustrada corresponde a Ana Juan, que presenta unos dibujos que forman parte del trabajo que realizó para el cartel de le Feria del Libro de Madrid 2006.
Texturas mantiene esa estructura que encandila, de artículos de extensión comedida. Sin ser monográfico, el número se dedica a la nueva realidad de la edición, esa que empiezan a llamar los expertos "edición 2.0", y que habrá que dar por bueno el denominativo si sirve para entendernos, pero que no nos gusta. No nos gusta en la medida que, siguiendo con el paralelismo del software, habría que pensar que es mejor, supera y sustituye a la de siempre, que entonces llamaríamos edición 1.0. Y ese no es el camino. Pero terminologías aparte, lo que sí es bien cierto es que pocas veces encontraremos un volumen en el que en unas pocas horas le demos un repaso profundo a esta nueva realidad, con opiniones autorizadas y un didáctico planteamiento que es de agradecer.
A mí esta discusión de la nueva edición me recuerda a aquella otra que mantuvimos durante unos años los diseñadores, cuando aparecieron los macs, con sus gurús de tres al cuarto que no eran sino tuertos de lujo en el país de los ciegos. Al final, el debate se supera, pero hay que pasar por él.

Trama & Textura, nº 2. Trama Editorial. Madrid, 2007. 160 páginas. Idioma: Español. 12 euros.

La colección dirigida por VASAVA de pequeños libros incorpora éste sobre el trabajo de Micke Thorsby, conocido como PMFA. Sueco, reside en la actualidad en Tokio. Realiza trabajos gráficos y de diseño para el sector de la música, packaging, prendas, revistas y libros, para clientes como Universal Music, Uniqlo, Atlantic Records, Nudie Jeans, Wesc, etc.
Condescendiente con la tendencia, que no es ni bueno ni malo, el trabajo de PMFA es colorista y cultiva el preciosismo de los vectores y la tipografía, y tras lo ornamental reside una contundencia gráfica que no siempre se encuentra entre los diseñadores de su generación. Muy especialmente cabe destacar su trabajo de falso aerografo, que nos remite a los tiempos gloriosos de la máscara y el compresor, recuperando un trabajo de luces, brillos y degradados que casi teníamos olvidado y que tanto furor hizo en la ilustración publicitaria de los setenta y los ochenta. También hay que destacar sus trabajos editoriales y la gráfica discográfica, en la que explora caminos olvidados con resultados sorprendentes.

PMKFA. A bag of Grease. Vallery. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

Otro libro, éste recién salido de imprenta, de America Sanchez. Corresponde a la exposición que ha preparado para la AECI. America es obsesivo en el retrato de la grafica popular, durante años ha recogido con su cámara por todo el mundo muestras de rótulos y gráficas callejeras que ahora selecciona y ordena para esta exposición y el correspondiente libro. Pero más allá de la muestra gráfica, ésta no es sino soporte atractivopara una más interesante reflexión acerca de la diversidad cultural, que por sí sola resultaría de más difícil digestión. Al respecto, interesantísimo es el texto de Annamari Laaksonen, que profundiza sobre aspectos como la libertad cultural y los derechos culturales. Participan también con capítulo propio Milagros del Corral y Jesús Prieto de Pedro, entre otros.
El diseño del libro, equilibrado y sobrio, exquisito en el uso tipográfico, con una única licencia en el papel amarillo y las combinaciones de negro y rojo en los textos, hay que agradecérselo a Alberto Planas.

TuttiFrutti. America Sanchez y otros. Editado por la Agencia Española de Cooperación Internacional. 200 páginas. Idioma: español-inglés.

Martín Azúa recoge en este pequeño volumen sus piezas más experimentales. Más allá de un portfolio editado al uso, se trata de un recorrido por esa belleza útil que Martín reivindica con su trabajo. Hay poco aquí de diseño para la competitividad, el desarrollo y la economía, Martín diseña para las personas, algo que casi se nos está olvidando. Los objetos comparten una lírica poética con la funcionalidad.. Pero además, su utilización sensata de los materiales, las texturas, invitan a considerar cada objeto como un detonante para la reflexión.
De Martín teníamos retazos de su aportación: la casa-nido, los Get-up, la urna Bios o la bolsa catalana. Este libro nos descubre que no son objetos sueltos, que detrás esconden una coherente percepción de los que nos rodea, y una obsesión por mejorarlo.
Propone tres ejes para la reflexión: Questions ("una pregunta puede ser un proyecto, un hallazgo en sí mismo"), Utopias ("pensar en el futuro superando los problemas que ahora parecen infranqueables"), y Emergencias (las cosas que importan a las que dedicamos nuestra atención, esfuerzo y tiempo").

Questions, utopías, emergencies. Azúa, Martín. Blur ediciones. 64 páginas. Idioma: español-inglés.

Este otro libro de America Sanchez no es nuevo, en realidad se editó hace un par de años, con motivo de la donación que el propio America realizara de estos 202 carteles a la biblioteca de Catalunya. Es un gesto generoso la edición, o por contra, habrá quien piense lo injusto que resulta que haya de realizarse la donación para garantizar que un trabajo como este quede publicado. Decía que el libro no es nuevo, pero como quiera que en una reciente visita al Estudio del diseñador me lo obsequiara, es de recibo hablar de él. Sobretodo porque es un ejemplar que merece y mucho, la pena. Por los carteles y por los textos, de Francesc Fontbona y Norberto Chaves. El propio Norberto es el ideólogo de la clasificación de las piezas, que ordena en base a nueve recursos gráficos: tipografía, imagen, caligrafía, dibujo, fotografía, fotomontaje, color, serie y formato. Dice Chaves: "bastará una rápida ojeada para detectar su rasgo más notorio: la diversidad de lenguajes. En el trabajo de America Sanchez predominan dos características que, combinadas, conducen al resultado: el absoluto desinterés por desarrollar un estilo propio y la vocación por la búsqueda de nuevas técnicas y recursos gráficos. Aun así, un somero análisis, incluso de las piezas más heterodoxas, permite observar hasta qué punto la experimentación en America Sanchez está puesta al servicio de la comunicaciçón y no viceversa".

202 cartells America Sanchez. Textos de F. Fontbona y N. Chaves. Ed. Biblioteca de Catalunya. 300 páginas. Idiomas: Castellano, catalán e inglés.

Dice America Sanchez (así, sin acentos), que practica a diario el dibujo y la caligrafía en pequeño formato. De ningún otro modo sería posible que se hubiera editado este volumen, con cien postales hechas a mano, todas ellas realizadas en el mismo año. La contundencia gráfica de estas imágenes tiene mucho que ver con la imprecisión burda que se autoimpone con los rudimentos y técnicas: trazos gruesos, imposibles para el detalle, aportan un verticalidad en los mensajes que nada tiene que ver con la sofisticación y la pulcritud de las técnicas digitales, que el America diseñador utiliza y desprecia en la misma medida. El diseño del libro es de Albert Planas. Junto a las postales, se adjunta un facsímil del Manifiesto Dibuja-Drawing, que escribiera el propio America en 1979 para reivindicar la recuperación del dibujo como recurso de expresión. Ya entonces decía: "El dibujo ha sido desechado como recurso de expresión de todos los hombres, empobrecido, y finalmente olvidado. Y así, este instrumento universal ha sido reducido a mera técnica especializada de los artistas, perdiendo, en este proceso, su sentido más profundo".

Dibujos y caligrafías postales. America Sanchez. 112 páginas. Editado por el propio autor. Idioma: castellano.

Hay libros para niños, hay libros para niños adultos, hay libros para adultos y para niños, que no quiere decir que sean imbéciles. Es el caso. Este libro es una metáfora exquisita con dos niveles de lectura, el de los niños y el de los que ya no lo son. Conviven perfectamente en la narración de Grassa Toro, y en las ilustraciones escultóricas de Pep Carrió. El lenguaje poético de los objetos y los materiales (que es el de Peret, y el de Isidro Ferrer y el de algún otro más) se descubre aquí con un elemento nuevo, el de los colores luminosos. Esos dioramas de madera que estos días pueden verse expuestos en el Espacio Sinsentido, trasladan el lenguaje ilustrativo al de los juguetes de antaño.
Lo de menos es que haya en la historia del libro una historia real que le da más sentido, que quienes están cerca saben de los hechos y de los personajes, más allá, es la historia de cientos de padres adoptados y de sus hijos.
Algunos libros son tanto creación como producción. Los naranjas son lo más difícil, y en este libro las reproducciones son sorprendentes, los colores parecen imposibles en un libro. Detrás están Cromotex y Brizzolis, queda claro: no es lo mismo imprimir que imprimir.

Una niña. Textos de Grassa Toro e Ilustraciones de Pep Carrió. Ed. Sins entido. 40 paginas. Idioma: Castellano.

Para una sociedad opulenta como la nuestra, la alimentación hace tiempo que ha dejado de ser una necesidad vital básica para convertirse en un hecho cultural que tiene más que ver con el acto social hasta que con la supervivencia. Actualmente, el envoltorio, la presentación y el ritual pesan más que el acto alimenticio hasta el punto de hacer más real que nunca aquello de que “se come por los ojos”.
Sabedores de ello, los responsables de la editorial Gustavo Gili han publicado en España A la carta que, como indica su subtítulo, es un volumen sobre el “diseño gráfico para restaurantes” en el que se hace un repaso a las tarjetas de visita, las cartas, los posavasos, y las decoraciones de interiores –especialmente aquellas resueltas con aplicaciones tipográficas– de restaurantes de diferentes partes del mundo.
Un libro imprescindible para conocer las nuevas propuestas visuales en el campo de la gastronomía que, al mismo tiempo pone de manifiesto tal vez sin pretenderlo, lo efímero de muchas de ellas a consecuencia de la necesidad de los diseñadores por sorprender e innovar a toda costa, creando interiores impersonales, fríos, distantes, en lugar de inventar lugares acogedores, donde demorarse, pasar un rato agradable y disfrutar sin prisas de las comidas. Una pega en último término que muy posiblemente no sea de los diseñadores sino de ese concepto que los españoles tenemos de la comida, la sobremesa y las relaciones de amistad, menos comunes en otras partes del mundo.

A la carta. Diseño gráfico para restaurantes. Grant Gibson. Editorial: Gustavo Pili. 176 Páginas. Idioma: Español

La editorial Sin Sentido continúa su labor de divulgación de la historia del cómic a través de su colección Sin palabras. Tras ocuparse de figuras y personajes míticos de dicho arte como Moebius, Hal Foster, Alan Moore, Vázquez, Corben, Ware, Conan o la Pequeña Lulú, esta vez le ha tocado el turno a Spider-Man, personaje de actualidad gracias a sus incursiones en el mundo del cine y a la reedición de sus tiras originales por la editorial Panini.
El texto, firmado por Rafael Marín, hace un repaso a la historia y aventuras del famoso superhéroe y a su compleja personalidad de adolescente tímido y acomplejado por ese extraño poder transmitido por una araña de laboratorio.
El libro, todo en blanco y negro, cuenta también con una extensa bibliografía para aquellos que partiendo de este breve ensayo, quieran zambullirse más profundamente en el trabajo de Stan Lee y Steve Ditko.
Spider-Man. El superhéroe en nuestro reflejo. Editorial: Sin Sentido. 68 Páginas. Idioma: Español

Los anuarios de ilustradores o diseñadores suelen adolecer de ser un mero catálogo, una especie de “páginas amarillas” del sector en el que los diferentes profesionales enseñan, no tanto lo mejor de su trabajo, como lo que mejor puede adaptarse a las necesidades de los clientes. No es el caso de este magnífico libro en el que, a través de más de mil imágenes, se hace un repaso a los trabajos de 150 ilustradores japoneses de primerísimo nivel, al tiempo que los propios artistas cuentan la filosofía de trabajo que desarrollan y explican las técnicas y herramientas que han utilizado para desarrollarlo. Técnicas que van desde el lápiz, al collage, desde la acuarela, hasta el Freehand, del Photoshop CS, o el CS2, al Illustrator etc. Un libro que permite conocer los caminos por los que va a evolucionar el mundo de la ilustración de los próximos años, que demuestra el gran potencial de esta disciplina, que llama a la reflexión acerca de por qué los clientes no apuestan por ella a la hora de planificar sus campañas y comunicar sus marcas, y que demuestra que en Japón hay, al menos, 150 ilustradores ab-so-lu-ta-men-te magníficos.

Illustration Book Pro 01. VV. AA. Editorial: PIE Books. 320 Páginas. Idioma: Inglés y japonés

Desde su fundación en 1975, el prestigioso estudio Pentagram viene editando, con objeto de regalar a sus clientes y amigos, una serie de cuadernillos en los que se recogen diferentes temas que han llamado la atención de una u otra manera de los profesionales de Pentagram. Con un formato, las más de las veces, de DinA5, encuadernados a caballete y, como es propio de ellos, con un diseño exquisito, los contenidos de estos cuadernillos han abarcado desde las chapas con la efigie del presidente Mao, a los libros de texto mejicanos para niños, pasando por los kimonos; un portafolio del fotógrafo Ragazzini sobre los jardines de Bomarzo; el ABC de los clichés en el diseño gráfico; las diferentes representaciones que la bandera de EEUU ha tenido en carteles, objetos, películas o fotografías; los esqueletos; el reciclaje o los juguetes de construcciones.
Aprovechando el treinta y cinco aniversario de Pentagram, Delphine Hirasuna ha recogido todo este material y ha creado The Pentagram Papers, libro en el que se puede disfrutar de estas pequeñas joyas por partida doble: además de porque se encuentran todas ellas recogidas en él, porque dicho volumen se acompaña del número treinta y seis de estos cuadernillos, el primero que abandona ese universo esotérico y se pone al alcance del público en general, al menos de aquellos que se hagan con este recomendable libro que, además de poder ser considerado ya un clásico, enseña cómo es posible sacar adelante un buen estudio de diseño y a la vez tener un hueco para la diversión, el disfrute y, por encima de todo, la curiosidad por conocer cosas nuevas.

The Pentagram Papers. VV. AA. Delphine Hirasuna (Ed.). Editorial: Thames & Hudson. 216 Páginas. Idioma: Inglés

Parece mentira cómo un libro que habla de diseccionar el diseño y que es todo un compendio de saber enciclopédico sobre dicha disciplina, está tan mal editado, con una portada tan espantosa y con unas tapas mullidas tan desagradables al tacto. Dicho esto, la verdad es que este libro es realmente divertido y muy curioso por su planteamiento y documentación. Un libro que repasa algunos de los más destacados diseños de las últimas décadas y que va detallando las referencias en las que se han inspirado sus autores para llevarlos a cabo tanto en lo fotográfico, en lo tipográfico, como en los detalles de la producción, los troqueles etc., ordenadas cronológicamente desde la más reciente hasta la más antigua. Un libro que funciona como un juego dado que presenta el diseño en cuestión en la página par y la explicación en una doble página desplegable, de manera que es posible ponerse a prueba e intentar averiguar si las relaciones que obtiene el lector son las mismas que las de los autores del libro.

The anatomy of design. Steven Heller & Mirko Ilic. Editorial: Rockport. 52 Páginas. Idioma: Inglés

Un clásico de las revistas de diseño europeas que siempre sorprende por su calidad, su buena dirección de arte y sus interesantes contenidos, cada vez más visuales y con menos texto (toda una ventaja para aquellos que les de pereza leer en inglés). En este número se pueden encontrar artículos sobre libros de fotografía amateur; el calendario de Otl Aicher para los juegos de Munich 72; los anuncios de las máquinas de preservativos de los servicios de los bares; el diseño de portadas de discos más actual; el aniversario de la Helvetica; la relación entre el surrealismo y el diseño de cubiertas de libros; pasquines y manifiestos; un extenso dossier sobre el diseño gráfico argentino y las habituales secciones de libros, cartas al director y agenda cultural.
Su único problema, las 15,99 libras (o lo que es lo mismo, los casi 28 dólares o 26 euros) de precio, un coste tal vez demasiado elevado para una revista de 88 páginas, teniendo en cuenta que hay libros de diseño realmente interesantes y de contenido menos efímero, por el mismo precio, o incluso más baratos.

Eye magazine 63. VV. AA.. Editorial: Haymarket. 88 páginas. Idioma: Inglés

Out put es una recopilación de trabajos realizados por estudiantes de comunicación visual de veintiocho países de todo el mundo durante el año 2006. Noventa trabajos, elegidos de un total de setecientos presentados, que demuestran que el diseño gráfico y la comunicación visual gozan de muy buena salud gracias a unas magníficas ejecuciones, respaldadas por sólidos conceptos que en ningún momento dan la sensación de pertenecer al book de un joven profesional. Un sorprendente y muy interesante volumen que debería servir de inspiración a muchos diseñadores veteranos, e incuso animarles a contratar en sus prestigiosos estudios a esta nueva generación que viene pidiéndoles paso, cuando no les han adelantado hace ya mucho tiempo.

Out Put. International Yearbook and student Award in Visual Communicationa 2006. Florian Pfeffer (Ed.). Editorial: BIS Publishers. 198 páginas. Idioma: Inglés

Durante el siglo XX, el cartel se ha destacado como un medio óptimo para la transmisión de todo tipo de mensajes, sean estos comerciales, políticos, sociales, de advertencia o lúdicos. Actualmente, en pleno siglo XXI y tras el desarrollo de la televisión o la aparición de nuevos medios como Internet, el cartel, en lugar de sufrir un retroceso en su producción y desarrollo, ha sabido mantenerse gracias al buen hacer de nuevos diseñadores, que lo han hecho evolucionar aplicando las innovaciones estéticas y tecnológicas a dicho medio. Ejemplo de ello es Poster Art, un volumen en el que se recogen cientos de ejemplos de carteles realizados en los últimos años por firmas y estudios de todo el mundo tan destacados como Patric Duffy at no days off, Gustavo Lacerda, Masa, Corey Holms, Pentagram, Fernando Gutiérrez o Sagmeister. Trabajos que, aunque beben de las fuentes clásicas del cartelismo, sorprenden por la reinterpretación y actualización que esos diseñadores han llevado a cabo con objeto de hacerlos suyos y hacer del cartel un medio plenamente contemporáneo. Un libro bien presentado, con explicaciones acerca de la finalidad y el origen de los trabajos que aparecen y en el que lo único que no acaba de encajar es la presentación, cuya estética es, desde el momento mismo de su publicación, más demodé que los propios carteles, el soporte efímero por excelencia.

Poster-art. Innovation in Poster Design. Charlotte Rivers Editorial: Rotovosion. 162 páginas. Idioma: Inglés

Aprovechando el hecho de que el primer volumen de los dos que conforman “Modotti. Una mujer del siglo XX” está completamente agotado, la editorial Sin Sentido ha decidido publicar una edición que recoja esas dos partes en un solo volumen lo que convierte a este libro en una magnífica oportunidad para acercarse a la figura de una de las mujeres más destacadas del siglo pasado y conocer, tanto su calidad artística como fotógrafa discípula de Edward Weston, como su compromiso político como responsable del Socorro Rojo Internacional y miembro del Partido Comunista.
Además de su atractivo como biografía, género que no es nuevo en el mundo de cómic y que se lleva repitiendo como tema recurrente desde los orígenes de esta disciplina, Modotti posee el aliciente de estar narrada en primera persona, siendo la figura del propio Ángel de la Calle la que va dando forma a la historia, a través de las investigaciones que va haciendo sobre la figura de esta mujer, muchas de la cuales surgen de las conversaciones que De la Calle tiene con el escritor Paco Ignacio Taibo II, compañero de andanzas y organizador junto con él de la Semana Negra de Gijón, de la que también se cuentan curiosidades de sus diferentes ediciones desde su fundación.

Modotti. Una mujer del siglo XX. Ángel de la Calle. Editorial: Sin Sentido. 272 páginas. Idioma: Castellano

Bajo la apariencia de libro sencillo acerca de esos insignificantes asuntos cotidianos que nos rodean –algo tan en boga últimamente en campos como la literatura, algunos tebeos, o el humor televisivo, pero tan mal ejecutado en casi todos ellos–, se esconde un magnífico trabajo en el que Trondheim despliega todo su saber y grandeza como ilustrador, a través de unas breves y divertidas historietas realizadas con acuarela, que empiezan y acaban en cada página pero cuyo hilo narrativo se va desenredando a lo largo de todo el volumen. Retazos de su vida, sus fobias y manías, anécdotas familiares, aventuras en salones de cómic, homenajes a sus maestros como Gean Giraud (Moebius)... Un gran trabajo en el que Trondheim se ríe de la vida, empezando por él mismo, y cuya lectura deja un muy buen sabor de boca.

La maldición del paraguas. Lewis Trondheim. Editorial Sin Sentido. 128 páginas. Idioma: castellano

Aquellos que aún duden de la calidad artística de los tebeos disponen de una gran oportunidad para convencerse de lo contrario leyendo el nuevo álbum del dibujante italiano Gipi, recientemente editado en España por Sinsentido. Una magnífica historia de estructura compleja, con flashbacks, paréntesis e interrupciones en la narración, que cuenta retazos de la dura vida de S., trasunto del padre del ilustrador y cuya personalidad podría definirse como la de un superviviente, capaz de resistir una Guerra Mundial, la invasión Nazi de Italia, bombardeos de enemigos y aliados, abusos de diferentes formas de poder y que, a pesar de todo, no ha sido doblegado y ha sabido mantener su dignidad.
Un muy interesante trabajo que, además de su innegable valor como obra de arte, está magníficamente editado tanto en lo que se refiere a impresión como a encuadernación y elección de los papeles, comentario que puede sonar frívolo pero que es de justicia realizar como reconocimiento a la buena labor de la que tal vez sea la editorial que más está haciendo por dignificar el cómic en nuestro país.

S. Gipi. Editorial Sin Sentido. 112 páginas. Idioma: castellano

Nacido en 1938, Boris Mikhailov es uno de los más importantes y creativos fotógrafos de la antigua Unisón Soviética, gracias a un trabajo que retrata la vida cotidiana en el antiguo boque comunista. Yesterday’s Sandwich es un libro objeto compuesto por una carpeta que contiene cincuenta y cinco postales que reproducen sendos fotomontajes realizados por Mikhailov durante la década de los 60, en los que trata los temas del sexo y la belleza en contraposición con la opresiva situación política de la URSS. Un poético planteamiento, estéticamente innovador, en el que el color está utilizado con una asombrosa maestría, y bajo el que subyace una feroz crítica social que no pasó desapercibida para los responsables de la época, quienes censuraron buena parte del trabajo, el cual se ve por primera vez completo gracias a la editorial Phaidon.

Un fantástico trabajo que demuestra cómo, a pesar de los mensajes con los que nos bombardean constantemente desde los medios, las rupturas estéticas y conceptuales son más propias de grandes maestros que de jóvenes genios mucho más activos y enérgicos, pero infinitamente menos experimentados.

Yesterday’s Sandwich. Boris Mikhailov. Phaidon. 55 tarjetas. Idioma: Inglés, francés y ruso

Discípulo de figuras como Walter Gropious y Marcel Breuer, Eliot Noyes fue una de las principales figuras del diseño y la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX. Tras abandonar el cargo de Director del departamento de Diseño Industrial del MOMA de Nueva York, durante las décadas de los 50 hasta su muerte acaecida en 1977, Noyes fue consultor de asuntos relacionados con el diseño de empresas como IBM, Mobil Oil o Westinhouse, para cuyos diseños recurrió a profesionales emergentes de la época entre los que se contaban Paul Rand, Charles Eames o Tom Geismar.

El presente volumen es la primera monografía dedicada a Noyes, cuya vida y obra se reconstruye, además de a través del magnífico texto de Gordon Bruce, a partir de bocetos, cuadernos de notas, maquetas, fotografías de sus diseños, hojas de contactos de sus presentaciones de producto, e imágenes de aquellos lugares u objetos que sirvieron de inspiración para trabajos posteriores.

Un libro indispensable para arquitectos, diseñadores industriales y aficionados a estas disciplinas que destaca, no sólo por su contenido, sino por su cuidada maquetación y su exquisita presentación, algo característico de toda la producción editorial de Phaidon.

Eliot Noyes. A pioner of design.... Gordon Bruce. Phaidon. 242 Páginas. Idioma: Inglés

Una de las muchas virtudes de la editorial Gustavo Gili es su capacidad para publicar libros que, además de actuales y capaces de tomarle el pulso a las tendencias o movimientos estéticos del momento, son, por encima de todo, útiles.

Ejemplo de ello son estos dos volúmenes firmados por Charlotte Rivers en los que se recopilan algunos de los mejores trabajos realizados en los últimos tiempos para algo tan actual como los cds y dvds. Más de un centenar de ejemplos recopilados entre ambos volúmenes, cuyo común denominador es el hecho de destacar por su creatividad, bien en el campo del diseño de portadas bien en el del desarrollo de su packaging, y que echan por tierra esa excusa tan socorrida que afirma que el formato cd, a consecuencia de su reducido tamaño, no es un medio óptimo para desarrollar buenos trabajos gráficos. A partir de ahora, y gracias a estos catálogos, queda claro que el responsable del fracaso ante este tipo de trabajos será el propio diseñador (o el cliente, claro, que también es un culpable muy recurrente).

Diseño de portadas y packaging para CD / DVD. Charlotte Rivers. Editorial Gustavo Gili. 160 páginas. Idioma: castellano

En 1990 Erik Spiekermann y Neville Brody fundaron la colección FontFont unos libros hechos por y para diseñadores que pronto se convirtieron en una inestimable fuente (nunca mejor dicho) a la hora de conocer y analizar la evolución de la escena tipográfica mundial. En 2005, quince años después de la aparición del primero de esos volúmenes, los responsables decidieron que la mejor forma de celebrar dicha hazaña era editando un libro que recogiese algunos de los más destacados trabajos publicados en FontFont desde sus inicios junto con ejemplos de cómo aquellos han sido aplicados en trabajo reales. De esta forma, Made with FontFont. Type for independent minds, contiene muestras tipográficas de destacadas figuras de esta disciplina como Reza Abedini, Laura Meseguer, Akira Kobayashi, Pepe Gimeno, Martin Wenzel o Nick Shinn. Un libro que hará las delicias de los amantes de la tipografía, ideal para sumergirse en sus páginas y disfrutar de las imágenes ya que los textos, salvo aquellos que repasan la historia y la filosofía de FontFont o los que describen las fuentes empleadas en los trabajos que aparecen como muestra, acaban resultando un tanto monótonos con tanto “A B C D E F G H I J K L M N O P Q R S T U V W X Y Z a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t u v w x y z ¿? , . ; : “” & / ( )”, etc.

Made with FontFont. (Type for independent minds). Jan Middendorp & Erik Spiekermann. BIS Publishers. 354 páginas. Idioma: inglés

A pesar de que tradicionalmente el mundo de la moda más elitista y exclusiva ha despreciado la camiseta por ser una prenda un tanto vulgar o excesivamente informal, los ilustradores, diseñadores gráficos y artistas en general, han encontrado en ella un magnífico soporte en el que experimentar y mostrar al mundo sus creaciones o mensajes. Conscientes de la importancia creativa y estética de la camiseta, la editorial Gustavo Gili ha editado el presente volumen en el que su autora, Helen Walters, hace un repaso al panorama actual del diseño de estas prendas a través de diferentes apartados como “camisetas de autor”, “camisetas fotografiadas por la calle”, “para coleccionistas”, “para clientes específicos” y, por último, una sección que recoge piezas realizadas expresamente para el libro.

En definitiva, una interesante selección de camisetas serigrafiadas, cosidas, bordadas, pintadas a mano, remendadas y ajadas que se acompañan de las direcciones web y contactos de buena parte de sus autores para todos aquellos que quieran hacerse con una de ellas pues, además de para disfrutarlas visualmente, las camisetas son para vestirlas.

T-Shirt. Nuevo diseño de camisetas. Helen Walters. Editorial Gustavo Gili. 144 páginas. Idioma: castellano

Con el consabido retraso con que llegan las revistas de ultramar, recibimos el Regional Design Annual 2006. El tradicional repaso que la mítica Print realiza a los trabajos de los profesionales y estudios de diseño de los diferentes estados de ese vasto país que parece un continente o incluso dos. La cita ineludible para saber qué hacen en Nueva Inglaterra, en Nueva York, en Washington, en Ohio, en Dallas... la ocasión para disfrutar, sorprendernos e inspirarnos (inspirarnos, ojo, no copiar) con objeto de afrontar los trabajos por venir a lo largo del 2007. Magníficos y sorprendentes usos de las tipografías, fantásticas diagramaciones, ilustradores alucinantes, packagings imposibles... Como cada año, nada que objetar a esta magnífica pieza, este must of de las publicaciones de diseño, salvo el hecho del pequeño tamaño en el que, como cada año, están reproducidos los trabajos.

Print. Regional Design Annual 2006. VVAA

Como viene sucediendo cada dos o tres años, cae de nuevo en nuestras manos un libro que declara la muerte de la publicidad tal y como la conocemos y augura el nacimiento de una nueva publicidad que redimirá a creativos, enriquecerá clientes, y enamorará los consumidores. Así pues, el presente volumen es una magnífica colección de alrededor de doscientas campañas de publicidad de guerrilla realmente creativas, muy bien fotografiadas, de las que se disfruta enormemente mientras se lee el libro, pero cuya eficacia queda en entredicho, no ya desde la primera página sino desde la solapa de la sobrecubierta. De esta forma, si tomamos como bueno lo que el autor afirma en ella sobre que “hace veinte años un anunciante podía llegar al ocho por ciento de los norteamericanos con la emisión de tres spots. Ahora necesita emitir 150”, no nos salen las cuentas sobre cuánta gente debe pasar por una calle céntrica de una gran ciudad para coincidir en el momento justo en que se lleva a cabo una acción, pararse, entenderla, recordar la marca por encima del chiste o la situación chocante y, en último término, comprar el producto y hacer millonario al anunciante. Salvo por esta fórmula que no acabamos de entender, Advertising is dead. Long live advertising! es un muy interesante instrumento para saber por dónde va la publicidad actual y pasar un buen rato, que viene a ser lo mismo.

Advertising is dead. Long live advertising!. Tom Himpe. Editorial Thames & Hudson. 224 páginas. Idioma: Inglés

Bajo el título común de UP. Frontal Visual Design, la editorial Sandu ha publicado dos volúmenes, cada uno de los cuales recoge el trabajo de KB Home y Mudc, dos de los colectivos de diseño gráfico, ilustración y graffiti más interesantes de China. Unos libros que demuestran que los jóvenes diseñadores de Hong-Kong no pierden de vista ni tienen nada que envidiar a aquellos que trabajan en los centros del street art y del diseño por excelencia como puedan ser Nueva York, Londres, Tokio o Berlín.

Una colección de trabajos que van desde el diseño de personajes, su aplicación al merchandishing, su modelado y producción en 3D, hasta el packaging, la ilustración comercial y el graffiti, que hará las delicias del público joven e interesado en las nuevas propuestas que, lamentamos decirlo, a estas alturas ya no resultan tan nuevas, ni tan jóvenes, ni tan frescas, ni tan revolucionarias, ni tan sorprendentes.

UP. Frontal Visual Design. KB Home y Mudc. Sandu Cultural Media. 162 Páginas. Idioma Inglés

Pocos títulos encajan tan bien con el contenido del libro al que acompañan como el presente JPG 2 y su “precuela”, JPG. Unas siglas que hacen referencia, no sólo a la extensión por excelencia de los archivos de imágenes, sino también a JaPan Graphics, es decir, a lo más relevante del diseño y la ilustración japonesa del panorama actual.

Dividido en trece capítulos según la finalidad, temática, concepto o tipo de producción gráfica empleada a la hora de desarrollar los proyectos que se muestran, el libro recoge trabajos de estudios y diseñadores punteros en el archipiélago nipón como Amane Murakami, Buddha Productions, Dainippon Type Organization, Keigo Mohri, Shinji Shimada, Tsuyoshi Kusano y Tsuyoshi Hirooka, en los que destaca el abundante uso de ilustraciones vectoriales, trazados, siluetas, stencils, colores planos, mucha intervención sobre las fotografías y poca textura o trazos realizados a mano.

Una publicación magníficamente editada, que aporta una muy interesante visión de lo que sucede en el panorama del diseño gráfico japonés (y en buena parte del occidental, para qué negarlo), que seguro resultará divertido, interesante, incluso imprescindible para satisfacer las necesidades de los clientes, pero que tal vez no resista con buena salud el paso del tiempo y acabe resultando aburrido.

JPG 2. VV. AA. Editorial Actar. 280 Páginas. Idioma: Inglés

Pat Fallon y Fred Senn firman este libro ligero sobre creatividad, a medias entre el "hágalo usted mismo" y el "quién se ha comido mi anuncio". Se trata de un recorrido a través de treinta campañas realizadas por la agencia que fundaran en 1981, Fallon Worldwide.

"Exprime la idea" es uno de esos manuales empresariales "blanditos" para ejecutivos, que tanto éxito tienen en el mundo anglosajón. No aporta conocimiento, sigue la rutina del "análisis del caso" (como si en publicidad y en los negocios todo fuese extrapolable). A cambio, es fácil de leer, diría que insultantemente fácil, como si los autores sospecharan que se dirigían a gente poco dada a la lectura. Encantados de haberse conocido, Pat y Fred se recrean en desmenuzar sus campañas de éxito, lo que nos hace dudar acerca de si este es un libro de autopromo que ha dado el salto a las librerías, o realmente su inmodestia es inconmensurable.

Lo mejor, si algo se salva, es el prólogo de Carlos Holemans para la versión española.

Hay algo de pretencioso en estos libros de publicitarios de éxito que me exaspera, es como si no pudiesen reprimir la necesidad de afirmar que son excelentes creativos y la supuesta generosidad de compartir con los de abajo su sabiduría. Al final, siempre tengo la sensación de que estos libros son escritos para los clientes, aunque se disfracen de tratados de creatividad, y como en este caso, se homologuen con el sello de alguna escuela de prestigio en la portada.

Exprime la Idea. Pat Fallon y Fred Senn. Lid Editorial. Madrid, 2007. 216 páginas. 19,90 euros.

Fernando Montañés –el más valorado periodista publicitario en activo– y Mikel Barsa han elaborado para la Fundación Autor, esto es, la SGAE, este completísimo trabajo de investigación y documentación de la Historia iconográfica de la música en la publicidad. Más allá de la recopilación de lo "retro", tan en boga y que también lo es con profusión, el valor auténtico de este libro está en los textos, en los que los autores desmenuzan las relaciones entre la música, el diseño y la publicidad de las últimas cinco décadas.
Por higiene mental, conviene saltarse la parte que se refiere a derechos de autor y copyright, donde queda patente la presión doctrinal del editor. Nada que pueda sorprender a nadie a estas alturas.
Más impresentable aún, tratándose de quien se trata, es el desprecio condescendiente cuando se habla de la música de librería... nada habría que objetar, si no fuera porque todo el libro está ilustrado con imágenes royalty free procedentes de CD's de un conocido banco de imágenes libres de derechos. Vaya, que hay que ver cómo predican con el ejemplo los defensores de los autores. No quiero imaginarme la carita que se les habrá quedado a los de VEGAP...
Y en el debe, no podemos dejar de mencionar el diseño del libro. No sé si llegará a ser un clásico, lo que está claro es que ya era antiguo antes de salir de máquinas: páginas enteras en Kaufman cuerpo 12 (la peor tipografía script que imaginarse pueda), bitonos de negro y naranja, un auténtico festival de lutos, pastillas y corondeles, y como tipografía complementaria una hueca con batiente... el no va más.

Historia iconográfica de la música en la publicidad. Fernando Montañés y Mikel Barsa. Madrid, 2006. 180 páginas. Idioma: Español.

La revista NEO2 de este mes ya está en la calle. Algo está cambiando en el "neo". Pasaron por un momento incierto en el cambio de periodicidad, que ahora es mensual, pero han bastado unos cuantos meses para asentar esta nueva andadura. Siguen siendo sólidos cabecillas del tropel de revista a la caza de la tendencia, y parece percibirse un decantamiento intencionado hacia el diseño de producto. Y es que la tecnología novísima y los objetos no cotidianos, nada de lo que aparece en NEO2 lo es, han resultado ser un rico filón de contenido, sin abandonar la moda, que sigue siendo el grueso pero que se nos antoja menos novedoso, es lo que hay, y dejando la gráfica casi como anécdota. Como en cada entrega, de regalo una tipografía no apta para academicistas ni para cuerpo de texto, la Orquídea Font, diseñada por Natalia Mirapeix Bedia.
Las revistas de diseño industrial, y supongo que las de gráfico, y las de arquitectura, tienen que ser exigentes en sus contenidos. Y lo son. Pero eso las hace menos arriesgadas, hasta el punto de que bien podríamos llegar a la conclusión de que son las revistas de tendencias, menos "puretas" y más dadas al riesgo, las que de verdad están hurgando en lo que realmente es novedoso, aun a riesgo de que no sea lo mejor. De momento, NEO2 se me antoja más fresca y reconfortante, al menos para los que vemos el diseño industrial de lejos, como observadores pero sin implicación directa.

Neo2, nº 62. Ipsum Planet. Madrid, abril de 2007. 176 páginas. Idioma: Español. 3 euros.

Aparece la revista Trama & Texturas, dedicada al mundo del libro. Sus editores son José María Barandiarán y Manuel Ortuño. Un tamaño manejable y un diseño sobrio y acertado de Miguel San José convierten este producto en un "casilibro", acompañado con la atemporalidad de la mayoría de sus contenidos. Apetece guardarla. Incorpora un cuadernillo con exquisitas fotografías de Chema Madoz, suficientes para compensar la ausencia de imágenes en el resto del número. Aunque es un producto para apasionados, la extensión comedida de las colaboraciones y algunas perlas impagables aportan lo suficiente como para merecer la pena, incluso si uno no está inmerso en la selva que es la edición de libros en nuestro país. Cuenta entre sus articulistas con Beatriz de Moura, Javier Celaya, Jordi Nadal o el propio Barandiarán, entre otros.
De verdad que merece la pena los doce euros que vale, lo que se gasta el presidente del gobierno en quince cafelitos y que a los demás apenas nos daría para diez; aunque los editores sean amigos y ello me condicione la crítica. A los dos les deseo grandes satisfacciones con esta nueva aventura, al tiempo que me ilusiona que sea ésta y no otra la primera entrega de este blog que recién estrenamos.

Trama & Textura, nº 1. Trama Editorial. Madrid, 2007. 144 páginas. Idioma: Español. 12 euros.