El rebétiko es un estilo musical originario de Grecia surgido durante los años 20 del siglo pasado y vinculado a ambientes marginales y arrabaleros, como lo estaban otro géneros similares como el tango argentino o la samba brasileña. Las referencias explícitas al sexo, las drogas, el alcohol, el asesinato, las peleas, la vida bohemia y su contenido satírico hicieron que Ioannis Metaxas, general que en 1936 instauró en Grecia una dictadura de corte fascista, persiguiera el rebétiko hasta el punto de llegar a prohibir la tenencia de buzokis y otros instrumentos musicales por parte de la población.
Partiendo de estos hechos y valiéndose de diferentes personajes inspirados en destacadas figuras de este género musical, David Prudhomme arma “Rebético, la mala hierba”, el álbum que le ha valido el premio “Una mirada al mundo” del pasado Salón Angoulême 2010.
Un trabajo estéticamente en la línea de ese cómic-arte que tanto gusta a Sins entido (véase “Fueye”, por ejemplo), que destila pasión tanto por la música como por el contexto histórico y trata como héroes a unos personajes cuya visión romántica de la vida les impide adaptarse, no ya a las convenciones sociales, sino a aquellos avances que podrían mejorar sus condiciones de vida y hacer crecer su arte. Su pretendida autenticidad les hacía ser reacios a, por ejemplo, participar en grabaciones que la casa Columbia realizaba en discos de 78 rpm y que estaban destinadas no sólo al público sino también a los emigrantes griegos que se habían trasladado a Estados Unidos, lo que provocó que perdieran toda posibilidad de éxito y acabasen siendo asimilados por esa sociedad a la que rechazaban pero que ya no se escandalizaba por esos modos de vida marginales.

Rebétiko. La mala hierba. David Prudhomme
Sins entido. 104 páginas. Español

El término Novela Gráfica, tan socorrido a la hora de colocar en circuitos convencionales productos que antes estaban reservados a las tiendas especializadas en tebeos, resulta, sin embargo, limitado a la hora de definir algunos cómics, como sucede con los trabajos que Joe Sacco viene realizando en zonas de conflicto armado, como la antigua Yugoslavia, y cuya última entrega acaba de ver la luz de la mano de Mondadori en su colección Reservoir Books con el título “Notas al pie de Gaza”.
En estos proyectos Sacco no actúa como un mero dibujante, sino que se mete en la piel de un reportero de la antigua escuela que disecciona la realidad de los lugares que visita, repasando los hechos históricos que dieron lugar a esa situación y recabando los testimonios de los actores que los protagonizaron y de las víctimas que los sufrieron.De esta forma, Sacco más que “Novela Gráfica” desarrolla un género casi de su invención que podríamos denominar “Cómic Reportaje”, en el que la fidelidad a los hechos narrados es tal, que el autor utiliza fotografías tomadas del natural para realizar sus dibujos y reproduce textualmente y entrecomillados, testimonios de las personas a las que ha visitado, recogiendo incluso versiones contradictorias de los hechos que difieren entre sí en elementos relevantes de la historia. Una decisión que responde a la intención de Sacco de que no se le pueda objetar que ha sido parcial o ha manipulado aquello que cuenta, algo que, por otra parte, es comprensible, teniendo en cuenta que “Notas al pie de Gaza” es una narración sobre las penurias y persecuciones que sufren desde hace décadas los refugiados palestinos en esa franja ocupada por los colonos israelíes.

Notas al pie de Gaza. Joe Sacco
Mondadori. 432 páginas. Español

Como indica el subtítulo de “El diseño como experiencia”, este ensayo de Mike Press y Rachel Cooper es un análisis actual del “Papel del diseño y los diseñadores en el siglo XXI”. Desde su primer capítulo, titulado “Verde, universal y digital” y a lo largo de sus más de doscientas páginas, se repasan temas como el diseño sostenible, la globalización, las nuevas tecnologías así como los cambios económicos y estructurales que afectan al sector, entre los que se encuentran las inversiones en investigación y desarrollo, los procesos de creación tanto individuales como colectivos, la evolución de las tendencias o la importancia y función de las asociaciones profesionales.
El conjunto de estos temas se aborda desde esa nueva perspectiva surgida en los últimos tiempos que concibe el diseño como una experiencia de consumo, lúdica e interactiva, que proporciona al usuario beneficios que abarcan desde el mero ocio hasta el compromiso ecológico o el cultivo de las relaciones sociales.El libro se completa con un glosario que recoge términos como “Apropiación”, “Capital cultural”, “Ciclo de vida del producto”, “Ecodiseño”, “Hiperrealidad”, “Segmentación”, “Sostenibilidad” y una amplia y actualizada bibliografía que permitirá ahondar en los temas propuestos por los autores.

El diseño como experiencia. Mike Press y Rachel Cooper
Gustavo Gili. 240 páginas. Español

Después de los dos simpáticos volúmenes de “Rollos míos” y el desgarrador “Papá”, Aude Picault regresa con un libro en el que abandona el territorio de la pieza breve para adentrarse en territorios narrativos más ambiciosos.
Sin ser una obra de madurez, en “Travesía” Picault demuestra que ha crecido como autora de cómic. Su dibujo mantiene el trazo sencillo y suelto que lo caracteriza y que tanto recuerda en ocasiones al de Sempé, pero sus páginas muestran una composición totalmente diferente a la de sus trabajos anteriores, algo que no responde únicamente al hecho de que hay más cosas que contar sino a una planificación consciente de la obra y su ritmo narrativo, como demuestra el hecho de que alterne páginas repletas de viñetas con otras diáfanas en las que apenas se recrea una única escena.
Lo que sí que se mantiene inalterable en este nuevo trabajo es la capacidad de Picault para retratar con inteligencia, sentido del humor y mordacidad la sociedad en la que vive y los personajes que la rodean, muchos de los cuales (incluyéndose a sí misma) no siempre salen bien parados de ese examen.
“Travesía” es un libro amable, divertido, que ratifica a Picault como una buena autora de tebeos y que provoca en el lector la curiosidad de saber cuál será su próxima aventura.

Travesía. Aude Picault
Sins entido. 176 páginas. Español

¿Existe una estética claramente femenina? Los responsables de PIE Books están convencidos de ello hasta el punto de dedicar dos de sus libros a ese tema. Así, después de “Girly graphics” llega a las librerías “New girly graphics” en el que se reúnen múltiples ejemplos de diseños orientados al público femenino organizados en cuatro apartados (“Glamorous & Poisonous”, “Pure & Natural”, “Cute & Rock’n’Roll y “Romantic & Fairy tale”) que pretenden esbozar las diferentes personalidades de ese sector de la población al que pretende retratar.
A la vista del contenido de este nuevo “Girly graphics”, lo que caracteriza a ese diseño dirigido a las chicas no son las tonalidades pastel o rosas, ni la presencia mayor o menor de animalitos y mascotas ni cualquier otro elemento ornamental. Si realmente hay un diseño para chicas estará determinado por aspectos más complejos, como los modos en como determinados sectores empresariales y económicos se dirigen a sus clientes, como sucede en el caso de la cosmética, los perfumes o las marcas de moda. Por tanto, es la interpretación que de la mujer y sus gustos hacen los responsables de este tipo de productos los que justifican la existencia de ese diseño femenino y dibujan las fronteras del mismo. Una realidad que, evidentemente, no es la que pretende mostrar el libro pero que está presente en él tanto como lo está en nuestra sociedad.

New girly graphics. VV.AA.
PIE Books. 200 páginas. Inglés-japonés

Tras el éxito de su primer volumen, la editorial japonesa PIE Books ha decidido lanzar un segundo tomo de “Absolute appeal” en el que se recogen nuevos ejemplos de trabajos en el sector del marketing directo. Ideas cuyo objeto es captar la atención de los destinatarios a través de ingeniosas formas, envases sorprendentes, accesorios y materiales de alta calidad, cuya probada eficacia en otros clientes, las convierte en una interesante fuente de inspiración para diseñadores y creativos.
Como suele ser habitual en esta editorial japonesa, el libro también destaca por la labor de selección realizada por sus responsables, quienes han optado por incluir trabajos cuyo interés no radique únicamente en la complejidad de sus desarrollos, en el de papeles especiales o altos costes de producción, sino en conceptos sólidos que consigan que la propuesta creativa continúe siendo interesante una vez pasada la sorpresa inicial.
“Absolute appeal” es la prueba evidente de que, a pesar de su dilatada existencia y de los millones de envíos realizados a lo largo de ella, el marketing directo, lejos de ser el patito feo de la creatividad, es una de las disciplinas publicitarias más eficaces y con mejor salud, eso sí, cuando se hace bien.

New absolute appeal:Direct Mail Design. VV.AA.
PIE Books. 160 páginas. Inglés-japonés

Tras abandonar Alemania y su puesto como profesor en la Bauhaus a consecuencia de la ascensión al poder del régimen nazi, Josef Albers se exilió en Estados Unidos, país en el que continuaría su labor docente en el Black Mountain College de Carolina del Norte, lugar en el que daría clase a figuras tan destacadas como John Cage, Merce Cunningham o Robert Rauschenberg hasta que, en 1950, lo abandonase para incorporarse a la Universidad de Yale en 1950.
De su contacto con estos y otros estudiantes surgió “Interacción del color”, un libro en el que Albers explica sus teorías sobre la percepción y su significado en la Historia del Arte. Un libro a la altura de obras como “Observaciones sobre los colores” de Ludwig Wittgestein o “Teoría del color” de Goethe que, a diferencia de estos dos títulos, no fue bien recibido por los críticos y los estudiosos que entendían que sus planteamientos, en lugar de revolucionarios, eran, sencillamente, descabellados.
A pesar de esta mala acogida, “Interacción del color” no ha parado de reeditarse, desde su primera aparición en 1963 hasta nuestros días. Una labor que en nuestro país ha recaído en Alianza Editorial quien, a través de su colección Alianza Forma, acaba de lanzar una nueva edición revisada y ampliada en la que, además del corpus teórico, es posible encontrar varias decenas de ejemplos comentados que hacen de este libro una magnífica herramienta para cualquier aficionado o profesional del arte y el diseño gráfico.

Interacción del color. Josef Albers
Alianza. 168 páginas. Español

La editorial Blume ha emprendido en los últimos años una interesante labor en el campo del diseño gráfico y la arquitectura adaptando al castellano, mediante traductores que trabajan bajo la supervisión de expertos en dichas disciplinas, títulos procedentes en el extranjero.
Este es el caso de “Tipografía para diseñadores”, libro en el que el diseñador gráfico y profesor norteamericano Timothy Samara cataloga más de ochocientas tipografías según sus características estéticas, les adjudica unas determinadas gamas de color que, en su opinión, encajan con ellas, y explica el por qué de ambas decisiones en sendos textos.
Tipografías organizadas bajo cuatro grandes grupos –estados de ánimo, conceptos, tiempo+contexto, grupo de edad–, subdivididos a su vez en epígrafes como tranquilo, amistoso, cómico, romántico, siniestro, psicótico, de progreso, multicultural, industrial, urbano, arcaico, Renacimiento, salvaje oeste, Hollywood, baby boom, contracultura, bebés, adolescentes y ancianos.
A pesar de su inevitable sesgo subjetivo derivado de las personales clasificaciones realizadas por Samara, “Tipografía para diseñadores” resulta muy útil gracias a la información añadida que contiene y que abarca, desde una breve descripción de la tipografía, hasta el uso óptimo para el que puede ser empleada, sin olvidar los datos de la fundición que la comercializa, su mail, número de teléfono o la composición en CMYK de las gamas de color sugeridas.

Tipografía para diseñadores. 850 tipos de letra y 40 gamas cromáticas. Timothy Samara
Blume. 256 páginas. Español

Como sucede con los ciclos de la agricultura, cada año llega una nueva cosecha de anuarios de creatividad aunque, a diferencia de los frutos de la tierra, su capacidad nutritiva, resulta más que discutible.
Su abundancia de piezas, algunas de las cuales apenas se han visto en los medios salvo para cumplir con las exigencias de participación, generan una sensación de empacho más cercana a la ingestión de golosinas que a la de alta cocina.
Esta sensación de saciedad es la que uno encuentra al visitar el contenido de la edición 2009 del Anuario del Art Directors Club, entidad que no duda en calificar su producto como “The annual of annuals”, en una evidente falta de humildad y autocrítica.
En una época en la que se cuestiona la viabilidad del libro como soporte, muy especialmente desde el sector de la creatividad, sorprende que los profesionales del diseño y la publicidad apuesten por un formato como este para dar a conocer sus creaciones, válido hace décadas cuando las comunicaciones y el intercambio de información resultaban lentos y costosos, pero inútiles desde la aparición de internet.
De hecho, la Red nos ha demostrado que hay mucha más calidad y talento en los blogs y las páginas web de diseñadores anónimos que en este tipo de anuarios, que no dejan
de ser productos concebidos para recompensar el ego y la inversión de aquellos que han desembolsado considerables cantidades de dinero para inscribir sus trabajos.
Esto no quiere decir que esta nueva entrega del anuario ADC*E no tenga contenidos interesantes. De hecho, sería injusto no mencionar el gran trabajo de maquetación y diseño realizado por Alex Trochut para el libro.

The Annual of Annuals. Best of European Design & Advertising '09. VV.AA.
ADC*E. The Art Directors Club of Europe. 522 páginas. Inglés

El diseño expositivo es una de las disciplinas que disfrutan de mayor proyección en los últimos tiempos, especialmente desde que las administraciones públicas descubrieron el potencial que los museos y las exposiciones tienen a la hora de llegar al gran público o servir de reclamo turístico. Sin embargo, en comparación con otros campos del diseño, no son muchos los tratados y estudios sobre diseño expositivo disponibles en nuestro idioma.
Es por ello que el libro de Luis Alonso Fernández e Isabel García Fernández se torna un interesante tratado que resolverá muchas dudas a aquellos que quieran adentrarse en un territorio en el que, además de las cuestiones de diseño puramente formales, tienen mucha importancia la percepción, la psicología, la organización espacial, la iluminación o la gestión de recursos, especialmente aquellos destinados a la producción de esos diseños.
Además, “Diseño de exposiciones” incluye novedades y soluciones a situaciones que hasta tiempos recientes no eran tenidos en cuenta por los responsables de este tipo de proyectos, como la accesibilidad a las salas de personas con movilidad reducida o el desarrollo de exposiciones de éxito multitudinario en el que el rigor historiográfico juega un papel tan importante como el del espectáculo de masas.

Diseño de exposiciones. Concepto, instalación y montaje
Luis Alonso Fernández e Isabel García Fernández
Alianza Forma. 280 páginas. Español

“Stitches” desembarca en nuestro país de la mano de la editorial Mondadori y avalado por reconocimientos como los de ser uno de los mejores libros del 2009 según Publishers Weekly, el más vendido según la lista The New York Times y las buenas críticas de autores como Robert Crumb o Stan Lee.
Una novela gráfica de más de trescientas páginas en la que David Small narra su infancia, marcada por una abuela con desequilibrios mentales, unos padres víctimas de un matrimonio basado en la incomunicación y el desapego, y una grave enfermedad que le dificultará comunicarse verbalmente.
Un trabajo duro, complejo, que sigue la estela iniciada por “Blankets” de Craig Thompson o “Epiléptico” de Daniel B y en el que infancias y adolescencias traumáticas son exorcitadas gracias a la labor de introspección realizada por sus autores.
Un libro con un magnífico acabado, en el que destaca su portada con tintas en relieve diseñada por Paul Buckley utilizando los dibujos del autor, y al que sólo afea el hecho de estar rotulado con tipografías mecánicas que, aunque imitan letras manuscritas, no consiguen igualar el trazo del autor. Un hecho habitual en el mundo del tebeo actual que genera una brusca ruptura en esa unidad entre texto e imagen y provoca que el lector no consiga sumergirse completamente en la narración.

Stitches. Una infancia muda. David Small
Mondadori (Reservoir books). 336 páginas. Español

Durante la segunda mitad del 2009, la exposición “Gráfica de fronteira” mostró por diferentes ciudades de Brasil la obra del diseñador Rico Lins. Una retrospectiva que, finalizada su itinerancia, ha visto la luz en forma de catálogo en el cual se recogen la práctica totalidad de las piezas expuestas, así como textos sobre Lins firmados por el profesor y comisario artístico Agnaldo Farias; la periodista especializada en diseño Adélia Borges; el historiador Rafael Cardoso o Ricardo Othake, diseñador y Director del Instituto Tomie Ohtake, una de las sedes en las que estuvo expuesta la muestra.
Una magnífica oportunidad de tener al alcance de la mano el trabajo de este interesante diseñador, siempre atento a la experimentación, al uso creativo de las tipografías y a la combinación de las técnicas más tradicionales con las últimas tecnologías.
Además, “Gráfica de fronteira” permite acercarse de manera sencilla y amena al diseño que se realiza en ultramar. Una gráfica aparentemente ajena a la que desarrollamos aquí, a consecuencia de la enorme influencia del diseño norteamericano, pero que contiene muchos más puntos de contacto con nuestra cultura de los que pudiéramos imaginar en un primer momento.

Uma gráfica de fronteira. Rico Lins
Solisluna Editora. 144 páginas. Portugués-Inglés

“Los emergentes días de la cibercracia” es la frase que cierra este ensayo y avanza el que, presumimos, será el próximo libro de Ramón Massó y Enrique Nebot. Esta pareja de experimentados profesionales del mundo de la comunicación y la publicidad analizan en “Los últimos días de la telecracia” la situación actual de la televisión, un medio que, hasta fechas recientes, ha disfrutado de una clara de hegemonía sobre los demás, algo que ha cambiado drásticamente en beneficio de nuevos medios como internet.
Una realidad que ha transformado, no sólo el mundo de la comunicación, sino que ha afectado a estructuras aparentemente tan sólidas como la economía, la familia, la educación y sectores aparentemente tan poco permeables como la política o la religión.
Un interesante estudio que llega en el momento justo para que entendamos qué está sucediendo en nuestro entorno y nos prepare para afrontar todo lo que queda por llegar.

Los últimos días de la telecracia. Una aproximación a lo pos(t). Ramón Massó y Enrique Nebot
Editorial Edipo. 176 páginas. Español

En 1983 se publicaba en el fanzine El Japo de Zaragoza la primera historieta de Cuttlas, un vaquero de sencilla apariencia que con el tiempo ha ido compartiendo alegrías y desdichas con otros personajes como su yegua Rosario, su amigo Jim, su novia Mabel, el mexicano Juan Bala y hasta un ser de otro planeta que responde por 37.
Muy pronto, las aventuras de este valiente vaquero dieron el salto de la prensa muy marginal a los medios simplemente marginales, como la revista Makoki y, tras un breve lapso de tiempo, llegarían las apariciones estelares en El País de las Tentaciones o en el periódico 20 minutos.
Un cuarto de siglo después de que se iniciase esta fulgurante carrera, la editorial Glénat se ha propuesto compilar todas las hazañas del héroe creado por Calpurnio.
El primer volumen de esta edición integral ha visto la luz recientemente e incluye un centenar de historietas, que abarcan desde principios de los años ochenta hasta mediados de los noventa y que permiten ver la evolución del personaje, que fue cambiando su original gamberrismo por una actitud que podríamos definir, en ocasiones, incluso de metafísica.
Sin duda, una joya del tebeo español que tenemos que agradecer, además de al gran Calpurnio, a la editorial Glénat, responsable de otros hitos semejantes, como el volumen antológico de “Makoki” de Gallardo, Mediavilla y Borrayo y la recopilación de los dos tomos de “Taxista” de Martí.

El bueno de Cuttlas. Integral 1. Calpurnio
Glénat. 160 páginas. Español

Hay libros que nunca sobran en un estudio de diseño. Más aún a la vista de cómo evolucionan las técnicas y necesidades en sectores como el del envase y embalaje.
La aparición de nuevos productos, como el iPod; la implantación de nuevas marcas, como IKEA; y la asunción de conceptos empresariales vinculados a la responsabilidad social, como el desarrollo sostenible, han supuesto un gran cambio en el mundo del packaging.
Una transformación que va más allá del aspecto estético y que alcanza a otros elementos como los materiales, su respeto con el Medio Ambiente y sus posibilidades de reciclaje.
Además de estos contenidos, el libro editado por Blume recoge las fuentes de las que han bebido los diferentes diseñadores hasta llegar a la situación actual. Ejemplos clásicos nacionales e internacionales como el envoltorio de las Tortas Inés Rosales, las botellas de J&B y Vat69, las latas de conservas Ortiz o la característica caja de Toblerone. Un interesante volumen que se completa con análisis de diferentes casos en los que se explica el proceso de creación de cada uno de ellos, incluyen testimonios de los implicados en el proyecto y están ilustrados con buenas y abundantes fotografías.

Packaging. Proyectos de diseño de envases y embalajes innovadores y sostenibles. Janice Kirkpatrick, Graven Images
Blume. 192 páginas. Español

La curiosidad y la inquietud –como demuestra la ponencia sobre el estado de la creatividad que su agencia Herederos de Rowan impartió en las jornadas Abla celebradas recientemente– son dos de las características que definen a Óscar Bilbao, autor de “Los nietos bastardos de Warhol”, novela que narra la vida de un adolescente español de esos que desean que su vida sea un eterno fin de semana en el que no falten las “pirulas”, los botellines de Lanjarón, ni la música “bakalao”.
Antonio Infante Amasa, más conocido como Tony, es el personaje a través del cual Óscar Bilbao hace un repaso de esa parte de la juventud actual que, deslumbrados por los flashes y la fama, no dudan en sacrificar su vida para satisfacer las ansias devoradoras de las revistas del corazón o las factorías televisivas y sus programas, se llamen éstos “Gran Hermano”, “Generación Ni-Ni” o “El diario de”.
Con una prosa ágil y un lenguaje que parecería inventado de no ser porque es habitual escucharlo en la calle a poco que se agudice el oído, Bilbao va desgranando situaciones que permiten al lector ser testigo de la ascensión del joven Tony hasta conseguir esa fama de segunda división que resulta tan breve, que deja al muchacho (y al lector) con ganas de más.

Los nietos bastardos de Warhol. Óscar Bilbao
Blurb.com. 98 páginas. Español

Trama editorial continúa descubriendo a los aficionados a la literatura los secretos que esconde la labor de creación de un libro.
En esta ocasión, y tras publicar sendos libros firmados por editores de la talla de Hubert Nyssen y Tom Maschler, les ha tocado el turno a Giulio Einaudi y Jérôme Lindon, cuyas experiencias son narradas por Severino Cesari y Jean Echenoz, respectivamente, aunque en situaciones muy diferentes.
El primero explica, a lo largo de diferentes conversaciones con Cesari, su trayectoria como editor, desde sus comienzos, muy ligados a la resistencia antifascista, hasta la crisis de la editorial y su consiguiente venta al grupo Mondadori.
Por su parte, Lindon es recordado por Echenoz, quien desea dejar testimonio de su estrecha relación con su editor la misma noche de conocer la noticia de su fallecimiento.
Dos formas de entender el proceso de creación de un libro que, al menos en el caso de Einaudi, es también un repaso a lo mejor de la literatura y el pensamiento italianos de la segunda mitad del siglo XX a través de personajes como Pavese, Pasolini, Calvino, Bobbio y Primo Levi, entre otros.

Conversaciones con Giulio Einaudi. Severino Cesari
Trama Editorial. 228 páginas. Castellano
Jérôme Lindon. Mi editor. Jean Echenoz
Trama editorial. 62 páginas. Castellano

Determinar cuál es la tipografía más adecuada para un proyecto no es tarea sencilla. Los tipos de letras tienen una increíble capacidad para empaparse y acumular referencias históricas, significados y otros elementos culturales que, sumados al hecho de su mayor o menor legibilidad, hacen que decantarse por unos u otros no sea una tarea inocua.
“1000 fuentes tipográfias”, escrito por Graham Davis, Robin Dodd y Keith Martin bajo la supervisión del diseñador y profesor de las Universidades de Brighton y Kingston Bob Gordon, es el libro ideal para facilitar ese tipo de tarea.
En él, y organizadas según sus características principales (fuentes con remates, de palo seco, para rotulación, para carteles y publicidad, para web y pantalla etc.), se detallan un millar de tipografías con un código basado en números y colores que permiten determinar de forma rápida y sencilla si la fuente tiene una familia reducida, de gama media, extensa o enorme; si son de un diseñador destacado; si dispone de numerales no alineados etc.
El libro se completa con un breve introducción en la que se explican los conceptos básicos de la tipografía, un glosario con los términos más importantes de la disciplina, unas concisas biografías de los diseñadores más importantes en este campo como Baskerville, Bodoni, Garamond, Gill, Frutiger, Spiekermann o Zapf, una bibliografía recomendada y un listado de sitios webs relacionados con la tipografía, entre los que se encuentran fundiciones clásicas y sitios que permiten la descarga de fuentes de forma gratuita.

1000 fuentes tipográficas. Bob Gordon (ed.)
Gustavo Gili. 512 páginas. Castellano

Actualmente, la responsabilidad medioambiental del diseñador es un requisito indispensable a la hora de poder desarrollar con éxito su trabajo. A día de hoy, un buen diseño no lo será tanto si para su producción es necesario un gasto excesivo de agua, si las materias primas proceden de proveedores no certificados por ciertos organismos o si es imposible su reciclado una vez finalizada su vida útil.
De esta forma, tanto los diseñadores como las empresas productoras, temerosas de que el cliente final rechace sus creaciones, han comenzado a mostrar claramente una conciencia ecológica. Muestra de ello son los mil ejemplos que Rebecca Proctor recoge en “Diseño ecológico”. Un libro en el que es posible encontrar todo tipo de productos para hacer más fácil y agradable la vida cotidiana, desde vajillas a tejidos sin olvidar todo tipo de mobiliario e incluso juguetes, cuya característica principal es que son respetuosos con el Medio Ambiente en mayor o menor medida.
Para determinar este nivel de respeto, cada uno de los ejemplos recogidos se acompaña de una serie de iconos que determinan si el producto en cuestión es biodegradable, fabricado sin sustancias tóxicas, reciclable, reciclado, de comercio justo o de origen local.
Para ser coherente con lo que enuncia, era necesario que este libro contara también con sus certificaciones medioambientales, algo que se ha conseguido gracias a su impresión en papeles con certificación FSC, hecho que queda un tanto empañado debido a que dicha impresión se ha realizado en China, país conocido por sus altas emisiones de CO2.

Diseño ecológico 1000 ejemplos. Rebecca Proctor
Gustavo Gili. 352 páginas. Castellano

Lo “retro” es un recurso muy eficaz en el mundo del diseño. El hecho de jugar con estéticas por todos conocidas, muchas de las cuales se enraízan en lo más hondo de nuestros recuerdos, lo hacen agradable y más sencillo de entender que otras propuestas visuales que, por innovadoras, resultan más difíciles de digerir.
Consciente del auge que en los últimos años ha experimentado el diseño inspirado en las décadas de los 50 y 60, la editorial Promopress ha puesto a la venta “Estilo retro/Style retro”, un volumen en el que se incluyen muestras de fondos, tipografías, gamas cromáticas, gráficos vectoriales, tramas, texturas, pinceles para Illustrator y Photoshop y una galería en la que se recogen carteles, logotipos y otros ejemplos de trabajos inspirados en tiempos pasados.
Otro de los alicientes de “Estilo retro/Style retro” es el hecho de contar con un CD en el que se incluyen todos los materiales del libro, a excepción de las tipografías, de las que se detallan nombres, autores, empresas que las comercializan e información sobre si son de acceso gratuito o deben ser adquiridas para su uso.
Aunque la selección de materiales resulta un tanto heterogéneo y en ocasiones el concepto de “retro” es un poco laxo, tal vez porque responde a los gustos y decisiones de una única persona, concretamente a Grant Friedman, “Estilo retro” es un útil material que sacará de apuros a más de uno y convencerá a los clientes, especialmente a aquellos menos abiertos a la experimentación.

Estilo retro / Style retro. Grant Friedman
Promopress. 160 páginas. Castellano / Francés

En la segunda mitad de los años 70, la revista Sunday Manga japonesa dio carta blanca a Shigeru Mizuki para de realizar su siguiente obra. Haciendo uso de esa libertad, el autor japonés presentó “Hitler”, una biografía del dictador nazi muy bien documentada y fiel a los hechos históricos que narra.
Aunque, según el testimonio de Mizuki, el decantarse por ese tema no era algo premeditado, lo cierto es que la vida del autor había estado marcada por la política y decisiones del líder alemán. Reclutado a los 20 años, Mizuki tuvo que combatir con las fuerzas del Eje contra los Aliados. En el frente enfermó de malaria y, mientras se recuperaba en un hospital de campaña, perdió el brazo izquierdo a consecuencia de una explosión, algo que marcaría su carrera posterior puesto que, al ser zurdo, tuvo que aprender a valerse y dibujar con el brazo derecho.
A pesar de estos hechos, “Hitler” es una obra serena, que narra los acontecimientos históricos con objetividad y sin exaltaciones de ningún tipo, lo que no quita que quede patente la opinión que Mizuki -quien reconoce que cuando era un joven ignorante de 18 años se vio embriagado por la figura de Hitler- tiene de un personaje cuyos actos lo definen como uno de los mayores genocidas de la historia.
Un interesante tebeo que, además de sus logros artísticos -entre los que destacan los diferentes registros estéticos que desarrolla Mizuki y que mezclan la caricatura con la recreación académica de los escenarios, las ciudades y acontecimientos como el putsch de Munich, la noche de los cuchillos largos, la anexión de Austria, la capitulación de París o la caída del Berlín- funciona como un magnífico material pedagógico que acerca la Historia a los lectores con rigor y de forma amena.

Hitler. La novela gráfica. Shigeru Mizuki
Glénat. 288 páginas. Castellano

Una nueva aventura de Sócrates, el perro filósofo y parlanchín que, en esta ocasión y tras verse liberado temporalmente de la autoridad de su torpe y beligerante amo Heracles, se ve inmerso en el mito de Edipo convirtiéndose, ni más ni menos, que en el preceptor del repudiado hijo de Layo y Yocasta, a quien deberá mantener con vida a pesar del negro destino que se cierne sobre él.
Una divertida forma de familiarizarse con los clásicos griegos gracias a un guión ágil, un dibujo de trazo suelto y un entintado con masas de color sin apenas degradados.
Un libro sencillo de leer, hilarante en ocasiones, cuyo abrupto final augura una continuación (la cuarta ya de las aventuras del perro Sócrates) y que, a pesar de su inocente apariencia exterior, no es un tebeo infantil pero sí es una buena lectura para un público adolescente que desee familiarizarse con cómics más complejos. Una advertencia gratuita si fuera hecha en una sociedad madura en la que estuviera asumida la importancia del cómic como medio de expresión artística y no como mera diversión de infantes, pero que resulta pertinente en la sociedad española, entre otras cosas, para evitar posibles reclamaciones de padres tan airados y ofendidos como desinformados.

Sócrates 3. Edipo en Corinto. Joann Sfar y Christophe Blain
Sins entido. 48 páginas. Castellano

Diego Moldes realiza un breve pero detallado y ameno estudio de la novela del conde polaco Jan Potocki, “Manuscrito encontrado en Zaragoza”, y su posterior adaptación al cine por parte del realizador Wojciech Jerzy Has en 1964.
Una película que ha encandilado a figuras del cinematógrafo como Luis Buñuel, Martin Scorsesse, Francis Ford Coppola o el líder del conjunto musical Grateful Dead, Jerry García, a quien le fue dedicada la edición remasterizada que Coppola y Scorsesse realizaron en 2001 de la cinta de Has y cuyo cartel, inspirado en los del mítico Fillmore de San Francisco, sirve, con las necesarias adaptaciones, de portada a este libro.
Un texto que va más allá del análisis de esta película en concreto y cuya intención última es reivindicar la figura de Has, uno de los realizadores polacos más importantes de la segunda mitad del siglo XX, cuya obra es prácticamente desconocida en nuestro país, no sólo por el público en general, sino también por buena parte de la crítica y estudiosos de la disciplina cinematográfica.

El manuscrito encontrado en Zaragoza. Diego Moldes
Calamar ediciones. 128 páginas. Castellano

Sin duda, lo mejor de “Tengo algo en el ojo” son sus casi quinientas imágenes que ejemplifican gráficamente los temas tratados en sus páginas.
Anuncios, fotogramas, cubiertas de libro, carteles, o cuadros sinópticos que complementan unos interesantes textos en los que Bo Bergström ha sido capaz de resumir décadas de estudio relativo a la comunicación comercial y a sus trucos para llamar la atención de los consumidores.
Un libro que pone al alcance de estudiantes, periodistas y profesionales del diseño, de una forma sencilla y amena, los planteamientos de autores que han tratado esta disciplina, como es el caso de John Berger, Josef Albers, Roland Barthes y Susan Sontag, todos ellos recomendados en la bibliografía adjunta al final del libro.
Un volumen que, a diferencia de lo que sucede con otros títulos relacionados con el mundo del diseño, no es un libro de consulta sino un manual didáctico que se lee fácilmente, gracias a que aquello que cuenta no es algo abstracto o indeterminado, sino una realidad estrechamente vinculada al lector y a la sociedad en la que vive.

Tengo algo en el ojo. Técnicas esenciales de comunicación visual
Bo Bergström. 240 páginas. Promopress. Español

La aparición de las herramientas digitales provocó que muchos diseñadores gráficos, cegados por las nuevas tendencias estéticas y las facilidades derivadas del empleo de dichas herramientas, se volcasen en ellas hasta el punto de dejar a un lado las técnicas y acabados tradicionales. Una actitud que produjo infinidad de trabajos de aspecto artificial en los que la personalidad del diseñador quedaba eclipsada, en muchos casos, por la máquina.
Recientemente, nuevas hornadas de diseñadores han descubierto la calidez y la complejidad de los trabajos realizados a mano y han comenzado, cautivados por la humanidad y personalidad de las imperfecciones, a producir trabajos en los que el diseño se mezcla con la artesanía.
En By hand, PIE Books recoge una buena muestra de ese tipo de trabajo. Proyectos en los que las herramientas digitales, aunque presentes, ceden el protagonismo a las técnicas tradicionales de rotulación, ilustración y maquetación. Carteles, folletos, etiquetas, portadas de discos, entre otros muchos ejemplos, realizados con rotuladores, lápices, rotrings, cutter, ramas, hojas, objetos reciclados y una pizca de ordenador que demuestran que, como en la cocina, él éxito de un proyecto está en saber mezclar los ingredientes con inteligencia y sin que el predominio de uno u otro mate el sabor de los demás.

By hand. Handmade elements in graphic design. VV. AA.
PIE Books. 476 páginas. Inglés / Japonés

En un mundo en el que la letra impresa ha dejado paso a la imagen fija o en movimiento como medio de comunicación predominante, no es extraño que los catálogos de arte hayan perdido el aspecto de libro para adquirir otras formas híbridas en las que el papel convive con los soportes de imagen como el vídeo o el DVD.
Ese es el caso de la exposición “Del éxtasis al arrebato. 50 años del otro cine español”, comisariada por Andrés Hispano y Antoni Pinent y organizada por en el Centre de Cultura de Contemporània (CCCB) y Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), cuyo catálogo tenía que ser, necesariamente, algo más que una colección de textos y fotografías sobre el tema.
De esta forma, junto con el correspondiente libro en el que, además de los inevitables textos institucionales de este tipo de eventos se recogen una serie de cuestionarios a los autores de las piezas expuestas, “Del éxtasis al arrebato” cuenta con un doble DVD que contiene la totalidad de las obras expuestas.
Casi una treintena de cortometrajes y piezas experimentales firmadas por, ente otros, realizadores de la talla de Carles Santos, Javier Aguirre, Iván Zulueta, Manuel Huerga, Antoni Miralda, José Antonio Sistiaga, Equipo 57 o José Val del Omar, que por primera vez se ponen a disposición de los aficionados.
Un magnífico catálogo cuyo éxito ha sido dejar a un lado los prejuicios y los tópicos de este tipo de productos y saber adaptarse al contenido de la exposición a la que pertenece y a las necesidades de sus potenciales destinatarios.

Del éxtasis al arrebato. Un recorrido por el cine experimental español. VV. AA.
Cameo, CCCB, Seacex. Español / Inglés

Como decíamos en la reseña relativa a “Tarjetas comerciales 3”, el mundo de las tarjetas de visita resulta inabarcable a consecuencia de su amplísima variedad.
El mejor ejemplo de ello es “Smart designs. Business cards”, de la editorial japonesa PIE Books, en el que se recopilan varios cientos de este tipo de trabajos que, aunque parezca sorprendente y salvo en un par o tres de casos, son totalmente diferentes a las que se incluyen en el título de Gustavo Gili.
En el caso de PIE Books, además de una mayor presencia de tarjetas procedentes de Japón y otros países del entorno asiático, la selección tiende a resaltar aquellas tarjetas más creativas, con formatos menos habituales, acabados especiales, soportes diferentes al papel y conceptos que resaltan la actividad comercial de la empresa a la que anuncian.
Un libro que, al igual que sucedía en el caso anterior, permite estar al día de lo que se está haciendo actualmente, no sólo en el mundo de las tarjetas comerciales, sino también en el del diseño en general, y cuya utilidad dentro de un estudio de diseño está más que probada.

Smart designs. Business cards. VV. AA.
PIE Books. 232 páginas. Inglés / Japonés

Coincidiendo con el ochenta aniversario del estreno de Un perro andaluz, llega a las librerías “Los años rojos de Luis Buñuel” en el que Roman Gubern y Paul Hammond, expertos en cine y surrealismo, desgranan la militancia comunista del director durante la década de los años 30.
A pesar de que Buñuel nunca escondió sus convicciones de izquierdas y su ateismo, lo cierto es que eludió reconocer su militancia en el Partido Comunista para evitarse problemas como residente en Estados Unidos y no comprometer a su familia que, una vez acabada la Guerra Civil, permanecía en la España del régimen de Franco.
“Los años rojos” saca a la luz esta faceta no tan conocida de la vida de Buñuel y ahonda, a través de documentos, cartas, contratos, anuncios de prensa y fotogramas, en la etapa que va desde el estreno de La edad de oro hasta el estallido de la Guerra y su marcha definitiva de España, pasando por su estancia en Hollywood, su pertenencia al Grupo Surrealista en París, la instauración de la República o el estallido de la Guerra Civil.
Un libro que interesará a aquellos que ya estén familiarizados con la vida y la obra de Buñuel pero que tal vez resulte un tanto árido para los que se enfrenten a ella por primera vez, a consecuencia de su especialización y a sus continuas referencias a la filmografía del realizador aragonés.

Los años rojos de Luis Buñuel. Roman Gubern y Paul Hammond
Cátedra. 424 páginas. Español

Un cuadro puede ser leído de múltiples formas. Además de sus atributos artísticos, han de tenerse en cuenta en esa interpretación aspectos relativos a quiénes lo encargaron, a quiénes iba dirigido o a su contexto histórico y sociológico.
El historiador rumano Victor I. Stoichita explica en este ensayo todas esas particularidades de forma amena, logrando que el academicismo no sea necesariamente sinónimo de tedio.
Para ello, echa mano no sólo de diferentes ejemplos pictóricos –como los autorretratos de Rembrandt, el retrato del esclavo Juan de Pareja y La Rendición de Breda de Velázquez o diferentes obras de Caravaggio que se muestran, en la mayoría de los casos, en imágenes a color– sino también literarios, citando a, entre otros, Cervantes, Gracián, Erasmo y Góngora.
Un interesante ensayo, muy bien presentado en lo que se refiere a su aspecto externo –como la elección de la tipografía y su cuerpo, la mancha de texto, la distribución de los blancos y los pies de foto–, en el que se percibe claramente la influencia de las teorías hermenéuticas de Gadamer las cuales entienden el análisis de los textos y del arte de manera amplia, compleja e interrelacionada con otros muchos acontecimientos y disciplinas.

Cómo saborear un cuadro. Victor I. Stoichita
Cátedra. 102 páginas. Español

El mundo de las tarjetas de visita es insondable. Aunque dé la sensación de que está todo inventado, lo cierto es que este pequeño pedazo de papel u otros materiales no deja de sorprender gracias a su versatilidad y capacidad para acoger y transmitir en unos pocos centímetros cuadrados la personalidad de una empresa.
Por ello, no es extraño que toda editorial relacionada con el mundo del diseño que se precie cuente en su catálogo con uno o varios libros sobre el tema. Gustavo Gili no iba a ser una excepción, y muestra de ello es la reciente publicación de un volumen sobre tarjetas de visita que viene a sumarse a otros dos anteriormente editados.
“Tarjetas comerciales 3. Saludos con identidad” reúne cientos de ejemplos procedentes de diferentes lugares del mundo, realizados con las más diversas técnicas –desde la impresión offset a la serigrafía, pasando por los troquelados, los golpes en seco o los barnices– y con las formas más sorprendentes pues, a la vista de los ejemplos recogidos, las tarjetas de visita no tienen por qué ser necesariamente rectangulares.
Un libro que, a pesar de no ser totalmente novedoso por explorar un tema ya conocido, contiene unos interesantes ejemplos que resultarán muy útiles a cualquier estudio que necesite diseñar tarjetas para sus clientes o renovar las propias.

Tarjetas comerciales 3. Saludos con identidad
Gustavo Gili. 272 páginas. Español

En los últimos tiempos la editorial Penguin ha disfrutado de una importante presencia en los medios. La razón ha sido, además de sus renovadas colecciones dirigidas por Dave Pearson, la publicación de diversos libros que rescataban de los archivos algunas de sus mejores cubiertas.
Cuando parecía que ese interés se había apagado, Penguin vuelve a nuestras páginas gracias a un nuevo título cuya característica principal es el hecho de estar firmado por la Penguin Collectors Society, asociación cuyos aficionados, absolutos expertos en la historia y anécdotas de la editorial, disfrutan atesorando sus libros y descubriendo ejemplares difíciles y raros.
A diferencia de lo que sucedía con los anteriores libros sobre el tema, Penguin by illustrators no se limita a ser una sucesión de imágenes ordenadas con mayor o menor acierto, sino un estudio profusamente ilustrado sobre las diferentes colecciones y algunos de los más destacados profesionales que pusieron su talento para el dibujo al servicio de la casa. Personajes como Quentin Blake, Milton Glaser, Aaron Robinson o Michael Foreman son recordados en estas páginas gracias a través de sus trabajos y un perfil biográfico.
Un magnífico trabajo que merece, por méritos más que sobrados, compartir estantería con Penguin By Design: A Cover Story 1935-2005 y Seven Hundred Penguins.

Penguin by illustrators
Penguin Collectors Society
Penguin. 198 páginas. Inglés

Cuando pensamos en un libro que pueda interesar a los diseñadores gráficos, acostumbramos a imaginarlo repleto de imágenes impactantes, de trabajos de diseñadores consagrados, fotografías, reproducciones de carteles, de cubiertas de discos... Sin embargo, en muchas ocasiones los diseñadores necesitan libros más prosaicos que aborden de manera sencilla los diferentes aspectos de la profesión, desde cómo elegir un centro para ampliar conocimiento, cómo presentar un curriculum, cómo poner en marcha un estudio, cómo tratar con los clientes o cómo afrontar un proyecto creativo.
El todo-en-uno del diseñador gráfico es ese tipo de libro. Un volumen en el que las imágenes no son lo más importante y cuyos textos incluyen reflexiones y testimonios de diseñadores que servirán de consejo y apoyo para aquellos que, en los inicios de su carrera, se encuentren desorientados o tentados en tirar la toalla porque las cosas no resultan tan sencillas como se imaginaban antes de sumergirse como profesional en el verdadero mundo del diseño.

El todo-en-uno del diseñador gráfico
Secretos y directrices para una buena práctica profesional
Ana Labudovíc, Nenad Vukusic
Promopress. 192 páginas. Español

El Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Sins Entido, organizado por los grandes almacenes y la editorial del mismo nombre, ha celebrado recientemente su segunda edición.
Un jurado compuesto por, entre otros, el ganador de la primera convocatoria, Jorge González, el propietario de Sins Entido, Jesús Moreno, y el responsable de Acción Cultural de Fnac España, Víctor Moreno, falló a favor de “La estación de las flechas”.
Firmada por los franceses Guillaume Trouillard y Samuel Stento, la obra parte de un hecho tan absurdo como la adquisición por parte de una pareja de ancianos de una familia de indios enlatados, un producto de Mulliganstradition que desde su invención reportó pingües beneficios al emprendedor Irvin McMulligan.
Tras acampar en la sala de estar, la familia india, compuestapor un padre, una madre y un hijo adolescente, la tranquila vida de los ancianos comenzará a transformarse a consecuencia de las diferentes costumbres de los indios y la aparición de extraños personajes como un fotógrafo muerto años atrás, esquimales o buscadores de oro.
Un cómic inusual en el que, en contra de lo que suele ser habitual, la narración destaca por encima del dibujo hasta el punto de ser ésta la que determina los diferentes códigos visuales o estilos de dibujo –como diarios personales manuscritos, folletos de instrucciones o álbumes fotográficos–, que deben ser utilizados en cada momento.
Un merecido premio al que sólo le afea el hecho de la poco acertada maquetación de los textos en tipografía mecánica y cuya estética resulta afín a Fueye –ganador de la primera edición– y, por tanto, muy en la línea editorial por la que apuesta Sins Entido desde hace décadas. Un hecho que nos hace preguntarnos si en este certamen tienen alguna posibilidad de éxito tebeos que exploren otro tipo de lenguajes, temas y estéticas menos preciosistas, menos amables y más transgresoras.

La estación de las flechas.
Sins Entido. 104 páginas. Español.

La editorial valenciana Campgràfic continúa con su valiosa labor en el campo de la tipografía con la publicación de textos relacionados con dicha disciplina y que, de no ser por ellos, aún continuarían inéditos en castellano.
En esta ocasión presentan “Romper las reglas” un volumen editado con motivo de la exposición del mismo nombre celebrada en el Museu Valencià de la Il·lustració i de las Modernitat (Muvium) que recoge textos relacionados con el diseño, la tipografía y el cartelismo suizo firmados por diferentes autores, algunos de ellos estrechamente relacionados con el tema, como Bettina Richter, Armin Hofmann y Wolfgang Weingart.
El libro cuenta además con numerosas ilustraciones y trabajos de la época, que ponen de manifiesto la calidad y capacidad de ruptura que durante los años ochenta desplegó el diseño gráfico suizo, habitualmente asociado al racionalismo, la mesura, el equilibrio y otros conceptos heredados de movimientos vecinos geográficamente como la Bauhaus, pero que en esa época coqueteaba con fenómenos como el punk y los movimientos estéticos más underground.
Un libro que demuestra que el buen hacer de Campgràfic como editorial no sólo está en el mero hecho de publicar libros y hacerlo muy correctamente sino en su inteligencia a la hora de elegir qué títulos incluye en su catálogo.

Romper las reglas. Tipografía suiza de los turbulentos años ochenta. VV. AA.
Campgràfic. 238 páginas. Español.

Si en un hipotético futuro consiguiéramos que en los lineales del supermercado aparecieran los trabajos que se recogen en este “@Supermarket: Package designs”, el acto de ir a la compra sería una actividad cultural semejante a la de visitar un museo o asistir a un concierto.
De nuevo, la editorial nipona PIE Books nos sorprende con un libro en el que se recopila una muestra de diseño realizado para productos del sector de la alimentación.
Más de un centenar de magníficos ejemplos procedentes de todo el mundo, aunque con predominio de los realizados en Japón por razones obvias, presentados de una forma atractiva gracias a las ilustraciones realizadas con la técnica del collage Natsko Seki y Taiko & Associates y que sirven de separación a las diferentes secciones del libro.
Además de las virtudes gráficas de los trabajos seleccionados, cabe destacar la innovación en los envases que se ha producido en los últimos tiempos y el hecho de la paulatina incorporación al sector de la alimentación de recipientes y contenedores que, por su forma y aspecto, parecían más propios de sectores como el de la limpieza doméstica o el automovilismo. Una arriesgada innovación que funciona y enriquece un mundo como el del packaging, en el que parece que está todo inventado pero que no deja de sorprendernos.

@Supermarket: Package designs. Foods, drinks and various consumer products.
PIE Books. 160 páginas. Inglés / Japonés

Para varias generaciones, Alianza Editorial es sinónimo de libros asequibles, cuidados y de calidad. Colecciones como Libro de Bolsillo, Alianza Tres o Alianza Forma forman parte del paisaje doméstico de muchas familias españolas gracias a una política que no fija sus miras en las fluctuaciones del mercado ni apuesta por un libro efímero.
Este es el caso de “Desvestidas. El cuerpo y la forma real” un interesante tratado del Catedrático de Historia del Arte Carlos Reyero que arroja una nueva mirada a obras de arte cuya característica principal es el desnudo. Una nueva forma de abordar estas obras pensada para perdurar en el futuro gracias a un planteamiento que rompe con la idea acuñada en el XIX, que afirmaba que las mujeres representadas en los cuadros o esculturas no estaban desnudas sino “desvestidas”. Para Reyero, la representación femenina en el arte responde, además de a cuestiones estéticas, a una evidente atracción física hacia la mujer representada por parte del autor.
Una interesante teoría ilustrada con más de un centenar de imágenes que, a diferencia de lo que sucedía con los títulos clásicos de Alianza Forma en los que abundaba la fotografía en blanco y negro, están impresas a todo color.
“Desvestidas. El cuerpo y la forma real” tiene visos de convertirse en un título clásico de esta colección. Un libro que compartirá estantería con “La escultura. Procesos y principios” de Rudolf Wittkower, “La interacción del color” de Josef Albers, “Historia de la Arquitectura” de Kostof o “El diseño gráfico en España” y “El diseño gráfico: desde los orígenes a nuestros días” de Satué.

Desvestidas.El cuerpo y la forma real. Carlos Reyero.
Alianza Editorial. 400 páginas. Español.

Javier Cosnava firma el guión de este álbum que narra la vida de los habitantes de Ciudad Jardín, una urbanización residencial apenas a un kilómetro de distancia de un campo de concentración, en la que viven las familias de los oficiales encargados de la gestión del mismo.
Una historia basada en hecho reales, cuya crudeza ha tenido que ser rebajada con objeto de que resulte verosímil al lector, hecho que nos da una idea de las atrocidades cometidas contra los prisioneros durante su internamiento.
Además del interés histórico, “Un buen hombre” cuenta con el atractivo de estar ilustrado por diez dibujantes, que dan forma a la historia principal a través de los puntos de vista de los diferentes personajes. Una decisión que, a pesar de los distintos estilos de cada uno de estos profesionales o su experiencia (a algunos se les nota más veteranía que a otros), no afecta a la unidad del proyecto que se lee como una obra homogénea, gracias a, entre otras cosas, al establecimiento de unas pautas para uso común, algunas de las cuales se pueden ver al final del libro en forma de bocetos de los personajes. De esta forma, los ilustradores pudieron recrear a cada uno de los actores de este drama sin renunciar a su estilo personal y evitando que el lector se despistase al ver que sus rasgos cambiaban de un autor a otro.
Por último, el libro se completa con un prólogo de Rosa Torán, Historiadora y Presidenta de “Amical de Mautaushen y otros campos” y un breve anexo en el que el autor detalla, a través de fotografías y textos, cuáles son los escenarios y los personajes reales en los que inspiraron “Un buen hombre”.

Un buen hombre. VV. AA. Glénat.
78 páginas

A petición del público, Sins entido reedita en tapa dura “La vida es buena si no te rindes”, uno de los mejores títulos de su catálogo y del dibujante canadiense Seth, que declara en él su amor por los tebeos, los grandes maestros del género y sus personajes, como Schulz y la pandilla de Snoopy, Reg Smythe y su Andy Capp, Hergè y Tintín, Dr. Seuss y antiguos dibujantes de la mítica New Yorker, donde también publica el propio Seth.
Un lanzamiento que, de paso, se adelanta al “George Sprott: (1894-1975)”, el trabajo más reciente del canadiense y que será publicado en España por Mondadori.
Dividido en seis partes y realizado en un asombroso bitono, “La vida es buena si no te rindes” es un tratado de cómo debe de ser un buen álbum de cómics, empezando por el título y acabando en los materiales que se adjuntan al final del mismo y que completan la narración, aunque no lo suficiente como para que el lector consiga discernir si la historia de la que acaba de ser testigo es real o una completa invención.
“La vida es buena si no te rindes” narra las peripecias de un dibujante, trasunto del propio Seth, que intenta reconstruir la vida de Kalo, un desconocido ilustrador de los años 30 y 40, a través de las pocas viñetas que ha publicado a lo largo de su carrera. Una aventura que nos lleva por tiendas de libros de segunda mano, pueblos perdidos de Norteamérica, visitas a antiguos conocidos y familiares de Kalo, mientras el autor reflexiona sobre la infancia, los recuerdos, los tebeos y la vida moderna.
La vida es buena si no te rindes. Seth. Sins entido.
200 páginas. Español.

Tomando como referencia “Me acuerdo”, Libro de Gorge Perec inspirado a su vez en “I Remember” de Joe Brainard, Zeina Abirached recopila en este libro algunas de sus vivencias durante su infancia en el Beirut asolado por la guerra.
Un libro que, a pesar de su vínculo con Perec, funciona más como una segunda parte de su “Juego de las golondrinas” que como un verdadero homenaje al escritor francés.
En este aspecto, el libro adolece de las mismas pegas que su antecedente, su excesivo parecido estético y narrativo con Marjane Satrapi, algo que si sigue repitiéndose en el futuro puede lastrar, hasta el punto de frustrarla, la incipiente carrera de Abirached.
Si se deja a un lado este hecho (y esa tipografía ornamentada y un tanto infantilista empleada por la autora) lo cierto es que el libro tiene a su favor ciertas virtudes, como que es breve, de sencilla lectura, con algunos recursos narrativos brillantes y ameno.

Me acuerdo. Beirut. Zeina Abirached. Sins entido.
96 páginas. Español.

En los últimos tiempos estamos asistiendo, por evidentes motivos de mercadotecnia, a un abuso del término “novela gráfica” para definir lo que toda la vida han sido tebeos y posteriormente cómics. Sin embargo, “Tamara Drewe” no sólo encaja a la perfección en la definición que del término novela gráfica acuñó su creador, Will Eisner, sino que incluso podríamos decir que la excede.
En ocasiones, la nueva obra de Posy Simmonds funciona como un tebeo con mucha letra y, en otras, como un libro ilustrado. En ambos casos, el resultado es realmente sorprendente gracias a la maestría de Simmonds para el dibujo y su talento narrativo para urdir una trama compleja y divertida, con diferentes niveles de lectura, y que pone de manifiesto muchas de las posibilidades que posee el cómic como expresión artística.
Se echa a faltar, sin embargo, un mejor uso de las tipografías por parte del autor a la hora de separar esos diferentes niveles de lectura. Un descuido que afea el conjunto y que, por una vez, no es exclusivo de la edición española, pues ya estaba presente en la edición original inglesa.
Un problema que radica en el abuso por parte de los dibujantes de tipografías digitales por resultar más cómodas que las rotuladas a mano, olvidando que, en ocasiones, y especialmente cuando nos encontramos ante un dibujo en el que tienen mucho protagonismo el trazo y las texturas, las tipografías realizadas con ordenador resultan demasiado frías, impersonales, distantes, hasta el punto de no conseguir integrarse en el conjunto de la página.
Salvo esta objeción, que pasa a un segundo plano en el momento en el que el lector se zambulle en las relaciones de los diferentes habitantes de Stonefield, “Tamara Drewe” es uno de los trabajos más interesantes de los editados últimamente en el mundo del tebeo.

Tamara Drewe. Posy Simmonds. Sins entido.
272 páginas. Español.

A pesar de que forma parte de una colección de cuadernos editados por la Universidad Politécnica de Valencia, “Retórica tipográfica” no tiene nada que ver con ese tipo de publicaciones universitarias que responden más a las necesidades de los profesores de los diferentes departamentos para afianzar su carrera profesional, que a las necesidades científicas de la disciplina o a las demandas de conocimiento de los alumnos.
La primera de sus diferencias es su cuidada presentación, en la que destaca una correcta maquetación y un muy buen uso de la tipografía, como no podía ser de otra manera. La segunda es un contenido que aborda uno de los temas clásicos del diseño gráfico no desde el punto de vista de la estética sino del de la percepción y la semiótica.
Un libro de sencilla lectura que, si bien no descubre nada nuevo, aclara de forma amena muchos de los conceptos relacionados con el uso y aplicación de la tipografía.
Un título cuya única pega radica en el hecho de que, a consecuencia de su breve extensión, reproduce gráficamente muy pocos de los ejemplos a los que se hace mención en el texto.
Tal vez en un futuro, “Retórica tipográfica” disfrute de una edición en la que este pequeño detalle pueda ser subsanado para beneficio del libro y, por supuesto, de sus lectores.

Retórica tipográfica. Alberto Carrere.
Cuadernos de imagen y reflexión nº8.
Universidad Politécnica de Valencia.
134 páginas. Español.

Europa ha sido la cuna del diseño contemporáneo. Desde el movimiento Art&Crafts a la renovación de escuelas como Bauhaus, sin olvidar el modernismo o el Art Noveau, Europa ha tenido mucho que ver a la hora de guiar el desarrollo de esta disciplina durante el siglo XX.
Patiendo de esa premisa, los editores de “100% Graphic Design Portfolio” han querido analizar, o mejor dicho poner de manifiesto, el buen el estado del diseño europeo actual, acudiendo para ello a los diseñadores más jóvenes y sus propuestas.
El problema es que joven y europeo no es necesariamente garantía de buen diseño, como tampoco lo es un abundante número de páginas o una cuidada presentación a la hora de determinar la calidad de un libro.
Por eso, a pesar de las buenas intenciones y la magnífica presentación de “100% European Graphic Design Portfolio”, la sensación que deja tras su lectura es un tanto insatisfactoria.
Es indudable la gran calidad de muchos de los estudios representados, sin embargo, su elevado número, sumado a la poco acertada elección de los trabajos publicados, no juega a favor del resultado final. Tanto es así, que el lector llega a pensar que está ante uno de esos anuarios en los que es posible aparecer previo pago de una cuota a la editorial responsable de la publicación aunque, por lo que hemos podido averiguar, no sea así.

100% European Graphic Design Portfolio. Pageone.
408 páginas. Inglés.

Pablo Correa ha diseñado y seleccionado los trabajos incluidos en “Just for you”. Una colección de piezas procedentes de distintos lugares del mundo cuyo denominador común es que todas ellas están vinculadas afectivamente con el diseñador que las firma.
Tarjetas, carteles, ilustraciones, recordatorios de nacimientos, invitaciones de boda, envoltorios para CDs, cuadernos de viaje, felicitaciones navideñas, chapas, muñecos de trapo... y otras muchas formas de transmitir afectos a través de piezas visuales son algunos de los ejemplos que se incluyen este libro, cuyo diseño encaja perfectamente con su contenido. Un logro fruto de la inteligencia al mezclar la estética racionalista con el caos o el orden y el desorden, conceptos estrechamente relacionados con los sentimientos y los afectos.
Un libro que muestra otra forma de hacer diseño, mucho más libre, sin algunas de las ataduras derivadas de los encargos y que prueba que los diseñadores también tienen su corazoncito.

Just for you. Designs from the heart. Pablo Correa.
Índex Books. 300 páginas. Español / Inglés

Enciclopédico libro en el que se recogen trabajos recientes en el campo de la señalética, diseño de interiores para tiendas y comercios, diseño expositivo y stands para ferias y congresos.
A pesar de que en muchos casos este tipo de trabajos tienen un carácter efímero, es sorprendente cómo en esta disciplina, el diseño despliega una capacidad de experimentación sorprendente y unos presupuestos que, al menos aparentemente, no reparan en gastos. Esa puede ser la explicación de que muchos de los ejemplos que aparecen en este libro sorprendan por la combinación de las técnicas clásicas del diseño con las nuevas tecnologías de sectores como el vídeo, la iluminación o la arquitectura.
Un libro perfecto para los diseñadores relacionados con este tipo de proyectos, que también resultará interesante para los especializados en diseño gráfico que tengan curiosidad por ver cómo se aplican los elementos gráficos de las diferentes empresas en grandes dimensiones y superficies que no tiene nada que ver con el papel u otros soportes semejantes.

Display, comercial space & sign design. Vol. 36. Rikuyosha
362 páginas. Inglés / Japonés

Es difícil definir el contenido de este libro. ¿Es un libro sobre diseño real? Ese que puede presentarse a cualquier cliente y producir a gran escala con técnicas al alcance de cualquiera ¿O es sobre diseño ideal? Ese que se fabrica al detalle en pocas unidades y de forma casi manual.
Para sus responsables, “The 4th element” es una recopilación de llamativos e interesantes trabajos promocionales de todo tipo procedentes de cualquier lugar del mundo; para el lector será una fuente de ingeniosas propuestas de comunicación comercial con sorprendentes producciones. Sin embargo, ambos estarán de acuerdo en que muchas de los trabajos de este volumen parecen complicados de llevar a cabo en procesos a gran escala. Nos referimos a esos cuadernos cosidos a mano, las encuadernaciones artesanales en fieltro, plástico y otros materiales, las cubiertas bordadas, las impresiones en serigrafía, los troqueles de hojas interiores y los estuches para libros o envases para bebidas. Trabajos que conviven en sus páginas con productos menos elaborados desde el punto de vista de la forma, pero imaginativos e innovadores en su diseño y concepto.
Por último, y para que su propuesta no pueda ser tachada de incoherente, los editores de “The 4th element” han decidido presentar su libro de una forma poco usual pero susceptible de ser llevada a cabo en una producción seriada, para lo cual han optado por una encuadernación en tela morada, con estampaciones en dorado en el lomo y unas imágenes lenticulares en la portada y contraportada.

The 4th element. Design from here, now and beyond. Artpower.
256 páginas. Inglés.