Se rumorea... dicen por ahí... que, en el futuro, Internet y la informática provocarán que ya no se use el papel como soporte para imprimir y transmitir mensajes. Según aquellos que esto defienden, cuando suceda, los bosques lucirán frondosos y los ojos no se nos saldrán de las órbitas al leer directamente de la pantalla porque los sistemas tecnológicos habrán avanzado que es una barbaridad. Sin embargo, a la vista de los magníficos ejemplos de trabajos que aparecen en Choosing ad using paper no nos queda más remedio que compadecer a los agoreros y a los bosques pues, por mucho que avance la informática, habrá cosas en las que ésta nunca podrá igualar al papel.
Aquellos que aún lo duden no tienen más que ver este nuevo volumen editado por RotoVisión que, además de ser una fuente infinita de sorpresas, es una magnífica guía para saber manejar los papeles de forma óptima. Una herramienta imprescindible para todo diseñador que contiene ejemplos de troqueles, desarrollos, fichas técnicas que incluyen el nombre del cliente y el estudio y, lo más importante, el tipo de papel en el que se ha realizado.
Además, analizando los diferentes ejemplos, el diseñador encontrará pistas sobre cómo tratar los diferentes tipos de papel según sus gramajes o según sean offset, estucados, brillo, semimate, mate, reciclados... Asimismo se adjunta un sobre con muestras de diferentes papeles y un glosario de términos con los que comunicarse con los profesionales de las imprentas, aunque, eso sí, siempre que unos y otros hablen inglés pues, hasta que se publique la edición española, ese es el idioma en el que está escrito todo el libro.
En definitiva, una herramienta de trabajo que, además de útil es, por la altísima calidad de los trabajos incluidos, una continua fuente de inspiración (o desesperación, según se mire).

Choosing and using paper for great graphic design. Mark Hampshire, Keith Stephenson. Ed. Rotovision. 256 páginas. Idioma: Inglés

Stephen Shore es uno de los fotógrafos norteamericanos más destacados de la segunda mitad del siglo XX. Buena parte de sus instantáneas de la vida cotidiana, sus paisajes urbanos, sus bodegones o retratos, se han convertido en iconos de la historia fotográfica reciente y su personal forma de entender la imagen. Shore, en ocasiones heredero de figuras ya clásicas como Egglestone, ha establecido nuevos cánones visuales que a su vez también han sido desarrollados por innumerables profesionales, tanto en el campo de la imagen fija como en el de la imagen en movimiento.
A pesar de esta evidente repercusión de la obra de Shore, presente en reportajes de prensa, vídeo clips o spots publicitarios, lo cierto es que poco se sabe de su vida o sus reflexiones acerca de la fotografía. Es por esta razón por la que este volumen editado por la editorial Pahidon resulta un material excepcional que completa todos los demás libros y catálogos publicados anteriormente por Shore.
Un libro en el que el lector podrá encontrar un interesante estudio sobre la obra de este profesional, así como una entrevista realizada por Michael Fried y diversos escritos firmados por el propio Shore que repasan una magnífica y abultada carrera, desde sus primeros trabajos durante su etapa de estudiante en el instituto, hasta la actualidad, pasando por proyectos como el que realizó en la Factory de Andy Warhol a mediados de los años 60.
Stephen Shore. C. Lange, M. Fried, J. Sternfeld. Ed. Phaidon. 160 páginas. Idioma:Inglés.

Quizá le venga un poco grande el título a este libro. Responder a un cuestionario estándar de modo telegráfico, el mismo para los 135 participantes, no es lo que algunos entendemos por "hablar sobre". Matizado esto, hay que decir que aunque la fórmula resulta agotadora, porque se presta a la perogrullada y lo obvio, algunas perlas se esconden. Por ejemplo, que un diseñador afirme que no le interesan en absoluto la arquitectura o los diseños de otros, es una grosería... si el que lo dice es Starck, es simplemente una imbecilidad.
A las entrevistas se antecede una cronología a través de los objetos de 1900 a 2000, que no por obvia deja de ser interesante. Y una interesante reflexión argumentada sobre el futuro del diseño.
En definitiva, un libro sobre diseño industrial para "no diseñadores", bien documentado y del que al final se desprende que más allá de algunas ausencias, nos permite una acertada aproximación al diseño de objetos contemporáneo.

Los diseñadores hablan sobre el diseño. Terence Conran y Max Fraser. Ed. Blume. 258 páginas. Idioma: español.

Este es un libro sobre cine de terror, difícilmente tendría aquí cabida... pues sí. La tiene, y bien merecida. Porque tan interesante como es, no hay que dudarlo, el texto para los amantes del género cinematográfico, lo es para los del género gráfico, el del cartel de cine, se entiende. La concienzuda y exquisita elección de las imágenes, y su profusión, ofrecen al lector un recorrido meticuloso por el cartel de cine de terror, que transcurre paralelo al contenido escrito. Así, más allá de contentarse con la función decorativa, el autor, y sospecho que también el editor Miguel San José Romano, diseñador gráfico, tiene mucho que ver, se proponen dos ejercicios impagables: por un lado, la posibilidad de contrastar en muchos casos el cartel con la secuencia que le da origen, y por otro, la comparativa: series de hasta seis carteles distintos para una misma película.
La edición es cuidada en el papel, encuadernado, calidad de las reproducciones... y también en la diagramación y el mimo tipográfico, que es una constante en esta editorial.

Terror Cinema. Juan A. Pedrero. Calamar Ediciones. 448 páginas. Idioma: español.

Este libro [me lo descubrió y me lo regaló Tachi, gracias] es de esos que te reconcilian con el género. Los libros de diseño hoy son aparatosos, más mostrativos que demostrativos, y la fiebre de recopilar por recopilar empieza a agotar el modelo. Así, cuando todo se edita para epatar y nada sorprende, se agradece que por una vez el criterio sea distinto. Se trata de un libro de objetos y soluciones tridimensionales, no necesariamente útiles, y donde la componente gráfica tiene peso específico. La selección es cuidadísima, y del conjunto se desprende que los objetos pueden encerrar una lírica reconfortante. Papeles, maderas, telas, plásticos, incluso cabellos... todos estos materiales son usados para comunicar o invitar a la reflexión. Entre los participantes, unos cuantos de aquí: Astrid Stavro, Spy, Serial Cut, Ipsum Planet, Silja Goetz y Marrs Bar.

Tactile, high touch visuals. Robert Klanten. Ed. Die Gestalten Verlag GmbH & Co. 208 páginas. Idioma: inglés.

"La utilidad en el diseño" corresponde a la tercera exposición del ciclo que Ddi y el Círculo de Bellas Artes programan de manera ambiciosa para la Sala Juana Mordó. Lo recoleto de ese sótano que está y no está en el Círculo apoya la filosofía didáctica de estas muestras, que alejadas de la pomposidad y lo epatante se empecinan con acierto en adoctrinar acerca de la conveniencia y la bondad del diseño, para el ciudadano y para las empresas. Y ese acierto lo es, en gran medida, porque el entorno y la presencia del Círculo como partner obliga a modular el discurso de la competitividad, para cuando menos compatibilizarlo con el del diseño para las personas. Y eso está bien.
En este caso, Oriol Pibernat toma diecisiete piezas cotidianas, que pasaríamos por alto, para demostrar que los pequeños aportes del diseño las convierten en ejemplos de utilidad. Y buscándole la parte negativa, quizá empeñarse en la utilidad frente a la usabilidad condiciona el resultado. Sólo una de ellas, la diagramación que Pepe Cruz Novillo y Rosa Rey hicieran para El Economista, se enmarca en el diseño gráfico y para la comunicación. El resto, las otras dieciséis, son puro objeto y diseño industrial, lo que desequilibra injustamente la balanza, y pudiera transmitir el mensaje equívoco de que el de producto es un diseño más útil y usable que el gráfico. Y nada más lejos de la realidad.

La utilidad en el diseño. Oriol Pibernat. Ed. Ddi - Círculo de Bellas Artes. 72 páginas. Idioma: castellano.

Los diseñadores tienden a perder el sentido de lo razonable ante la posibilidad de ver editado su trabajo, y en demasiadas ocasiones vemos enormes volúmenes desproporcionados para lo que luego aportan. Hay incluso unos pocos que regularmente publican a todo lujo su mediocre trabajo, unos cuantos nombres se nos vienen a la cabeza, pero es mejor callar.
No es el caso. Visualizing Culture es el libro de estudio de BIS. El formato manejable, exquisito en la producción, sin alardes innecesarios, debería convertirse casi en referente de lo que debe ser un libro portfolio.
Y es que el trabajo de BIS (Alex Gifreu y Pere Alvaro) es excelente. Se destaparon al mundo en 2001 con aquel cartel para el carnaval de Roses, en el que sólo aparecía la silueta del toro de Prieto con orejas de miquimouse, sobre fondo amarillo. Y a partir de ahí, su trabajo exquisito y sin florituras es uno de los puntales del nuevo grafismo catalán. Mucho más próximos al diseño para lo cultural, los libros y los carteles, apenas hay en su trayectoria trabajos marquetinianos, a lo sumo algunas etiquetas de vino, diseñadas mucho más para el disfrute que para el lineal.
Los textos están en inglés, y sólo en inglés, lo que encierra en sí mismo toda una filosofía. Y contrapeando a las fotografías de las piezas, desarrollan a través de nueve sentencias su filosofía de trabajo y su percepción del diseño. De las nueve nos quedamos con ésta: "la cultura, como bien intelectual, no tiene un beneficio inmediato en términos de rendimiento económico. Este hecho la hace deficitaria desde el punto de vista presupuestario. Esto nos ha acostumbrado a gestionar la optimización de un resultado con el mínimo de presupuesto. Estamos hablando de productividad".

Visualizing Culture. Bis. 232 páginas. Idioma: Inglés.

La edición humilde en la historieta no tiene porqué ser descuidada. Es el caso de los pequeños álbumes de Borobiltxo Libros, que sin alardes ni pretensiones son exquisitos en la elección de los autores, y lucen dignamente en las librerías del gremio. Hay dos nuevas entregas: Yellow Bird de Kati Rapia, donde esta barcelonesa de Finlandia recoge un anecdotario intimista y de apariencia intrascendente, que esconde una ironía tierna con un homor muy personal.
El segundo álbum es Doctor Gómez, que recoge las páginas que Tamayo publicó en la revista Makoki entre 1990 y 1993. Delirante, surrealista, donde sexo, violencia y humor corrosivo son los ingredientes para arropar las historias de psiquiátrico que borda con un trazo sofisticado y un manejo irreverente del lenguaje que ha creado escuela, imitaciones y homenajes en el cómic de este país.

Yellow Bird y otras historias de Barcelona. Kati Rapia. Ed. Borobiltxo Libros. 36 páginas.
Doctor Gómez. Tamayo. Ed. Borobiltxo Libros. 48 páginas.

Rafa Sañudo es mitad todoterreno y mitad renacentista, que se parece pero no es lo mismo. Lejos del minimalismo y eclecticismo imperante, su gráfica no escatima en recursos y elementos, lo que al final se traduce en un modo de hacer eficaz y llamativo. Fue ilustrador y uno diría que se le quedaba pequeño: a los dibujos les añadió textos, y cultivando su pasión por la música fue incorporándola también, y las imágenes... ha diseñado más discos que nadie, ha hecho más videoclips que nadie, periódicos, carteles... y aún le daba para mantener sus tiras diarias en prensa.
Hace una década montó con Roberto Huerta su estudio, al que llamaron Raro, la resultante de unir las primeras sílabas de sus nombres. Y ahora, recogen en este voluminoso tomo los cientos de proyectos emprendidos en este tiempo. Tres kilos y medio de peso y más de seiscientas páginas, que ordena temáticamente: discos, ilustración, humor, editorial, prensa, cartelería, imagen corporativa, pelis, fotografía, bocetos, escenario y vestuario, y rarezas.
Si en estos años nunca se ha caracterizado por las estridencias ni el figurar, moviéndose poco en los circuitos profesionales, hace unos meses su nombre saltó a los periódicos por el diseño del plano de Metro de Madrid, viéndose envuelto en una refriega mucho más política que profesional. Sin pretenderlo, este libro ha servido para poner las cosas en sus sitio, como derecho de réplica, argumentando de modo aplastante, nunca mejor dicho, lo que hay detrás de Raro.

10 años de Raro. Diseño y clips de Rafa Sañudo. Ed. Raro. 650 págs. Idioma: español

[Reseña: Enrique Nebot]. Con motivo del 90º aniversario de la edición por parte de la Cámara de Comercio Industria y Navegación de Barcelona del libro Una nueva técnica: la Publicidad científica que recoge las primeras lecciones que en el curso 1.915–16 había impartido Pedro Prat Gaballí, las asociaciones publicitarias, Associació Empresarial Catalana de Publicitat/Gremi y el Col.legi de Publicitaris i Relacions Publiques, homenajearon a la Cámara de Comercio en la persona de su presidente Miquel Valls, haciéndole entrega de una placa conmemorativa que celebraba la efeméride.
La Cámara reeditó con tal motivo la edición facsímil del citado libro que, hasta la fecha no había sido reeditado, aunque se había integrado en el libro Memorial Prat Gaballí, editado igualmente por la Cámara y también por iniciativa de Jordi Garriga (q.e.p.d.) en 1.990.
Dicho libro –edición no venal– es una joya de bibliógrafo, pero por encima de todo, recoge el ADN de la publicidad. Puesto que hace 90 años Prat recogía la esencia de lo que era para él la disciplina, conjunción de técnicas para vender con una intención pedagógica y una formulación poética, creativa diríamos hoy.
Para señalar la importancia del libro de Prat baste recordar que se publicó seis años antes de la famosa Publicidad científica –mismo título– de Hopkins, considerado la Biblia de los publicitarios americanos pero que no supera al de Gaballí.

La publicidad científica. Pedro Prat Gaballí. Cambra de Comerç de Barcelona. 166 páginas. Español

Los anuarios del Type Directors Club son, sin duda, los mejores libros de referencia en lo que a creatividad se refiere. Sus innovaciones, sus propuestas, su experimentación, su solidez y coherencia a lo largo de los años, los convierten en magníficos ejemplares de consulta. Su volumen 28, el correspondiente a este año, no es una excepción. De hecho, si hubiera que elegir qué anuario comprar entre todos los que aparecen cada temporada, como el ADC, el One Show, el c de c o el Graphis Annual, la mejor opción es, sin duda, el Typography. Un libro con un impecable acabado, presentado en un estuche de cartón troquelado, bien diseñado y con una tipografía exquisita. Como colofón, las últimas páginas reproducen el catálogo de los premiados en el Typography de 1957. Una práctica iniciada en el anuario 26 y que, en esta ocasión, incluye trabajos de mitos del diseño gráfico como Reid Miles, Herb Lubalin, Gene Federico, Allan Fleming y Saul Bass.

Typography 28. Type Directors Club. Collins design. 354 páginas. Inglés

Un libro extraño. De esos que, justamente por su rareza, ejercen una fuerte atracción en el lector. Un libro en el que cabe de todo, desde logotipos, hasta páckaging y papel de envolver, sin olvidar páginas webs, libros, publicaciones, diseño expositivo o diseño industrial. Unos trabajos cuya principal peculiaridad es que todos son trabajos realizados por estudios y profesionales de Asia, no en vano, HKDA son las siglas de Hong Kong Designers Association. Un título que nos devuelve a la realidad y nos recuerda la existencia de esa “amenaza amarilla” que cantaban Los Nikis. Millones de chinos realizando un trabajo de muy alta calidad que nada tiene que envidiar al que desarrollan estudios de occidente.
A diferencia de otros anuarios o colecciones de creatividad, que por cercanos cultural o geográficamente o por su dilatada existencia en el tiempo parecen haber caído en el tópico, HKDA sorprende por su novedad, por sus ejecuciones y soluciones gráficas, por su frescura, por su falta de miedo a la hora de saltarse las reglas. Una muy grata sorpresa que igual que nos sitúa de nuevo en la realidad del diseño en la que vivimos, nos devuelve la ilusión y confianza en el poder de la creatividad. Si el futuro capitalista de la nueva China supone poder disfrutar de trabajos como estos, el paraíso popular de Mao tiene los días contados.

HKDA Awards 07. Varios Autores. Ed. ARR. 434 páginas. Inglés / Chino

Como cada año, desde hace 86, el Art Directors Club (ADC) viene desarrollando una interesante labor en busca de la excelencia creativa. Un trabajo que culmina con la publicación de un anuario en el que se recogen aquellas propuestas que, en opinión del jurado, han destacado por su calidad durante los doce meses anteriores.
En esta ocasión, dicho anuario adquiere la apariencia de un lingote de oro, en referencia a la calidad de su contenido, pequeñas pepitas de creatividad que, juntas, constituyen este tesoro que como el metal al que imita se revalorizará con el paso del tiempo.
Lo más destacable de esta edición del anuario del ADC es el buen trabajo que fotógrafos y diseñadores han realizado en el campo editorial y gráfico. Decepciona, sin embargo, la parte dedicada a la publicidad donde los clichés, los formatos manidos, los chistes viejos y los trucos (incluso en nuevos soportes o en campañas de guerrilla) hacen que las campañas presentadas este año no destaquen ni por la creatividad de los conceptos ni por las ejecuciones, propias de trabajos de hace dos y tres años y completamente ajenas a las nuevas corrientes tipográficas, fotográficas, cinematográficas que están marcando la pauta en otros campos creativos.
Por otra parte, y parece que últimamente se está convirtiendo en norma, sorprende cómo un anuario de creatividad, en el que los directores de arte son los amos y señores, publica imágenes pixeladas. Es como si un experto en protocolo eructase al final de la comida de presentación del tratado que ha escrito sobre el tema. Sin duda, una desagradable experiencia para el lector, que le quita brillo a este precioso lingote.

ADC LXXXVI. Varios Autores. Roto Vision. 434 páginas. Inglés

Después de años de estar desaparecidas, diluidas en un mundo de hombres, las chicas diseñadoras han decidido salir a la luz y desarrollar su personal forma de concebir la comunicación visual sin complejos ni vergüenza. Una liberación que reivindica unos modos de hacer que no tienen por qué responder a los parámetros establecidos por aquellos que dominan el sector, en su mayoría hombres, y en los que pueden plasmar su sensibilidad, gustos y preocupaciones.
Conscientes de esa realidad, los responsables de PIE Books han recopilado en Girly graphics trabajos de diseñadoras de todo el mundo en los que puede percibirse un estilo diferenciado y que cabe calificar de “femenino”. De esta forma, en sus páginas podemos encontrar ejecuciones ligeras, luminosas, muy limpias, sin abigarramientos, tipografías elegantes –en ocasiones caligráficas–, mucho colorido y abundante ilustración. Evidentemente, esto no quiere decir que los elementos mencionados sean los que diferencien en trabajo entre hombres y mujeres diseñadores; tampoco que las mujeres no puedan hacer otro tipo de diseño; ni que los hombre no puedan hacer cosas como las que aparecen en este libro. Afirmar eso sería caer en los tópicos y levantar los mismos muros que se pretender derribar. Sencillamente, Girly graphics centra su atención en un hecho cierto en el mundo del diseño, acota el territorio, y lo analiza a través de unos trabajos que, queramos o no, algo tienen en común, sea eso feminidad o no.

Girly Graphics. Varios Autores. PIE Books. 202 páginas. Inglés / Japonés

Japón está de moda y los responsables de PIE Books, la exquisita editorial nipona, lo saben. Si en un primer momento los libros que publicaban sobre diseñadores y diseño japonés apenas tenían distribución fuera del archipiélago, por considerar que no podían ser de interés de los lectores occidentales, actualmente han comprendido que Japón y su cultura resultan apasionantes para europeos y norteamericanos. Así, libros sobre ilustración, packaging, diseño de interiores, y otros temas referentes al diseño, gráfico e industrial japonés, han comenzado a poblar las estanterías de las librerías españolas.
Neo japanesque design, segundo volumen de PIE Books dedicado a estos temas, es tal vez el mejor resumen de todo ello, pues en sus páginas se incluyen algunos de los mejores ejemplos de interiorismo para tiendas y comercios, anuncios, packaging, logotipos e imagen corporativa o diseño de producto. Unos trabajos que son reflejo de esa dicotomía presente en la sociedad y cultura japonesa, esa tensa convivencia entre tradición y modernidad, caligrafía y píxeles, origami y plegado industrial. En definitiva, un fantástico libro que nos demuestra que hay vida más allá de la escena del diseño anglosajón.

Neo japanesque design. Varios autores. PIE Books. 226 páginas. Inglés / Japonés

Mark Wigan firma este completo libro dedicado al mundo de la imagen y la comunicación que, a diferencia de otros títulos similares, ha procurado prestar atención a las manifestaciones artísticas más innovadoras y recientes del diseño actual. A todo color, con cientos de ilustraciones y una moderna maquetación (tan actual que tal vez no supere satisfactoriamente el paso del tiempo y resulte visualmente antigua en breve), Wigan hace un repaso a la historia, los movimientos, las técnicas, las herramientas y las dimensiones políticas y sociales del diseño y la ilustración desde la época de las cavernas hasta la actualidad. Desde la pintura rupestre hasta los grafittis urbanos (que tal vez no sean más que otra expresión rupestre del diseño), Wigan va articulando su libro con ejemplos de trabajos de estudios y lo completa con un glosario, una bibliografía, y hasta una serie de ejercicios destinados a estimular y desarrollar el pensamiento visual.
Un libro pensado para ilustradores pero que resulta útil para un público más amplio y no necesariamente especializado, pues lo que subyace al libro de Wigan es un análisis psicológico acerca de la percepción y de la elaboración y materialización de conceptos, disciplina cercana a la psicología y, por tanto, común a todos los lectores independientemente de la profesión que desempeñen.

Pensar Visualmente. Lenguaje, ideas y técnicas para el ilustrador. Mark Wigam. Gustavo Gili. 176 páginas. Español

Que el creador de la Univers, la Egyptienne Roman, la Avenir, la Didot o la Vectora escriba un libro de tipografía, ya es razón suficiente para dedicarle una atenta lectura. Si además el libro sale publicado en una colección dirigida por, entre otros, la historiadora del diseño Raquel Pelta, entonces dicho volumen es, sin duda, material imprescindible para cualquier diseñador que pretenda manejarse con soltura en el campo de la comunicación gráfica. Así es El libro de la tipografía de Frutiguer, un repaso a arte tipográfico con profusión de ejemplos que demuestra que la creación de una familia de letras es mucho más que diseñar caracteres bonitos y se convierte en una labor de perseverancia que entronca con elementos culturales y sociales de aquellos que las ejecutan y, en último término las, emplean.
Un interesante tratado, más denso que, por ejemplo, el recientemente publicado por Enric Jardí en Actar, profusamente ilustrado con ejemplos prácticos y consejos para diseñar una buena tipografía.
La única objeción a este libro es formal. El hecho de que algunas de las imágenes reproducidas no han sido destramadas cuando se escanearon (pág. 115), y otras aparecen pixeladas (pág. 43, 157 y 166), es algo que puede ser habitual en la edición actual pero imperdonable para una editorial dedicada al mundo del diseño.
El libro de la tipografía. Adrian Frutiger. Gustavo Gili. 272 páginas. Español

El cartel es terreno abonado para todo diseñador que se precie. También es el formato en el que el cliente suele ser más permisivo. Además, nunca falta un concierto, la aparición de un nuevo libro, el estreno de una película o un ciclo de teatro que necesite de un buen cartel para ser comunicado. Por eso, no paran de surgir estudios y diseñadores que encuentran en este formato una vía para mostrar su calidad y Carteles. Nuevos diseñadores es una prueba de ello. Un libro en el que se dan cita los mejores trabajos de estudios de países como Estados Unidos, Irán, China, Suiza, Rusia, Holanda o Israel, en el que las buenas reproducciones de los mismos están acompañadas de un texto sobre la historia de los autores y una descripción del proceso de creación, que incluye, entre otras cosas, el nombre del cliente, el número de bocetos presentados, las técnicas empleadas y el tamaño.
Un libro en el que tienen cabida estudios europeos e incluso asiáticos y de oriente medio, pero que muestra una clara predilección por los estudios norteamericanos. Un hecho que resulta injusto por dejar fuera el magnifico trabajo de estudios de centroamérica, sudamérica y España, como podría ser el caso de gente como Isidro Ferrer, Bildigrafiks o La Camorra, estos dos últimos ni siquiera incluidos en el apartado La próxima ola dedicada a los talentos emergentes. Una decisión que suponemos responderá a cuestiones lingüísticas del autor, pero que denota cierta falta de criterio, teniendo en cuenta que, aunque sólo sea por cuestiones proporcionales del uso del castellano, hay muchos más carteles realizados en español que en inglés (y muy buenos también). En todo caso, un interesante libro para saber qué se ha hecho en el mundo del cartel en los últimos tiempos.

Carteles. Nuevos diseñadores. John Foster / Fuszion Collaborative. Gustavo Gili. 254 páginas. Español

La ilustración es una de las disciplinas con más posibilidades en el campo del diseño gráfico y las artes aplicadas. De hecho, hasta la popularización del retoque fotográfico gracias al Photoshop (que por otra parte, habría que ver si no es otra forma de ilustración más que de fotografía), la ilustración permitía llegar, e incluso ir más allá, de los límites que imponía la toma fotográfica, siempre tan apegada a la realidad. Ilustración era sinónimo de imaginación, de mundos imposibles, de creatividad desbordada, de infinitas técnicas, acabados y ejecuciones.
A pesar de todas estas virtudes, la ilustración no ha sido lo suficientemente valorada por la comunicación comercial, más amiga de la fotografía, y ha tenido que buscar su hueco en la ilustración infantil, sector en la que no paran de surgir nuevos profesionales, que además de poseer una altísima calidad artística, disfrutan en ese ámbito editorial de una gran libertad creativa.
Imágenes que cuentan recoge algunos de estos nuevos ilustradores y reproduce muestras de sus trabajos junto a una breve nota biográfica, curiosamente, compuesta en Courier o American typewriter, tipografías poco frecuentes en el mundo editorial actual.
Nombres como el francés Serge Bloch, el italiano Maurizio Quarello, la iraní Morteza Zahedi, la coreana Ko Kyung Sook, el japonés Taro Miura, o Elena Odriozola, entre otros, demuestran con sus creaciones la curiosa paradoja de que la ilustración infantil posee una madurez que para sí la quisiera aquella que, con frecuencia, aparece publicada en los medios para adultos.

Imágenes que cuentan. Nueva ilustración de libros infantiles. Martin Salisbury. Gustavo Gili. 160 páginas. Español

Con una periodicidad de dos o tres veces al año, salen al mercado editorial nuevos libros dedicados al packaging. Volúmenes que, al igual que los tratados de papiroflexia, incluyen los desarrollos y troqueles con objeto de hacerle la vida más sencilla al diseñador necesitado de nuevas y sorprendentes maneras de envolver los productos de sus clientes. Libros que asombran por las infinitas posibilidades del papel, el cartón, el cartoncillo, y que parecen surgidos de mentes prodigiosas por la complejidad de sus propuestas.
Este es el caso de Prototipos de Packaging, traducción al español de More packaging prototypes editado previamente por Rotovisión que, además de nuevas posibilidades de empaquetados, contiene una serie de iconos que clasifican cada uno de ellos según sea su material (cartón, cartón ondulado, plástico, cartón impermeabilizado...), según necesiten encolado o no, si son aptos como envases de alimentos, si el producto queda o no visible, si es respetuoso con el medio ambiente, si es un diseño en una o varias piezas etc. Una útil y sencilla fórmula para comprobar de un vistazo si el modelo elegido encaja o no con las necesidades del cliente y las posibilidades del diseñador. Además, el libro contiene una interesante introducción en la que se repasa la historia del packaging, sus envases clásicos, sus materiales y otros temas al respecto que hacen de él algo más que una mera sucesión de prototipos.

Prototipos de packaging. Edward Denison. Ed. Gustavo Gili. 160 páginas. Español

Ediciones Sinsentido presenta tres nuevos títulos de su colección Sin palabras, dedicada a la historiografía del tebeo, tanto en lo que se refiere a sus creadores, como a sus creaciones e incluso aquellas editoriales o factorías del cómic que marcaron una época de ese arte moderno. En esta ocasión, los elegidos han sido Héctor Germán Oesterheld, Carl Barks y El Hombre Enmascarado. El primero, Oesterheld, es uno de los pioneros de la historieta argentina, guionista de tebeos y fundador de la Editorial Frontera, amigo de Breccia, Hugo Pratt, y militante de izquierdas que fue hecho desaparecer por la dictadura argentina en 1977. Por su parte, Barks fue uno de los más importantes, junto con Floyd Gottfredson, de los dibujantes de la Disney durante las décadas de los 40, 50 y 60 y responsable de personajes ya clásicos como el Tío Gilito. El tercero de estos libros es el dedicado al Hombre Enmascarado y su perro lobo Satán, personaje creado por Lee Falk, y que también es conocido como The Phantom, su título en inglés, o por los apodos “El espíritu que camina” o “El hombre que nunca muere”, a consecuencia de su eterna existencia, debida al hecho de que sus sucesores heredaban su personalidad y su labor de lucha contra el mal. Como viene siendo habitual en todos los títulos de esta colección, los tres libros se completan con notas bibliográficas o cinematográficas que aportan pistas para que el lector curioso sepa dónde acudir para saber más de estos personajes.

Oesterheld / Carl Barks / El hombre enmascarado. J. Gociol y D. Rosemberg/ A. Moliné / A. de la Calle. Ediciones Sinsentido. 72 páginas. Español.

Albert Isern es un activista del diseño. Ha querido recoger en este voluminoso libro toda una vida de experiencias y experiencia. Como documento es apabullante. Acumula en él las imágenes propias, las recogidas –es un coleccionista contumaz–, las iniciativas... No se trata de un recopilatorio, ni la presentación formal ni el orden están pensados para la documentación, sino que realiza un ejercicio de apreciación, donde se cruzan la cronología y la temática. Según declaración de parte, esta Autobiográfica quiere ser cronista pero también potenciadora del imaginario... en ella encontrarás rigor pero también humor y complicidad. Un paseo que hay que hacer por etapas, donde el ojo es el verdadero protagonista y la curiosidad su motor más potente. A través de más de 10.000 imágenes y 2.274 páginas, sin textos más allá de la introducción y los pies de fotos, recorre su memoria, presenta sus trabajos y narra, visualmente, sus experiencias.
Y más allá del contenido encontramos también un ejercicio aparentemente caótico pero exquisitamente meditado de puesta en página del material. De lo abigarrado se deduce que unitariamente cada imagen es anécdota, y sin embargo en el conjunto se percibe lo esencial. La producción gráfica es impresionante: 17 centímetros de lomo permiten utilizarlo a modo de cubierta; un ejercicio de encuadernación para el ejemplo, pues queda abierto por cualquiera de sus páginas sobre la mesa, que el peso impide disfrutarlo entre las manos.

Autobiográfica. Isern, Albert. Ed. Isern Disseny. 2274 páginas.

Durante las primeras décadas del siglo pasado, las vanguardias revolucionaron el panorama artístico europeo a través de movimientos como el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el surrealismo o Dadá. Una convulsa época, tanto en lo que respecta a la creación como a la política y los movimientos sociales, en los que el material impreso adquirió una gran importancia como medio de expresión e incluso como elemento artístico en sí. Cabeceras de diarios encoladas o reproducidas en lienzos, carteles comerciales, tipografías impactantes, usos tipográficos inconoclastas, se convirtieron en moneda de uso común para los creadores de la época. Breaking the rules es el catálogo de la muestra homónima, que ha recorrido el continente europeo en los últimos meses, y en el que se reproducen un centenar de imágenes con ese tipo de trabajos. Manifiestos Dadá, revistas constructivistas, boletines surrealistas, libros de fotografía experimental, se dan cita en este volumen que tiene la particularidad de dedicar buena parte de sus páginas a las diferentes ciudades europeas donde surgieron algunas de esas creaciones como Barcelona, Madrid, Varsovia, Weimar, Viena, Moscú, Roma y, cómo no, París.

Breaking the rules. The printed face on the european Avant Garde 1900-1937. British library. 176 páginas. Inglés

Al fondo a la derecha es un libro-objeto de esos que se llevan ahora. Tanto, que se presenta en un blister, más propio de una ferretería que de una librería. Los libros de diseño compiten cada vez más en la presentación y en el alarde que en el contenido. Belén y Pablo son Cuatrotuercas, y del libro hacen también puesta en escena de su estudio. Parece que todo es recopilable, al menos en lo que se refiere a los libros, y lo de recoger las imágenes de los iconos y pictogramas que señalizan los baños en lugares públicos es novedoso, cuando menos. Ellos lo llaman "síndrome de Diógenes digital". Hay lugar para lo kitch, para el humor, para la sencillez y para la parafernalia. En total, más de doscientas puertas fotografíadas en Tailandia, París, Bolivia o París. Puestos a buscarle un pero, la calidad de las reproducciones está en el límite de lo correcto. Es evidente que las condiciones en que se realizaron las fotografías no serían las óptimas.

Al fondo a la derecha. Belén Sánchez y Pablo Macías. Ed. Cuatro Tuercas. 256 páginas + desplegable.

A Juli Capella le conocemos los diseñadores y los arquitectos sobradamente. Le hemos tenido como referente cuando siendo jovencísimo dirigió las primeras revistas de diseño en este país. Su personalidad amable, su ingenio mordaz, su inteligencia rápida y su conversación, sobretodo su conversación, hacen de él un imprescindible. Además es mediático, lo que le lleva a saltar por encima del ámbito endogámico profesional para ser eso que llaman "personaje público", ya sea como habitual columnista en el Periódico de Catalunya, o como opinante televisivo. Es un gestor eficacísimo, que la política catalana se deja escapar porque su nacionalismo es inteligente, o sea que no lo es tanto, y la estatal también supongo que porque él así lo quiere. Pero si alguien me preguntara a quién pondría como gestor político, Juli sería siempre mi favorito.
Pero hay otro Juli Capella, el arquitecto, que forma estudio con Miquel García. Y a ellos, a su trabajo, los teníamos menos definidos. Así, este libro que recoge su trabajo de los últimos quince años es un ejercicio de puesta escena, que nos descubre la solidez y la versatilidad de su trayectoria. 25 obras y proyectos se presentan ampliamente documentados con las excelentes fotografías de Rafael Vargas: edificios de oficinas, hoteles, centros de ocio, auditorios, viviendas... y sin embargo, lo mejor está en los textos. Porque este no es un libro de arquitectura ni para arquitectos, sino que trata de la relación de los edificios y las personas. No se habla del cómo se han hecho sino del porqué se han hecho. Con una constante, que aunque subyacente, es casi obsesiva: la arquitectura que mejora la calidad de vida, el bienestar, la felicidad de las personas.

Rastro. Capella García Arquitectura. 240 páginas. Español -inglés.

Hay una fiebre que cuesta compartir por los recopilatorios, pero que debe dar resultados en el mercado siempre difícil de los libros para diseñadores. Viene heredada posiblemente de la publicidad, donde en las agencias se han manejado siempre y ahora más, para tener referencia de lo que se hace y referencias para lo que tengas que hacer. En origen, provenían de los premios y festivales, que funcionaban como criba. A ello se unen de un tiempo a esta parte, otras selecciones: las territoriales, las de paganini... y una que se empieza a repetir, la de personaje: a modo de comisario, alguien con criterio, bueno o malo, realiza la selección de autores y piezas sin encomendarse a nadie.
La fórmula condiciona el éxito al acierto en la elección del decisor, pero tiene a favor que no hay condescendencias, y se evita la mediocridad del comité, una lacra que afecta no sólo a las ediciones, también a los comisariados conjuntos o de exposiciones, a los jurados de los premios, a los concursos públicos de diseño, etc.
La que nos ocupa corresponde a Cla-se. Poco hay que objetar a la selección, escorada si se quiere hacia la propuesta formal frente a los conceptos, pero esa es la realidad de hoy y lo que sorprendería sería que no contagiara en este caso. La propuesta y muestra de las piezas es ágil, a toda página, aunque se echa en falta algo más de literatura que se limita al nombre del estudio, URL y escuetos pies de fotos. Algo que leer y que reforzara el contenido visual no hubiera estorbado.
Hay por contra una queja a la definición. Si el libro se presenta como "entra en el diseño español", cabría esperar que así fuera. Pero no, se vuelve aquí a una incómoda puesta en escena intencionada, en un debate que creíamos superado. Si uno hace una recopilación del diseño español y cuarentaidós son catalanes, siete de Madrid, cuatro de Valencia y otros cuatro del resto del territorio, difícilmente puede argumentarse que ese sea el reflejo de la realidad. Decepciona ver que todavía estamos en ese provincianismo intelectual y torticero que ya habíamos dejado atrás, o eso creíamos.
Por último, una queja como lectores. Los alardes en la producción son elemento común, casi indispensable en los libros que han de brearse en el mercado internacional. Sólo a veces tienen sentido, la mayoría de las ocasiones no aportan nada aunque justifican el precio. En este caso, simplemente no hemos alcanzado a entenderlo: Todas las páginas del libro llevan un pre-troquel de un círculo de cinco centímetros. Evidentemente, afecta la reproducción de las imágenes sin aportar nada. Si damos por bueno que las cosas están para usarlas, tampoco hemos entendido para qué sirve: si desprendemos los troquelados, nos cargamos el libro, sin obtener a cambio nada más que un montón de círculos de papel sin sentido. Si sólo es un recurso estético, no tiene sentido que afecte sustancialmente la percepción de los trabajos. Dígasenos que no entendemos las nuevas tendencias, pero nos parece una boutade.

Esc. ¡Entra en el diseño español!. Varios autores. Ed. Actar. 416 páginas Idioma: ediciones en español e inglés.

La editorial Calambur marca la diferencia de la edición de poesía en nuestro país. No ya por la elección de los contenidos, que también, pero no es lo que nos ocupa. La poesía representa la lectura por el disfrute, en sentido estricto y por autonomasia, y ahí cobra especial sentido el libro como objeto. Sus volúmenes son, sin grandes alardes, especialmente cuidados en su edición, la puesta en página, el tratamiento tipográfico, la elección del papel...
No podía ser menos este tratado de poesía visual: el papel satinado que garantiza las reproducciones, sin renunciar al ahuesado que lo hace íntimista El reto de embarcarse en esta antología hay que agradecérselo a Alfonso López Gradolí. Un repaso concienzudo a través de cincuenta y siete autores, que se cura en salud con el subtítulo: Antología Incompleta. Todas lo son, pero no está de más aclararlo. Como género es especialmente desconocido, por lo que este volumen se hace imprescindible para descubrir talentos ocultos (ignorancia propia, he de decir). De cada autor cuatro poemas visuales, una nota biográfica y una poética. Suficiente para despertar el deseo de conocer más, que al fin es lo que se espera de un libro como éste.
Y como incompleta, a cada uno se le ocurrirá quién debiera haber estado, y yo no seré menos: Por un lado, Cuca Canals, que en su renacentismo puede quedar escasa y desapercibida su poesía visual, pero es imprescindible, la pura y la que incorpora a su narrativa. Por otro, y esto es debilidad mía, Juan Vidaurre, que quizá porque se mueve poco en el circuito literario pueda haber pasado desapercibido.
Abriendo el espectro hacia la creación gráfica, unos cuantos diseñadores poetas merecerían sobradamente también su hueco: sin dudarlo, Isidro Ferrer, Pep Carrió y Peret, por citar sólo tres.
En cualquier caso, no se interprete como que queramos enmendarle la plana al autor, no lo merece. Su esfuerzo ha sido grande y el resultado exquisito.
Poesía visual española (antología incompleta). Alfonso López Gradolí. Ed. Calambur. Madrid, 2007. 374 páginas.

Después de su paso por el IVAM, la exposición Josep Renau recala en Madrid hasta el mes de marzo. Aquellos que no hayan podido ir a Valencia ni puedan hacerlo al Centro Conde Duque de la capital, tienen al menos la oportunidad de disfrutar de la obra de Josep Renau gracias a este magno catálogo, fantásticamente editado por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) en colaboración con la Universitat de València. Un volumen que repasa la vida y la obra del que fuera uno de los más importantes cartelistas y diseñadores de la España de las décadas de los 20 y 30 del siglo XX. Un autor comprometido con la causa republicana al que el fin de la guerra obligó a exiliarse a México, donde continuaría con su labor de creación a través de unos magníficos fotomontajes que aglutinan estética y crítica social a partes iguales.
Además de su profusión de imágenes, el libro cuenta con un apéndice cronológico y documental sobre Renau, una bibliografía así como interesantes textos sobre el autor que van, desde una entrevista imaginaria realizada por Román de la Calle, hasta su relación con la música analizada por Francesc Bodí, pasando por proyectos en los que participó, como el pabellón español de 1937 en París.
Un libro imprescindible y definitivo sobre la vida y la obra de Renau que deja obsoletos los ya publicados y pone muy alto el listón a aquellos por venir. De hecho, lo único que éstos van a poder ofrecer va a ser un mayor tamaño en la reproducción de las imágenes, en nuestra opinión, un tanto pequeñas en el caso de este catálogo.

Josep Renau. Compromís i cultura. Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales / Universitat de València. 500 páginas. Español y valenciano

Desde su fundación, hace más de medio siglo, la AGI (Alliance Graphique Internationale) es el más selecto club de diseñadores gráficos del mundo. A diferencia de lo que hacen otros clubes o sociedades, en AGI lo de menos es vestir o no americana, corbata o zapatos, lo importante es tener uno de los portafolios de trabajo más brillantes, al menos lo suficiente como para no desentonar con el de figuras del pasado y el presente de la disciplina como Jacques Nathan Garamond, Jacques Dubois, Burno Munari, Raymond Savignac, Paul Rand, Saul Bass, reza Abedini, Pablo Martín, Pla Narbona, Peret, Tibor Kalman, Kyle Cooper, Sagmeister, Milton Glaser y un largo etcétera.
El presente volumen repasa los 57 años de historia de la Alianza a través de los trabajos de sus integrantes, ordenados no según un criterio alfabético o similar, sino por el año en el que fueron aceptados como miembros de la misma.
Un magnifico libro a todo color que es una verdadera enciclopedia de la historia del diseño gráfico, pues aunque por supuesto faltan grandes profesionales no miembros de AGI, no sobra ninguno de los que están. Un ejemplar de consulta permanente que permite múltiples lecturas, que no se agota y del que no es posible aburrirse. Un libro que por la trascendencia que la comunicación comercial tiene en nuestras vidas, no sólo debería estar en todos los estudios, sino en todas las escuelas.

AGI. Graphic Design since 1950. Varios autores. Edición a cargo de Ben & Elli Bos. Thames & Hudson. 800 páginas. Inglés

El dibujante italiano Gipi (Gian Alfonso Piacinotti, Pisa 1963) se ha convertido en una de las mejores bazas de la editorial Sin Sentido, a la vista de la buena aceptación que han tenido sus anteriores títulos Apuntes para una historia de guerra”, Los inocentes y S. El local es su nuevo trabajo, un tebeo, ¡perdón!, una novela gráfica, como se estila decirle ahora a los cómics, en la que narra la historia de un grupo de amigos empeñados en montar un grupo de música con el que hacerse famosos. Un trabajo que aunque resulta más optimista y alegre que sus predecesores, ha sido cocinado con los ingredientes habituales de la despensa de Gipi, entre los que se encuentran, además de su característico estilo artístico, la melancolía, los recuerdos, los deseos ifrustrados y la cruda realidad. “El local” es una obra inciática en la que el lector es testigo de la evolución de unos personajes que recorren ese camino que separa la adolescencia de la edad adulta, con todo el desencanto, enriquecimiento y pérdida que ello supone.

El local. Gipi. Sin Sentido. 112 páginas. Idioma: Español

Da la sensación de que adjetivos como sencillo, fresco, divertido, tierno estuvieran cargados con la misma polaridad que otros como sólido, maduro, o complejo y, a consecuencia de ello, se repelieran entre sí haciendo imposible su convivencia juntos. “Rollos míos”, de Aude Picaut, publicado en Sin Nosotras, la colección que Sin Sentido dedica a las autoras de tebeos, viene a romper ese tópico y a demostrar que lo fresco no tiene por qué estar reñido con lo maduro o lo divertido con lo complejo. En sus casi doscientas páginas, se narran los pensamientos y vivencias de una joven con un trazo limpio, en blanco y negro, sin artificios, pero no por ello falto de expresividad hasta el punto de ser posible transmitir todo tipo de sentimientos y emociones con una ligera variación en las líneas, esas que hacen que, por ejemplo, un mayor o menor arqueo de las cejas provoca que la expresión del rostro pase de la decepción al asombro y de ésta a la risa. Situaciones como el cortejo, las primeras citas, la construcción pasito a pasito de las relaciones de pareja, los momentos de zozobra o, directamente, el fracaso de las mismas, aparecen en “Rollos míos” aderezadas con reflexiones sobre la familia, la belleza femenina, la seducción, los deseos insatisfechos o los planes incumplidos. Un breve pero intenso y simpático librito que deja un muy buen sabor de boca, anima, reconforta y proporciona un muy buen estado de ánimo hasta el punto de arriesgarnos a afirmar que, en cierta manera, es un librito terapéutico.
Rollos míos. Aude Picault. Sin Sentido. 188 páginas. Idioma: Español

El eterno debate sobre la estrecha frontera que separa el diseño del arte se pone de nuevo sobre la mesa a la vista de este título firmado por NCC y publicado, sin reparar en gastos, por la editorial alemana Die Gestalten Verlag. En esta ocasión, el hecho de tratarse de trabajos personales, sin la mediación previa de un cliente y sin una finalidad comercial clara, hace que la balanza se incline de manera inequívoca hacia el lado del arte. Sin embargo, eso no quiere decir que esa particular manera de usar las tipografías, esa experimentación con cuatriocromías y tintas planas, ese empleo del collage o ese uso de la imagen fotográfica demostrada por NCC en las páginas de este libro no tenga posteriormente un uso comercial. De hecho, no es difícil imaginarse que futuros trabajos realizados previo encargo del cliente empleen o incorporen, con los ajustes necesarios, este tipo de soluciones creativas. Da la sensación de que son libros como estos los que tienen las claves del diseño por venir. Proyectos experimentales que abren nuevas vías en la comunicación visual, gracias a una búsqueda que aglutina lo más ortodoxo del diseño gráfico con lo más imaginativo de la creación artística. Unos ejercicios de estilo que, mutatis mutandi, bien pueden abandonar el etéreo mundo de las ideas para incorporarse al de la realidad laboral pura y dura.

Lost Control. NCC. Die Gestalten Verlag. 96 Páginas

Un libro sin fondo. Un libro que no se acaba. Un volumen con miles, millones de posibilidades. Después de publicar Neu Weltbau, con magníficas siluetas de todo tipo de temáticas, llega este nuevo libro con muestras desarrolladas por el estudio Neubau durante el periodo comprendido entre 2005 y 2007. Objetos, símbolos, rejillas o plantillas, tanto digitales como analógicas –éstas últimas realizadas con lápices y trazo manual–, a través de los cuales se pueden generar infinidad de tipografías, gráficos, fondos, dibujos vectoriales etc.,y que están listas para ser aprovechadas por el diseñador gráfico en su trabajo cotidiano gracias al DVD que se adjunta con el libro. La única pega a toda esta maravilla es la dificultad para comprender y localizar la sección, modelo o muestra que se necesita. Un hecho que se debe a un uso excesivo y abigarrado del diseño, que provoca que la función de guía o catálogo de este libro quede eclipsada por la estética. Es aconsejable por tanto, disfrutar de Neubau modul sin prisas, urgencias, ni trabajos con timings muy ajustados.

Neubau modul. Electronic and analogue patterns. Stefan Ganld & Christoph Grünberger (Neubau). Die gestalten verlag GMBH. 306 páginas. Inglés

En este segundo volumen, Actar explora la senda del diseño gráfico holandés iniciada en 2001 con su primera entrega. Guiados por un súper héroe ataviado con un traje del característico color naranja de la selección de ese país, el lector se adentrará en disciplinas como la tipografía, el cartelismo, la gráfica con fines políticos, el diseño editorial y el diseño de espacios expositivos, entre otros. Los trabajos se presentan todos juntos, separados por categorías y, al final del volumen, se encuentra un who’s who con los autores de los mismos, imágenes de sus estudios y los datos de contacto.
Un interesante y ambicioso libro, muy laborioso debido a su profusión de imágenes y su gran labor de selección, que permite conocer lo que se está haciendo en un país como Holanda, con el que nos unen pocos lazos y elementos comunes pero que, en ocasiones, repite elementos, tratamientos o ejecuciones muy similares a las desarrolladas por estudios españoles. Un hecho que pone de manifiesto, una vez más, o bien esa eterna idea de las conexiones telúricas entre individuos creativos que no se han visto nunca, o bien que, a pesar de esa distancia cultural y geográfica, hay estudios que se gustan y se tienen echado el ojo mutuamente.

Super Holland Design. Varios autores. Actar. 232 páginas. Inglés

Como los turrones y los dulces navideños, un año más, llega a las librerías el tradicional Regional Design Annual 2007 de la revista Print. Un interesante catálogo que desgrana Estado a Estado lo que los estudios están haciendo a lo largo y ancho de Norteamérica. Carteles, packaging, implementación de marca, elementos promocionales, diseño editorial, cartelería... múltiples aplicaciones con ese genuino sabor americano que se deja notar especialmente en las ilustraciones, el uso de las tipografías e incluso en las gamas cromáticas. Un estilo muy diferente al que estamos acostumbrados en Europa y que, sin quitarle mérito a los norteamericanos que tan bien han sabido hacer esto del diseño, resulta un tanto anticuado y conservador. Unos magníficos trabajos, qué duda cabe, pero excesivamente ortodoxos y correctos en los que falta cierta dosis de riesgo, ruptura o irreverencia. Por cierto, la portada se parece mucho a la del Visual número 97 realizada por Santamaría hace ya tres o cuatro años.

Print. Regional Design Annual 2007. Varios autores. 320 páginas. Inglés

La incorporación a la Unión Europea de los países del antiguo bloque del Este, y la liberalización del transporte de personas, bienes y mercancías que ello supone, ha permitido que comiencen a llegar a nuestro país profesionales, trabajos y publicaciones de lugares hasta ahora tan próximos y, al mismo tiempo, tan lejanos como Polonia. Este es el caso de la revista 2+3D, cabecera publicada en Cracovia que muestra qué está pasando en el campo del diseño gráfico e industrial en esa parte del continente. En este número, 2+3D recoge artículos sobre diseño editorial y cartelismo, imagen corporativa y logotipos, creación de páginas webs, un reportaje sobre la diseñadora industrial Teresa Kruszewska, e incluso un exhaustivo artículo sobre heráldica, disciplina que aunque denostada por su rigurosidad y rigidez, tal vez sea una tatarabuela lejana de nuestro diseño gráfico actual. Además, para aquella minoría que no hable o lea polaco, 2+3D también está traducida al inglés.
2+3D. Varios autores. 96 páginas. Polaco / Inglés

Yashushi Fujimoto, director de arte japonés, responsable del diseño de más de 100 cabeceras, entre las que se encuentran algunas tan prestigiosas como Marie Claire, Vogue Nippon, GQ Japan o Brutus, firma este título en el que hace un repaso de una decena de los más influyentes creadores de diseño editorial de los últimos años. Perfiles de, entre otros, Christophe Brunnquell, David Carson, M/M, Work in progress y sus respectivas publicaciones, como Purple, Raygun, Vogue París o Self Service, respectivamente. Para ilustrar la biografía de los autores, el libro se completa con dobles páginas de las revistas e instantáneas de los escenarios en los que han visto la luz. Estudios y oficinas que transmiten la personalidad de sus habitantes y cuyos detalles, como mobiliario, libros o carteles, siempre resultan curiosos para los profesionales y aficionados al diseño que ven en esos elementos pistas sobre los referentes, aficiones de sus ídolos, en lo que a diseño gráfico se refiere.

The 10 influential creators for magazine design. Yashushi Fujimoto. PIE Books. 226 páginas. Inglés / Japonés

PIE Books presenta en este libro una amplia colección de trabajos cuyo elemento común es la renovación estética o de estrategia comunicacional de diferentes marcas de todo el mundo. Heladerías, hoteles, tiendas de ropa, comercios dedicados a la venta de chocolate, restaurantes, estudios de grabación y empresas de productos de belleza, entre otros muchos ejemplos, se suceden a lo largo de las páginas del mismo. En ellas se detallan diferentes elementos de su comunicación como logotipos, tarjetas de visita, sobres y papeles de carta, elementos promocionales, carteles, packaging, uniformes etc. Cada ejemplo, desarrollado en un mínimo de dos páginas y un máximo de seis, parte de la situación original y explica el cómo y el por qué de la solución final a la que se ha llegado. Lo más sorprendente de todo es que, tanto antes como después de la renovación de la marca, ésta presenta un magnífico aspecto, con un diseño exquisito y unas magníficas aplicaciones.

Re. Brand, facility local district. Design ideas for Re-Newal. Varios autores. PIE Books. 242 páginas. Inglés / Japonés

“La herramienta de comunicación más efectiva”. Con esas palabras definen los autores de este libro a los personajes y mascotas creadas por las marcas para dar a conocer sus productos. Consecuentes con ello, lo primero que han hecho a la hora de escribir este libro es crear a “Mr.C / copyright”, el personaje que decora la portada y nos da la bienvenida al mundo de los cientos de mascotas que pueblan sus páginas. Personajes pensados para llamar la atención de niños y adultos, que igual venden caramelos, promocionan camisetas, anuncian productos de belleza o conciencian de los beneficios del uso del servicio público. Creaciones en dos o tres dimensiones, antropomorfos o informes, de aspecto naïf o extremadamente académicos, “hijos únicos” o miembros de una extensa prole que se desgrana en las diferentes aplicaciones de la campaña o en la variedad de productos de la marca madre. Una diversidad asombrosa de criaturas, la mayoría de ellas para compañías radicadas en Japón, un de los países en los que la comunicación y el diseño han alcanzado altísimas cotas de desarrollo.

Character Design Today. 200 Powerful Characters and Applications. Varios autores. PIE Books. 232 páginas. Inglés / Japonés

El origami, la papiroflexia japonesa, es todo un arte de cómo plegar de manera creativa un papel con objeto de conseguir las más diversas formas. Desde aquellas que recuerdan a animales o cosas, hasta las más fantásticas e imposibles. El packaging es la disciplina industrial que más se parece al origami y, prueba de ello, es este nuevo título de PIE Books que, como es habitual en la editorial japonesa, concilia calidad, buen diseño y utilidad a partes iguales. En esta ocasión se trata de un libro dedicado en exclusiva al packaging en el que se recopilan un centenar de ejemplos con sus correspondientes diagramas de desarrollo, sus líneas de troquel y plegado. Además, se adjunta un CD en el que el diseñador podrá encontrar todo ese material listo para ser utilizado en sus trabajos pues, aunque la editorial advierta que el uso de algunos de esos diseños está sujeto a la autorización previa por parte de sus autores, a nadie se le escapa que, siendo como somos uno de los países líderes a escala mundial en el pirateo (y el consumo de cocaína), ese tipo de mensajes un español medio los tiene como no puestos.

Package Form and Design. Encyclopedia of paper-folding designs. Varios autores. PIE Books. 242 páginas. Inglés / Japonés

"De las exposiciones, lo mejor es el libro que queda". Quizá sea exagerada esta sentencia común, pero a menudo sucede que el catálogo puede salvar una exposición discreta, y no digo que sea el caso. La visita a una exposición tiene un beneficio espiritual, el que se consigue de la percepción única que se deriva del contacto con las piezas. Para el disfrute y la comprensión, personalmente prefiero el catálogo en la mayoría de los casos. Cuando además la exposición lo es en buena parte de reproducciones impresas, ni siquiera copias que remitan al original en tamaño, material, textura... no tengo dudas.
Así, de la exposición que se celebra en la biblioteca nacional lo que queda es este tomo, que es más libro que catálogo, en el sentido de que tiene entidad en sí mismo, y aporta información y lectura más allá de la referencia a las piezas y los autores.
Satué ha hecho un trabajo exquisito y documentado, y que a partir de la anécdota que son las piezas, se desarrolla en un tratado de tipografía que bien vale el esfuerzo de la exposición, en el entendido de que sin ella nadie lo hubiera editado, posiblemente. La conclusión, un ejemplar imprescindible.
La edición cultural se extiende en esta línea de la coedición paniaguada: una exposición genera libro bajo la responsabilidad de un editor, y por ese camino alcanza los recursos para hacerlo posible. Bien está. En este caso coeditan la Biblioteca Nacional, la Fundación Germán Sánchez Ruipérez y Siruela, con el arropo de la Dirección General del Libro, vía adquisición para bibliotecas. La salida al mercado es de 45 euros... ¿tanto? Siendo que suele haber de por medio compra oficial de ejemplares para aliviar las tristezas del editor, debería servir ello para que el precio fuera asequible... casi nunca sucede. La compra oficial es tanto más sustanciosa cuanto mayor sea el peuvepé, y así, cada vez con frecuencia mayor vemos cómo esas "coediciones" nunca son baratas para el comprador de librería, al contrario.
Y de la edición, cuesta decirlo porque estos libros son necesarios aun cuando se hagan mal, poco bueno hay que decir. El diseño es tosco y demodé, el tratamiento ortotipográfico deja mucho que desear, interlineados exagerados, ladillos centrados en caja alta... baste la composición del título en portada como ejemplo. Lástima, tratándose del contenido que se trata y de Enric, que no se merecía esto.

Arte en la tipografía y tipografía en el arte. Compendio de tipografía artística. Enric Satué. Ed. Siruela. 322 páginas. Idioma: español.

Es este un pequeño manual de dos en uno, con doble portada, dos títulos...
Por el anverso "Veintidós consejos sobre tipografía (que algunos diseñadores jamás revelarán)" y si le damos la vuelta, "Veintidós cosas que nunca debes hacer con las letras (que algunos tipógrafos nunca te dirán)".
Rompe mitos y quiebra convicciones, algunos no le perdonarán a Enric dar por buenos algunos trucos de perroviejo. Se lee de corrido en una tarde, y produce una sensación reconfortante: aunque quizá para el profesional no diga nada nuevo, leerlo negro sobre blanco sin poses ni parafernalias es de agradecer. Para estudiantes (aunque no lo recomendarán los profesores de tipografía), clientes, periodistas y cualquiera que tenga que participar mínimamente en la puesta en página de documentos escritos, resultará tremendamente útil.

Veintidós consejos sobre tipografía (que algunos diseñadores jamás revelarán) y Veintidós cosas que nunca debes hacer con las letras (que algunos tipógrafos nunca te dirán). Enric Jardí. Ed. Actar. 104 páginas. Idioma: español - inglés.

Desde su fundación, en 1982, Signes ha hecho de la señalética su forma de vida. Una labor a medio camino entre el diseño gráfico, el diseño industrial y la manufactura, cuya finalidad última es hacer realidad los trabajos de identidad de marca que los diseñadores han creado para sus clientes. Una labor empresarial, que compaginan con otras actividades de carácter social o humanitario desarrollados a través de su propia fundación, y que, tras más de dos décadas de trabajo, ha sido reconocida con el Premio Nacional de Diseño 2006.

Para celebrarlo, se acaba de publicar Signes 25.000 Km, un volumen que recoge la pasión de los miembros de Signes por el mundo de los rótulos y carteles a través de las miles de fotografías que Luis Morón y Carmen Revilla, responsables de la empresa, han ido recopilando a lo largo de sus viajes por todo el mundo. Un periplo que va más allá de lo puramente turístico para convertirse en un verdadero safari en el que van a la caza de aquellos rótulos que más llaman su atención. Trofeos que, tras difíciles negociaciones con sus dueños o autores, acaban colgados de la pared del garaje de su casa, tal y como demuestra la imagen que sirve de portada para el presente libro.

Además de su valor documental, Signes, 25000 Km es una suerte de cuaderno de viaje en el que Luis y Carmen toman apuntes y reflexionan sobre algunos temas relativos a los símbolos, los signos y los rótulos, como la conveniencia de la verticalidad o la horizontalidad de los pasos de cebra, el origen y dramática evolución de un signo como la svástica, la convivencia de la cruz, la media luna y la estrella de David, la comunicación no verbal, la historia de los semáforos, la evolución de los signos distintivos de los servicios públicos (de los urinarios, no de los entes estatales), e incluso aportan una interesante bibliografía acerca del mundo de los rótulos, aconsejando al lector curioso diferentes títulos que han tratado este tema de una o de otra manera, bien optado por la solución más visual y artística o por un sesudo ensayo filosófico.

Como colofón, el libro reproduce las respuestas de la gente de El Terrat a los mails que Carmen y Luis enviaban a sus amigos desde diferentes puntos del globo. Un simpático aderezo a este enciclopédico libro sobre señales, rótulos y carteles que seguro tendrá su continuación dentro de otros veinticinco años, con motivo de los cincuenta años de actividad de Signes.

Signes 25000 Kms. Luis Morón, Carmen Revilla. Ed. Signes.

"La colección de libros AAAAA muestra las formas de creación a través de las cuales los autores construyen sus mundos personales de interpretación de la cultura actual. Con sus distintos puntos de vista los creadores realizan una lectura de la sociedad, su cultura y su arte establecidos y consolidados. Resulta así una exploración conceptual y visual de la creación contemporánea animada por la búsqueda de nuevos lugares. La colección de libros AAAAA de Picnic quiere mostrar las posiciones multiformes con las que se aborda la cultura contemporánea". Así definen los editores en su web esta serie (actualmente de tres ediciones). Vaya bien que se autoidentifiquen como libros, pero a nosotros se nos antoja que estamos ante un fanzine: cabecera común, numeración de la serie y estructura de revista. Habida cuenta de que el ministerio no tiene aún programa de ayudas para fanzines, esconderlo tras la apariencia de libro, con su ISBN y todo, es una audacia.
La ausencia de sobrediseño y protagonismo gráfico, siendo los editores un estudio de diseño, casi sorprende y se agradece. Todo el peso descansa sobre las colaboraciones de cada autor; no hay espectacularidad (impreso en negro sobre papel hueso) y el tratamiento tipográfico es moderado y exquisito... ¡un fancine en Caslon, Clarendon... y Mrs. Eaves, con ligaduras y todo!
El único guiño, que no es concesión porque imprime carácter y diferencia, es la composición de una fotografía en el corte, formada por fragmentos en cada una de las páginas, lo que supone un alarde además de encuadernación cuidada (la producción gráfica es de Artes Gráficas Palermo).
Los contenidos a modo de portfolio, presentan entre otros a Sergio Jiménez y Botlek en el primer número, el Sr, García y Noaz en el segundo, o en la tercera entrega a Juan López y Cless.

AAAAA, 1, 2 y 3. Varios autores. Ed. Picnic. 96 páginas.