La crónica histórica no es un género de digestión fácil. Han descubierto los escritores que novelarla permite ciertas licencias, como primar el interés sobre el estricto rigor y resulta en algo más asequible, lo que se da en llamar divulgativo. Así, algo parecido sucede cuando se traslada al lenguaje de la historieta. Lo hacía Bruguera con aquellas novelas de texto en las páginad pares, viñetas en las impares. Es también un recurso de adoctrinamiento: casi todas las religiones y movimientos políticos echan mano del recurso antes o después, para acercar a los niños o quienes no leen tanto sus obras de cabecera como sus postulados. 
En un lenguaje de plano corto –hay algo de story board en la obra– y mínimo texto imprescindible, José Luis Forte, a los mandos del guión, y Enrique Flores, al dibujo, han contado la vida de Ñuflo de Chaves, el fundador de Santa Cruz de la Sierra; el conquistador que hizo campañas por el Paraguay y llegó hasta Iguazú. 

Hombre perdido. José Luis Forte

Ilustraciones de Enrique Flores. Ed. CEDEXI

56 páginas. Castellano

La reedición de este clásico  aporta un análisis de la tradición histórica deldesnudo femenino y de los discursos del arte feminista reciente, y, al explorar las formas en que seproducen y mantienen imágenes aceptables e inaceptables del cuerpo de mujer, renueva eldebate reciente acerca de la Cultura y la pornografía. Constituye la primera revisión feminista del tema más significativo en el arte occidental, al revelarcómo el desnudo femenino está situado tanto en el centro como los márgenes de la Cultura. En elcentro y dentro del discurso histórico sobre el arte, el desnudo femenino se considera laculminación visual de la estética ilustrada; el margen, corre el riesgo de perder respetabilidad ydesbordarse en lo obsceno.

El desnudo femenino. Arte, obscenidad y sexualidad

Lynda Nead. Tecnos Alianza Editorial

192 páginas. Castellano

En 1976 y 1977 Carlos Giménez colaboró con El Papus, revista para la que realizó algunas de sus páginas más comprometidas; viñetas políticas Esta recopilación de más de trescientas páginas cobra hoy un doble sentido: el de recuperar un género que apenas existe hoy, y descubrir a los ojos del lector inquieto que mucho de lo que entonces sucedía, en el más inmediato postfranquismo, está recuperando espacio en la sociedad de hoy: Los partidos políticos, la brutalidad policial, el poder económico, la penuria ecomómica... 
Los años decisivos de la Transición fueron una época convulsa, enmarcada por el antes y el después de las primeras elecciones generales. El país no terminaba de sacudirse el yugo franquista y lo amenazaban enemigos visibles e invisibles. El debate de la izquierda, que Giménez retrata sin cortapisas, se reduce aquí a una cuestión esencial: convertirse al fin en una sociedad nueva y abierta, o seguir ateniéndose a las servidumbres del poder económico y político.
Carlos Giménez (Madrid, 1941) es el autor más importante de la historieta española de las últimas tres décadas. Cronista de la transición política en la trilogía España, Una; España, Grande, y España, Libre (1976-1977) y autor del mejor retrato interior del mundo del cómic español en la serie Los Profesionales, es asimismo el máximo exponente del tebeo autobiográfico con las series Paracuellos y Barrio, o en obras como Rambla arriba, Rambla abajo. Además ha realizado, a lo largo de su dilatada carrera, algunos de los mejores cómics de ciencia-ficción como Dani Futuro, Delta 99, Hom o Érase una vez en el futuro. Ha recibido los galardones más importantes del mundo de la historieta como dibujante y como guionista, entre los que destacan la Medalla al Mérito de las Bellas Artes en su categoría de Oro (2003), el Gran Premio del Saló del Còmic de Barcelona (2005) y el Premio del Patrimonio del Festival de Angoulême por Paracuellos (2010).
De Carlos Giménez dice Felipe Hernández Cava, prologuista del libro: "Antes o después, volvemos a los clásicos, algunos de los cuales en el mundo de la historieta, pese a ostentar esa condición, están incluso demasiado próximos en el tiempo. Carlos Giménez es uno de ellos".

España Una, Grande y Libre

Carlos Giménez. Ed. Mondadori

286 páginas. 21x16cm. Español

Virus tropical es la primera novela gráfica de Paola Gavíria, donde presenta un mundo underground, rebelde y adolescente. Donde el carácter autobiográfico de pie al juego de desmitificar el sexo, el arte, la infancia, los amigos, la familia, la religión, el dinero, la adolescencia, el trabajo, el amor, los conflictos familiares y la búsqueda de la identidad. Narra la historia de Paola desde el origen de su vida, cuando su madre estaba embarazada hasta sus 18 años, momento en el que se independiza y se va de la casa que compartía con una de sus hermanas para salir al mundo y hacer su vida.
Nos ha hecho falta documentarnos –den un paseo por su página de flickr, merece la pena– para apreciar el ejercicio de contención que existe en este libro: se diría que intencionadamente, Paola exagera en él la impericia impuesta e impostora que supone dibujar como un adolescente. Las perspectivas simples, los rostros hieráticos, las expresiones planas de los rostros, todo para arropar conceptualmente –sí, conceptualmente– la narración. Valga para algunos que nos encontramos ante una historieta adolescente para adolescentes... sea, pero permanezcamos atentos. Porque de momento, es una puerta que se entreabre. Apostamos por una evolución que ha de interesarnos en el futuro.

Virus Tropical. Paola Gavíria (Powerpaola)

Ed. Monddori. 160 páginas. 15x21cm. Español

El texto de María José Ferrada (Chile, 1977) que obtuvo el Premio de Poesía para niños Ciudad de Orihuela 2012, da razón de ser a las ilustraciones de Zuzanna Celej, que es lo que a nosotros nos ocupa. Zuzanna es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y técnico superior en ilustración por la Escuela de Arte y Diseño Llotja de Barcelona. Se ha especializado en ilustración, fotografía artística y grabado. Su actividad profesional se centra en la ilustración editorial –con una veintena de obras publicadas–, que compagina con proyectos de pintura mural, exposiciones en salas de España e Inglaterra, y otra faceta docente en instituciones académicas como el Instituto Europeo de Diseño.
Estamos ante un ejercicio de delicadeza. Ilustrar poesía –y poesía infantil en mayor medida, si cabe– es siempre una disyuntiva. Competir con el texto en un discurso que transcurra en paralelo es una primera opción. La segunda, mucho más difícil y que exige un ejercicio de humildad, es la de realzar la propuesta poética y trabajar para ella. Este es el caso. La ilustración de Zizanna Celej es intimista, pausada, recreándose en la acuarela en una atemporalidad que hoy, por escasa, resulta casi novedosa. Conforma con el poemario de Ferrada una obra compacta, donde la suma de dos es exponencial. La cuidada edición se suma a la fiesta donde, acaso sólo y por poner un pero, se echa de menos un papel más comprometido: la acuarela y el estucado nunca se han llevado bien. Como la poesía y la letra de palo. En cualquier caso, que no empañen estas consideraciones de grafista pejiguero el interés enorme de este libro.


El idioma secreto. María José Ferrada / Zuzanna Celej (ilustraciones)
Faktoría K de Libros. Ed. Kalandraka. 58 páginas. 15x23,50cm

El cortometraje de animación premiado en los oscars de 2009, Logorama, basado en el uso de logotipos y marcas, se convirtió en un punto de referencia para la cultura corporativa. Concebida por el estudio de diseño parisiense H5, la película narra la historia contemporánea a través de los productos y servicios que nos rodean en la vida cotidiana. Ludovic Houplain, director del estudio y codirector de la película, acometió un exhaustivo proyecto de investigación de un año de duración que le llevó a coleccionar más de 40.000 símbolos y marcas comerciales que representan el mundo actual.
El monumental archivo reunido por Houplain sirve de fundamento para este manual de referencia, lo último sobre logotipos, donde se incluyen en torno a 7.000 ejemplos organizados alfabéticamente, con información sobre sus diseñadores, año de creación, país, marca y empresa. Además, el libro presenta un exhaustivo ensayo crítico acerca de la cultura de las marcas realizado por el filósofo francés Gilles Lipovetsky y una introducción de Ludovic Houplain en la que explica el proceso de creación del filme Logorama, desde su concepción hasta su finalización.
Ludovic Housplain es el fundador de H5, un estudio de diseño multidisciplinar fundado en 1996 en París. Su trabajo como creativo para instituciones musicales y culturales, así como para la industria del lujo y la publicidad, ha dado lugar a colaboraciones con grandes nombres como Air, Dior, el festival de Cannes, Audi y Citroën, entre otros muchos.   

Logobook. Ludovic Housplain

Ed. Taschen. 776 páginas. 16,80x24cm

Varios idiomas

El arte abstracto se abrió camino en España cuando, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el Régimen se vio obligado, para subsistir, a perder parte de su retórica fascista. Frente a las tradiciones académicas, al contrario que el arte más político, lo abstracto podía situarse más allá de cualquier ideología, asumir una condición moderna (muy apreciada en las exposiciones internacionales) y enlazar con la gran tradición pictórica española, de Velázquez a Goya. Fue esto lo que propició que, durante un tiempo, la pintura abstracta fuera el arte oficial de la España franquista. Todo esto tuvo lugar en el marco del proceso de separación radical entre cultura y política que se dio en Occidente a partir de 1945, y que favoreció el espectacular reciclaje del régimen de Franco. 
A partir del análisis de la política expositiva, la crítica y la historiografía del arte abstracto en la España de posguerra, este libro explora las razones por las que el informalismo se consideró un movimiento artístico principal y, además, se entendió como una síntesis de las tradiciones artísticas españolas.

La idea de arte abstracto en la españa de franco

Julián Díaz Sánchez. Ediciones Cátedra

344 páginas. 15x21cm.. Español

En este "Pequeño diccionario visual de términos arquitectónicos", un manual sencillo y accesible, manejable y fácil de trans­portar, que permitirá entender mejor los elementos de la arquitectura mediante definiciones precisas e ilustradas que facilitarán su rápida comprensión. Cada término, además, aparece traducido al inglés, francés, alemán e italiano.En total se incluyen más de ochocientos vocablos básicos relacionados con el arte y técnica de proyectar y diseñar edificios. 
Especialmente interesantes son las ilustraciones de José María Martínez Murillo, que con un academicismo sin concesiones –lo que se espera de un diccionario, por otra parte–  y asistido en las infografías por Lorenzo de la Plaza, recupera un género que aunque no esté precisamente en boga, es imprescindible seguir cultivando.

Pequeño diccionario visual de términos arquitectónicos

Adoración Morales / J. María M. Murillo

Ed. Grupo Anaya. 240 páginas. 17,30x12,50cm.

Español

Aunque toda elección comporta un riesgo, decidir en tipografía no puede quedar al albur de la subjetividad sin más. Los 44 análisis tipograficos que presenta Max Caflish en este libro son el resultado de la experiencia, la investigación y el conocimiento desde Gutenberg hasta Slimbach. No se trata de opciones caprichosas basadas, como a veces ocurre en este tipo de estudios, en la intuición, sino que el lector encontrará en todos y cada uno de los capítulos en ocasiones una sutileza histórica, en otras una valoración estética, y siempre un analisis exhaustivo de aquellos caracteres que han conformado la columna vertebral de la historia de la tipografia desde la aparición de la imprenta. Estamos en realidad ante un recopilatorio de artículos escritos para revistas o libros a lo largo de la carrera de Caflisch, que para este libro han sido retocados o reescritos conformando un cuerpo homogéneo.
Desde el Renacimiento hasta la era de la impresión digital las exigencias de legibilidad para la letra impresa son las mismas. Las propiedades fisiológicas del ojo humano no han variado. Y si no se respetan las leyes de la legibilidad, el inconsciente del lector no habituado tipográficamente se defiende y su rechazo convierte la palabra impresa en molesta legibilidad y el consecuente abandono del placer de la lectura.
Max Caflisch, reconocido especialista entre la elite tipográfica internacional, ha investigado importantes escrituras tipográficas del pasado y las ha comparado con obras maestras del Renacimiento, del Barroco y del Neoclasicismo. Ha diseñado el tipo de adorno Columna, y entre sus publicaciones destacan Typographie braucht Schrift, F.H. Ernst Schneidler, Schriftentwerfer, Lehrer, Kalligraph y Schriftanalysen.


Analisis tipográficos. Max Caflisch
Ed. Campgràfic. 544 páginas. 28,50x22,80cm
Español

Quico Vidal nació en Palma de Mallorca. Vive en Madrid, donde trabaja como consultor de marca, estrategia y dirección creativa. Dirige Nadie. The creative think tank, consultora que fundó en el año 2004. Entre los años 1990 y 1995 participó en varias exposiciones individuales y colectivas de escultura, en Madrid y Mallorca. Quico es un activista de la comunicación, en la que ha estado del lado del cliente, de la agencia y de la cultura.
Fui Yo es, dice Quico, "algo parecido a una actualización de ese 'yo' que empezó a dibujar sus páginas y a ejercer de escultor a tiempo parcial, en los días en que empezaba a trabajar como creativo publicitario". Sacados de sus cuadernos de dibujo entre 1990 y 2000, se trata de apuntes gráficos viscerales –pintura, plumilla, recortes, fotografías ajenas– que mezcla y superpone. No hay explicación ni afán de ser entendido, cada pieza es tal cual se muestra. Al final se trata de un ejercicio íntimo que, puesto al descubierto, cobra en el conjunto un significado: El que cada uno quiera darle. Y el del autor, que lo toma como la costura que trata de cerrar la brecha entre el que dibujó y el que dejó de hacerlo. Y que ahora, vuelve a dibujar.


Fui yo. Quico Vidal
Ed. La Fábrica. 160 páginas
14,8x21cm. Español Inglés

Siguiendo el modelo de Escondite/La isla del diablo de Alexis Nolla, Apa Apa acaba de publicar un nuevo cómic doble, pero esta vez son dos los autores implicados: Sergi Puyol e Irkus M. Zeberio.
Ambos comparten generación y rasgos de estilo: son dibujantes que rompen con los cánones naturalistas y se introducen en la vanguardia más radical, en la línea de muchos de los autores que publica la editorial Nobrow —de hecho Zeberio ha publicado con ella—, o de Olivier Schrauwen, por ejemplo. Ambos ponen un cuidado especial en las tipografías manuales, y el uso del color también es muy audaz, limitando las paletas de colores a tres o cuatro tonos cada uno. Por eso, y también por la cuidada edición de Apa Apa, Dictadores es un cómic que, como objeto, es tremendamente atractivo; es, como los Jaimitos de ¡Caramba!, una forma de reivindicar el formato de cuaderno grapado en otro contexto, libre de nostalgia y completamente actual.
Sergi Puyol dibuja Francisco, una historia en la que desubica a Francisco Franco y lo sitúa en un ambiente indefinido, de ciencia ficción, en el que debe hacer frente a una invasión alienígena con tan solo un proyector holográfico, un fusil viejo y doce soldados como ayuda. Por supuesto, la historia no tiene ni pies ni cabeza ni lo pretende, aunque puede seguirse sin dificultad. El dibujo de Puyol, lleno de líneas rectas y espacios geométricos, recrea un mundo frío e indefinido en el que Franco está tan perdido como cabría suponer.
Por su parte, Irkus M. Zeberio manda a Leopoldo II, rey de los belgas, a una imposible misión al corazón de África. Aunque el rey sí está en su época, al contrario que Francisco, la sensación de extrañamiento es muy similar a la que hay en la historia de Puyol. La jungla de Zeberio es un lugar alucinado pintado de rojo y amarillo y poblado de figuras que son masas de color sin líneas que las delimite. Se nota que en cada página ha querido hacer algo diferente, exprimiendo al límite el espacio con el que cuenta. La trama es más críptica que la de Francisco, y, aunque hay una historia, es un cómic sensorial antes que narrativo, o así lo he interpretado yo.
Como en el tebeo de Nolla, éste debe girarse para leer las dos historias, que se fusionan en el centro del cuadernillo de un modo original y brillante. Es una muestra perfecta, en definitiva, de lo que se está cociendo ahora mismo en el cómic español, en la penúltima generación de autores, para los que la libertad creativa no es una conquista, sino una condición de partida irrenunciable.
Por su parte, Irkus M. Zeberio manda a Leopoldo II, rey de los belgas, a una imposible misión al corazón de África. Aunque el rey sí está en su época, al contrario que Francisco, la sensación de extrañamiento es muy similar a la que hay en la historia de Puyol. La jungla de Zeberio es un lugar alucinado pintado de rojo y amarillo y poblado de figuras que son masas de color sin líneas que las delimite. Se nota que en cada página ha querido hacer algo diferente, exprimiendo al límite el espacio con el que cuenta. La trama es más críptica que la de Francisco, y, aunque hay una historia, es un cómic sensorial antes que narrativo, o así lo he interpretado yo.
Como en el tebeo de Nolla, éste debe girarse para leer las dos historias, que se fusionan en el centro del cuadernillo de un modo original y brillante. Es una muestra perfecta, en definitiva, de lo que se está cociendo ahora mismo en el cómic español, en la penúltima generación de autores, para los que la libertad creativa no es una conquista, sino una condición de partida irrenunciable. (Reseña: Gerardo Vilches / entrecomics.com)


Dictadores: Francisco y Leopoldo
Sergi Puyol e Irkus M. Zaberio
Ed. APA-APA. 36 páginas. 16x22cm
Español

La colección Sopa de Libros de Anaya mantiene un diseño caduco y férreo al que sigue siendo imposible acostumbrarnos. Un diseño más propio de manuales de autoayuda o libros fáciles de márqueting –sí, esos que leen los ejecutivos que no leen–, pero alejado de la literatura infantil y juvenil que sus libros albergan. Un diseño que acaso funcione en los estantes de las librerías y las mesas de novedades, pero que envejecerá mal, como sucede tantas veces, en las casas de los lectores.
Este poemario consta de treinta poemas de Cecilia Pisos en forma de coplas –cuartetas de versos octosílabos– que juegan con la fantasía y el imaginario infantil para describir o reflexionar sobre cosas tan cotidianas como un reloj o un espejo; sobre elementos de la niñez, como un yoyó, un avión de papel o personajes de cuento; o sobre animales tan diferentes como una mariposa, un cuervo o una rana. Hasta aquí, las páginas pares.
Las impares las ocupan las ilustraciones de Juan Vidaurre. Herederas de sus collages objetuales, esta vez prima la sencillez del trazo y la mancha, y sólo en alguna ocasión interviene alguna fotografías recortada. Sin estridencia, los dibujos dialogan con los poemas suavemente, sin importunarse. Tanto, que la lectura por separado de pares e impares, textos e ilustraciones, es perfectamente válida. Helicópteros que son cucharas, códigos de barras que se trocan peines, interrogaciones como colas de lagartijas... Como otras veces vimos en sus libros anteriores, el autor traslada al lenguaje sin palabras los recursos literarios de siempre: calambures, aliteraciones, metonimias, hipérboles, etc.


Soplacoplas. Cecilia Pisos y Juan Vidaurre
Ed. Anaya. 80 páginas. 13,2x20cm. Español

John Alcorn (1935-1992) fue un célebre diseñador gráfico e ilustrador norteamericano. En sus inicios trabajó para Esquire, CBS y fue uno de los miembros fundadores de Push Pin Studios junto con Milton Glaser y Seymour Chwast. Diseñador de un buen número de portadas de libros, también ilustró y diseño diversos libros infantiles y fue el diseñador de los carteles y de los títulos de crédito de algunas de las películas de Federico Fellini. 

En 1962, junto a Murray McCainse se planteó cómo contarle a un niño lo que es un libro. Y lo hicieron, precisamente con este libro. Hoy está considerada una de las obras más preciadas en la historia del libro ilustrado infantil.

A través de un rítmico juego textual y visual de preguntas, respuestas, aseveraciones y exclamaciones, Alcorn y McCain proponen al lector el pequeño lector su respuesta: que el libro es objeto, industria, texto, lenguaje, conocimiento, emoción, aprendizaje, diversión, tipografía, lectura, imagen, diseño, edición y, en definitiva, una ventana abierta a todo.

Pero además, este pequeño volumen que GGili reedita ahora en castellano y catalán, es un referente entre los editores de libros infantiles. Impreso a tres tintas, azul oscuro, rosa fluorescente y amarillo (estos dos últimos, superpuestos, actuan como cuarto color, un rabioso naranja), es un exquisito juego de tipografías e ilustraciones, que se mantiene intacto con respecto al original. Un trabajo, el de la adaptación gráfica a nuestro idioma, exquisito al punto de que merecería saberse a quién es debido. Entretanto, conformémonos con agradecérselo a María Serrano, su editora.

En 1962 la versión original les valió a los autores el reconocimiento del American Institute of Graphic Arts (AIGA) como uno de los 50 mejores libros del año. TAmbién entonces fue premiado como mejor libro infantil del año por el New York Times.

¡Libros!

Murray McCain y John Alcorn

Ed. Gustavo Gili. 48 páginas. 12x17,8cm

Español

“Jesús Ordovás, el crítico musical más influyente de este país, comparte por primera vez con los lectores su excepcional colección de recortes, discos y objetos fetiche del pop español. Una historia gráfica escrita con la participación, entre otros, de Pedro Almodóvar, Alaska, Kiko Veneno, Eva Amaral, Nacho Vegas... Década por década, desde 1970, es un viaje de más de cuarenta años que es en realidad el viaje de nuestra vida.
Con más de 400 fotografías, un Quien es quién del pop español y 30 cuestionarios manuscritos contestados por 30 estrellas del pop. El 16 de Octubre de 1977 Carlos Berlanga y Nacho Canut se encontraron en el Rastro con Alaska y El Zurdo en el que se considera origen de lo que más tarde sería La Movida. De aquel primer contacto...” así arranca la nota de prensa que acompaña al ejemplar, y es que este no es un libro para diseñadores. Y sin embargo, es una recopilación indispensable de elementos gráficos para entender cuatro décadas del diseño en nuestro país. Aunque cuando se habla del pop español todos admitimos que la música es el eje central, no se puede entender como un fenómeno sólo musical: alrededor el cine, la fotografía, la ilustración, la gráfica y la edición conforman un todo en el que se cruzan y entremezclan, conviven y comparten un espíritu común.
Así, quizá el exponente más claro lo tenemos en Víctor Coyote, de quien se diría que entiende
la música y el diseño como una misma cosa, dos expresiones de un mismo fenómeno. Además, encontraremos piezas impagables de Juanjo Sáez, Carlos Pueyo –diseñador de cabecera de Alaska durante años–, Max, el Hortelano, Ana Juan, Alberto García-Alix, Ouka Leele, Ceesepe, Gatti, Miguel Ángel Martín, Jerónimo Álvarez, Jesús Ordovás, Jorge Arévalo, Leviathan, Javier Aramburu, Mauro Entrialgo, Ipsum Planet, Labanda, Pedro Pan, Juan Pascual, Óscar Mariné... Y estos son los que se mencionan en el libro o hemos identificado, porque de la mayoría de las piezas es difícil conocer su autoría.
Especialmente interesante es la parte referida a las revistas. Permite reencontrarse con aquellos primeros números de Neomanía, (origen de la actual Neo2); Madrid me Mata, diseñada y coeditada por Óscar Mariné, La Luna o Madriz, Ruta 66, sin dejar de lado los fanzines fotocopiados. Los flyers
y las entradas a conciertos tienen también su espacio.
En definitiva, estamos ante un ejemplar imprescindible para diseñadores. Aunque no sea para diseñadores.

Viva el pop. Jesús Ordovás 

Lunwerg . 240 páginas. Castellano

Alrededor de la crisis han proliferado como género propio los libros de análisis y propuestas. No hay ya librería que no tenga un apartado dedicado al tema. En clara referencia a Indignaos, de Stéphane Hessel, el dibujante y humorista Malagón propone este ¡Cabreaos!, prolongado por Forges.
En palabras del propio Forges, “en la tarea colectiva de las artes creaivas, una de las mayores inquietudes de los creadores al llegar a una edad pelín provecta es hallar la seguridad de que su forma de crear, de ver el mundo, va a tener continuación, si no totalmente, sí parcialmente en algún cohumorreligionario más joven”. Viniendo de quien vienen, podría pensarse que estas palabras son sólo el halago comprometido cuando de prologar a un colega se trata, pero son algunos más. Malagón es uno de esos pocos especímenes de nueva generación entre los humoristas ácidos y comprometidos, esos pocos que mantienen la tradición de una generación entera de sacudidores que en el segundo franquismo y la transición mantuvieron alertas y cabreados a los que mandaban. La falta de relevo puede atribuirse al consabido “eran otros tiempos”, pero parece que está más que justificado recuperar el género. De ser así, Malagón es un exponente indispensable.
Se trata de un libro de viñetas en formato muy periodístico, perfectamente funcionarían en  blanco y negro, y textos breves y contundentes, se diría que sentencias.
A modo de introdudción, Malagón propone –como hiciera Stéphane Hessel– un manifiesto, que concluye con el siguiente párrafo: “El cabreo que de ser el motor del cambio. Abandonemos nuestro acomodado enfado frente a la televisón y pasemos al siguiente estado de ánimo: un creciente y cada vez más generalizado cabreo frente a la pérdida paulatina que sufrimos de nuestros derechos más básicos o la privación de nuestra posibilidad de reivindicarlos. Ha llagado el momento, cabréense”.

¡Cabreaos! Se ríen por encima de nuestras posibilidades. José Rubio “Malagón”

Ed. Deusto. 134 páginas. Castellano

La historia se desarrolla en un edificio cualquiera. Sus habitantes van y vienen, se encuentran unos con otros, hablan, sueñan, tienen esperanzas... En definitiva, viven. Un fantasma, que toma la forma de un conejo blanco, deambula de un apartamento a otro espiando a todos sus habitantes, a la vez que experimenta sus sensaciones: angustia, tristeza, muerte... Pero algo vive bajo los hogares, una negra y extraña forma conocida como “La Gran Oscuridad”. El conejo la visita cada noche para conectarla con los habitantes del edificio y para que a su vez ésta pueda alimentarse de sus sueños y mantenerse viva. Gialdelli recrea a lápiz las oscuras estancias y los paisajes urbanos donde sucede la acción, con personajes hieráticos que conforman una narración intimista con tendencia al desasosiego.
Con una inteligente utilización de las  luces, el color es un recurso que emplea mesura, prudentemente, sin estridencias. La delicadeza de esta ilustradora –ha hecho también series de animación, ilustración en prensa, diseño de alfombras y estampados para Alchimia y Memphis, y de objetos para Alessi y Swatch– se completa con personajes sólidos y creíbles, retratados con un expresionismo formal que es sello de identidad de esta obra. La edición por parte de Sins entido como es habitual, especialmente cuidada en los aspectos gráficos.

Interiorae. Gabriella Gialdelli

Sins entido. 144 páginas. Castellano.

No es poca la pereza que a los diseñadores les provoca acercarse al libro electrónico como un terreno nuevo a explorar: la ausencia de “control” sobre el diseño final, la limitación en las posibilidades, la parquedad de recursos, los discretos resultados... Pero los ebooks están aquí, y han llegado para quedarse. Quizá ha llegado el momento de enfrentarse a ello, y el primer paso será conocer la herramienta. Nos encontramos ante un manual sencillo y muy didáctico para la primera aproximación a la preparación de documentos para eReader, utilizando la aplicación InDesign para su confección.
El libro consta de tres partes bien diferenciadas. En primer lugar, una aproximación a InDesign, que arranca desde la instalación del programa, contenido de menús... Se diría que es casi un manual de uso, al que se le añaden nociones básicas de maquetación.
La segunda parte se refiere al formato ePub, aproximación a HTML y CSS. La última parte del libro se destina propiamente a los libros electrónicos, formatos, e incluso consejos para publicar y vender un ebook.
Hay que concluir que este no es el libro definitivo para convertirse en diseñador de libros electrónicos, pero constituye una primera aproximación necesaria. Esa función la cumple sobradamente. Alguien dijo una vez que los textos que se leen por placer deben publicarse con tipografías de tacón, y los que se leen por necesidad, en letra de palo. Este libro es de letra de palo.

Ebooks. Creación y diseño de libros electrónicos. Mª Amor Fernández

RC Libros. 186 páginas. Castellano

“La niña de rojo” es una versión moderna del cuento clásico de Caperucita Roja. El relato de Aaron Frisch, que narra el accidentado viaje de Sofía en un día de tormenta, recoge los principales argumentos narrativos: la abuela enferma, el bosque oscuro, el lobo malvado y la niña de abrigo rojo.
Las ilustraciones de Roberto Innocenti, precisas hasta el más mínimo detalle, muestran la gran ciudad como un territorio caótico, desigual, peligroso. Y en el corazón de ese laberinto de calles y edificios se encuentra la selva, un lugar multiétnico repleto de color y vida, la máxima expresión de la sociedad del consumo, la comunicación y la tecnología; con todos sus defectos, de los que se plantea una crítica contundente.
La estructura de las páginas tiene mucho de storyboard, escenas de plano con el texto en cuadro aparte.
Roberto Innocenti es un ilustrador de oficio, inició su trayectoria artística en un estudio de animación; también trabajó en la diagramación de libros y el diseño de carteles para cine y teatro.

La niña de rojo. Texto de Aaron Frisch. Ilustraciones de Roberto Innocenti

Kalandraka. 40 páginas. Castellano

Los anuarios de ilustradores  han sido género de éxito durante décadas. En cada país se editaban y era imprescindible no quedarse fuera, pues las agencias de publicidad y las editoriales  los tomaban como referencia ineludible a la hora de contratar. Eran también valorados muy especialmente en el extranjero –aquí, los americanos, japoneses e ingleses, fundamentalmente– como elementos de inspiración. Entonces llegó internet, y todo cambió. Aquellos tomos exquisitamente editados y caros, muy caros, no podían competir con las listas de enlaces y los blogs de referencia. Después fueron las redes sociales y las webs de archivo, como Pinterest o Flickr. Aquellos recopilatorios parecían haber perdido sentido.
Las editoriales rompían el férreo criterio de clasificación territorial y por autores, y establecían nuevos órdenes subjetivos y temáticos para componer sus recopilaciones.
Ilustradores Españoles sigue formalmente la estructura de aquellos anuarios. Una o dos páginas dedicadas a cada ilustrador, orden alfabético, un breve texto biográfico y esmerada reproducción de las ilustraciones en un papel estucado mate que las realza.
139 ilustradores conforman una recopilación representativa y heterogénea, dispar en estilos y sin concesiones oportunistas.
En ella la que consagrados y jóvenes talentos comparten páginas en igualdad de condiciones. Desde Arnal Ballester, Enrique Flores, Fernando Vicente y Ulises Culebro a Jorge González Molinero, Carla Berrocal, Rocío Cañero o Javier Jubera.
El volumen se completa con una introducción histórica de la ilustración en España, a cargo de Mario Suárez, autor también de la selección.
Es a la postre un formato que parecía desaparecido, y en su recuperación se demuestra que sigue teniendo su espacio. Quizá la cantidad de nuevos ilustradores y su visibilidad constante y reiterativa a través de la red sea precisamente lo que genere ese espacio. Si hace unos años se trataba de dar a conocer lo que se hacía, quizá ahora toca seleccionar lo que destaca.

Ilustradores Españoles. Dibujos, formas y colores que harán tu vida más bella 

Mario Suárez. Lunwerg, 2013. 117 páginas. Castellano

La ilustradora Elena Hormiga realiza su personal visión de una historia tradicional de Papúa Nueva Guinea. En ella un pescador emprende un largo viaje para averiguar si el sol y la luna son dos seres diferentes o solo uno.

La aportación de Hormiga a esta leyenda son ilustraciones de gran formato, realizadas con una paleta de color limitada pero muy bien aprovechada que mezcla los negros y grises con toques de azul y unos personajes de gran expresividad.

El trabajo que aunque orientado al público infantil puede resultar incluso más atractivo para el público adulto, fue reconocido con el Premio Internacional Álbum Ilustrado Edelvives 2012 por un jurado en el que, entre otros, se encontraban las ilustradoras Rébecca Dautremer y Ana Juan.

Ahora solo queda esperar los próximos trabajos de esta Ingeniera Superior Informática que tras desempeñar diferentes ocupaciones decidió dedicarse al mundo editorial con muy buen criterio, todo sea dicho.

El hombre que quiso conocer a la luna. Elena Hormiga

Edelvives. 36 páginas. Castellano

La obra del Marqués de Sade siempre está de actualidad. Sin embargo, las ilustraciones que para esta edición ha realizado Miguel Ángel Martín la hacen aún más moderna e inquietante. Además de porque es complicado imaginar un ilustrador que pueda recrear mejor las acciones descritas por el Marqués, porque su visión del clásico hace que imposible discernir si la obra se desarrolla en el siglo XVIII, en el XXI o en un futuro cercano.

Impreso en negro y rosa, el libro se aleja del clásico volumen ilustrado en el que los dibujos aparecen transcurridas un determinado número de páginas, haciendo que los dibujos se integren en la narración y la maqueta, formando un todo homogéneo.

Martín, responsable también de la adaptación y la edición del texto, consigue hacer que este clásico, lejos de ser una edición más de “Los 120 días de Sodoma”, resulte lo suficientemente nuevo y atractivo como para que merezca la pena tenerlo junto a otra edición del mismo título.

Los 120 días de Sodoma. Marqués de Sade

Reino de Cordelia. 394 páginas. Castellano

Kalandraka presenta esta versión infantil de la famosa obra de Vivaldi, que cuenta con los textos de José Antonio Abad Varela y las ilustraciones de Emilio Urberuaga.

El libro narra la historia de una ardilla que va recorriendo diferentes lugares y viviendo múltiples aventuras, mientras el paso del tiempo va dando lugar a la primavera, el verano, el otoño y el invierno.

El libro se completa con un CD en el que la violinista Sarah Chang interpreta la obra, y al que se hace constante referencia en el texto incluyendo el número de pista y el minutaje del tema que se está interpretando en cada momento, para que el niño vaya siguiendo la música y asociándola a las diferentes situaciones que se narran, como la caza del zorro, la siega, la lluvia de invierno o las tormentas de verano.

Un libro perfecto para que los más pequeños comiencen a familiarizarse con la música clásica y mucho mejor ilustrado que los productos que con este fin han surgido, por ejemplo, de entes como RTVE y su colección de Clásicos Populares para niños.

Las cuatro estaciones. Vivaldi, Emilio Urberuaga y José Antonio Abad Varela

Kalandraka. 48 páginas. Castellano

Antes de dedicarse por completo a la literatura, Georges Perec era archivero. Tal vez esa obligación por siglar, clasificar y guardar cosas hizo que, en  octubre de 1974, Perec decidiera verter en un libro todo lo que acontecía en la plaza Saint-Sulpice de París.

Durante tres días, el escritor anotó los más mínimos detalles sobre la gente que pasaba, los vehículos que circulaban, el cambiar de las nubes, los movimientos del sol, los fenómenos atmosféricos, el volar de los pájaros... Detalles cotidianos que, si los analizamos en conjunto, tienen la apariencia de la más absoluta nada pero que son los que conforman nuestra vida cada día.

Esas observaciones dieron lugar a “Tentativa de agotamiento de un lugar parisino”, libro publicado ahora por Gustavo Gili, que sigue el camino emprendido por otros artistas en su afán por describir el paso del tiempo y los cambios experimentados por aquellas cosas que parecen inmutables como Andy Warhol y su cinta “Empire” o los cuadros de Monet sobre la catedral de Ruán.

Un libro que debe ser leído atendiendo al momento histórico en el que surge y en el que la arquitectura y el urbanismo eran objeto de diferentes debates, como los emprendidos por los internacional situacionistas para mejorar la calidad de vida de las ciudades, a través de métodos de análisis y obtención de datos como las “derivas”.

Tentativa de agotamiento de un lugar parisino. Georges Perec

Gustavo Gili. 64 páginas. Castellano

Libro sencillo en apariencia pero complejo en su contenido que gira en torno a la muerte y el dolor provocado por la pérdida de un ser querido.

Cuando el padre de Harvey, el niño protagonista, fallece de un repentino ataque al corazón, la familia se sume en una situación complicada de asimilar por parte de Harvey y su hermano. Para superarla, el primero comenzará a relacionarse con Scott Carré, personaje principal de la película “El increíble hombre menguante”.

Aunque en un primer momento la historia de Harvey resulte ser el mayor aliciente de este libro, en realidad es el modo de contarlo y especialmente los dibujos que la acompañan lo que realmente hace de este libro un trabajo especial. Ilustraciones repletas de texturas, muy expresivas y con una paleta de colores muy limitada en la que abundan los colores ocres muy poco saturados, hacen de Harvey un libro diferente en cuyas imágenes hay mucho de lenguaje cinematográfico y no solo por sus logradas e ingeniosas recreaciones de la famosa película de la Universal antes mencionada.

Harvey. Hervé Bouchard y Janice Nadeau

Sins Entido. 168 páginas. Castellano

Catálogo que recoge los trabajos expuestos en la muestra “Maestros de la cerámica y sus escuelas” realizada en Zaragoza y en la que diez artistas presentaban obras inspiradas en la obra de Ángel Garraza.

Esta propuesta, realizada en años anteriores con otros autores como Arcadio Blasco y Enric Mestre, es una magnífica oportunidad para conocer cuáles son las tendencias estéticas y artísticas que se están desarrollando en la cerámica actual y que nada tienen que ver con los acabados, temáticas o formas a las que estamos acostumbrados.

De hecho, los trabajos que se recogen aquí demuestran que la cerámica ha dejado de estar vinculada a la artesanía para dar el salto al mundo del arte, tanto en lo estético como en lo conceptual, como demuestran las propuestas de, por ejemplo, Bianca Trifán, Miren Mendizábal, Maite Leyún.

El libro se completa con obras del propio Garraza en las cuales se han inspirado el resto de artistas, una entrevista con él y textos sobre cada uno de los autores.

Maestros de la cerámica y sus escuelas. Ángel Garranza

Taller-Escuela Cerámica de Muel. Varios autores
Castellano. 120 páginas

El presente título incluye los trabajos de fin de carrera de los alumnos de la licenciatura de arquitectura de la universidad madrileña de la promoción 2011-2012.

Propuestas para mejorar nuestra vida y nuestro entorno surgidas de una nueva generación de profesionales que, aunque son conscientes del mal momento que vive nuestro país y otros países de nuestro entorno, encaran su tarea con ilusión y una visión renovada de la arquitectura que incluye conceptos antes ignorados o no lo suficientemente atendidos como la ecología, el desarrollo sostenible y responsabilidad para con la sociedad de la que forman parte.

Llama también la atención, especialmente para los profanos de la arquitectura, incapaces de interpretar planos, la manera en que los alumnos presentan sus trabajos. En ese sentido, el libro es un interesante ejercicio en el que es posible ver cómo diferentes proyectos tienen diferentes estéticas según el sector al que vayan dirigidos, por ejemplo, un teatro, un taller de reparaciones o un centro de talasoterapia.

Como todo ejercicio académico, muy posiblemente ninguno de estas propuestas lleguen a materializarse; pero no se puede descartar que alguno de los alumnos participantes acabe siendo un arquitecto de renombre en el futuro. Estaremos atentos.

En tránsito IV. 2011-2012. Varios autores

Universidad Europea de Madrid. 232 páginas. Castellano e inglés

“Un diccionario de símbolos es una empresa demente propia de un personaje de Borges”. Esta frase de Juan-Paul Clébert abre esta obra imposible, este mar sin orillas, emprendida por Federico Revilla publicada hace más de veinte años y que ahora estrena su octava edición.

Con casi trescientas voces nuevas, lo que hace un total de 3.305, este diccionario es un útil e interesante libro para investigadores o lectores en general que quieran conocer qué significados se ocultan en edificios, esculturas, pinturas, creaciones literarias y otras obras de arte.

Su lenguaje sencillo y su amplitud de miras a la hora de incorporar términos o referencias recientes –como Sara Bernhardt, Silicon Valley, Pelé, El Principito de Saint Exupery, El extranjero de Camus, El Valle de los Caídos, los juegos de rol...– lo hacen cercano, accesible y alejado del artificio academicista o de una erudición innecesaria.

Como todo buen diccionario de símbolos que se precie, el de Federico Revilla no se circunscribe a aquellas culturas más cercanas a la nuestra, como podrían ser la judía, la musulmana o la cristiana, sino que amplía su análisis a las religiones de los pueblos indígenas de América y Polinesia. Asimismo, se incluyen abundantes reproducciones en blanco y negro de algunas de los términos recogidos y una breve bibliografía, un hecho comprensible pues, dada la complejidad de la obra, resultaría imposible, incluir todas las referencias que, en el caso de Revilla, abarcan desde libros hasta artículos periodísticos o películas cinematográficas.

Diccionario de iconografía y simbología. Federico Revilla

Cátedra. 818 páginas. Castellano

Jean-Paul Jouary, profesor de filosofía y amante de la gastronomía, ha sido un frecuente comensal de El Bulli hasta que el restaurante cerró sus puertas recientemente.

En este libro, analiza la labor de Ferran Adrià desde la reflexión filosófica, llegando a comparar al cocinero con un creador a la altura de artistas plásticos y músicos.

Para Jouary, la vivencia del que acude a comer a El Bulli no se diferencia excesivamente de la de una persona que busca una experiencia cultural. Para argumentar este planteamiento, el autor francés describe en las páginas del libro algunos de los platos creados por Adrià y su equipo y otros elementos reseñables, como la colocación de esos platos en el orden de la carta o la confección de esta y su manera de alternar sabores y texturas.

Además de por su planteamiento teórico, el libro destaca por su especto gráfico, especialmente por las fotografías de Francesc Guillamet que capturan los platos que se mencionan en el texto con una gran calidad de detalles, que permiten imaginar algunas de las características de los mismos y las sensaciones que pretenden transmitir.

Ferran Adrià, ¿cocinero o artista?. Un filósofo en el Bulli

Jean-Paul Jouary. Alianza Editorial. 160 páginas. Castellano

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Florent Chavouet pasó seis meses en Tokio para acompañar a su pareja, que debió trasladarse a la ciudad nipona para hacer unas prácticas. Tras desechar la idea de buscar un trabajo (a consecuencia de lo precario y mal pagado de las ofertas laborales), Chavouet decidió dedicarse a conocer la ciudad recorriéndola en bicicleta y registrando lo que veía en su cuaderno de apuntes.

El resultado fue “Tokio Sanpo”, una colorista y divertida guía tokiota, perfecta para recordar el tiempo pasado en la ciudad por aquellos que la visitaron o como material inciático para aquellos que tengan pensado viajar a Tokio en breve. En ella se describen tradiciones, fiestas populares, edificios característicos, parques, templos, envases de productos de consumo, personajes de manga, políticos e incluso noticias o eventos –como el lanzamiento de un misil por parte de Corea del Norte que sobrevoló parte del territorio japonés–, que ocurrieron en el país durante el tiempo que el autor permaneció en él.

Un trabajo fresco, sin pretensiones, pero que, justamente por ello, resulta tremendamente atractivo para el lector, que podrá pasar horas y horas descubriendo los múltiples y variados detalles encerrados en los dibujos de este ilustrador francés.

Tokyo Sampo. Florent Chavouet

Sins Entido. 208 páginas. Castellano