A Juanjo Sáez le tenemos leído y disfrutado en la acidez con la que enfrenta asuntos triviales, que no significa que se le perdone. Cuando los asuntos no son tan intrascendentes, se muestra si cabe más mordaz: Derecho a la vivienda (de cartón); obreros reformados porque finalmente se han arrodillado; finales de túneles iluminados tenuemente por el brillo de los ojos de un lobo voraz; banqueros a los que se les ha metido un obrero en el ojo; banqueros desalmados que inventan pócimas para crear pobreza; banqueros que se lo pasan muy bien en medio de tanta crisis.
Crisis (de ansiedad) reúne una selección de viñetas sobre la crisis económica y sus efectos en la gente común publicadas en el diario catalán Ara. Como complemento a estas viñetas, además, incluye tres historietas inéditas basadas en la vida del propio Juanjo que tratan el tema de la crisis desde un ángulo más personal: ¿qué pasa cuando a tu padre, un señor mayor, se queda sin trabajo? y ¿cómo habla la gente en sus casas del capitalismo? Con Crisis (de ansiedad) vuelve el Juanjo Sáez más trasgresor y políticamente incorrecto.

Crisis (de ansiedad). Juanjo Sáez

Ed. Reservoir Books. 20x18 cm. 319 páginas. Castellano

Seda es el primer libro del sello Contempla Edelvives. No pretende ser solo una colección al uso, sino un sello de ediciones limitadas porque nuestro propósito es ofrecerte la experiencia de, casi, el libro perfecto (esto lo dice la nota de prensa, no nosotros). Grandilocuencias aparte (hablar de ediciones limitadas hoy es una boutade, hay miles de ediciones limitadas por imperativos del mercado), lo cierto es que es un pedazo de libro, y la idea es buena: recuperar textos para, de la mano del diseño, la calidad en la edición y las buenas ilustraciones, convertirlos en objetos deseables. 
El tema principal de Seda es la nostalgia y la contemplación, por lo que muchos dibujos son retratos de los personajes situados en lugares específicos y que simplemente piensan en que están ahí, explica Dautremer.
Dautremer también juega con el lector y brindándole escenas que le hagan contemplar, preguntarse, reír o emocionarse, e incluso concede descansos entre la lectura y el visionado de varias escenas, como el pasaje amoroso que a lo largo de siete páginas recopila diferentes dibujos eróticos, sin texto, como un silencio, un paréntesis. Para la dibujante existen muchas maneras de expresar los sentimientos que destila esta historia: Hay emoción en los diálogos, en los detalles, en cada descripción de los espacios...
Esto le ha servido para experimentar a distintos niveles, como plasmar directamente en imágenes lo que narra el texto o pintar lo insinuado por la trama, aquello que se puede leer entre líneas.
Curtida en la ilustración infantil, Dautremer (Gap, 1971) ha estudiado diseño gráfico y fotografía, y firma con este Seda su primer trabajo dirigido al público adulto. Su método de trabajo, confiesa, es espontáneo y sin complejos, tratando de encontrar las ideas en lo más profundo de los sentimientos y sin pensar en el lector, con la nostalgia como tema principal de dibujos con un espíritu que reside en los detalles.
Seda se ubica en el siglo XIX y narra la historia de Hervé Joncour, un mercader francés de gusanos de seda que, tras la epidemia de pebrina que diezmó notablemente a los animales en la época, se ve obligado a separarse de su mujer y viajar a Japón, donde se enamorará de una enigmática concubina oriental. Con más de cuarenta ediciones en España, el éxito de la novela le llevó a una adaptación cinematográfica en 2007.

Seda. Rebecca Dautremer y Alessandro Barico. Ignot (Ignasi Deulofeu)

Ed. Edelvives. 19x24,5 cm. 216 páginas. Castellano

Dos espectaculares eventos celebrados en Barcelona, el Congreso Eucarístico de 1952 y el Mobil World Congress en el siglo XXI, son el punto de partida para retratar en este libro los vicios acumulados por el poder desde la época de Franco hasta la actualidad. La institución familiar es la protagonista de esta narración visual elaborada a partir de textos diversos que provienen tanto de la retórica franquista como del omnipotente lenguaje de la gestión empresarial.
En El Congreso encontramos textos e ilustraciones intervenidas que hacen pensar en este capitalismo esquizofrénico en el que vivimos, que promete la felicidad si aceptamos convertirnos en líderes tenaces en busca de éxito y dinero. El Congreso invita a reaprender lecciones hace tiempo aprendidas como la de la creación del mundo o la diferencia entre el infierno y el cielo. Ignot sorprende adorando una hamburguesa, bautizando con una botella de Coca-Cola en el instituto nacional de la colonización, donde todos repiten sonriendo y al unísono una lección nueva: que el juego de la muerte es el fin del juego. 
La construcción de las ilustraciones resulta inquietante, en la reinterpretación de imágenes supuestamente preexistentes y que a modo de falso collage definen un lenguaje mordaz.

El congreso. Ignot (Ignasi Deulofeu)

Ed. Morsa. 12x20 cm. 134 páginas. Castellano

Si nos atenemos a la información del editor, este sería un libro más de fácil digestión para regalar con garantías de acierto: “Reconozcámoslo, la vida es demasiado corta. Necesitamos conocimiento instantáneo. Y este libro lo proporciona a través de más de doscientos eventos mundiales, inventos, personajes famosos, lugares e iconos culturales que hay que conocer, absolutamente desprovistos de todo elemento superficial y superfluo. Repleto de ingeniosos y provocativos pictogramas, el resultado es un hilarante recorrido visual que pone todo en su justo contexto: La última cena, la Mona Lisa, Lady Gaga, los alunizajes, la invención de la electricidad, cocineros famosos y todo lo que se ha quedado por el camino”. 
Podríamos quedarnos ahí. Sin embargo, cabe darle la vuelta y encontraremos que es un excelente ejercicio de lenguaje visual a través de pictogramas, un lenguaje de síntesis narrativa que, incluso como gimnasia mental, vale para comunicadores y creativos. Y sí, como a estas alturas ya habrá sospechado el lector, los autores son diseñadores. H-57 es un estudio de diseño y creativo con sede en Milán. Las historias de este libro nacieron como un proyecto: sintetizar temas relevantes usando pictogramas. El resultado fueron seis historias (María Antonieta, Hitler, Michael Jackson, Jesucristo, Julio César y Napoleón) que se convirtieron en virales. Un agente literario se fijó en ellas, y les propuso ampliarlas hasta convertirse en un libro.

La vida en cinco segundos. H-57 (M. Civaschi y G. Milesi)

Ed. Debolsillo. 17x20,5 cm. 256 páginas. Castellano

La belleza puede estar en los ojos del que mira, pero también en el lenguaje que utilizamos y en el mundo que nos rodea. A partir de esta reflexión, Crispin Sartwell elige seis palabras de otras tantas culturas –el “tò kalòn” de los antiguos griegos, la idea japonesa del “wabi sabi”, el hebreo “yapha”, el concepto navajo de “hozho”, el sánscrito “sundara” y el “beauty” inglés– para explicarnos otras formas de pensar y de percibir la belleza, de experimentar la estética en el mundo. Nos hace ver la belleza no sólo en obras de arte como un cuadro de Vermeer, sino también en elementos y aspectos de la vida cotidiana, desde un tazón japonés a la manera de usar un martillo, pasando por la actriz Diana Rigg en su papel de Emma Peel o el placer que se obtiene de oír música pop y disfrutar de espacios abiertos, sonidos, aromas... Nos habla de lo prosaico y lo sublime, de lo imperfecto y lo ideal que hay en ellos. El análisis de Sartwell posee la claridad y la agudeza de la mejor filosofía sin necesidad de dogmas y términos especializados que los suele acompañar. Aunque podrían haber sido varios miles, Los seis nombres de la belleza se convierten en este libro en ideas sencillas y profundas a propósito del mundo y de nosotros mismos. 

Los seis nombres de la belleza. Crispin Sartwell

Ed. Alianza Editorial. 16,50x17 cm. 294 páginas. Castellano

La palabra ortotipografía refiere al conjunto de reglas que determinan el uso lingüísticamente correcto de la tipografía. Para el profesional de la comunicación su conocimiento es imprescindible, no solo para saber aplicar sus normas con corrección, sino también para poder explotar con rigor el potencial expresivo –visual y lingüístico– de cualquier familia tipográfica. 
Con un estilo ameno y directo y el apoyo de una amplísima muestra de ejemplos, Ortotipografía para diseñadores aborda los problemas y dudas ortotipográficos que suelen asaltar con más frecuencia al diseñador e incide en las cuestiones de diseño que se solapan con la corrección ortotipográfica. 
Raquel Marín Álvarez (Logroño, 1978) es licenciada en Humanidades y diseñadora gráfica. Tras cursar un máster en tipografía avanzada en la Universidad Autónoma de Barcelona, comenzó a trabajar como diseñadora para diversos estudios y editoriales hasta que en 2009 fundó Lalolagráfica, un estudio de diseño gráfico especializado en diseño editorial y tipografía. 

Ortotipografía para diseñadores. Raquel Marín Álvarez

Eds. Gustavo Gili. 17x21 cm. 128 páginas. Castellano

Giorgio Vasari (Arezzo, 1511 – Florencia, 1574) se cuenta, por su pluma, no por su pincel, entre los máximos exponentes del Cinquecento. Las Vidas, publicadas en Florencia en 1550 por el editor ducal Lorenzo Torrentino, conforman una indiscutible obra maestra y fuente escrita imprescindible para quien desee un acercamiento directo al Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Giorgio Vasari fue y quiso ser antes que nada historiador y por este motivo no se contentó con narrar los hechos acaecidos sin incluir juicios y críticas, sino que gustó también “distinguir al bueno del mediocre, al excelente del bueno, y hacer cuidadosa mención de las particularidades, estilos, rasgos y fantasías de los pintores y escultores”. Se puede considerar, pues, este texto como la obra inaugural de la Historia del Arte. A esta edición anotada, que reproduce íntegramente la edición de 1550, se añade un índice de nombres y otro de lugares y obras que facilitan la localización de las obras a las que hace referencia Vasari.

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Giorgio Vasari

Ed. Ediciones Cátedra. 19,5x24cm. 372 páginas. Castellano

Este no es un libro más sobre arte urbano. Han sido editados por decenas durante los últimos años, pero nadie se animó a escribir un manual de uso. Nada puede definir mejor este libro que la palabra recetario. Desde cómo confeccionar una bomba de semillas hasta cómo fabricar cola para carteles, crear un rotulador de tinta orgánica o colocar azulejos, Benke Carlsson y Hop Louie han unido su experiencia y conocimientos a los de otros artistas callejeros para compilar en un solo volumen las principales técnicas y materiales del arte urbano. Además de los géneros más extendidos como carteles, plantillas y sprays o pegatinas, se ofrece detallada información de técnicas y resultados menos habituales: la jardinería de guerrilla, la intervención sobre publicidad exterior, el uso de leds, las instalaciones... 
Benke Carlsson, es fotógrafo y escritor residente en Estocolmo, y trabaja como redactor de Gatukonst.se, la mayor web sobre arte urbano de Escandinavia, y es también autor de los libros Street Art Stockholm y Swedish Punk 1977-1981.
Hop Louie, artista urbano sueco afincado en el Reino Unido, lleva trabajando en el espacio público, principalmente con plantillas y carteles, desde la década de 1990. 

Street Art. Recetario  de técnicas y materiales del arte urbano

Benke Carlsson y Hop Louie. Ed. Gustavo Gili. 17x23,5 cm.

144 páginas. Castellano

Como en cualquier actividad humana, en la comunicación visual automatizamos los procesos y utilizamos el conocimiento inconsciente, esto es, utilizamos recursos sin ser conscientes de que lo hacemos, en algunos casos ni siquiera hemos racionalizado esos recursos, los tenemos inconscientemente aprehendidos: se puede hacer una metáfora sin saber lo que es una metáfora. La gramática visual precisamente trata de sistematizar esos recursos. Este manual de Christian Leborg lo hace de una manera sencilla y muy visual, cabe decir que incluso algo primaria. Define de forma sencilla y totalmente gráfica los elementos básicos del lenguaje visual y sus procesos y relaciones. A medio camino entre tratado gramatical y diccionario visual, funciona como una practiquísima herramienta y guía de consulta para descodificar y producir mensajes visuales. El punto de partida idóneo para iniciarse en la alfabetización gráfica. Alguien lo ha comparado con una especie de La sintaxis de la imagen, pero para twitter. Es inmediato, breve, directo, práctico y más visual que argumental.

Gramática Visual. Christian Leborg

Ed. Gustavo Gili. 17,5x21,5 cm.

96 páginas. Castellano

Resulta inquietante –un día habrá que abrir ese debate– ver cómo cada vez más se presentan libros al mercado que en apariencia son infantiles, y que sin embargo se ocupan de temas trascendentales. Este es el caso, basado en un cuento de tradición oral africano. La muerte, los dioses, el creacionismo, podríamos discutir si son temas para el alcance indiscriminado de los menores... Al final, toca a los padres leer antes los libros infantiles, que tampoco está mal. Pero no es esto lo que nos ocupa, sino las ilustraciones de Miguel Ángel Pérez Arteaga, que por sí mismas tienen valor suficiente: son rudimentarias, de acuerdo con el origen de la historia, y al tiempo de gran potencia expresiva y evocadora. 

Lagarto Bosu y las plantas que no mueren nunca . Miguel Ángel Pérez Arteaga 

Ed. Milratones. 25x23 cm. 32 páginas. Castellano

Por una u otra vía y más allá de la lectura de El País, raro es el día que no nos encontramos en nuestro correo, en redes sociales una viñeta de El Roto. A veces la que ha publicado ese día en el periódico, otras la que la actualidad rescata y expone a una segunda mirada. El lenguaje de El Roto, se ha dicho hasta la saciedad, es brillante, mordaz, lúcido, hiriente... Pero además es compartible: apenas un par de segundos contienen una reflexión que daría para horas... Se supone que eso es lo que deseamos en esta nueva cultura de lo inmediato y de la atención fragmentada. Mondadori hace ya mucho recoge cada cierto tiempo estas pequeñas antologías, que sirven además para entender el doble nivel de lectura que este autor propone: la viñeta tiene un siginificado el día que se publica, apegado casi siempre a la noticia... Pero reserva para la lectura atemporal una perspectiva distinta. Vistas así, juntas, quizá a los profesionales nos desvela la habilidad del trazo y el lenguaje contundente –gráfico y escrito–... Pero siempre podemos después regalarlo en navidades: porque este es uno de los mejores regalos que se nos ocurren.

A cada uno lo suyo. El Roto

Ed. Mondadori. 14,5x 17,5 cm. 106 páginas. Castellano

Interesante reedición de la obra que en 1924 escribiera Erwin Panofsky, para muchos su primer trabajo ambicioso y, desde luego, una propuesta seminal de lo que van a ser sus contribuciones posteriores donde se plantea una pregunta reiterada: ¿qué significados se esconden tras las apariencias 

de las imágenes? El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón, y llega en un  momento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del Arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, Wölfflin y Warburg —este último decisivo para Panofsky—, quienes entre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800,  elaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce. Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lector contemporáneo que aspira a empaparse de la cultura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizada que parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin tener en cuenta la “calidad” de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los “estudios vi­suales”: a cada época le corresponde un sistema 

de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. 

Es esa particularidad de su pensamiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable discusión moderna.

Erwin Panofsky (Hannover, 30 de marzo de 1892 - Princeton, Nueva Jersey, 14 de marzo de 1968) fue un historiador del arte y ensayista alemán exiliado en los Estados Unidos. Su obra más conocida es Estudios sobre iconología, pero sus monografías sobre Durero, Tiziano, los artistas flamencos o el arte funerario son trabajos fundamentales en la estética del siglo XX.

Idea. Erwin Paniofsky

Ed. Cuadernos Arte Cátedra. 12,50x17,7 cm

278 páginas. Castellano

En la reedición de textos clásicos se está encontrando a través de la ilustración una reivindicación del libro como algo más allá de la obra escrita susceptible de acabar en una pantalla gris. Sin querer hablar de libro-objeto (todos lo son), es un género al alza, convertir el libro en deseable. Este segundo volumen de la obra de Víctor Hugo es un ejemplo de ello. La edición es exquisita y perdurable, cuidada. Sin escatimar en medios –bien vale los 25€ que cuesta– lo que le da valor es la ilustración de Benjamin Lacombe, que explora en esta obra la época medieval y se deleita ofreciendo su interpretación personal de un imaginario que, en medio del bullicio y los clamores, ha forjado tres personajes de leyenda: Esmeralda, mujer fatal; Frollo, archidiácono maldito; Cuasimodo, jorobado y tuerto, de gran corazón. Y, como telón de fondo, una imponente catedral.
Benjamin Lacombe es un ilustrador y autor francés nacido el 12 de julio de 1982 en París, donde actualmente vive y trabaja. Sus ilustraciones se destacan por un estilo caricaturesco que dennotan elegancia, fragilidad y melancolía. En 2001 se unió a la Escuela Nacional de Artes Decorativas (ENSAD), en París, donde continuó su formación artística. Durante sus estudios, Benjamin trabajó en publicidad y animación y, con sólo 19 años, edita su primer cómic. Lo que en un principio fue su proyecto de fin de carrera, pasó a ser su primer libro para niños: Cereza Guinda, el álbum que él mismo escribió e ilustró fue publicado por Les editions du Seui en marzo de 2006. Al año siguiente, Benjamin se convirtió en una joven celebridad del mundo editorial desde su exitoso lanzamiento en Estados Unidos por el sello Walker Books y gracias a la nominación de la prestigiosa Revista Time que ubicó a Cereza Guinda dentro de los 10 mejores libros para niños publicados en el año 2007. Desde entonces, escribió e ilustró muchos libros abordando temas tales como la infancia, la melancolía y la diferencia. Para ello, ha utilizado técnicas variadas como el gouache, el lápiz y el grafito, las acuarelas y la pintura al óleo.
A lo largo de su trayectoria, Benjamin ha trabajado con Albin Michel, Barefoot Books (EE.UU.), Edelvivives (España), Hemingway Corea (Corea), Milan, MaxMilo, Cerbatana, Sol, Walker Books (EE.UU.) y Le Seuil Jeunesse, la editoral con la que publicó la mayoría de sus libros.
Entre sus fuentes de inspiración se encuentran el movimiento Prerrafaelistas y el Quattrocento Italiano, primitivo flamenco, así como también artistas más contemporáneos: Tod Browning y su mundo “monstruos”, Tim Burton, Fritz Lang y su película Metropolis, Ray Harryhausen, David LaChapelle o Diane Arbus. Su entorno personal y social también son parte de su inspiración. Un ejemplo de ello es su perro Virgil, a quien procura incluir en la mayoría de sus obras.
Si bien la mayoría de las producciones de Lacombe conciernen al sector juvenil, también publicó libros ilustrados para adultos incluyendo entre ellos una versión de los “Cuentos Macabros” de Edgar Allan Poe, con la traducción de Baudelaire, y ahora esta Nuestra Señora de París, de Victor Hugo.
Otros artistas han trabajado a partir de obras originales de Benjamin Lacombe, como Julien Martinez, un escultor y creador de muñecas contemporáneas, o Emmanuelle Andrieu, de la Casa de la Vidriera, que realizó una vidriera a partir de una ilustración de “Cuentos Macabros”.

Nuestra Señora de París . Víctor Hugo. Ilustraciones de Banjamín Lacombe

Ed. Edelvives. 20x28 cm. 2 volúmenes

240 y 392 páginas. Castellano

Definido por Jordi Costa en su prólogo como “una paráfrasis bufa de Perdidos”, “Grandes Verdades de la Humanidad@ es una aventura extrañamente tintinesca que une interrogación metafísica y continuará con unos personajes inolvidables: el muy frustrado Pedro, el taimado Luis, el mismísimo Dios y hasta el malvado Jhavier. Un cómic de aventuras que, como las mejores historias de Carlos de Diego, comienza de forma completamente anecdótica (con una asistenta comprando un bocadillo de jamón y queso para su jefe) para dar paso a un entramado de secretos familiares, extrañas operaciones e islas misteriosas.
Carlos de Diego es guionista y productor de los videos y series de “Los Pioneros del SXXI”. Estudió físicas pero dedica su tiempo a  escribir, concebir, y producir documentales y series de humor loco. Además escribe y dibuja cómics, que ha publicado en El Manglar, el Víbora, La Brasería o Nosotros somos los muertos. 

Grandes Verdades de la Humanidad. Carlos Diego 

Ed. Caramba. 56 páginas . 22,8x29,7 cm. Castellano

En ocasiones, la complicidad del lector es un ejercicio heróico. Con el autor y con el editor. Nos referimos a esos libros en que uno no puede evitar dudar sobre si está ante una genialidad o una tomadura de pelo, porque la línea es delgada y difusa... Tienen especial mérito esas ediciones. 
Es el caso de “Pulir”. atendiendo a la nota de la editorial, demos por bueno que puede ser un libro de arte contemporáneo, de humor e incluso de autoayuda. En cualquier caso, merece la pena acercarse a él, aunque solo sea por descubrir hasta dónde la pasión por el absurdo nos puede, porque se trata de un libro para unos pocos, y falta saber si estamos o no entre ese grupo de elegidos. Una vez que hemos condenado a nuestra propia especie, una vez que el Arte ha demostrado que es incapaz de salvarnos, solo podemos recurrir a lo idiota, a lo fútil o a lo desconocido para evocar un tiempo en el que todo parecía más fácil, en el que no sabíamos qué hacíamos ni por qué lo hacíamos, pero en el que nada de todo eso hacía falta para sentir el contento de vivir. Nacho lleva tiempo invocando la paz, el orden, el amor y la alegría en sus miles de páginas garabateadas. A decir suyo, no sabe cómo hacerlo, pero sabe hacerlo bien, porque posee un gran poder: el de quien no se lo propone, el de quien simplemente no sabe hacer otra cosa en la vida. En realidad, Nacho no tiene ni idea de qué diablos hace cuando dibuja, pero lo hace. Y la gente ríe cuando lo ve. Y entonces él se pone contento, y dibuja más.

Pulir. Nacho García

Ed. Fulgencio Pimentel. 16,50 x 24 cm

208 páginas. Castellano

Esta selección exuberante de fuentes y estilos tipográficos traza la evolución moderna de la letra impresa, reproduciendo páginas de catálogos exquisitamente diseñados que muestran familias de caracteres en redonda, cursiva, negrita, seminegrita, compacta y ancha. También contiene filetes, florituras, capitulares y otros ornamentos, así como muchos ejemplos deslumbrantes de su uso. Las fuentes victorianas, espectaculares por su complejidad, ocupan un lugar prominente. Además, se incluyen y describen ejemplos de litografía y letras por grabadores y calígrafos.
El volumen presenta obras de los diseñadores tipográficos William Caslon, Fritz Helmuth Ehmcke, Peter Behrens, Rudolf Koch, Eric Gill, Jan van Krimpen, Paul Renner, Jan Tschichold, A. M. Cassandre, Aldo Novarese y Adrian Frutiger.
Para dar cabida a un material tan extenso, la obra se divide en dos tomos. El primer volumen abarca muestras tipográficas previas al siglo xx, con textos del editor Cees de Jong y el coleccionista Jan Tholenaar. El segundo volumen comprende el periodo que va de 1900 a mediados del siglo xx y contiene un resumen histórico escrito por Alston W. Purvis.
Incluye acceso exclusivo a una base de datos con más de 1000 imágenes de alta resolución para investigar online con búsquedas y descargas.
Respecto a los autores, Cees W. 
de Jong es un diseñador editor establecido en Naarden, Países Bajos. Ha publicado numerosos libros sobre diseño, arquitectura y arte y hoy trabaja como consultor de diseño y editorial y como escritor. También ha publicado muchos libros sobre diseño gráfico. Alston W. Purvis es profesor en la división de artes visuales de la Escuela de Artes de la Universidad de Boston, EE.UU. También es autor de numerosos libros sobre diseño gráfico. Jan Tholenaar fue coleccionista de letra impresa en diversas formas a través de exquisitos catálogos de diseño y libros de muestras tipográficas. Vivió en Amsterdam, donde falleció en 2009.   

Type. A Visual History of Typefaces & Graphic Styles

Ed. Taschen. 25x30,5 cm. 2 volúmenes. 720 páginas

Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Inglés

El “Gran Diccionario de Autores Latinoamericanos de Literatura Infantil y Juvenil” se refiere a las obras de David Wapner como “híbridos entre cuentos, testimonios y documentos” en los que el autor “trabaja con la fragmentación para traducir el caos propio de la imaginación y las asociaciones libres” de conceptos e ideas, un estilo que favorece que “cada lectura de sus textos signifique una experiencia distinta para el pequeño lector”. 
David Wapner juega con lo absurdo, lo imprevisible y lo inimaginable en los 41 textos experimentales que conforman “La guía Necsia”. Las ilustraciones de Marc Taeger refuerzan la abstracción y el surrealismo que acaparan esos textos: figuras geométricas de trazos gruesos, escenas esbozadas como transparencias sobre texturas cromáticas en las que se combinan blancos, azules, rojos, amarillos... 
En realidad, el estilo de Marc 
sin necesidad de adaptarse parece pensado para los textos 
de Wapner. Y es que cada uno en su género, son dos creadores parecidos. 

La Guía Necsia de récords, misterios, sucesos increíbles, inventos y otras maravillas 

Texto: David Wapner. Ilustraciones: Marc Taeger

Ed. Faktoría K de Libros. . 16x16 cm. . 48 páginas

Tras “El Hematocrítico de Arte”, El Hematocrítico regresa con Drama en el portal, una galería de historias vecinales, intrigas de patio de escalera y catástrofes de andar por casa contadas a través de notas vistas en portales y garajes. Un libro compuesto por amenazas, delitos, cacas, desperfectos, mascotas, ruido, sexo y fluidos corporales, entre otros habituales de toda historia de vecinos que merezca la pena ser contada.
Drama en el portal recopila las mejores notas aparecidas en el blog de mismo nombre, con una cubierta ilustrada por Mauro Entrialgo y prólogo de Raúl Minchinela. Notas auténticas. ¡Vecinos auténticos!
Especialmente sugerente resulta realizar una reflexión tipográfica acerca de las piezas que componen esta recopilación. ¿Por qué un alto porcentaje de las notas que aparecen en los portales están escritas en caja alta?, posiblemente tenga que ver con la psicología autoritaria de los presidentes de comunidad, si no, no se entiende. Times y Helvetica (en realidad, Arial) son con diferencia las tipografías más utilizadas, ¿conocimiento tipográfico o vaguería? Ni una sola de las piezas presentadas en el libro está realizada en Comic Sans, ¿no será una leyenda eso de que “a la gente le gusta”? N. de la R.: este último párrafo solo sirve para tratar de justificar –sin mucho éxito, somos conscientes– esta reseña fuera de lugar en una revista como esta. Nos apetecía publicarla y no hemos encontrado mejor excusa para hacerlo.

Drama en el portal. El Hematocrítico

Ed. Caramba. 18x17 cm. 128 páginas. Castellano

Apto para nostálgicos, este repaso a la creatividad de los últimos sesenta años descubre –o redescubre, según la edad del lector– las piezas que merecen conformar la historia de la publicidad mundial. Lástima que la edición trilingüe deje fuera el español. ¿Realmente la publicidad francófona, o la germana, representa en volumen o calidad un mercado comparable al de la iberoamericana? Sólo se explicaría porque se tuviera previsto editar una segunda versión en otros idiomas. De ser así, una vez más sufriremos el desencanto de adquirir un libro en inglés para ver como al año siguiente se publica la edición castellana... Un clásico en los libros de diseño y publicidad. 
Dejando aparte esta pequeña crítica sin mayor importancia, este libro es un tesoro. Los recopilatorios han descendido en interés en favor de los blogs y las redes sociales que cumplen eficazmente la función de aquellos. Pero esta vez se trata de un compendio para ser guardado y revisado periódicamente. Y si se nos permite, para recordar unos modos de hacer publicidad que se echan de menos. A la vista de lo que hoy se hace el precio de la notoriedad, que hoy es imprescindible, resulta quizá demasiado alto, no deja lugar para valores tales como la complicidad, lo sugerente y el humor inteligente. Hemos cambiado la sonrisa por la carcajada, lo contundente por lo epatante... No es que sea malo, es inevitable.
Game Changers se publica con ocasión del 60 aniversario del Festival Cannes Lions de la Creatividad. Desde el “Think Small” de Volkswagen hasta el “Fuelband” de Nike, la lavandería de Levi's y el pollo servil de Burger King, el libro repasa la historia de unos 150 proyectos para descubrir cómo y por qué trabajan los creativos. Editado por Cannes Lions junto con Peter Russell y Senta Slingerland, y con un prólogo de Arianna Huffington, y aderezado, además, con testimonios de primera mano de Paula Green, Jeff Goodby, David Bailey, Lee Clow, Aaron Koblin, David Droga, Sir John Hegarty y Lord Bell, el libro propone el análisis de cómo la publicidad ha llegado a ser lo que es hoy y qué es lo que le deparará el futuro.

Game Changers. The Evolution of Advertising

Peter Russell, Senta Slingerland

Ed. Taschen. 25x31,5 cm. 312 páginas

Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Inglés

Considerado mejor cómic del año por medios tan poco sospechosos de alternativos como Los Angeles Times, “Todo y nada” recoge la nómina casi completa de las historias cortas y autoconclusivas de su autor, incluyendo quince páginas inéditas que no fueron incluidas en la edición original norteamericana. El estilo clásico de Harkham es a la vez preciso y elocuente, capaz de condensar grandes dosis de emoción e información en solo unos pocos diálogos y viñetas llenos de matices. En el centro del libro, entre sátiras universitarias, relatos de terror gótico y esbozos policíacos, tres historias que se desarrollan en marcos muy dispares centran la atención del lector: A partir de un relato de Maupassant, “Pobre marinero” (repaginada para la ocasión por Harkham en solo 10 páginas) recoge el mito del hombre que se echa a la mar; en “Luvabitch, Ucrania, 1876” el autor se sitúa a sí mismo en el epicentro del judaísmo jasídico para narrar un episodio rural; por último, “Somersaulting” es un abúlico romance de verano protagonizado por dos adolescentes en la Australia meridional. Junto a estos relatos, multitud de historietas cortas protagonizadas, directa o tangencialmente, por Napoleón, John Merrick, firmas del New Yorker y nombres esenciales del cómic U.S.A. como Chris Oliveros, Tom Devlin, James Sturm, Daniel Clowes, Kevin Huizenga, C.F. o Gary Panter. En conjunto, el libro confirma el lugar privilegiado de Hakham entre los mejores narradores de su generación.
Como autor y como editor de cómics, Sammy Harkham es hoy uno de los nombres más influyentes del medio. Nacido en Los Angeles el 21 de mayo de 1980, a los 14 años se traslada con su familia a Sydney, Australia. En esos años descubre la obra de Jamie Hewlett, Daniel Clowes, Kim Deitch, Renee French, Chris Ware, Julie Doucet y Jim Woodring. Inspirado por todos ellos, Harkham comienza a elaborar sus propios cómics y un fanzine, Kramers Ergot, que evoluciona rápidamente hasta convertirse en la antología de cómics más influyente de los últimos años. Tras estudiar animación experimental y cine, Harkham abandona ambas carreras para centrarse en los cómics. “Pobre marinero” (Apa Apa, 2009), publicado originalmente en Kramers Ergot 4, se incluyó más tarde en la prestigiosa antología “The Best American Nonrequired Reading”. Por su parte, Kramers Ergot lleva varios años apareciendo en las listas de “lo mejor del año” de medios como Time, LA Weekly, The New York Times, Dazed and Confused, The Comics Journal y Publishers Weekly. En 2006 la prestigiosa editorial canadiense Drawn & Quarterly comenzó a publicar su serie de tebeos de grapa "Crickets", que a partir del tercer número pasó a editarse Harkham personalmente. En 2009, editó el volumen anual de la conocida serie “The Simpsons’ Treehouse Of Horror”. Socio de la librería y sala de proyecciones Family en Los Angeles, en la actualidad Sammy Harkham trabaja en las dos novelas gráficas cuya aparición está prevista en 2014, tituladas provisionalmente “Blood Of The Virgin” y “Black Death”.

Todo y Nada. Ed. Fulgencio Pimentel

Sammy Harkham. 26,5x22 cm. 88 páginas. Castellano

No habría de ocuparnos aquí este libro en tanto que la poesía nos queda lejos, pero merece la pena acercarnos en tanto que nos descubre a un Fernando Vicente distinto. Mucho menos provocador que en otros trabajos –recordemos sus “pin-ups” o sus “Anatomías”–, sin la correa funcional que supone su trabajo habitual en prensa, resulta aquí evocador y sugerente, menos condicionado. Así, el caso merece una reflexión acerca del maridaje cada vez más extendido entre poesía e ilustración. No es desinteresado, los libros de poesía difícilmente llegan a las mesas de novedades, es un género de minoría y terriblemente endogámico, que se rige por reglas establecidas: concursos, premios, ediciones subvencionadas o no, que apenas tienen relevancia fuera del circuito... La poesía encuentra en la ilustración la llave para salirse del carril. 
Esto no es del todo nuevo: García-Lorca o Miguel Hernández llegaron al público de la mano de los cantautores, y el fenómeno parece repetirse de la mano de los libros ilustrados. Bien está. Si además es terreno para la edición de trabajos de ilustración más personales, es doblemente bueno. Por cierto, los poemas fueron finalistas del IV Premio Internacional Ciudad de Orihuela de Poesía para niños. Y no son malos, al contrario.

De los álamos el viento. 

Texto: Ramón García Mateos. Ilustraciones: Fernando Vicente

Ed. Faktoría K de Libros. 15x23,5 cm. 48 páginas . Castellano

“Psicología para Creativos” es lo más parecido a un libro de autoayuda... Sí, es un libro de autoayuda. Hasta su diagramación corresponde al género: dos tintas y ninguna es negro, para destacar sentencias que podamos memorizar; márgenes amplios de página –lecturas para quienes no leen– que lo haga más digesto y donde acaso el lector pueda anotar conclusiones; composición de texto en bandera que endulza la lectura –¿por qué nos imponemos siempre el texto justificado, como si lo otro restara importancia al contenido?–... Hay que reconocer que se ha hecho un trabajo de edición cuidado, hasta la traducción merece un elogio, que suele ser talón de Aquiles en el género. 
A partir de ahí, ni es un libro imprescindible ni podemos decir que sea un tiempo desperdiciado el que dediquemos a su lectura: a veces no es tanto lo que un libro pueda descubrirte, como lo aprovechable que es leer lo que sabes o intuyes de un modo estructurado y amable: cumplir con los plazos de un proyecto, estar a la altura de las expectativas del cliente, trabajar en casa de forma disciplinada, trabajar por cuenta ajena sin perder la motivación, lograr jornadas laborales que no se extiendan hasta altas horas de la madrugada, priorizar y ordenar acertadamente el trabajo pendiente... Los psicólogos definen la creatividad como “la producción de ideas novedosas y adecuadas en cualquier ámbito de la actividad humana”, pero la creatividad también es un oficio y, como tal, acarrea una serie de condiciones y situaciones laborales que no siempre son fáciles de llevar. En este libro, Frank Berzbach analiza con humor y lucidez los factores que condicionan el rendimiento y la capacidad creativa del profesional del diseño, y proporciona una serie de reflexiones y consejos prácticos para desenvolverse en el día a día laboral del estudio, la agencia o el aislamiento sin que decaigan los ánimos.
Frank Berzbach (1971) es profesor de Psicología y Pedagogía de los Media en la Ecosign Academy for Design y en la facultad de Ciencias Aplicadas de la Universidad de Colonia.

Psicología para creativos. Primeros auxilios para conservar el ingenio y sobrevivir en el trabajo

Ed. Gustavo Gili. 17x24 cm. 184 páginas. Castellano

Esta editorial sigue aportando sencillas pero exquisitas ediciones, que reconfortan. La historieta ilustrada por Chema Peral que nos ocupa esta vez –es la primera que le es editada– nos presenta una madurez en el dibujo que ya quisieran algunos renombrados. El trabajo de tintas –con una gama armónica e intencionadamente limitada– es para ponerlo de ejemplo. No ya solo prescinde del negro, ni tan siquiera se agarra al recurso de sustituirlo por otro color. 
Cuenta la historia de Andrea, quien Desde muy pequeña, apunta en una cuaderno las canciones que va descubriendo a lo largo de su vida y que conforman la constelación de músicos a los que admira y con los que, de alguna manera, comparte una vida paralela… En el centro de su constelación está Jean Michel Jarre.  Historias de sintetizadores, rayos láser y sonidos de la naturaleza. Todo para encontrar el instrumento orgánico perfecto. Una bonita historia de amor, sueños, viajes espacio-temporales y mucho New Age. Una divertida biografía de Jean Michele Jarre con dosis de humor y fantasía.

Esperando a Jean Michel. Chema Peral

Apa Apa. 40 páginas. Castellano

Para los amantes del género es imprescindible. A pesar de lo inaceptable que resulta que las editoriales españolas realicen aquí sus ediciones de formato álbum en tamaño bolsillo. No será mala idea tener una lupa cerca, el texto de las viñetas es prácticamente ilegible.
Dos estrellas consagradas del cómic actual –el guionista Brian Azzarello el dibujante Jim Lee–, aúnan sus fuerzas en este original trabajo que hace una aproximación íntima y muy personal al superhéroe. Con una trama brillante que dejará al lector sin aliento desde la primera hasta la última página, este lanzamiento coincide con el estreno de la nueva película sobre el personaje: El hombre de acero, una superproducción dirigida por Zack Snyder (300, Watchmen), producida por Christopher Nolan y protagonizada por Russell Crowe, Kevin Kostner, Henry Cavill, Diane Lane, Lawrence Fishburne y Amy Adams. Sin duda, la mejor historia de Superman en mucho tiempo.
Brian Azzarello es un guionista estadounidense nacido en Cleveland. Ha escrito cómics profesionalmente desde mediados de los años noventa. Es el guionista y co-creador, junto con Eduardo Risso, de la aclamada serie 100 balas, de Vertigo, ganadora del Premio Harvey 2002 y de los Premios Eisner de 2002 y 2004. Entre sus trabajos para DC también se incluyen: Batman: ciudad rota y Jonny Double (ambas con Risso),Batman/Deathblow: después del fuego, Lex Luthor: hombre de acero, Loveless, Sargento Rock: entre el infierno y algo peor, Joker y Hellblazer,(nominado a un Premio Eisner). También escribió los guiones de Max: Cage y Banner para Marvel. Ha sido nombrado uno de los diez guionistas más importantes por la revista Wizard y ha sido reseñado y alabado en medios como Entertainment Weekly, GEAR y The Chicago Tribune,entre muchos otros. Actualmente vive en Chicago con su mujer, la artista Jill Thompson.
Jim Lee es un dibujante de cómic nacido en Corea del Sur y nacionalizado estadounidense. Graduado en medicina por la Universidad de Princeton, decidió probar suerte con los lápices y pronto encontró trabajo en la Marvel, donde su arte resultó ser tan popular y exitoso que la compañía decidió crear un nuevo título de los X-Men solo para promocionarlo. En 1992 creó su propia compañía de cómics, WildStorm Studios, que acabó siendo una de las fundadoras de Image Comics. Fue allí donde fundó WILDC.A.T.S. y donde ayudó a crear muchos otros personajes, al tiempo que lanzaba la carrera de muchos escritores, artistas y coloristas. La compañía creció tanto que Lee se encontró sin tiempo para dibujar, y decidió venderla a DC Comics. Se convirtió en el director creativo de WildStorm y posteriormente en uno de los directivos de DC Comics, aunque no ha dejado de dedicarse a la ilustración, lo que se puede apreciar en All-Star Batman y Robin. Actualmente vive en La Jolla, California.

Supermán, por el mañana. Brian Azzarello y Jim Lee

Editorial DeBolsillo. 296 páginas. Castellano

Este libro reúne doce ensayos sobre encuadernación, bibliofilia y artes del libro. Dividido en dos tomos, (el primero dedicado a la encuadernación  antigua; el segundo a la encuadernación del siglo XX) estudia la teoría y la metodología del estudio de la encuadernación de arte.  Contiene un ensayo sobre las relaciones entre pintura y encuadernación en los siglos XIV y XVII, donde se  estudian las claves visuales y culturales de la encuadernación renacentista y barroca española. En la segunda parte se encontrará un artículo sobre la encuadernación contemporánea española, un estudio sobre la encuadernadora alemana Mechthil Lobisch y la encuadernación alemana de hoy; otro artículo analiza la enseñanza de la encuadernación en España; otro reflexiona sobre la teoría estética aplicada al decorado exterior de los libros. Se abordan también aspectos relacionados con la bibliofilia y el mecenazgo español del siglo XX, la influencia de la vanguardia del 27 en la encuadernación española de hoy y la huella que ha dejado el minimalismo belga y alemán en los encuadernadores españoles. Un repaso, en definitiva, a los temas más candentes en la encuadernación europea actual.

Encuadernación. 

Doce ensayos sobre bibliofilia y artes del libro. José Luis Checa

Turpin Editorepáinas. 200 y 410 páginas. Castellano

La reedición de este libro –que llevaba tiempo agotado– escrito en 1993, es sin duda una buena noticia. Rosalind Krauss es profesora del Arte en la Universidad de Columbia, editora de la revista October y autora de L'amour fou: Surrealism and Photography y The Originality of the avant grade and other modernist mysths.
El deseo que anima " El inconsciente óptico " es empañar desde dentro de la " visión " modernista, nublando su enfoque cristalino, disipando sus sublimaciones y reubicando lo visual en una anatomía opaca impulsada por automatismos inconscientes. Si Freud demostró que la subjetividad ilustrada ni siquiera era dueña de su propia casa, Rosalind Krauss sugiere convincentemente que la fortaleza de la estética modernista esconde muchos rincones ignorados por sus celosos centinelas. Como el viejo topo de Bataille, la autora va abriendo túneles que socavan las galerías y los pasillos académicos que recorren la moderna historia del arte. Contra una reconstrucción histórica del modernismo acomodada en la autonomía normativa de la racionalidad visual (sea fenomenológica, gestáltica o estructuralista) Rosalind Krauss lanza una serie de dardos previamente envenenados por artistas que, como Duchamp, Ernst, Picasso, Pollocky Hesse, inocularon en el campo de la visión todo tipo de fetiches sexuales, neurosis obsesivas, desplazamientos oníricos, ambivalencias genitales, compulsiones repetitivas, rivalidades miméticas, recuerdos encubridores y otros burladeros de la soberanía visual modernista. Sin renunciar al rigor histórico y bibliográfico, la ensayística de Rosalind Krauss tiene tanto de diario personal como de sátira libertina. Las distintas voces yuxtapuestas en " El inconsciente óptico " tienden una mordaz emboscada a la narrativa de la intencionalidad que caracteriza la crónica autocomplaciente del modernismo.

El inconsciente óptico. Rosalind Krauss

Alianza Editorial. 372 páginas. Castellano

La crónica histórica no es un género de digestión fácil. Han descubierto los escritores que novelarla permite ciertas licencias, como primar el interés sobre el estricto rigor y resulta en algo más asequible, lo que se da en llamar divulgativo. Así, algo parecido sucede cuando se traslada al lenguaje de la historieta. Lo hacía Bruguera con aquellas novelas de texto en las páginad pares, viñetas en las impares. Es también un recurso de adoctrinamiento: casi todas las religiones y movimientos políticos echan mano del recurso antes o después, para acercar a los niños o quienes no leen tanto sus obras de cabecera como sus postulados. 
En un lenguaje de plano corto –hay algo de story board en la obra– y mínimo texto imprescindible, José Luis Forte, a los mandos del guión, y Enrique Flores, al dibujo, han contado la vida de Ñuflo de Chaves, el fundador de Santa Cruz de la Sierra; el conquistador que hizo campañas por el Paraguay y llegó hasta Iguazú. 

Hombre perdido. José Luis Forte

Ilustraciones de Enrique Flores. Ed. CEDEXI

56 páginas. Castellano

La reedición de este clásico  aporta un análisis de la tradición histórica deldesnudo femenino y de los discursos del arte feminista reciente, y, al explorar las formas en que seproducen y mantienen imágenes aceptables e inaceptables del cuerpo de mujer, renueva eldebate reciente acerca de la Cultura y la pornografía. Constituye la primera revisión feminista del tema más significativo en el arte occidental, al revelarcómo el desnudo femenino está situado tanto en el centro como los márgenes de la Cultura. En elcentro y dentro del discurso histórico sobre el arte, el desnudo femenino se considera laculminación visual de la estética ilustrada; el margen, corre el riesgo de perder respetabilidad ydesbordarse en lo obsceno.

El desnudo femenino. Arte, obscenidad y sexualidad

Lynda Nead. Tecnos Alianza Editorial

192 páginas. Castellano

En 1976 y 1977 Carlos Giménez colaboró con El Papus, revista para la que realizó algunas de sus páginas más comprometidas; viñetas políticas Esta recopilación de más de trescientas páginas cobra hoy un doble sentido: el de recuperar un género que apenas existe hoy, y descubrir a los ojos del lector inquieto que mucho de lo que entonces sucedía, en el más inmediato postfranquismo, está recuperando espacio en la sociedad de hoy: Los partidos políticos, la brutalidad policial, el poder económico, la penuria ecomómica... 
Los años decisivos de la Transición fueron una época convulsa, enmarcada por el antes y el después de las primeras elecciones generales. El país no terminaba de sacudirse el yugo franquista y lo amenazaban enemigos visibles e invisibles. El debate de la izquierda, que Giménez retrata sin cortapisas, se reduce aquí a una cuestión esencial: convertirse al fin en una sociedad nueva y abierta, o seguir ateniéndose a las servidumbres del poder económico y político.
Carlos Giménez (Madrid, 1941) es el autor más importante de la historieta española de las últimas tres décadas. Cronista de la transición política en la trilogía España, Una; España, Grande, y España, Libre (1976-1977) y autor del mejor retrato interior del mundo del cómic español en la serie Los Profesionales, es asimismo el máximo exponente del tebeo autobiográfico con las series Paracuellos y Barrio, o en obras como Rambla arriba, Rambla abajo. Además ha realizado, a lo largo de su dilatada carrera, algunos de los mejores cómics de ciencia-ficción como Dani Futuro, Delta 99, Hom o Érase una vez en el futuro. Ha recibido los galardones más importantes del mundo de la historieta como dibujante y como guionista, entre los que destacan la Medalla al Mérito de las Bellas Artes en su categoría de Oro (2003), el Gran Premio del Saló del Còmic de Barcelona (2005) y el Premio del Patrimonio del Festival de Angoulême por Paracuellos (2010).
De Carlos Giménez dice Felipe Hernández Cava, prologuista del libro: "Antes o después, volvemos a los clásicos, algunos de los cuales en el mundo de la historieta, pese a ostentar esa condición, están incluso demasiado próximos en el tiempo. Carlos Giménez es uno de ellos".

España Una, Grande y Libre

Carlos Giménez. Ed. Mondadori

286 páginas. 21x16cm. Español

Virus tropical es la primera novela gráfica de Paola Gavíria, donde presenta un mundo underground, rebelde y adolescente. Donde el carácter autobiográfico de pie al juego de desmitificar el sexo, el arte, la infancia, los amigos, la familia, la religión, el dinero, la adolescencia, el trabajo, el amor, los conflictos familiares y la búsqueda de la identidad. Narra la historia de Paola desde el origen de su vida, cuando su madre estaba embarazada hasta sus 18 años, momento en el que se independiza y se va de la casa que compartía con una de sus hermanas para salir al mundo y hacer su vida.
Nos ha hecho falta documentarnos –den un paseo por su página de flickr, merece la pena– para apreciar el ejercicio de contención que existe en este libro: se diría que intencionadamente, Paola exagera en él la impericia impuesta e impostora que supone dibujar como un adolescente. Las perspectivas simples, los rostros hieráticos, las expresiones planas de los rostros, todo para arropar conceptualmente –sí, conceptualmente– la narración. Valga para algunos que nos encontramos ante una historieta adolescente para adolescentes... sea, pero permanezcamos atentos. Porque de momento, es una puerta que se entreabre. Apostamos por una evolución que ha de interesarnos en el futuro.

Virus Tropical. Paola Gavíria (Powerpaola)

Ed. Monddori. 160 páginas. 15x21cm. Español