El Centro de Diseño de Castilla La Mancha presenta la monografía dedicada al que, sin duda, es uno de los diseñadores más importantes del país y, más concretamente, de esa comunidad castellana: Pepe Cruz Novillo.

A pesar de la brevedad del espacio disponible, apenas cuarenta páginas, los autores, Manuel Álvarez Junco y Miguel Ángel Milá, logran hacer un exhaustivo repaso a la extensa carrera de Cruz Novillo, desde sus comienzos en la Escuela de Artes y Oficios de Cuenca, pasando por la agencia de publicidad Clarín y hasta sus proyectos actuales con el estudio Cruz+Cruz. Dicho repaso se hace principalmente por medio de una extensa entrevista, a cargo de Milá, la cual se acompaña con un texto de introducción de Álvarez Junco y una cronología de su carrera, en la que se detallan galardones recibidos, exposiciones realizadas en solitario o colectivas, una lista de los museos y colecciones que atesoran algunas de sus obras y aquellas esculturas que están en edificios o lugares públicos.

La monografía se completa con una muy buena selección de imágenes en la que, además de los trabajos más conocidos del diseñador, se incluyen otros no tan populares pero igual de interesantes.

Cruz Novillo. Colección Creativos 5

CLM Diseño. 40 páginas. Castellano

“Expresiones de la locura”, definido por Paul Éluard como “el libro de imágenes más bello que ha existido”, es uno de los primeros textos que analiza desde un punto de vista crítico las expresiones artísticas desarrolladas por personas aquejadas de problemas mentales. Un texto publicado por primera vez en 1923 y que se ha convertido en un clásico gracias a la fascinación que provocó en artistas de la talla de Picasso, Dalí o Klee y a haber asentado las bases de lo que posteriormente sería conocido como el art brut. El libro recorre desde un punto de vista psicológico y psicopatológico esa creación artística que surge sin ser consciente de serlo y que nace de la irrefrenable necesidad del ser humano de crear hasta en las situaciones más adversas. En sus páginas se dan cita todo tipo de técnicas como dibujos, pinturas, collages, textiles e incluso creaciones literarias realizadas con escasos medios técnicos, siendo algunos de los soportes de estas obras, materiales tan humildes como el papel higiénico, periódicos viejos, papel de pared o miga de pan y saliva. A pesar de su importancia y trascendencia en el mundo del arte, “Expresiones de la locura” permanecía inédito en nuestra lengua hasta ahora, cuando la editorial Cátedra se ha decidido a publicarlo en una cuidada edición en tapa dura en la que se incluyen ilustraciones en blanco y negro y color de las obras analizadas.


Expresiones de la locura.. El arte de los enfermos mentales Hans Prinzhorn. Cátedra. 386 páginas. Castellano

La obra de Velázquez ha marcado la carrera de buena parte de los pintores que lo sucedieron. Nombres como los de Renoir, Manet, Picasso, Degas o Dalí encontraron en el pintor español un referente que marcó buena parte de su producción llegando, en ocasiones, a ser casi una obsesión, como en el caso de Francis Bacon, quien dedicó toda una serie de lienzos a reinterpretar su retrato del Papa Inocencio X.

A pesar de la innegable importancia de su obra, que ha dado lugar a innumerables estudios, lo cierto es que se conoce poco de su vida más allá de su matrimonio con la hija de su maestro Francisco Pacheco, sus viajes a Italia, o su nombramiento como pintor de la corte de Felipe IV.

El investigador francés Bartolomé Benassar parte de los avances que, en el campo de la biografía velazqueña, se produjeron en los actos del cuarto centenario de su nacimiento y nos ofrece este libro en el que, a través de un texto asequible, conciso y ameno, traza una breve biografía del pintor Sevillano. Un trabajo que puede ser una buena introducción para aquellos que posteriormente quieran ahondar en estudios más extensos y eruditos.

El libro se completa con un pliego en el que se muestran a algunas de sus obras más destacadas, acompañadas de una breve explicación; un capítulo de referencias cronológicas relativas a la época en que vivió Velázquez; una bibliografía; un índice onomástico y otro de las obras del pintor citadas en el texto.

Velázquez. Vida. Bartolomé Bennassar

Cátedra. 248 páginas. Castellano

Desde hace unos años asistimos a la proliferación de libros que nos recomiendan qué obras literarias, discos, películas o ciudades hay que leer, escuchar, ver o visitar antes de morir.

Estos trabajos editoriales que normalmente responden a un canon occidental de las disciplinas tratadas, quedando fuera otras realidades culturales, acostumbran a tener resultados desiguales y parecen estar destinados a facilitar la vida tanto a los que la avalancha de información actual les desborda, como a los que precisan de un prescriptor para tomar sus propias decisiones.

Aunque “1001 cómics que hay que leer...” no deja de ser una propuesta similar a aquéllas, su enciclopédico contenido, su inteligente selección de títulos y su intento por abarcar obras de todos los rincones del mundo, lo hacen un volumen muy interesante que permite que los no iniciados se acerquen sin miedo al mundo del tebeo y los que ya disfrutan de este género descubran títulos o autores que desconocían.

Como sucede con cualquier selección, y más aún cuando se hace en territorios tan amplios como el cómic mundial, los criterios de selección del compilador pueden no coincidir con los del lector, que echará a faltar muchos títulos y discrepará de la inclusión de otros. En todo caso, este “1001 cómics que hay que leer...” es un estupendo entretenimiento que no se agota en una sola sentada y al que se puede regresar tantas veces como queramos.

1001 cómics que hay que leer antes de morir

Paul Gravett. Grijalbo. 960 páginas

Aquellos que quieran introducirse en el mundo de la fotografía como forma de expresión tienen en este libro una buena oportunidad para ello.

En este didáctico título, este teólogo de formación y fotógrafo de profesión, repasa diferentes temas relacionados con el hecho de tomar fotografías como los encuadres, el foco, la exposición, la profundidad de campo, la velocidad de obturación y los significados que estos elementos o su resultado tienen a la hora de leer las imágenes según los cánones estéticos occidentales.

Tras esta introducción más general, Du Chemin pasa a analizar veinte fotografías de su autoría que son diseccionadas minuciosamente a través de explicaciones escritas y gráficos. En dichos análisis, el fotógrafo valora la elección de los encuadres (mostrando las fotos elegidas y otras de la misma serie que fueron descartadas), los puntos de fuga, las líneas implícitas, el color, la distribución de elementos, la proporción áurea, etc.

Un índice onomástico y un texto a modo de conclusión por parte del autor en el que explica que la fotografía es mucho más que lo que él puede resumir en un libro, ponen punto y final a este volumen que, a pesar de esas lógicas reservas enunciadas por Du Chemin, no deja de ser una forma de acercarse a este lenguaje artístico.

El lenguaje fotográfico. David Du Chemin

Anaya. 272 páginas. Castellano

Hace unos meses nos hacíamos eco de la aparición de la edición norteamericana de “Mister Wonderful”, disponible en España gracias a Penguin, y nos preguntábamos cuánto tendríamos que esperar para disfrutar de la edición en castellano.

No ha hecho falta esperar mucho para responder a esa cuestión pues, desde mediados del mes de marzo, ya está en las librerías la edición española. La hazaña se la debemos a Reservoir Books, el sello más transgresor de Mondadori, que como sucedió con títulos anteriores de Daniel Clowes como “Ice Heaven” y “Wilson”, ha respetado el formato y acabados originales de “Mister Wonderful”.

En este nuevo título, Clowes retoma sus personajes atormentados para construir una historia que, aunque él define como “de amor” en el subtítulo, en el fondo sigue conteniendo esa amargura y acidez que lo han convertido en uno de los mejores autores de cómic del mundo.

Desde el punto de vista estético, “Mister Wonderful” es todo un recital de dibujo, composición y entintado. Un estupendo trabajo que supone un hito más en el la coherente y sólida carrera de este autor norteamericano.

Mister Wonderful. Daniel Clowes

Reservoir books. 80 páginas. Castellano

Sins entido presenta este curioso libro cuya principal novedad es el hecho de que su lectura no se circunscribe a las páginas que lo conforman, sino que continúa en el terreno digital visitando la sección que la página web de la editorial ha habilitado para esta obra.

Un experimento visual y todo un lucimiento por parte de su autor, Marc-Antoine Mathieu, que construye una compleja historia a través de series de viñetas que recrean fragmentos temporales de tres segundos cada uno, por ser ese el tiempo que necesita la luz en recorrer 900.000 kilómetros y una bala de revólver en recorrer un kilómetro.

“3 segundos” es una interesante historia de cine negro sin una sola línea de diálogo, en el que los juegos de espejos, la óptica y un zoom continuo juegan un papel fundamental a la hora de esbozar una historia que requiere de la participación total del lector, quien debe armarla como si se tratase de un puzle compuesto por decenas de piezas que, tomadas desde el punto de vista artístico, adquieren la forma de viñetas y, desde el temporal, de pequeñas fracciones de tiempo.

3 segundos. Marc-Antoine Mathieu

Sins entido. 72 páginas. Castellano

La renovada colección Anaya Photo Club aborda en este volumen el mundo de la fotografía y su relación con la animación y el 3D.

De la mano de Xanti Rodríguez, el lector se adentrará en los secretos de estas disciplinas de forma paulatina, comenzando con un diccionario de términos que facilitarán la comprensión de las explicaciones posteriores, continuando con la elección del material, el equipo informático, los programas de retoque y edición, y concluyendo con consejos destinados a mejorar y enriquecer el producto, que van más allá del mero dominio de la técnica.

El libro se acompaña de un DVD en el que se incluyen las imágenes y materiales de los ejemplos tratados en los tutoriales, con la intención de que el usuario pueda recrear en su casa el proyecto o resolver dudas al respecto en cualquier momento.

La única pega que podemos encontrarle a este título (y que no es achacable al autor ni a la editorial) es su limitada vigencia. A consecuencia de las continuas innovaciones en el campo tecnológico y estético, es fácil presumir que muchas de las explicaciones y ejemplos que aquí se contienen se quedarán obsoletas porque obsoletos quedarán los programas con los que se han realizado o las tendencias estéticas en boga en el momento actual. En todo caso, una buena compresión de cómo se construyen este tipo de proyectos permitirá al lector adaptarse sin problemas a las modificaciones que puedan producirse en este campo en el futuro.

Fotografía y cine de animación

Xanti Rodríguez. Anaya. 256 páginas. Castellano

Lisa Moore aborda en esta novela su propia experiencia con la muerte, la tragedia familiar, la ausencia y los recuerdos.
La escritora canadiense se remonta al 14 de febrero de 1982, fecha en la que una fuerte tormenta provoca el hundimiento de la plataforma petrolera Ocean Range en las costas de Newfoundland. “Febrero” narra los hechos posteriores a ese terrible suceso en el que perece su esposo y cómo se ve obligada a continuar su vida sola, con un hijo y otro por nacer.
Un relato que presta especial atención a los detalles cotidianos, a las descripciones psicológicas de los personajes y que, a pesar de su crudeza, contiene momentos de verdadera belleza literaria y buenas dosis de mordacidad.

Febrero. Lisa Moore
541 editores. 328 páginas. Castellano

La museología es una de las disciplinas que más ha evolucionado en los últimas décadas. La preocupación de las instituciones públicas por la cultura y las políticas que permitan el acceso de los ciudadanos a la misma, han sido claves para que los centros de arte evolucionasen hasta cotas inimaginables en épocas anteriores.

A la sombra de esta nueva realidad han surgido ensayos y tratados que sistematizan y recopilan todos esos avances, como fue el caso de “Introducción a la nueva museología” que, desde su aparición a fines de los años 90, se convirtió en uno de los textos claves en lo que se refiere al panorama español de los museos.

Más de diez años después, este estudio de Luis Alonso Fernández ha sido revisado y actualizado por Isabel García Fernández quien, entre otras cosas, ha acortado el título hasta convertirlo simplemente en “Nueva museología”, por entender que sus contenidos van más allá de la mera introducción y son un estudio en profundidad del tema hasta el punto de transformar muchos de los planteamientos que regían la disciplina.

Además de repasar la historia de los museos, los criterios de organización y catalogación de las colecciones o el contexto social e histórico en el que surgieron y evolucionaron, “Nueva museología” incluye un glosario de términos relacionados con el tema, un índice analítico y otro temático y una muy útil bibliografía comentada que, no solo detalla los títulos, autores, editoriales y años de edición, sino que también explica brevemente sus contenidos, lo que resulta una ayuda inestimable a la hora de valorar si el libro es o no de nuestro interés.

Nueva museología. Luis Alonso Fernández

Alianza Forma. 208 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Gustavo Gili podemos disponer en España de la versión en castellano de la colección que, sobre el mundo del diseño industrial y gráfico, ha editado el Design Museum de Londres.

Entre los títulos disponibles se encuentra “¿Cómo diseñar una silla?”, “¿Cómo diseñar una lámpara” y el que hoy nos ocupa, “¿Cómo diseñar un tipo?”.

Gracias a su lenguaje sencillo y al abundante material gráfico que lo ilustra, el lector interesado por el mundo de la tipografía, sea profesional, estudiante o profano, encontrará en este volumen las nociones básicas de esta disciplina, desde los inicios de la escritura, su mecanización, su evolución estilística a lo argo de la historia y, finalmente, su digitalización.

Una entrevista con Jonathan Barnbrook y Marcus Leis Allion, ilustrada con ejemplos de sus tipografías, y un breve glosario de términos, completan el contenido de este libro.

Cómo diseñar un tipo. Design Museum / OctopusLtd.

Gustavo Gili. 112 páginas. Castellano

En países donde la industria de ocio está muy desarrollada, es habitual que los estrenos cinematográficos nazcan vinculados a otros productos como cómics, cromos, productos de alimentación o ropa. En España, sin embargo, son pocos los ejemplos de películas al margen de la industria de Hollywood que se basan en este tipo de estrategias para su promoción. Este es el caso de “Lobos de Arga”, película de Juan Martínez Moreno que, unas semanas antes de su estreno, presentó su versión cómic cuya adaptación ha corrido por cuenta de Hernán Migoya, Rubén del Rincón, Manuel Carot y Carlos del Rincón.

Como en el guión original, la provincia orensana de Agra es el escenario de las aventuras y desventuras de Tomás Mariño, un joven escritor que es requerido con engaños por los habitantes del pueblo para acabar con una maldición centenaria.

Migoya, que últimamente no para en su labor como guionista de ficción para cómics, realiza una gran labor de adaptación que trufa con tronchantes chistes y detalles que, junto al buen trabajo de todos los dibujantes implicados, convierten al tebeo en un divertido complemento de la película.

Lobos de Arga. Migoya, Rubén, Man, Carlos

Glénat. 80 páginas. Castellano

Anaya ha renovado su colección Photo Club con la publicación de nuevos títulos, que incorporan las últimas novedades, técnicas y estéticas en el mundo de la imagen.

Entre esas novedades se encuentra este “Iluminar, disparar y retocar”, un volumen esencialmente práctico en el que se explica a través de múltiples ejemplos gráficos y textos concisos, cómo se trabaja la iluminación en la toma fotográfica y se lleva a cabo todo el proceso posterior de postproducción con programas de retoque de imagen.

Entre los ejemplos que se incluyen en el libro están las iluminaciones propias de retratos de cuerpo entero, de primer plano, para editoriales de moda, para temática deportiva o con una, dos, tres y cuatro luces. Además, el libro incluye información sobre el material necesario para desarrollar este tipo de proyectos, como los diferentes tipos de flash, lámparas de luz continua, las cámaras de fotos, los fondos, los ventiladores, etc.

En conjunto, el libro está destinado tanto a aficionados como a profesionales de la fotografía con experiencia que, si bien conocerán muchos de los temas que aquí se tratan, siempre podrán encontrar trucos útiles para sus sesiones fotográficas.

Iluminar, disparar y retocar. Scott Kelby

Anaya multimedia. 272 páginas. Castellano

Otro de los libros monográficos sobre fotografía que forma parte de las novedades de la colección Anaya Photo Club. En esta ocasión el tema a tratar es la toma nocturna y las fotografías de larga exposición.

A la hora de organizar el contenido, Harold Davis ha optado por combinar la explicación puramente teórica con ejemplos en los que narra sus propias experiencias y detalla las particularidades y anécdotas que rodearon la realización de algunas de sus fotografías.

A diferencia de otros títulos, que prestan una especial atención a los tutoriales de los programas de retoque de imagen, “Fotografía nocturna...” opta por dar más protagonismo a las fotografías acabadas y a los textos explicativos, por entender que la clave de este tipo de imágenes está en la toma, momento en el que hay que resolver dificultades como el apoyo de la cámara, el tiempo de exposición, el viento, o el movimiento de los objetos presentes en el plano.

Fotografía nocturna y de larga exposición. Harold Davis

Anaya Photo Club. 224 páginas. Castellano

Camille Vannier narra en este libro sus experiecias en un piso compartido de Barcelona a través de las particularidades de sus habitantes. Desde aquél que tiene pasión por contemplar competiciones deportivas en la televisión, a las chicas adictas al incienso, sin olvidar el que solo puede comer con su tenedor o el que únicamente ingiere sopa.

Un libro sencillo, ameno, que destaca por la buena integración entre el dibujo a lápiz y los textos rotulados a mano y la forma de tratar a los personajes, cuyos rostros son sustituidos por los números relativos al orden en el que se incorporaron al piso.

También es reseñable el buen trabajo de Sins entido en lo que se refiere al diseño o los acabados de la edición. Sin embargo, se echa a faltar en este título tan amable algo de la mala leche, el humor ácido y el ingenio que caracteriza a esa otra obra cumbre del costumbrismo sobre pisos compartidos que es la película “Gente Pez”.

El horno no funciona. Camille Vannier

Sins entido. 136 páginas. Castellano

A pesar de su juventud, el ilustrador argentino Liniers ha conseguido crear un universo personal que aglutina ternura, humor inteligente, absurdo y un sobresaliente elenco de personajes entre los que se cuentan el gato Fellini, el Misterioso Hombre de Negro, los pingüinos, José Luis el infeliz, el amigo imaginario Olga o el oso Madariaga.

En esta ocasión, y de la mano de Reservoir Books de Mondadori, presenta el séptimo volumen de su serie Macanudo que, además de todo lo enumerado más arriba, cuenta con un entrañable prólogo del maestro Lewis Trondheim, al que le bastan unas cuantas viñetas para describir y demostrar su admiración por este ilustrador.

Aquellos que lo conozcan ya saben qué se van a encontrar en las páginas de este Macanudo número 7; los que aún no se hayan zambullido en las tiras de Liniers, no sabemos a qué están esperando.

Macanudo 7. Liniers

Reservoir books. 96 páginas. Castellano

Carlos Losilla plantea en este “La invención de la modernidad o cómo acabar de una vez por todas con la historia del cine” una interesante cuestión: si el cine moderno es evolución natural de la disciplina o es una construcción para dar continuidad a las formas del cine clásico norteamericano. Para contestarla, Losilla repasa la producción cinematográfica de los últimos sesenta años y da cita en las páginas de su ensayo a figuras de la talla de Wenders, Coppola, Fassbinder, Cassavetes, Resnais, Godard, Truffaut, Antonioni y a algunos de los maestros que les inspiraron, como John Ford, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Fritz Lang o Vicente Minnelli.

Con tal profusión de nombres y títulos, se echa a faltar un índice onomástico y de películas citadas para facilitar la búsqueda de algún dato concreto durante la lectura o tras ella. Sin embargo, se agradece la inclusión de una abundante bibliografía que incluye, desde monografías de los directores mencionados, hasta ensayos que sobre el cine escribieron autores como Deleuze o Slavoj Zizek.

Para los que tengan curiosidad por saber cuál es la respuesta que Losilla da a la cuestión que genera el libro, les diremos que, para él, ni el clasicismo ni la modernidad existieron como tales sino que se confunden entre sí. Una conclusión que, en crudo, puede resultar compleja, pero que adquiere todo su sentido cuando se lee el ensayo completo.

La invención de la modernidad. Carlos Losilla

Cátedra. 248 páginas. Castellano

José Manuel Trabado, profesor universitario del área de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada de la Universidad de León, repasa en este ensayo los orígenes de la actual novela gráfica. Pioneros del mundo del cómic –como Winsor McCay creador de Little Nemo; George Herriman, de Krazy Kat y Will Eisner, de Spirit y el primero que acuñó el término novela gráfica– se dan cita en estas páginas y muestran cómo su influencia resultó imprescindible para que, décadas después, surgieran nuevos autores como Art Spiegelman, Cris Ware o Seth.

Ilustrado con numerosas imágenes de páginas dominicales, tiras e historietas de todos esos personajes, el libro analiza tanto la narración por viñetas, como la composición y estructura de las páginas e incluso los secretos o detalles que se incluyen en sus textos, tanto en su versión original, como en su traducción al castellano y que suelen pasar desapercibidos en una lectura ordinaria que no pretende otra cosa que divertir.

De hecho ese es uno de los logros de Trabado, que consigue que su trabajo no deje de ser divertido e incluso sorprendente, un hecho que acostumbran a olvidar aquellos que gustan de teorizar sobre algo que es divertido de por sí y que no precisa de sesudos ensayos para ser valorado.

Antes de la novela gráfica. Clásicos del cómic en la prensa norteamericana. José Manuel Trabado

Cátedra. 288 páginas. Castellano

El escritor y profesor de filosofía Fréderic Schiffter firma diez ensayos breves en los que analiza los diferentes sistemas filosóficos o formas de afrontar la vida de sendas figuras destacadas del pensamiento occidental, como Nietzsche, Pessoa, Prust, Freud, Schopenhauer y Ortega y Gasset.

En este ensayo, Schiffter analiza cómo estos personajes afrontan situaciones cotidianas de la vida, como el mundo laboral en el caso de Nietzsche, el pesimismo de Pessoa, el amor en Ortega o la muerte en Montaigne.

“Filosofía sentimental” es un interesante libro de divulgación filosófica, muy adecuado para plantar en los lectores la semilla del interés por esta disciplina, la cual puede terminar llevándolos hacia las fuentes de las que bebe este trabajo y que no son otras que las obras que conforman buena parte de las estructuras mentales, sociales y políticas del mundo en el que vivimos.

Filosofía sentimental. Fréderic Schiffter

451 editores. 152 páginas. Castellano

Además de ser un elemento con múltiples referencias culturales y sociales, el vestido posee un valor simbólico que puede ser considerado como una forma de comunicación no verbal.

Este es el planteamiento que sirve de punto de partida a Nicola Squicciarino para desarrollar este ensayo –publicado por primera vez en 1990 y que acaba de poner a la venta su quinta edición–, en el que este autor repasa la historia del vestido no solo como lo entendemos actualmente, es decir, como objeto predominantemente textil, sino también desde el punto de vista de la ornamentación corporal, como los tatuajes, las pinturas rituales o de guerra, los cosméticos actuales o los abalorios y su transformación en joyería moderna.

Uno de los atractivos de este tratado de la indumentaria respecto de otros libros semejantes es que su análisis sobre el mundo de la moda abarca diferentes campos del conocimiento, como la etnografía, la antropología, la teorías de la percepción, la psicología y la sociología, lo que lo convierte en un texto muy completo y amplio en lo que a su campo de estudio se refiere. La inclusión de diferente material gráfico como fotografías y grabados, completa el volumen y lo hacen aún más explicativo.

El vestido habla. Nicola Squicciarino

Cátedra. 224 páginas. Castellano

Astrid Lindgren siempre será recordada por el éxito de uno de sus personajes: Pipi Calzaslargas. Sin embargo, esta escritora sueca tiene una vasta obra que no se limita únicamente a la literatura infantil, sino también los libros para adultos muchos de los cuales abordan temas como el feminismo y la liberación de la mujer.

La editorial Kalandraka acaba de rescatar “Rasmus y el vagabundo”, un libro de aventuras con cierto toque iniciático (todo lo que permite un libro infantil, claro) en el que un niño decide ir a conocer mundo con un hombre que ha hecho de la libertad y la falta de ataduras su modo de vida.

Además del divertido e inspirador texto de Lindgren, el libro cuenta con el innegable atractivo de las ilustraciones de Pablo Auladell. Un complemento en el que abundan las texturas, el trabajo manual, la caricatura y que se ajusta como un guante al espíritu del libro que, no por estar orientado al público infantil y juvenil, es un trabajo simple. Un detalle común a libros similares, como “Las aventuras de Tom Sawyer” o “La isla del tesoro”, pero que parece haber sido abandonado por las nuevas generaciones de autores infantiles tal vez por miedo a que los más pequeños no estén a la altura cuando , en muchas ocasiones, los más pequeños están varios pasos por delante de lo que sus mayores creen que están.

Rasmus y el vagabundo. Astrid Lindgren
Ilustraciones de Pablo Auladel

Kalandraka. 160 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Sins Entido, el lector español puede disfrutar con un acabado de lujo de la edición integral de la que tal vez sea la obra más ambiciosa de Emmanuel Guibert, Didier Lefèvre y Fredéric Lemercier.

Planteada como una suerte de “road movie” en viñetas, “El fotógrafo” describe las aventuras (y alguna que otra desventura) del propio Lefèvre, fotógrafo que acompañó a una misión de Médicos Sin Fronteras por Pakistán.

Además de una amena narración, el libro destaca por el novedoso planteamiento realizado por los autores, que decidieron incluir en la historia buena parte de las fotografías que Lefèvre realizó para su reportaje como si se tratasen de unas viñetas cualquiera, decisión que enriquece la historia y la dota de una verosimilitud aún mayor.

Como sucede con obras como “Notas al pie de Gaza” de Joe Sacco, “El fotógrafo” no es un cómic amable. La dureza de las situaciones que muestra, especialmente las relacionadas con la enfermedad y más aún las provocadas por la guerra, harían de su lectura un acto complejo y desagradable si no fuera porque sus autores son capaces de dosificar los hechos dramáticos sin tergiversarlos y presentarlos dentro de una historia más compleja y que describe la vida tal y como es, con sus complicaciones y dramas, pero también con sus instantes de felicidad.

Además de su dimensión artística, “El fotógrafo” funciona también como un tratado etnográfico en el que se van detallando algunas de las tradiciones y costumbres de los habitantes de los pueblos de la zona, desde su forma de vestir, su religión, su estructura social o el trato con los extranjeros.

Por último, el libro incluye una galería de retratos que explican qué ha sido de los personajes después de finalizada la misión, detalle que es de agradecer por parte del lector quien, después de más de doscientas páginas, acaba por establecer cierto vínculo afectivo con ellos.

El fotógrafo. Guibert, Lefèvre, Lemercier

Sins Entido. 272 páginas. Castellano

Desde su fundación en 1996, la Escuela de Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid ha editado una serie de libros en los que se recopilaban algunos de los trabajos de los alumnos realizados durante su paso por dicho centro educativo.

En esta ocasión, un texto del profesor Andrés Jaque en el que se reflexiona sobre los cambios sociales que debe tener en cuenta la arquitectura sirve de eje e inspiración a las propuestas de los alumnos de Arquitectura e Ingeniería de Edificación.

Entre los temas abordados en “Eco-Ordinary” se encuentran los de la biodiversidad, la ética de las intervenciones arquitectónicas, la relación entre ecología y política, la durabilidad de las construcciones y el tamaño óptimo de las mismas para que no resulten mastodónticas o fuera de escala.

El volumen concluye con una serie de textos académicos relacionados con la Escuela de arquitectura y sus diferentes departamentos, lo que no deja de ser un material interesante para aquellos que sientan cierta curiosidad por la disciplina y estén pensando en matricularse en ella, que al fin y al cabo, es la verdadera finalidad de este tipo de productos.

Eco-Ordinary. Andrés Jaque y la Oficina de Innovación Política

Universidad Europea de Madrid. 160 páginas

Castellano/Inglés

Tras los dos volúmenes de “Donde hay pelo hay alegría”, Furillo y TMEO ponen a disposición de los lectores “El maestro”, un álbum en el que se recopilan las aventuras protagonizadas por el torero más desagradable de la historia ya publicadas por la revista vitoriana.

Dibujado con el característico trazo detallista de Furillo (en ocasiones más detallista de lo deseado) y escrito en un curioso dialecto de trazas andaluzas que en ocasiones recuerda al castellano, “El maestro” es un recital de divertidos excesos y barbaridades en campos tan variados como el sexo, la higiene personal, la salud, la gastronomía, los bares, los piropos, la homosexualidad, la Guardia Civil o las mujeres.

Un tebeo solo apto para estómagos fuertes y en ayunas, que hará disfrutar a aquellos que se acerquen a él sin miedo. Los tiquismiquis y los militantes de lo políticamente correcto, mejor abstenerse, no vayan a decir luego que no se lo habíamos avisado.

El maestro. Furillo

TMEO. 66 páginas. Castellano

Esta monografía sobre Enric Mestre inaugura una serie de exposiciones y publicaciones destinadas a sacar a la luz a destacados autores en este campo de la creación artística, cuya influencia en otros profesionales haya sido tal que permita afirmar que han creado una escuela.

Además de una amplia introducción en la que se incluyen textos y abundante documentación gráfica acerca de la trayectoria profesional y docente de Mestre, el libro contiene perfiles de algunos de sus discípulos y fotografías de sus obras. De esta forma, además de saber más del maestro, podemos conocer la obra de Xavier Montsalvatje, Su-Pi Hsu, Pablo Ruiz, Myriam Jiménez o Carmen Ballester.

Este proyecto, tanto es su versión editorial como en la expositiva, es una curiosa iniciativa que permite que personas ajenas al mundo de la cerámica puedan conocer algo más de esta tradicional forma artística, permeable a las nuevas tendencias artísticas y que hace mucho que dejo de ser sinónimo de botijos, vasijas, jarrones, cazuelas y otros utensilios similares para convertirse en una forma de expresión artística tan válida y compleja como la escultura en bronce o metal.

Maestros de la cerámica y sus escuelas. Enric Mestre

Diputación provincial de Zaragoza, Escuela de cerámica de Muel

128 páginas. Castellano

“A verlas venir” es el cuarto álbum de las aventuras de Javi Cabrero. Publicado por TMEO, revista en la que acostumbran a aparecer este personaje creado por Gol, en esta ocasión el lector será testigo de los problemas sentimentales del protagonista y de la incorporación de un nuevo miembro al grupo de personajes habituales, y que no es otro que el sobrino de Javi Cabrero, un muchacho de ciudad en plena preadolescencia que chocará por costumbres y comportamiento con todos los habitantes del pueblo a excepción de su abuelo, que resulta ser tan poco sociable como el chaval.

Un entrañable y divertido cómic, compuesto por historietas de lectura independiente pero que se continúan dando lugar a un álbum de conjunto coherente, que se aleja de los escenarios y situaciones urbanas a las que estamos acostumbrados en este tipo de trabajos y nos muestra cómo es la vida en un ambiente rural, con sus momentos idílicos, sus sacrificios, su paisanaje y su paisaje que, por cierto, es uno de los puntos fuertes de Gol como ilustrador.

A verlas venir. Gol. TMEO

66 páginas. Castellano

Toda adaptación de una obra maestra de la cultura universal conlleva un enorme riesgo y no poca osadía. De hecho, no son pocas las ocasiones en las que el receptor se pregunta si dicha adaptación era realmente necesaria. La experiencia suele demostrarnos que, mientras que la pérdida del original supondría una grave merma en el acervo cultural de la humanidad, el mundo podría seguir girando sin la mayoría de los sucedáneos.

Esta es la impresión que se obtiene de la lectura de la versión de “El proceso” de Kafka realizada por la ilustradora Chantal Montelier y David Zane Mairowitz, una obra prescindible, que nada aporta de bueno a la obra del checo ni desde el punto de vista conceptual ni artístico.

Tampoco ayuda a este trabajo el que esté aún reciente en la memoria de los lectores españoles la versión que del clásico de Collodi realizó Winshluss. Una magnífica versión de Pinocho tanto en lo conceptual como en lo artístico, que revisaba el personaje y lo adaptaba a los nuevos tiempos, haciendo hincapié en la parte más adulta y decadente de la obra.

Dicho esto, resulta aún más curioso que “El proceso” haya recibido una subvención de la Dirección General del Libro Archivos y Bibliotecas del Ministerio de Cultura. Si es por el valor literario de la obra original, nos da la sensación de que su lectura no invitará a los lectores a acercarse a la obra de Kafka; si es por el hecho de ser una novela gráfica, hay otros muchos títulos más interesantes que realmente dignifican el lenguaje del cómic.

Lamentablemente, “El proceso” de Montellier y Mairowitz no es un buen trabajo literario ni artístico; menos aún cuando el modelo ante el que tiene que medirse es una obra como la de Kafka. Eso es lo que pasa cuando uno, cual Faetón o Ícaro, se olvida de quién es y decide medirse con los genios pensando que va a estar a la altura.

El proceso. Kafka, Montellier, Mairowitz

Sins Entido. 128 páginas. Castellano

Mireia Pérez se ha convertido en una agradable sorpresa en el panorama del cómic español, territorio tradicionalmente vedado a la mujer y en el que, salvo honrosas excepciones como el de Purita Campos, los hombres han gozado de una total hegemonía.

En muy poco tiempo, Pérez ha conseguido hacerse un hueco en este sector y, tras demostrar su talento en los formatos cortos, se ha lanzado a la aventura de crear una novela gráfica, esfuerzo que se ha visto ahora recompensado con el primer Premio Internacional de Cómic FNAC-Sins Entido.

“La muchacha salvaje”, historia de la que ahora se presenta el primer volumen titulado “Nómada”, es una historia troglodita de superación y exclusión. Una epopeya de cuando no había agua corriente cuyo planteamiento resulta más cercano a la saga literaria del Oso Cavernario o la serie de televisión que narra las aventuras del Homo Sapiens –es decir, la epopeya sufrida por un miembro de una tribu evolutivamente inferior a otras que ya pueblan la Tierra en esos años–, que a obras como “El pequeño salvaje” de Truffaut.

Colorista, divertido y con las dosis justas de violencia y sexo para hacerlo accesible a todo tipo de lectores, “La muchacha salvaje” es una lectura agradable que queda interrumpida a la espera de los siguientes volúmenes en los que se descubrirá si la protagonista será capaz de abandonar su vida nómada para acostumbrarse al sedentarismo, el cultivo de tierras y la recolección.

El hecho de que carezca de largos bloques de texto y diálogos (innegable ventaja de hacer tebeos con personajes prehistóricos a excepción de los Picapiedra), hace que el trabajo de Mireia Pérez resulte muy adecuado para ser vendido en el extranjero. De hecho, no nos extrañaría nada que en unos meses viéramos las correspondientes adaptaciones italianas y francesas.

La muchacha salvaje. Mireia Pérez

Sins Entido. 110 páginas. Castellano

Joann Sfar es un viejo conocido del público español aficionado a los cómics gracias a personajes como Sócrates el semi-perro o el profesor Bell. En esta ocasión emplea su reconocible trazo para narrar una historia protagonizada por Marc Chagall, a través del cual va desgranando anécdotas de su vida y explorando algunos de los temas que le preocuparon a lo largo de ella.

La guerra, el amor, la muerte, la religión, la política, los progromos y, por supuesto, el arte y la pintura, son objeto de reflexión por parte de un joven Chagal que, al menos en la obra de Sfar, se revela como una persona curiosa y divertida.

Es de destacar el talento de Sfar para mezcla en la narración la realidad con la ficción y cómo en esta los personajes transitan con soltura entre su vida cotidiana y su vida onírica, exponiendo al lector sus miedos, sus anhelos o sencillamente sus fantasías. Para ello el autor despliega un código de colores que diferencian los distintos momentos, escenarios o avatares por los que atraviesan sus personajes.

“Chagall en Rusia” es una interesante novela gráfica plagada de peculiares personajes en la que confluyen momentos muy divertidos –especialmente los relacionados con los amoríos del pintor–, y momentos realmente dramáticos, relacionados con la realidad histórica que le tocó vivir. Un título que demuestra una vez más la buena labor editorial que viene realizando 451 desde su aparición y que deja claro, para todos aquellos que pudieran dudarlo, que su apuesta por la novela gráfica o los libros relacionados con las artes plástica y el diseño no es un capricho pasajero.

Chagal en Rusia. Joann Sfar. 128 páginas
451 editores. Castellano