La renovada colección Anaya Photo Club aborda en este volumen el mundo de la fotografía y su relación con la animación y el 3D.

De la mano de Xanti Rodríguez, el lector se adentrará en los secretos de estas disciplinas de forma paulatina, comenzando con un diccionario de términos que facilitarán la comprensión de las explicaciones posteriores, continuando con la elección del material, el equipo informático, los programas de retoque y edición, y concluyendo con consejos destinados a mejorar y enriquecer el producto, que van más allá del mero dominio de la técnica.

El libro se acompaña de un DVD en el que se incluyen las imágenes y materiales de los ejemplos tratados en los tutoriales, con la intención de que el usuario pueda recrear en su casa el proyecto o resolver dudas al respecto en cualquier momento.

La única pega que podemos encontrarle a este título (y que no es achacable al autor ni a la editorial) es su limitada vigencia. A consecuencia de las continuas innovaciones en el campo tecnológico y estético, es fácil presumir que muchas de las explicaciones y ejemplos que aquí se contienen se quedarán obsoletas porque obsoletos quedarán los programas con los que se han realizado o las tendencias estéticas en boga en el momento actual. En todo caso, una buena compresión de cómo se construyen este tipo de proyectos permitirá al lector adaptarse sin problemas a las modificaciones que puedan producirse en este campo en el futuro.

Fotografía y cine de animación

Xanti Rodríguez. Anaya. 256 páginas. Castellano

Lisa Moore aborda en esta novela su propia experiencia con la muerte, la tragedia familiar, la ausencia y los recuerdos.
La escritora canadiense se remonta al 14 de febrero de 1982, fecha en la que una fuerte tormenta provoca el hundimiento de la plataforma petrolera Ocean Range en las costas de Newfoundland. “Febrero” narra los hechos posteriores a ese terrible suceso en el que perece su esposo y cómo se ve obligada a continuar su vida sola, con un hijo y otro por nacer.
Un relato que presta especial atención a los detalles cotidianos, a las descripciones psicológicas de los personajes y que, a pesar de su crudeza, contiene momentos de verdadera belleza literaria y buenas dosis de mordacidad.

Febrero. Lisa Moore
541 editores. 328 páginas. Castellano

La museología es una de las disciplinas que más ha evolucionado en los últimas décadas. La preocupación de las instituciones públicas por la cultura y las políticas que permitan el acceso de los ciudadanos a la misma, han sido claves para que los centros de arte evolucionasen hasta cotas inimaginables en épocas anteriores.

A la sombra de esta nueva realidad han surgido ensayos y tratados que sistematizan y recopilan todos esos avances, como fue el caso de “Introducción a la nueva museología” que, desde su aparición a fines de los años 90, se convirtió en uno de los textos claves en lo que se refiere al panorama español de los museos.

Más de diez años después, este estudio de Luis Alonso Fernández ha sido revisado y actualizado por Isabel García Fernández quien, entre otras cosas, ha acortado el título hasta convertirlo simplemente en “Nueva museología”, por entender que sus contenidos van más allá de la mera introducción y son un estudio en profundidad del tema hasta el punto de transformar muchos de los planteamientos que regían la disciplina.

Además de repasar la historia de los museos, los criterios de organización y catalogación de las colecciones o el contexto social e histórico en el que surgieron y evolucionaron, “Nueva museología” incluye un glosario de términos relacionados con el tema, un índice analítico y otro temático y una muy útil bibliografía comentada que, no solo detalla los títulos, autores, editoriales y años de edición, sino que también explica brevemente sus contenidos, lo que resulta una ayuda inestimable a la hora de valorar si el libro es o no de nuestro interés.

Nueva museología. Luis Alonso Fernández

Alianza Forma. 208 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Gustavo Gili podemos disponer en España de la versión en castellano de la colección que, sobre el mundo del diseño industrial y gráfico, ha editado el Design Museum de Londres.

Entre los títulos disponibles se encuentra “¿Cómo diseñar una silla?”, “¿Cómo diseñar una lámpara” y el que hoy nos ocupa, “¿Cómo diseñar un tipo?”.

Gracias a su lenguaje sencillo y al abundante material gráfico que lo ilustra, el lector interesado por el mundo de la tipografía, sea profesional, estudiante o profano, encontrará en este volumen las nociones básicas de esta disciplina, desde los inicios de la escritura, su mecanización, su evolución estilística a lo argo de la historia y, finalmente, su digitalización.

Una entrevista con Jonathan Barnbrook y Marcus Leis Allion, ilustrada con ejemplos de sus tipografías, y un breve glosario de términos, completan el contenido de este libro.

Cómo diseñar un tipo. Design Museum / OctopusLtd.

Gustavo Gili. 112 páginas. Castellano

En países donde la industria de ocio está muy desarrollada, es habitual que los estrenos cinematográficos nazcan vinculados a otros productos como cómics, cromos, productos de alimentación o ropa. En España, sin embargo, son pocos los ejemplos de películas al margen de la industria de Hollywood que se basan en este tipo de estrategias para su promoción. Este es el caso de “Lobos de Arga”, película de Juan Martínez Moreno que, unas semanas antes de su estreno, presentó su versión cómic cuya adaptación ha corrido por cuenta de Hernán Migoya, Rubén del Rincón, Manuel Carot y Carlos del Rincón.

Como en el guión original, la provincia orensana de Agra es el escenario de las aventuras y desventuras de Tomás Mariño, un joven escritor que es requerido con engaños por los habitantes del pueblo para acabar con una maldición centenaria.

Migoya, que últimamente no para en su labor como guionista de ficción para cómics, realiza una gran labor de adaptación que trufa con tronchantes chistes y detalles que, junto al buen trabajo de todos los dibujantes implicados, convierten al tebeo en un divertido complemento de la película.

Lobos de Arga. Migoya, Rubén, Man, Carlos

Glénat. 80 páginas. Castellano

Anaya ha renovado su colección Photo Club con la publicación de nuevos títulos, que incorporan las últimas novedades, técnicas y estéticas en el mundo de la imagen.

Entre esas novedades se encuentra este “Iluminar, disparar y retocar”, un volumen esencialmente práctico en el que se explica a través de múltiples ejemplos gráficos y textos concisos, cómo se trabaja la iluminación en la toma fotográfica y se lleva a cabo todo el proceso posterior de postproducción con programas de retoque de imagen.

Entre los ejemplos que se incluyen en el libro están las iluminaciones propias de retratos de cuerpo entero, de primer plano, para editoriales de moda, para temática deportiva o con una, dos, tres y cuatro luces. Además, el libro incluye información sobre el material necesario para desarrollar este tipo de proyectos, como los diferentes tipos de flash, lámparas de luz continua, las cámaras de fotos, los fondos, los ventiladores, etc.

En conjunto, el libro está destinado tanto a aficionados como a profesionales de la fotografía con experiencia que, si bien conocerán muchos de los temas que aquí se tratan, siempre podrán encontrar trucos útiles para sus sesiones fotográficas.

Iluminar, disparar y retocar. Scott Kelby

Anaya multimedia. 272 páginas. Castellano

Otro de los libros monográficos sobre fotografía que forma parte de las novedades de la colección Anaya Photo Club. En esta ocasión el tema a tratar es la toma nocturna y las fotografías de larga exposición.

A la hora de organizar el contenido, Harold Davis ha optado por combinar la explicación puramente teórica con ejemplos en los que narra sus propias experiencias y detalla las particularidades y anécdotas que rodearon la realización de algunas de sus fotografías.

A diferencia de otros títulos, que prestan una especial atención a los tutoriales de los programas de retoque de imagen, “Fotografía nocturna...” opta por dar más protagonismo a las fotografías acabadas y a los textos explicativos, por entender que la clave de este tipo de imágenes está en la toma, momento en el que hay que resolver dificultades como el apoyo de la cámara, el tiempo de exposición, el viento, o el movimiento de los objetos presentes en el plano.

Fotografía nocturna y de larga exposición. Harold Davis

Anaya Photo Club. 224 páginas. Castellano

Camille Vannier narra en este libro sus experiecias en un piso compartido de Barcelona a través de las particularidades de sus habitantes. Desde aquél que tiene pasión por contemplar competiciones deportivas en la televisión, a las chicas adictas al incienso, sin olvidar el que solo puede comer con su tenedor o el que únicamente ingiere sopa.

Un libro sencillo, ameno, que destaca por la buena integración entre el dibujo a lápiz y los textos rotulados a mano y la forma de tratar a los personajes, cuyos rostros son sustituidos por los números relativos al orden en el que se incorporaron al piso.

También es reseñable el buen trabajo de Sins entido en lo que se refiere al diseño o los acabados de la edición. Sin embargo, se echa a faltar en este título tan amable algo de la mala leche, el humor ácido y el ingenio que caracteriza a esa otra obra cumbre del costumbrismo sobre pisos compartidos que es la película “Gente Pez”.

El horno no funciona. Camille Vannier

Sins entido. 136 páginas. Castellano

A pesar de su juventud, el ilustrador argentino Liniers ha conseguido crear un universo personal que aglutina ternura, humor inteligente, absurdo y un sobresaliente elenco de personajes entre los que se cuentan el gato Fellini, el Misterioso Hombre de Negro, los pingüinos, José Luis el infeliz, el amigo imaginario Olga o el oso Madariaga.

En esta ocasión, y de la mano de Reservoir Books de Mondadori, presenta el séptimo volumen de su serie Macanudo que, además de todo lo enumerado más arriba, cuenta con un entrañable prólogo del maestro Lewis Trondheim, al que le bastan unas cuantas viñetas para describir y demostrar su admiración por este ilustrador.

Aquellos que lo conozcan ya saben qué se van a encontrar en las páginas de este Macanudo número 7; los que aún no se hayan zambullido en las tiras de Liniers, no sabemos a qué están esperando.

Macanudo 7. Liniers

Reservoir books. 96 páginas. Castellano

Carlos Losilla plantea en este “La invención de la modernidad o cómo acabar de una vez por todas con la historia del cine” una interesante cuestión: si el cine moderno es evolución natural de la disciplina o es una construcción para dar continuidad a las formas del cine clásico norteamericano. Para contestarla, Losilla repasa la producción cinematográfica de los últimos sesenta años y da cita en las páginas de su ensayo a figuras de la talla de Wenders, Coppola, Fassbinder, Cassavetes, Resnais, Godard, Truffaut, Antonioni y a algunos de los maestros que les inspiraron, como John Ford, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Fritz Lang o Vicente Minnelli.

Con tal profusión de nombres y títulos, se echa a faltar un índice onomástico y de películas citadas para facilitar la búsqueda de algún dato concreto durante la lectura o tras ella. Sin embargo, se agradece la inclusión de una abundante bibliografía que incluye, desde monografías de los directores mencionados, hasta ensayos que sobre el cine escribieron autores como Deleuze o Slavoj Zizek.

Para los que tengan curiosidad por saber cuál es la respuesta que Losilla da a la cuestión que genera el libro, les diremos que, para él, ni el clasicismo ni la modernidad existieron como tales sino que se confunden entre sí. Una conclusión que, en crudo, puede resultar compleja, pero que adquiere todo su sentido cuando se lee el ensayo completo.

La invención de la modernidad. Carlos Losilla

Cátedra. 248 páginas. Castellano

José Manuel Trabado, profesor universitario del área de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada de la Universidad de León, repasa en este ensayo los orígenes de la actual novela gráfica. Pioneros del mundo del cómic –como Winsor McCay creador de Little Nemo; George Herriman, de Krazy Kat y Will Eisner, de Spirit y el primero que acuñó el término novela gráfica– se dan cita en estas páginas y muestran cómo su influencia resultó imprescindible para que, décadas después, surgieran nuevos autores como Art Spiegelman, Cris Ware o Seth.

Ilustrado con numerosas imágenes de páginas dominicales, tiras e historietas de todos esos personajes, el libro analiza tanto la narración por viñetas, como la composición y estructura de las páginas e incluso los secretos o detalles que se incluyen en sus textos, tanto en su versión original, como en su traducción al castellano y que suelen pasar desapercibidos en una lectura ordinaria que no pretende otra cosa que divertir.

De hecho ese es uno de los logros de Trabado, que consigue que su trabajo no deje de ser divertido e incluso sorprendente, un hecho que acostumbran a olvidar aquellos que gustan de teorizar sobre algo que es divertido de por sí y que no precisa de sesudos ensayos para ser valorado.

Antes de la novela gráfica. Clásicos del cómic en la prensa norteamericana. José Manuel Trabado

Cátedra. 288 páginas. Castellano

El escritor y profesor de filosofía Fréderic Schiffter firma diez ensayos breves en los que analiza los diferentes sistemas filosóficos o formas de afrontar la vida de sendas figuras destacadas del pensamiento occidental, como Nietzsche, Pessoa, Prust, Freud, Schopenhauer y Ortega y Gasset.

En este ensayo, Schiffter analiza cómo estos personajes afrontan situaciones cotidianas de la vida, como el mundo laboral en el caso de Nietzsche, el pesimismo de Pessoa, el amor en Ortega o la muerte en Montaigne.

“Filosofía sentimental” es un interesante libro de divulgación filosófica, muy adecuado para plantar en los lectores la semilla del interés por esta disciplina, la cual puede terminar llevándolos hacia las fuentes de las que bebe este trabajo y que no son otras que las obras que conforman buena parte de las estructuras mentales, sociales y políticas del mundo en el que vivimos.

Filosofía sentimental. Fréderic Schiffter

451 editores. 152 páginas. Castellano

Además de ser un elemento con múltiples referencias culturales y sociales, el vestido posee un valor simbólico que puede ser considerado como una forma de comunicación no verbal.

Este es el planteamiento que sirve de punto de partida a Nicola Squicciarino para desarrollar este ensayo –publicado por primera vez en 1990 y que acaba de poner a la venta su quinta edición–, en el que este autor repasa la historia del vestido no solo como lo entendemos actualmente, es decir, como objeto predominantemente textil, sino también desde el punto de vista de la ornamentación corporal, como los tatuajes, las pinturas rituales o de guerra, los cosméticos actuales o los abalorios y su transformación en joyería moderna.

Uno de los atractivos de este tratado de la indumentaria respecto de otros libros semejantes es que su análisis sobre el mundo de la moda abarca diferentes campos del conocimiento, como la etnografía, la antropología, la teorías de la percepción, la psicología y la sociología, lo que lo convierte en un texto muy completo y amplio en lo que a su campo de estudio se refiere. La inclusión de diferente material gráfico como fotografías y grabados, completa el volumen y lo hacen aún más explicativo.

El vestido habla. Nicola Squicciarino

Cátedra. 224 páginas. Castellano

Astrid Lindgren siempre será recordada por el éxito de uno de sus personajes: Pipi Calzaslargas. Sin embargo, esta escritora sueca tiene una vasta obra que no se limita únicamente a la literatura infantil, sino también los libros para adultos muchos de los cuales abordan temas como el feminismo y la liberación de la mujer.

La editorial Kalandraka acaba de rescatar “Rasmus y el vagabundo”, un libro de aventuras con cierto toque iniciático (todo lo que permite un libro infantil, claro) en el que un niño decide ir a conocer mundo con un hombre que ha hecho de la libertad y la falta de ataduras su modo de vida.

Además del divertido e inspirador texto de Lindgren, el libro cuenta con el innegable atractivo de las ilustraciones de Pablo Auladell. Un complemento en el que abundan las texturas, el trabajo manual, la caricatura y que se ajusta como un guante al espíritu del libro que, no por estar orientado al público infantil y juvenil, es un trabajo simple. Un detalle común a libros similares, como “Las aventuras de Tom Sawyer” o “La isla del tesoro”, pero que parece haber sido abandonado por las nuevas generaciones de autores infantiles tal vez por miedo a que los más pequeños no estén a la altura cuando , en muchas ocasiones, los más pequeños están varios pasos por delante de lo que sus mayores creen que están.

Rasmus y el vagabundo. Astrid Lindgren
Ilustraciones de Pablo Auladel

Kalandraka. 160 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Sins Entido, el lector español puede disfrutar con un acabado de lujo de la edición integral de la que tal vez sea la obra más ambiciosa de Emmanuel Guibert, Didier Lefèvre y Fredéric Lemercier.

Planteada como una suerte de “road movie” en viñetas, “El fotógrafo” describe las aventuras (y alguna que otra desventura) del propio Lefèvre, fotógrafo que acompañó a una misión de Médicos Sin Fronteras por Pakistán.

Además de una amena narración, el libro destaca por el novedoso planteamiento realizado por los autores, que decidieron incluir en la historia buena parte de las fotografías que Lefèvre realizó para su reportaje como si se tratasen de unas viñetas cualquiera, decisión que enriquece la historia y la dota de una verosimilitud aún mayor.

Como sucede con obras como “Notas al pie de Gaza” de Joe Sacco, “El fotógrafo” no es un cómic amable. La dureza de las situaciones que muestra, especialmente las relacionadas con la enfermedad y más aún las provocadas por la guerra, harían de su lectura un acto complejo y desagradable si no fuera porque sus autores son capaces de dosificar los hechos dramáticos sin tergiversarlos y presentarlos dentro de una historia más compleja y que describe la vida tal y como es, con sus complicaciones y dramas, pero también con sus instantes de felicidad.

Además de su dimensión artística, “El fotógrafo” funciona también como un tratado etnográfico en el que se van detallando algunas de las tradiciones y costumbres de los habitantes de los pueblos de la zona, desde su forma de vestir, su religión, su estructura social o el trato con los extranjeros.

Por último, el libro incluye una galería de retratos que explican qué ha sido de los personajes después de finalizada la misión, detalle que es de agradecer por parte del lector quien, después de más de doscientas páginas, acaba por establecer cierto vínculo afectivo con ellos.

El fotógrafo. Guibert, Lefèvre, Lemercier

Sins Entido. 272 páginas. Castellano

Desde su fundación en 1996, la Escuela de Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid ha editado una serie de libros en los que se recopilaban algunos de los trabajos de los alumnos realizados durante su paso por dicho centro educativo.

En esta ocasión, un texto del profesor Andrés Jaque en el que se reflexiona sobre los cambios sociales que debe tener en cuenta la arquitectura sirve de eje e inspiración a las propuestas de los alumnos de Arquitectura e Ingeniería de Edificación.

Entre los temas abordados en “Eco-Ordinary” se encuentran los de la biodiversidad, la ética de las intervenciones arquitectónicas, la relación entre ecología y política, la durabilidad de las construcciones y el tamaño óptimo de las mismas para que no resulten mastodónticas o fuera de escala.

El volumen concluye con una serie de textos académicos relacionados con la Escuela de arquitectura y sus diferentes departamentos, lo que no deja de ser un material interesante para aquellos que sientan cierta curiosidad por la disciplina y estén pensando en matricularse en ella, que al fin y al cabo, es la verdadera finalidad de este tipo de productos.

Eco-Ordinary. Andrés Jaque y la Oficina de Innovación Política

Universidad Europea de Madrid. 160 páginas

Castellano/Inglés

Tras los dos volúmenes de “Donde hay pelo hay alegría”, Furillo y TMEO ponen a disposición de los lectores “El maestro”, un álbum en el que se recopilan las aventuras protagonizadas por el torero más desagradable de la historia ya publicadas por la revista vitoriana.

Dibujado con el característico trazo detallista de Furillo (en ocasiones más detallista de lo deseado) y escrito en un curioso dialecto de trazas andaluzas que en ocasiones recuerda al castellano, “El maestro” es un recital de divertidos excesos y barbaridades en campos tan variados como el sexo, la higiene personal, la salud, la gastronomía, los bares, los piropos, la homosexualidad, la Guardia Civil o las mujeres.

Un tebeo solo apto para estómagos fuertes y en ayunas, que hará disfrutar a aquellos que se acerquen a él sin miedo. Los tiquismiquis y los militantes de lo políticamente correcto, mejor abstenerse, no vayan a decir luego que no se lo habíamos avisado.

El maestro. Furillo

TMEO. 66 páginas. Castellano

Esta monografía sobre Enric Mestre inaugura una serie de exposiciones y publicaciones destinadas a sacar a la luz a destacados autores en este campo de la creación artística, cuya influencia en otros profesionales haya sido tal que permita afirmar que han creado una escuela.

Además de una amplia introducción en la que se incluyen textos y abundante documentación gráfica acerca de la trayectoria profesional y docente de Mestre, el libro contiene perfiles de algunos de sus discípulos y fotografías de sus obras. De esta forma, además de saber más del maestro, podemos conocer la obra de Xavier Montsalvatje, Su-Pi Hsu, Pablo Ruiz, Myriam Jiménez o Carmen Ballester.

Este proyecto, tanto es su versión editorial como en la expositiva, es una curiosa iniciativa que permite que personas ajenas al mundo de la cerámica puedan conocer algo más de esta tradicional forma artística, permeable a las nuevas tendencias artísticas y que hace mucho que dejo de ser sinónimo de botijos, vasijas, jarrones, cazuelas y otros utensilios similares para convertirse en una forma de expresión artística tan válida y compleja como la escultura en bronce o metal.

Maestros de la cerámica y sus escuelas. Enric Mestre

Diputación provincial de Zaragoza, Escuela de cerámica de Muel

128 páginas. Castellano

“A verlas venir” es el cuarto álbum de las aventuras de Javi Cabrero. Publicado por TMEO, revista en la que acostumbran a aparecer este personaje creado por Gol, en esta ocasión el lector será testigo de los problemas sentimentales del protagonista y de la incorporación de un nuevo miembro al grupo de personajes habituales, y que no es otro que el sobrino de Javi Cabrero, un muchacho de ciudad en plena preadolescencia que chocará por costumbres y comportamiento con todos los habitantes del pueblo a excepción de su abuelo, que resulta ser tan poco sociable como el chaval.

Un entrañable y divertido cómic, compuesto por historietas de lectura independiente pero que se continúan dando lugar a un álbum de conjunto coherente, que se aleja de los escenarios y situaciones urbanas a las que estamos acostumbrados en este tipo de trabajos y nos muestra cómo es la vida en un ambiente rural, con sus momentos idílicos, sus sacrificios, su paisanaje y su paisaje que, por cierto, es uno de los puntos fuertes de Gol como ilustrador.

A verlas venir. Gol. TMEO

66 páginas. Castellano

Toda adaptación de una obra maestra de la cultura universal conlleva un enorme riesgo y no poca osadía. De hecho, no son pocas las ocasiones en las que el receptor se pregunta si dicha adaptación era realmente necesaria. La experiencia suele demostrarnos que, mientras que la pérdida del original supondría una grave merma en el acervo cultural de la humanidad, el mundo podría seguir girando sin la mayoría de los sucedáneos.

Esta es la impresión que se obtiene de la lectura de la versión de “El proceso” de Kafka realizada por la ilustradora Chantal Montelier y David Zane Mairowitz, una obra prescindible, que nada aporta de bueno a la obra del checo ni desde el punto de vista conceptual ni artístico.

Tampoco ayuda a este trabajo el que esté aún reciente en la memoria de los lectores españoles la versión que del clásico de Collodi realizó Winshluss. Una magnífica versión de Pinocho tanto en lo conceptual como en lo artístico, que revisaba el personaje y lo adaptaba a los nuevos tiempos, haciendo hincapié en la parte más adulta y decadente de la obra.

Dicho esto, resulta aún más curioso que “El proceso” haya recibido una subvención de la Dirección General del Libro Archivos y Bibliotecas del Ministerio de Cultura. Si es por el valor literario de la obra original, nos da la sensación de que su lectura no invitará a los lectores a acercarse a la obra de Kafka; si es por el hecho de ser una novela gráfica, hay otros muchos títulos más interesantes que realmente dignifican el lenguaje del cómic.

Lamentablemente, “El proceso” de Montellier y Mairowitz no es un buen trabajo literario ni artístico; menos aún cuando el modelo ante el que tiene que medirse es una obra como la de Kafka. Eso es lo que pasa cuando uno, cual Faetón o Ícaro, se olvida de quién es y decide medirse con los genios pensando que va a estar a la altura.

El proceso. Kafka, Montellier, Mairowitz

Sins Entido. 128 páginas. Castellano

Mireia Pérez se ha convertido en una agradable sorpresa en el panorama del cómic español, territorio tradicionalmente vedado a la mujer y en el que, salvo honrosas excepciones como el de Purita Campos, los hombres han gozado de una total hegemonía.

En muy poco tiempo, Pérez ha conseguido hacerse un hueco en este sector y, tras demostrar su talento en los formatos cortos, se ha lanzado a la aventura de crear una novela gráfica, esfuerzo que se ha visto ahora recompensado con el primer Premio Internacional de Cómic FNAC-Sins Entido.

“La muchacha salvaje”, historia de la que ahora se presenta el primer volumen titulado “Nómada”, es una historia troglodita de superación y exclusión. Una epopeya de cuando no había agua corriente cuyo planteamiento resulta más cercano a la saga literaria del Oso Cavernario o la serie de televisión que narra las aventuras del Homo Sapiens –es decir, la epopeya sufrida por un miembro de una tribu evolutivamente inferior a otras que ya pueblan la Tierra en esos años–, que a obras como “El pequeño salvaje” de Truffaut.

Colorista, divertido y con las dosis justas de violencia y sexo para hacerlo accesible a todo tipo de lectores, “La muchacha salvaje” es una lectura agradable que queda interrumpida a la espera de los siguientes volúmenes en los que se descubrirá si la protagonista será capaz de abandonar su vida nómada para acostumbrarse al sedentarismo, el cultivo de tierras y la recolección.

El hecho de que carezca de largos bloques de texto y diálogos (innegable ventaja de hacer tebeos con personajes prehistóricos a excepción de los Picapiedra), hace que el trabajo de Mireia Pérez resulte muy adecuado para ser vendido en el extranjero. De hecho, no nos extrañaría nada que en unos meses viéramos las correspondientes adaptaciones italianas y francesas.

La muchacha salvaje. Mireia Pérez

Sins Entido. 110 páginas. Castellano

Joann Sfar es un viejo conocido del público español aficionado a los cómics gracias a personajes como Sócrates el semi-perro o el profesor Bell. En esta ocasión emplea su reconocible trazo para narrar una historia protagonizada por Marc Chagall, a través del cual va desgranando anécdotas de su vida y explorando algunos de los temas que le preocuparon a lo largo de ella.

La guerra, el amor, la muerte, la religión, la política, los progromos y, por supuesto, el arte y la pintura, son objeto de reflexión por parte de un joven Chagal que, al menos en la obra de Sfar, se revela como una persona curiosa y divertida.

Es de destacar el talento de Sfar para mezcla en la narración la realidad con la ficción y cómo en esta los personajes transitan con soltura entre su vida cotidiana y su vida onírica, exponiendo al lector sus miedos, sus anhelos o sencillamente sus fantasías. Para ello el autor despliega un código de colores que diferencian los distintos momentos, escenarios o avatares por los que atraviesan sus personajes.

“Chagall en Rusia” es una interesante novela gráfica plagada de peculiares personajes en la que confluyen momentos muy divertidos –especialmente los relacionados con los amoríos del pintor–, y momentos realmente dramáticos, relacionados con la realidad histórica que le tocó vivir. Un título que demuestra una vez más la buena labor editorial que viene realizando 451 desde su aparición y que deja claro, para todos aquellos que pudieran dudarlo, que su apuesta por la novela gráfica o los libros relacionados con las artes plástica y el diseño no es un capricho pasajero.

Chagal en Rusia. Joann Sfar. 128 páginas
451 editores. Castellano

Concebido originariamente como tesis doctoral, Victor I. Stoichita –conocido de los lectores españoles gracias a títulos como “Cómo saborear un cuadro”, también editado por Cátedra en su Colección Ensayos de Arte Cátedra–, aborda el tema de cómo surgen los cuadros en la cultura occidental a la luz de una nueva situación histórica, concretamente, la desaparición del cuadro como soporte clásico de la obra de arte.

Acompañado de un gran número de imágenes a color y blanco y negro que ilustran lo que se va narrando en el texto, Stoichita estudia el cuadro como objeto cultural, dejando a un lado su carácter religioso o de colección. Para ello divide su ensayo en tres grandes capítulos –“El ojo soprendido”, “El ojo curioso” y “El ojo metódico”– a través de los cuales va desgranando temas como los límites del cuadro, el marco dentro del lienzo, los cuadros dentro de los cuadros, las representaciones de los estudios de los pintores, la reproducción de los mapas y los espejos en las obras de arte, la aparición el autorretrato como género pictórico, su evolución a lo largo de la historia e incluso la reproducción de un cuadro visto por detrás, un atrevimiento conceptual que parece propio de movimientos artísticos de nuestra época y que en realidad se remonta al siglo XVII.

El volumen se completa con un índice onomástico, otro de ilustraciones y con una vasta bibliografía para aquellos a los que este titánico ensayo les sepa a poco y necesiten de más información sobre una realidad que, por resultarnos aún tan cercana y cotidiana, nos parece menos compleja y rica de lo que realmente es.

La invención del cuadro. Victor I. Stoichita
Editorial Cátedra. 514 páginas. Castellano

Un nuevo volumen de los premios Laus, concretamente el correspondiente a la edición del 2011. En esta ocasión, en lugar de limitarse a ser una mera recopilación de los trabajos premiados y seleccionados, el libro se presenta con un hilo conductor, una innovación acertada de no ser porque el tema elegido es la envidia, un chiste de cuadrilla solo comprensible por las personas relacionadas con el diseño y la publicidad –y no todos–, pues pocos profesionales de otras disciplinas entenderán que la envidia tenga cabida aquí.

Ese concepto está explícito en un breve texto, unas gráficas en las primeras páginas y en las fotografías de los diferentes jurados, obligados a posar en actitudes soberbias, para cumplir con el expediente aun a riesgo de resultar estrafalarios para el lector y hasta para algunos de ellos, que no parecen muy cómodos en dicha tesitura.

Desde el punto de vista del contenido, este “The book of envy” recopila las piezas que, a juicio de los diferentes jurados, han sido las mejores entre todas las presentadas este año en categorías como audiovisuales, publicidad, diseño gráfico o web y soportes digitales, o lo que es lo mismo, cientos de páginas de interesantes trabajos para revisar e inspirarse hasta la edición del año que viene.

The book of Envy. Laus 2011. Varios Autores

Adg-Fad. Castellano. 328 páginas

Reconocida con un Fauve de oro a la mejor obra en el Salón del Cómic de Angoulême 2011, “Cinco mil kilómetros por segundo” es una tortuosa historia de amor truncada por la incomunicación y las indecisiones, que se prolonga a lo largo de varias décadas, desde la adolescencia de sus protagonistas hasta su madurez.

Su autora, Manuele Fior, va tejiendo la narración con esa misma sencillez que caracteriza su trazo, aunque es en el aspecto cromático en el que verdaderamente destaca su trabajo. Los tonos amarillos, ocres, azules, rojos y violetas son los que determinan el momento vista y el lugar geográfico en el que se encuentran los protagonistas, como en la soleada Italia durante su adolescencia, la gélida Noruega en su juventud, el tórrido Egipto en su treintena o el violáceo futuro en su madurez.

El conjunto de la obra destaca por su aspecto orgánico, algo que la editorial Sins Entido ha sabido respetar al elegir papeles y acabados que potencian ese carácter y que habrían quedado totalmente eclipsados, si a la hora de imprimir se hubiera optado por papeles estucados, barnices o tapas duras, tan comunes en los últimos tiempos y que, en muchos casos, tan solo sirven para dotar al tebeo de unos acabados que no siempre precisa y aumentar su precio final.

De las últimas adquisiciones realizadas por la editorial madrileña en el salón francés, “Cinco mil kilómetros por segundo” y “Un lugar equivocado” son, sin duda, dos grandes aciertos. Esperemos que el público así lo entienda y se refleje en las ventas, siempre necesarias a la hora de mantener a flote un proyecto empresarial como este.

Cinco mil kilómetros por segundo. Manuele Fior

Sins Entido. 144 páginas. Castellano

El guionista y escritor Peer Meter lleva décadas investigando acerca del caso de Gesche Gottfried, famosa envenenadora que en el siglo XIX horrorizó la ciudad de Bremen por asesinar a quince personas de su entorno. Ahora, más de treinta años después de comenzar a interesarse por este caso, Meter ha publicado junto a la ilustradora Barbara Yelin “Veneno”, novela gráfica que cuenta la historia de Gottfried a través de los recuerdos de una anciana que por azar llega a Bremen horas antes de la ejecución.

A pesar de este aspecto eminentemente narrativo, que lo aleja del ensayo, “Veneno” no deja de ser una crítica de sus autores hacia la sociedad decimonónica, las instituciones judiciales, los cuerpos policiales de la época, los procesos inquisitoriales y la pena de muerte. Una crítica en la que tiene mucho que ver la técnica elegida para realizarlo, concretamente el lápiz de grafito gris y un abundante uso de los claroscuros y las sombras, lo que provoca que el lector quede atrapado en un ambiente opresivo. Algo que, pesar de todo, no impide que la lectura se haga amena y que las aventuras de la protagonista y las desventuras de la condenada enganchen desde las primeras páginas.

Colabora en la buena y fluida lectura la magnífica rotulación, escrita completamente a mano, algo que resultaba imprescindible para evitar que las artificiales tipografías mecánicas chocasen con lo artesanal del resto del trabajo.

Veneno. Peer Meter. Barbara Yelin

Sins Entido. 200 páginas. Castellano

Jorge González regresa a uno de los temas recurrentes de su obra: cómo el eco de la Argentina del pasado se escucha en el presente del país y las implicaciones que eso tiene para su realidad social.

En este caso, y a pesar de ciertos pasajes desarrollados en Buenos Aires, el escenario es la Patagonia, territorio de diferentes tribus indias que acabaron extinguiéndose, fueron extinguidas o fueron confinadas en reservas a consecuencia de campañas, como la del desierto, destinadas a colonizar la zona. Frente a estas políticas de exterminio, en el libro se suceden personajes que, interesados en la cultura y forma de vida de los indios, intentan saber más de ellos inmortalizándolos en cine, adquiriendo su forma de vida, reconstruyendo árboles genealógicos y escribiendo ensayos sobre el tema.

Gráficamente, el libro sigue la estética empleada por González en obras como “Fueye” aunque hay que destacar la preocupación en esta ocasión por recrear en dibujos el paisaje patagónico, un recurso que remite por igual a lo cinematográfico que al Martín Fierro, obra sobre la que Borges diría que tiene algunas de las mejores descripciones del paisaje de la literatura castellana.

Otro de los alicientes del libro es la parte escrita por Horacio Altuna, un breve capítulo en el que se abordan otros temas de la historia argentina, en esta ocasión, la masacre de Trelew por la cual casi una veintena de guerrilleros de ERP, FAR y Montoneros encarcelados en la Base de Almirante Zar fueron asesinados a sangre fría y la telenovela “Rolando Rivas, Taxista”, un hito de la televisión, la cultura popular y la memoria colectiva del país.

Dear Patagonia. Jorge González

Sins Entido. 288 páginas. Castellano

Alberto Cairo, profesional con una amplia trayectoria en el mundo de la infografía y la docencia, presenta este nuevo título que viene a completar a su anterior trabajo sobre el tema: “Infografía 2.0: visualización interactiva de información en prensa”.

En este caso su campo de estudio es más amplio pues, en lugar de circunscribirse a cómo se trata la información en prensa, ha preferido analizar cómo es la asimilación de aquella por parte del espectador. De esta forma, Cairo analiza desde cuestiones del campo de la psicología relativas a la percepción hasta otras relacionadas estrictamente con el diseño o la presentación de contenidos.

También hay un hueco para explicar los trucos de los infógrafos (y en consecuencia de los propietarios de medios de comunicación) para que, sin alterar la veracidad de las informaciones, el lector saque de un rápido vistazo conclusiones diferentes a lo que realmente dicen los datos. Un hecho que es fácil de lograr con tan solo variar el tipo de gráfico –por ejemplo, uno de barras u otro de círculos– que se elija a la hora de plasmar la información.

Es de destacar la vocación interactiva de este trabajo que, aunque está ilustrado con numerosos gráficos y ejemplos, remite constantemente a www.elartefuncional.com, web en la que pueden verse esos mismos ejemplos en color, con mayor calidad y acceder a actualizaciones o novedades sobre este trabajo como, por ejemplo, una sección de fe de erratas en la que se corrigen aquellos errores que contiene todo libro pero que hasta ahora, eran imposibles de enmendar una vez impreso.

El arte funcional. Infografía y visualización de la información

Alberto Cairo. Alamut. 256 páginas. Castellano

La revolución digital en la que estamos inmersos está dando lugar a diferentes libros y ensayos que analizan el pasado, el presente y, muy especialmente, el futuro del libro.

“El paradigma digital”, escrito por Manuel Gil y Joaquín Rodriguez, es uno de los análisis más completos y actualizados sobre esa realidad. Incluye entre sus contenidos modelos de edición de última generación como los Open Publishing Labs o Google Ebookstore; augura el futuro de la distribución y la evolución (o desaparición) de las librerías como lugares de venta; y desarrolla teorías sobre los libros y la hermenéutica, como las que se refieren a la edición extendida –aquellas que abogan por cambiar el concepto de libro y de edición que hemos tenido hasta el momento, incorporando otros contenidos diferentes al texto– y los libros que no acaban –aquellos que siguen su vida en páginas webs y blogs donde lectores y autor enriquecen el contenido primigenio con nuevas aportaciones–.

“El paradigma digital” también poner el foco en cuestiones que, ante la avalancha generada por la digitalización, han pasado a un segundo plano, como es el hecho de la apuesta por teorías ecológicas por parte de la industria editorial, que ha comenzado a apostar por papeles y tintas menos agresivas con el medio ambiente.

Conscientes del carácter mudable del tema que abordan, los autores de este texto adjuntan al final del mismo una interesante bibliografía y un listado de blogs en los que se aborda el presente de la edición con una inmediatez muy superior a la de cualquier libro impreso.

El paradigma digital y sostenible del libro

Manuel Gil & Joaquín Rodríguez. Trama editorial

232 páginas. Castellano