Es encomiable la tarea que Kalandraka viene realizando en lo que se refiere a la traducción y edición de obras significativas ilustradas del siglo pasado. 
Carta de las islas Baladar es un clásico de 1952 con plena vigencia en la actualidad, marcada por los abusos del sistema económico y financiero, la corrupción y el deterioro del medio ambiente. Sobre esas y otras lacras trata este libro de Jacques Prévert y André François, que destaca por su original portada, el carácter simbólico de las ilustraciones y un texto satírico con destellos poéticos y mensaje reivindicativo.
Defensor de la libertad y contrario  a cualquier forma de imperialismo, Jacques Prévert se rebela contra la dominación en esta metáfora epistolar: la codicia de quienes controlan el poder en la capital del Gran Continente amenaza  la vida pacífica de los felices habitantes de un archipiélago paradisíaco para explotar sus riquezas naturales. André François acompaña los juegos de palabras,  el humor inteligente y corrosivo del escritor, con una propuesta estética audaz, donde conviven lo exuberante con lo esquemático, 
lo grotesco con lo sorprendente.
El Gran Puente de la Península, la Sociedad de la Península del Tesoro, la Gran Caja Registradora del Tesoro o el Gran Tesorero General del Cuerpo del Ejército 
del Tesoro son fórmulas ostentosas que Prévert utiliza en esta crítica social, que François colorea con pinceladas doradas como el oro, origen de los males que acechan a Baladar.
André François (Rumanía, 1915– Francia, 2005) fue pintor, escultor, publicista y diseñador gráfico. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Budapest y en 1934 se instaló en París, donde empezó a trabajar en el taller de Adolphe Cassandre. Cinco años después obtuvo la nacionalidad francesa. Ilustró la obra de escritores como Jacques Prévert, Raymond Queneau o Boris Vian. Realizó portadas para publicaciones y periódicos franceses, prestigiosas revistas británicas y norteamericanas. Diseñó anuncios, escenografías y produjo películas de animación. Fue miembro de la Alianza Gráfica Internacional, Caballero de la Legión de Honor francesa y doctor por la Universidad de Londres. Su obra se expuso en museos de Europa, Norteamérica y Asia. En 2002 un incendio destruyó casi todos sus trabajos. Tras el siniestro se volcó en su faceta pictórica; un año y medio después inauguró en el Centro Georges Pompidou la muestra A prueba de fuego.

Carta de las islas Baladar. Jacques Prévert. Ilustración, André François

Ed. Kalandraka. 25,5x17,50 cm. 56 páginas. Castellano

Dario Gamboni realiza, en este examen integral de la iconoclasia moderna, una nueva evaluación de los motivos y circunstancias que hay detrás de los ataques deliberados –tanto por instituciones como por individuos– contra edificios públicos, iglesias, esculturas, pinturas y otras obras de arte en los dos últimos siglos. La destrucción del arte, que abarca un ámbito internacional e incluye casos ciertamente cómicos y otros muy inquietantes, es, en definitiva, un ilustrativo ensayo sobre las definiciones, en perpetuo cambio y conflicto, del propio arte. Geográfica y cronológicamente, este estudio se centra en el mundo occidental después de la II Guerra Mundial. Pero aspira a indagar la his­toricidad y especificidad de la situación en la cual nos encontramos nosotros mis­mos, para lo cual abordamos también el siglo XIX y los comienzos del XX así como (si bien de forma mucho menos extensa) otras partes del mundo. De hecho, en la premisa, generalmente aceptada, de que la Revolución Francesa marcó un cambio decisivo en la historia de la destrucción y la conservación del arte, pero apoyándo­nos también en el hecho de que los acontecimientos posteriores nunca han sido estudiados en su conjunto, uno de los temas principales de este libro es qué es lo que ha cambiado en el mundo entero desde la Revolución en lo que se refiere a atacar o eliminar obras de arte deliberadamente, y qué nos enseña esto acerca de la manera en que han sido definidas, producidas, valoradas y devaluadas. 

La destrucción del arte. Dario Gamboni

Ed. Cátedra. 16,5x24 cm. 464 páginas. Castellano

Toda imagen fotográfica es siempre un “registro obtenido” a partir del “proceso de creación” del fotógrafo, un “binomio indivisible” que se establece por la relación “registro/creación”, una relación que está en el origen mismo de la fotografía. A lo largo de ese proceso, la imagen es elaborada, construida técnica, cultural, estética e ideológicamente. Se trata de un sistema que debe ser desmontado para que comprendamos cómo se da esa elaboración, cómo sus elementos constituyentes se articulan. Para tal propuesta, debemos percibir la complejidad epistemológica de la imagen fotográfica como representación y documento visual. Este volumen reúne los mejores momentos de las investigaciones teóricas de Boris Kossoy: Fotografía e historia, Realidades y ficciones en la trama fotográfica y Los tiempos de la fotografía: lo efímero y lo perpetuo, trilogía teórica que, al proponer conceptos de un modelo metodológico de investigación y análisis crítico de las fuentes fotográficas –liberados de las amarras convencionales desde siempre pensadas para los documentos escritos–, proporciona nuevos y productivos modos de abordar el estudio del fenómeno fotográfico. 

Lo efímero y lo perpetuo en la imagen fotográfica 

Boris Kossoy. Ed. Cátedra. 11x18ccm. 390 páginas

Nocapaper arranca su colección de monograficos de artista, y lo hace con el albaceteño José Luis Serzo. Recoge las distintas facetas artísticas de este autor, desde instalaciones y esculturas espectaculares a las ilustraciones, y en ellas desde sencillos dibujos al carbón a minuciosas recreaciones fantásticas y oníricas de gran complejidad y técnica impecable. 

José Luis Serzo. Alberto Ruiz de Samaniego

Ed. Nocapaper Books & More. 14x21 cm.

118 páginas. Castellano, Inglés

La ilimitada producción y mercantilización de las imágenes en la cultura contemporánea ha relegado el concepto de imagen a una forma superficial, estilizada y efímera de representación artística y de comunicación visual. Sin embargo, las imágenes constituyen un vehículo esencial para la percepción, el pensamiento, el lenguaje y la memoria y, en el conjunto del imaginario que configura nuestras mentes, las imágenes poéticas y corpóreas se erigen como categorías fundamentales, puesto que son la raíz de toda expresión artística. En el ámbito de la arquitectura, las experiencias espaciales duraderas consisten precisamente en imágenes vividas y corpóreas que se han convertido en parte inseparable de nuestras vidas.
Este libro ahonda en la naturaleza de la imagen. Tras revisar su controvertido papel en la cultura contemporánea y la mínima atención que le ha brindado la tradición logocéntrica filosófica occidental, Juhani Pallasmaa nos muestra la gran complejidad del universo de la imagen, donde entran en juego elementos como el tiempo, el espacio, el cuerpo o la metáfora, y nos brinda, a través de estas páginas, un delicioso alegato a favor de una revisión crítica de la imagen.
Juhani Pallasmaa (Hämeenlinna, Finlandia, 1936) es arquitecto y trabaja en Helsinki. Fue profesor de arquitectura en la Universidad de Tecnología de Helsinki, director del Museo de Arquitectura de Finlandia y profesor invitado en diversas escuelas de arquitectura de todo el mundo. Autor de numerosos artículos sobre filosofía, psicología y teoría de la arquitectura y del arte, su obra Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos se ha convertido en un clásico de la teoría de la arquitectura y es de lectura obligatoria en diferentes escuelas de arquitectura de todo el mundo. Pallasmaa es también autor de The Architecture of Image: Existential Space in Cinema, Encounters. Architectural Essays y La mano que piensa.

La imagen corpórea. Imaginación e imaginario en la arquitectura

Juhani Pallasmaa. Ed. Gustavo Gili. 17,50x21,5 cm.

184 páginas. Castellano

Ricardo Liniers Siri, nació en 1973 y su segundo nombre –el cual ahora usa para firmar sus trabajos– se lo pusieron en honor a un abuelo, pariente del famoso prócer. Ávido lector, conoció tempranamente a Hergé, Goscinny y Uderzo, Quino, Héctor Germán Oesterheld, Francisco Solano López, Charles Schulz y Herriman. Lo primero que leyó fueron las tiras de Mafalda y de Tintin y comenzó a dibujar por influencia del cine, porque “en aquella época, cuando íbamos a ver La guerra de las galaxias, el dibujo era la mejor manera de poder llevarte a casa a Han Solo y R2D2, ya que no había dvd ni videos”. Intentó seguir la tradición familiar y empezó a estudiar Derecho. Un poco más tarde probó suerte con Ciencias de la Comunicación y luego estudió publicidad, pero no se dedicó a ello; comenzó a dibujar para fanzines y luego para medios profesionales... El humor de Liniers no es de carcajada, sino de gesto y comisura, lo que no le puso las cosas fáciles. Hoy en cambio es la referencia viva del humor argentino. Este noveno volumen de la serie invita de nuevo a ese universo de lo onírico, al humor poético de la ternura y a veces del delirio. Los personajes –ya conocidos y cómplices para sus lectores asiduos– recorren la anécdota en tres viñetas, ese formato que repite con estructura teatral clásica. Aunque a veces sea una y otras veces cinco.
Lo fácil sería mentar las referencias de Quino o Fontanarrosa... Pues sí. Existe un humor argentino. Y Liniers es quien lleva a estas alturas el testigo.
La edición de Reservoir Books sin estridencias se permite dos guiños: un troquel a modo de mordisco en la esquina superior derecha y un barniz UVI en cubiertas. Suficiente para eludir la tapa dura (gracias, me empalaga la tapa dura) y mantener el carácter especial del objeto-libro.

Macanudo 9. Liniers. Ed. Penguin Random House

21x33cm. 96 páginas. Castellano

En las últimas dos décadas, una mayor formación cultural del público ha traído consigo una demanda en la calidad museológica y museográfica. Y una mayor concienciación hacia la preservación del Patrimonio por parte de organizaciones internacionales y nacionales: UNESCO, ICOM. Este texto se ocupa por un lado de los planes de conservación preventiva, incluyendo el análisis y control de los parámetros ambientales y, por otro, del diseño de exposiciones y su relación con la conservación preventiva. Analiza el concepto “evaluación de riesgo”, que permite establecer prioridades de conservación, permitiendo la corrección de las deficiencias y el planteamiento de unas medidas de control más ajustadas a las necesidades y posibilidades de los museos. Pero, sobre todo, se dan soluciones prácticas y reales en la aplicación de la teoría y técnicas de la conservación preventiva al diseño de exposiciones. 

La conservación preventiva de bienes culturales. Isabel García Fernández

Ed. Alianza Forma. 17,50x23 cm. 304 páginas. Castellano

Piraña Social es un libro protagonizado por Federik Freak, el enano pelirrojo sin cuello más famoso de Logroño. Directamente salido de las páginas de la revista El Jueves para mostrar cosas útiles de la vida, como por ejemplo cómo esquivar los spoilers, por qué Los Goonies no es para tanto o cómo no tener ningún éxito en las relaciones con otros seres humanos. 
Piraña social es el tercer libro de Federik Freak tras Onanist Life-Style (El Jueves, 2010) y ¡Para ti, que eres virgen! (El Jueves, 2011). Un total de 112 páginas a color con material no recopilado anteriormente en libro, junto con páginas inéditas realizadas para la ocasión. Rubén Fdez, es conocido por sus colaboraciones semanales en El Jueves y por hacerse pasar por mujer en redes sociales bajo el nick Azahara21.

Piraña Social. Rubén Fdez.

Ed. Caramba. 20,5x25 cm. 112 páginas. Castellano

El cine de Warhol, al que se dedicó intensamente a partir de 1963, cuando entraba en el período más notorio de su carrera como pintor, sigue siendo desconocido para el gran público. In­fluido inicialmente por las películas de Ron Rice y Jack Smith, Warhol pronto encontró su propia voz en una serie de películas minimalistas (Sleep, Empire) que lo convertirían en pionero del estructuralismo cinematográfico. Sin renunciar a sus presupuestos artísticos, alcanzó el éxito comercial con My Hustler y Chelsea Girls. Reconocido como innovador, es posible rastrear su huella tanto en el cine formal más radical como en, al otro lado del espectro, las gamberradas del cine punk o espacios televisivos como Gran Hermano y similares. Este libro ofrece un paseo por la materialidad de las películas de Warhol, lejos de enfoques conceptuales que utilizan las películas más como pretextos para el debate teórico que como textos para el análisis crítico.
El escritor y cineasta Alberte Pagán cuenta en este libro todos los secretos sobre la faceta más desconocida de Andy Warhol, como director de cine. El volumen, de más de quinientas páginas, trata sobre el artista más conocido nominalmente de todo el siglo XX, más conocido por sus obras gráficas que por
su cine, aunque como director aplicó todas sus técnicas vanguardistas.
Pagán ha comentado que este libro se empezó a escribir a partir del año 2000, aprovechando que entonces hubo unas exposiciones bastante completas de Andy Warhol tanto en Bilbao como en Oporto. Fue una oportunidad única para acercarse a su cine. En muchas ocasiones yo era el único que estaba en la sala junto al proyeccionista. Reconoce que quería eliminar todos los errores que comete la gente cuando habla de Warhol, como Confundir sus películas con las de su 'sucesor', Paul Morrissey, que hizo películas más comerciales y superfluas.
Por eso se dedicó a investigar sobre todo lo que se había publicado, que era: Mucho en cantidad, pero poco en calidad, con muchas cuestiones falsas o que simplemente se trataban de oídas.
Entre todas las películas de Warhol el autor se queda con Sleep, cuyo metraje original no pasa de cuarenta minutos, pero tras un proceso de montaje muy elaborado en la que se dispuso la misma imagen en bucle, simulando continuidad y repitiendo planos hasta un total de cinco horas con un concepto muy cubista.

Andy Warhol. Alberte Pagán

Ed. Cátedra. 11x18 cm. Castellano

Este cuaderno de viaje de Lisboa es un nuevo libro de artista en la trayectoria artística de David Pintor, que plasma su fascinación por la ciudad con una treintena de dibujos que destacan por su frescura, su capacidad para mostrar distintos espacios de la capital –tanto los conocidos como los menos populares en las guías turísticas– desde puntos de vista sorprendentes, introduciendo elementos imaginarios a la vez que recoge la esencia del paisaje y la identidad lisboeta: la luminosidad de los lugares, las calles empedradas, el colorido de los tendales y los azulejos, el ambiente acogedor de las plazas, los jardines y terrazas salpicados entre la arquitectura doméstica y monumental…
El autor nos hace partícipes de un agradable paseo veraniego guiados por un alter-ego que se desplaza en bicicleta. A su alrededor, hábilmente acomodados, una serie de elementos simbólicos: el tranvía, las sardinas que revolotean en cada rincón...
David Pintor (A Coruña, 1975) es humorista gráfico, ilustrador y pintor. Desde 1993 pertenece a Pinto & Chinto, que publican sus viñetas en La Voz de Galicia. En 2011 fue finalista de los CJ Picture Book Awards e incluido en la lista The White Ravens; seleccionado para exponer su obra en varias ediciones de la Bienal de Ilustración de Bratislava y de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil de Bolonia. Recibió, entre otros, el premio de la Society of News Design, el Premio Pura y Dora Vázquez de Ilustración, el Premio Internacional Clermont-Ferrand de Cuadernos de Viaje, el Premio Ilustrador del Año Città del Sol y el 2º Premio de la Feria del Libro de Sharjah (Dubai) por las ilustraciones de Almanaque musical.

Lisboa. David Pintor (texto e ilustraciones)

Ed. Kalandraka. 25x17 cm. 64 páginas

Corasons, un libro-cd-dvd que reúne fotografías, músicas y un completo trabajo audiovisual sobre el proyecto que, bajo la dirección de Uxía Senlle, reúne a un grupo de destacados intérpretes galaico-lusófonos. Con una cuidada edición y producción, Corasons es una experiencia artística que surgió en las redes sociales a través de la página “Quem vê corações” y se materializó inicialmente en una exposición de fotografías de Isabel Leal y en un recital posterior con la participación de varios músicos en la Casa das Crechas de Santiago de Compostela.
A ese encuentro le siguió un gran concierto celebrado en A Illa de Arousa al que se sumaron más de cuarenta intérpretes y que se plasmó en un documental grabado por Paco Abelleira. Ahora, con Kalandraka, el proyecto que dirige Uxía Senlle se ha convertido en un libro-cd-dvd con 19 temas y una película de hora y media.
Cada imagen cuenta una historia hecha canción. La naturaleza, la vida cotidiana, la arquitectura, las sombras, la geometría o la imaginación son los escenarios que se recrean partiendo de la forma y la simbología del corazón.

Corasons

Ed. Kalandraka. 22x16 cm. 64 páginas. Gallego

Murakami es posiblemente el autor japonés vivo más popular. Nieto de un monje budista e hijo de profesores de literatura japonesa, estudió en la Universidad de Waseda pero se formó sobre todo escuchando jazz, viendo películas de Hollywood y leyendo a autores como Richard Brautigan, Kurt Vonnegut o Jack Kerouac. Ese fervor por la cultura norteamericana lo llevó a dirigir durante años un club de jazz y después a traducir a autores como Raymond Carver, J.D. Salinger, John Irving, Francis Scott Fitzgerald, Truman Capote o Paul Theroux. Escribió su primera novela, Kaze no uta o kike (Oye cantar al viento), a los 29 años y ganó con ella un premio literario. Después vendrían libros notables, mezcla de realismo y de fábula, como Crónica del pájaro que da cuerda al mundo, Tokio Blues (Norwegian Wood), Kafka en la orilla, 1Q84.
La protagonista de esta historia cuenta en primera persona que lleva diecisiete días y diecisiete noches sin dormir. Ni siquiera siente sopor. Su mente se mantiene muy clara, incluso más despejada que de costumbre. Tiene apetito, su cuerpo funciona bien y no nota ningún cansancio. 
Pero ni su marido ni su hijo se dan cuenta de lo que pasa y ella no les cuenta nada para que no la obliguen a ir a un hospital. Durante el día finge normalidad, y dedica las noches, mientras ellos duermen plácidamente, a leer con voracidad o a dar vueltas en el coche por la ciudad sin rumbo fijo. No encuentra sentido a lo que le pasa, ni explicación a las sombras que en algún momento empiezan a rodearla. 
Kat Menschik estudió diseño y comunicación en Berlín y París. A mediados de la década de los noventa fundó con su colega Jan Hülpüsch la editorial Millionen y la legendaria revista de cómics A.O.C. En 1999 empezó a trabajar como ilustradora de la edición dominical del Frankfurter Allgemeine Zeitung y de revistas como Stern y Mare. Una década más tarde se había consagrado como notable ilustradora de libros, entre los que destacan tres de Haruki Murakami: Schlaf (Sueño, 2009), Die Bäkereiüberfälle (Asaltos a panaderías, 2012) y Die Unheimliche Bibliothek (La inquietante biblioteca, 2013). El propio Murakami ha escrito de ella Las imágenes de Kat Menschik son de verdad diferentes y únicas. Es precisamente ese sentido de otredad el que como autor quiero evocar en mis lectores.

Sueño. Haruki Murakami. Kat Menschik (ilustraciones)

Ed. Libros del Zorro Rojo. 17x25 cm. 81 páginas. Castellano

El sencillo trazo de las historietas de Miguel B. Núñez donde no cabe lo superfluo ni lo decorativo las convierte en productos de fácil digestión –no es crítica sino halago–, donde lo intrascendente tiene su espacio para la sonrisa cómplice. Este cuaderno de vivencias, que autobiográfico suena demasiado solemne, y donde se aventuran guiños y preestablecidos que nos perdemos, remite a un realismo social actualizado que acaba por enganchar. Delicioso.
Miguel B. Núñez (Madrid, 1970) 
es ilustrador y músico, y uno de los autores alternativos más interesantes del panorama nacional. Originalmente vinculado al mundillo de los fanzines, publicó su primer cómic, M, en 1999. Posteriormente ha continuado su trayectoria en títulos como Demonios internos,  Interferencias, Stroszek o Muertemanía; y en publicaciones como NSLM, Strapazin, Stripburguer,  El Víbora, Vacas Flacas, Tos, 
Idiota y Diminuto o Interzona. Fue el codirector, junto a Paco Alcázar, de la revista Recto. 

Cuaderno Uno. Miguel B. Núñez

Ed. Libros de Autoengaño. 15x21 cm. 64 páginas

Han pasado 25 años desde que el D&AD eliminó el término british de su enunciado. Y hoy es sin duda la gran referencia en lo que al estado de la comunicación se refiere, en el ámbito internacional. Que sea Taschen quien corre con la edición garantiza además una difusión más allá del endogámico circuito de los libros para creativos... 
Los certámenes de diseño o publicidad son una fiesta, una explosión de ombliguismo glamuroso, una feria de vanidades... Más allá de los réditos inmediatos para quienes los organizan y para los ganadores, lo que realmente interesa es su caracter de documentación para el futuro, su valor histórico si se nos permite hablar en esos términos. Y ese valor reside en el libro que los recoge. No está claro que las alternativas digitales cumplan esa misión: Los libros pasan por los departamentos de las empresas, duermen en las bibliotecas... No creamos que una app cumple esa función. El D&AD se está quedando solo en esa labor, después de que el ADCE le dejara ese terreno libre, así como la mayoría de premios locales. 
El D&AD de este año ha sido diseñado por Fleur Isbell –diseñador en Wolf Ollins Londres–. 
Junto a un minimalismo tipográfico muy al uso en este tipo de publicaciones, la ilustración de portada remite en cierta medida a la obra de Mark Rothko, aunque de hecho se basa en los datos de cada una de las 196 naciones del mundo: las líneas horizontales son determinadas por la latitud, y los colores por los datos meteorológicos, de manera que cada uno podría crear su propio horizonte mundial a partir de su ubicación.

D&AD 2013

Ed. Taschen. 24x26 cm. 592 páginas. Inglés, Alemán y Francés

El manga es de por sí un género para iniciados, te tiene que gustar. Pero hay distintas categorías, y el trabajo de Tsuchiva y Minegishi es de digestión fácil, manga blando, si se nos permite. El trabajo de tinta es académico y cuidado, y el lenguaje muy cinematográfico. Enfrentarse a tres tomos de casi seiscientas páginas cada uno impone de primeras. Pero resulta entretenido y fácil de leer. Podría pensarse que esa ingente cantidad de viñetas habría de resentir el resultado, y sin embargo es todo lo contrario: un trabajo cuidado en el que no hay repeticiones. Old Boy fue adaptado al cine en 2003 por el director coreano Park Chan-wook, y en unas semanas volverá a las pantallas bajo la direcciónd de Spike Lee, en una versión que promete ser mucho más fiel al cómic que la precedente.

Old Boy. Garan Tsuchiya y Nobuaki Minegishi

Ed. DeBolsillo. 15x21 cm. Tres tomos, 624 páginas c/u. Castellano

A Juanjo Sáez le tenemos leído y disfrutado en la acidez con la que enfrenta asuntos triviales, que no significa que se le perdone. Cuando los asuntos no son tan intrascendentes, se muestra si cabe más mordaz: Derecho a la vivienda (de cartón); obreros reformados porque finalmente se han arrodillado; finales de túneles iluminados tenuemente por el brillo de los ojos de un lobo voraz; banqueros a los que se les ha metido un obrero en el ojo; banqueros desalmados que inventan pócimas para crear pobreza; banqueros que se lo pasan muy bien en medio de tanta crisis.
Crisis (de ansiedad) reúne una selección de viñetas sobre la crisis económica y sus efectos en la gente común publicadas en el diario catalán Ara. Como complemento a estas viñetas, además, incluye tres historietas inéditas basadas en la vida del propio Juanjo que tratan el tema de la crisis desde un ángulo más personal: ¿qué pasa cuando a tu padre, un señor mayor, se queda sin trabajo? y ¿cómo habla la gente en sus casas del capitalismo? Con Crisis (de ansiedad) vuelve el Juanjo Sáez más trasgresor y políticamente incorrecto.

Crisis (de ansiedad). Juanjo Sáez

Ed. Reservoir Books. 20x18 cm. 319 páginas. Castellano

Seda es el primer libro del sello Contempla Edelvives. No pretende ser solo una colección al uso, sino un sello de ediciones limitadas porque nuestro propósito es ofrecerte la experiencia de, casi, el libro perfecto (esto lo dice la nota de prensa, no nosotros). Grandilocuencias aparte (hablar de ediciones limitadas hoy es una boutade, hay miles de ediciones limitadas por imperativos del mercado), lo cierto es que es un pedazo de libro, y la idea es buena: recuperar textos para, de la mano del diseño, la calidad en la edición y las buenas ilustraciones, convertirlos en objetos deseables. 
El tema principal de Seda es la nostalgia y la contemplación, por lo que muchos dibujos son retratos de los personajes situados en lugares específicos y que simplemente piensan en que están ahí, explica Dautremer.
Dautremer también juega con el lector y brindándole escenas que le hagan contemplar, preguntarse, reír o emocionarse, e incluso concede descansos entre la lectura y el visionado de varias escenas, como el pasaje amoroso que a lo largo de siete páginas recopila diferentes dibujos eróticos, sin texto, como un silencio, un paréntesis. Para la dibujante existen muchas maneras de expresar los sentimientos que destila esta historia: Hay emoción en los diálogos, en los detalles, en cada descripción de los espacios...
Esto le ha servido para experimentar a distintos niveles, como plasmar directamente en imágenes lo que narra el texto o pintar lo insinuado por la trama, aquello que se puede leer entre líneas.
Curtida en la ilustración infantil, Dautremer (Gap, 1971) ha estudiado diseño gráfico y fotografía, y firma con este Seda su primer trabajo dirigido al público adulto. Su método de trabajo, confiesa, es espontáneo y sin complejos, tratando de encontrar las ideas en lo más profundo de los sentimientos y sin pensar en el lector, con la nostalgia como tema principal de dibujos con un espíritu que reside en los detalles.
Seda se ubica en el siglo XIX y narra la historia de Hervé Joncour, un mercader francés de gusanos de seda que, tras la epidemia de pebrina que diezmó notablemente a los animales en la época, se ve obligado a separarse de su mujer y viajar a Japón, donde se enamorará de una enigmática concubina oriental. Con más de cuarenta ediciones en España, el éxito de la novela le llevó a una adaptación cinematográfica en 2007.

Seda. Rebecca Dautremer y Alessandro Barico. Ignot (Ignasi Deulofeu)

Ed. Edelvives. 19x24,5 cm. 216 páginas. Castellano

Dos espectaculares eventos celebrados en Barcelona, el Congreso Eucarístico de 1952 y el Mobil World Congress en el siglo XXI, son el punto de partida para retratar en este libro los vicios acumulados por el poder desde la época de Franco hasta la actualidad. La institución familiar es la protagonista de esta narración visual elaborada a partir de textos diversos que provienen tanto de la retórica franquista como del omnipotente lenguaje de la gestión empresarial.
En El Congreso encontramos textos e ilustraciones intervenidas que hacen pensar en este capitalismo esquizofrénico en el que vivimos, que promete la felicidad si aceptamos convertirnos en líderes tenaces en busca de éxito y dinero. El Congreso invita a reaprender lecciones hace tiempo aprendidas como la de la creación del mundo o la diferencia entre el infierno y el cielo. Ignot sorprende adorando una hamburguesa, bautizando con una botella de Coca-Cola en el instituto nacional de la colonización, donde todos repiten sonriendo y al unísono una lección nueva: que el juego de la muerte es el fin del juego. 
La construcción de las ilustraciones resulta inquietante, en la reinterpretación de imágenes supuestamente preexistentes y que a modo de falso collage definen un lenguaje mordaz.

El congreso. Ignot (Ignasi Deulofeu)

Ed. Morsa. 12x20 cm. 134 páginas. Castellano

Si nos atenemos a la información del editor, este sería un libro más de fácil digestión para regalar con garantías de acierto: “Reconozcámoslo, la vida es demasiado corta. Necesitamos conocimiento instantáneo. Y este libro lo proporciona a través de más de doscientos eventos mundiales, inventos, personajes famosos, lugares e iconos culturales que hay que conocer, absolutamente desprovistos de todo elemento superficial y superfluo. Repleto de ingeniosos y provocativos pictogramas, el resultado es un hilarante recorrido visual que pone todo en su justo contexto: La última cena, la Mona Lisa, Lady Gaga, los alunizajes, la invención de la electricidad, cocineros famosos y todo lo que se ha quedado por el camino”. 
Podríamos quedarnos ahí. Sin embargo, cabe darle la vuelta y encontraremos que es un excelente ejercicio de lenguaje visual a través de pictogramas, un lenguaje de síntesis narrativa que, incluso como gimnasia mental, vale para comunicadores y creativos. Y sí, como a estas alturas ya habrá sospechado el lector, los autores son diseñadores. H-57 es un estudio de diseño y creativo con sede en Milán. Las historias de este libro nacieron como un proyecto: sintetizar temas relevantes usando pictogramas. El resultado fueron seis historias (María Antonieta, Hitler, Michael Jackson, Jesucristo, Julio César y Napoleón) que se convirtieron en virales. Un agente literario se fijó en ellas, y les propuso ampliarlas hasta convertirse en un libro.

La vida en cinco segundos. H-57 (M. Civaschi y G. Milesi)

Ed. Debolsillo. 17x20,5 cm. 256 páginas. Castellano

La belleza puede estar en los ojos del que mira, pero también en el lenguaje que utilizamos y en el mundo que nos rodea. A partir de esta reflexión, Crispin Sartwell elige seis palabras de otras tantas culturas –el “tò kalòn” de los antiguos griegos, la idea japonesa del “wabi sabi”, el hebreo “yapha”, el concepto navajo de “hozho”, el sánscrito “sundara” y el “beauty” inglés– para explicarnos otras formas de pensar y de percibir la belleza, de experimentar la estética en el mundo. Nos hace ver la belleza no sólo en obras de arte como un cuadro de Vermeer, sino también en elementos y aspectos de la vida cotidiana, desde un tazón japonés a la manera de usar un martillo, pasando por la actriz Diana Rigg en su papel de Emma Peel o el placer que se obtiene de oír música pop y disfrutar de espacios abiertos, sonidos, aromas... Nos habla de lo prosaico y lo sublime, de lo imperfecto y lo ideal que hay en ellos. El análisis de Sartwell posee la claridad y la agudeza de la mejor filosofía sin necesidad de dogmas y términos especializados que los suele acompañar. Aunque podrían haber sido varios miles, Los seis nombres de la belleza se convierten en este libro en ideas sencillas y profundas a propósito del mundo y de nosotros mismos. 

Los seis nombres de la belleza. Crispin Sartwell

Ed. Alianza Editorial. 16,50x17 cm. 294 páginas. Castellano

La palabra ortotipografía refiere al conjunto de reglas que determinan el uso lingüísticamente correcto de la tipografía. Para el profesional de la comunicación su conocimiento es imprescindible, no solo para saber aplicar sus normas con corrección, sino también para poder explotar con rigor el potencial expresivo –visual y lingüístico– de cualquier familia tipográfica. 
Con un estilo ameno y directo y el apoyo de una amplísima muestra de ejemplos, Ortotipografía para diseñadores aborda los problemas y dudas ortotipográficos que suelen asaltar con más frecuencia al diseñador e incide en las cuestiones de diseño que se solapan con la corrección ortotipográfica. 
Raquel Marín Álvarez (Logroño, 1978) es licenciada en Humanidades y diseñadora gráfica. Tras cursar un máster en tipografía avanzada en la Universidad Autónoma de Barcelona, comenzó a trabajar como diseñadora para diversos estudios y editoriales hasta que en 2009 fundó Lalolagráfica, un estudio de diseño gráfico especializado en diseño editorial y tipografía. 

Ortotipografía para diseñadores. Raquel Marín Álvarez

Eds. Gustavo Gili. 17x21 cm. 128 páginas. Castellano

Giorgio Vasari (Arezzo, 1511 – Florencia, 1574) se cuenta, por su pluma, no por su pincel, entre los máximos exponentes del Cinquecento. Las Vidas, publicadas en Florencia en 1550 por el editor ducal Lorenzo Torrentino, conforman una indiscutible obra maestra y fuente escrita imprescindible para quien desee un acercamiento directo al Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Giorgio Vasari fue y quiso ser antes que nada historiador y por este motivo no se contentó con narrar los hechos acaecidos sin incluir juicios y críticas, sino que gustó también “distinguir al bueno del mediocre, al excelente del bueno, y hacer cuidadosa mención de las particularidades, estilos, rasgos y fantasías de los pintores y escultores”. Se puede considerar, pues, este texto como la obra inaugural de la Historia del Arte. A esta edición anotada, que reproduce íntegramente la edición de 1550, se añade un índice de nombres y otro de lugares y obras que facilitan la localización de las obras a las que hace referencia Vasari.

Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Giorgio Vasari

Ed. Ediciones Cátedra. 19,5x24cm. 372 páginas. Castellano

Este no es un libro más sobre arte urbano. Han sido editados por decenas durante los últimos años, pero nadie se animó a escribir un manual de uso. Nada puede definir mejor este libro que la palabra recetario. Desde cómo confeccionar una bomba de semillas hasta cómo fabricar cola para carteles, crear un rotulador de tinta orgánica o colocar azulejos, Benke Carlsson y Hop Louie han unido su experiencia y conocimientos a los de otros artistas callejeros para compilar en un solo volumen las principales técnicas y materiales del arte urbano. Además de los géneros más extendidos como carteles, plantillas y sprays o pegatinas, se ofrece detallada información de técnicas y resultados menos habituales: la jardinería de guerrilla, la intervención sobre publicidad exterior, el uso de leds, las instalaciones... 
Benke Carlsson, es fotógrafo y escritor residente en Estocolmo, y trabaja como redactor de Gatukonst.se, la mayor web sobre arte urbano de Escandinavia, y es también autor de los libros Street Art Stockholm y Swedish Punk 1977-1981.
Hop Louie, artista urbano sueco afincado en el Reino Unido, lleva trabajando en el espacio público, principalmente con plantillas y carteles, desde la década de 1990. 

Street Art. Recetario  de técnicas y materiales del arte urbano

Benke Carlsson y Hop Louie. Ed. Gustavo Gili. 17x23,5 cm.

144 páginas. Castellano

Como en cualquier actividad humana, en la comunicación visual automatizamos los procesos y utilizamos el conocimiento inconsciente, esto es, utilizamos recursos sin ser conscientes de que lo hacemos, en algunos casos ni siquiera hemos racionalizado esos recursos, los tenemos inconscientemente aprehendidos: se puede hacer una metáfora sin saber lo que es una metáfora. La gramática visual precisamente trata de sistematizar esos recursos. Este manual de Christian Leborg lo hace de una manera sencilla y muy visual, cabe decir que incluso algo primaria. Define de forma sencilla y totalmente gráfica los elementos básicos del lenguaje visual y sus procesos y relaciones. A medio camino entre tratado gramatical y diccionario visual, funciona como una practiquísima herramienta y guía de consulta para descodificar y producir mensajes visuales. El punto de partida idóneo para iniciarse en la alfabetización gráfica. Alguien lo ha comparado con una especie de La sintaxis de la imagen, pero para twitter. Es inmediato, breve, directo, práctico y más visual que argumental.

Gramática Visual. Christian Leborg

Ed. Gustavo Gili. 17,5x21,5 cm.

96 páginas. Castellano

Resulta inquietante –un día habrá que abrir ese debate– ver cómo cada vez más se presentan libros al mercado que en apariencia son infantiles, y que sin embargo se ocupan de temas trascendentales. Este es el caso, basado en un cuento de tradición oral africano. La muerte, los dioses, el creacionismo, podríamos discutir si son temas para el alcance indiscriminado de los menores... Al final, toca a los padres leer antes los libros infantiles, que tampoco está mal. Pero no es esto lo que nos ocupa, sino las ilustraciones de Miguel Ángel Pérez Arteaga, que por sí mismas tienen valor suficiente: son rudimentarias, de acuerdo con el origen de la historia, y al tiempo de gran potencia expresiva y evocadora. 

Lagarto Bosu y las plantas que no mueren nunca . Miguel Ángel Pérez Arteaga 

Ed. Milratones. 25x23 cm. 32 páginas. Castellano

Por una u otra vía y más allá de la lectura de El País, raro es el día que no nos encontramos en nuestro correo, en redes sociales una viñeta de El Roto. A veces la que ha publicado ese día en el periódico, otras la que la actualidad rescata y expone a una segunda mirada. El lenguaje de El Roto, se ha dicho hasta la saciedad, es brillante, mordaz, lúcido, hiriente... Pero además es compartible: apenas un par de segundos contienen una reflexión que daría para horas... Se supone que eso es lo que deseamos en esta nueva cultura de lo inmediato y de la atención fragmentada. Mondadori hace ya mucho recoge cada cierto tiempo estas pequeñas antologías, que sirven además para entender el doble nivel de lectura que este autor propone: la viñeta tiene un siginificado el día que se publica, apegado casi siempre a la noticia... Pero reserva para la lectura atemporal una perspectiva distinta. Vistas así, juntas, quizá a los profesionales nos desvela la habilidad del trazo y el lenguaje contundente –gráfico y escrito–... Pero siempre podemos después regalarlo en navidades: porque este es uno de los mejores regalos que se nos ocurren.

A cada uno lo suyo. El Roto

Ed. Mondadori. 14,5x 17,5 cm. 106 páginas. Castellano

Interesante reedición de la obra que en 1924 escribiera Erwin Panofsky, para muchos su primer trabajo ambicioso y, desde luego, una propuesta seminal de lo que van a ser sus contribuciones posteriores donde se plantea una pregunta reiterada: ¿qué significados se esconden tras las apariencias 

de las imágenes? El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón, y llega en un  momento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del Arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, Wölfflin y Warburg —este último decisivo para Panofsky—, quienes entre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800,  elaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce. Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lector contemporáneo que aspira a empaparse de la cultura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizada que parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin tener en cuenta la “calidad” de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los “estudios vi­suales”: a cada época le corresponde un sistema 

de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. 

Es esa particularidad de su pensamiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable discusión moderna.

Erwin Panofsky (Hannover, 30 de marzo de 1892 - Princeton, Nueva Jersey, 14 de marzo de 1968) fue un historiador del arte y ensayista alemán exiliado en los Estados Unidos. Su obra más conocida es Estudios sobre iconología, pero sus monografías sobre Durero, Tiziano, los artistas flamencos o el arte funerario son trabajos fundamentales en la estética del siglo XX.

Idea. Erwin Paniofsky

Ed. Cuadernos Arte Cátedra. 12,50x17,7 cm

278 páginas. Castellano

En la reedición de textos clásicos se está encontrando a través de la ilustración una reivindicación del libro como algo más allá de la obra escrita susceptible de acabar en una pantalla gris. Sin querer hablar de libro-objeto (todos lo son), es un género al alza, convertir el libro en deseable. Este segundo volumen de la obra de Víctor Hugo es un ejemplo de ello. La edición es exquisita y perdurable, cuidada. Sin escatimar en medios –bien vale los 25€ que cuesta– lo que le da valor es la ilustración de Benjamin Lacombe, que explora en esta obra la época medieval y se deleita ofreciendo su interpretación personal de un imaginario que, en medio del bullicio y los clamores, ha forjado tres personajes de leyenda: Esmeralda, mujer fatal; Frollo, archidiácono maldito; Cuasimodo, jorobado y tuerto, de gran corazón. Y, como telón de fondo, una imponente catedral.
Benjamin Lacombe es un ilustrador y autor francés nacido el 12 de julio de 1982 en París, donde actualmente vive y trabaja. Sus ilustraciones se destacan por un estilo caricaturesco que dennotan elegancia, fragilidad y melancolía. En 2001 se unió a la Escuela Nacional de Artes Decorativas (ENSAD), en París, donde continuó su formación artística. Durante sus estudios, Benjamin trabajó en publicidad y animación y, con sólo 19 años, edita su primer cómic. Lo que en un principio fue su proyecto de fin de carrera, pasó a ser su primer libro para niños: Cereza Guinda, el álbum que él mismo escribió e ilustró fue publicado por Les editions du Seui en marzo de 2006. Al año siguiente, Benjamin se convirtió en una joven celebridad del mundo editorial desde su exitoso lanzamiento en Estados Unidos por el sello Walker Books y gracias a la nominación de la prestigiosa Revista Time que ubicó a Cereza Guinda dentro de los 10 mejores libros para niños publicados en el año 2007. Desde entonces, escribió e ilustró muchos libros abordando temas tales como la infancia, la melancolía y la diferencia. Para ello, ha utilizado técnicas variadas como el gouache, el lápiz y el grafito, las acuarelas y la pintura al óleo.
A lo largo de su trayectoria, Benjamin ha trabajado con Albin Michel, Barefoot Books (EE.UU.), Edelvivives (España), Hemingway Corea (Corea), Milan, MaxMilo, Cerbatana, Sol, Walker Books (EE.UU.) y Le Seuil Jeunesse, la editoral con la que publicó la mayoría de sus libros.
Entre sus fuentes de inspiración se encuentran el movimiento Prerrafaelistas y el Quattrocento Italiano, primitivo flamenco, así como también artistas más contemporáneos: Tod Browning y su mundo “monstruos”, Tim Burton, Fritz Lang y su película Metropolis, Ray Harryhausen, David LaChapelle o Diane Arbus. Su entorno personal y social también son parte de su inspiración. Un ejemplo de ello es su perro Virgil, a quien procura incluir en la mayoría de sus obras.
Si bien la mayoría de las producciones de Lacombe conciernen al sector juvenil, también publicó libros ilustrados para adultos incluyendo entre ellos una versión de los “Cuentos Macabros” de Edgar Allan Poe, con la traducción de Baudelaire, y ahora esta Nuestra Señora de París, de Victor Hugo.
Otros artistas han trabajado a partir de obras originales de Benjamin Lacombe, como Julien Martinez, un escultor y creador de muñecas contemporáneas, o Emmanuelle Andrieu, de la Casa de la Vidriera, que realizó una vidriera a partir de una ilustración de “Cuentos Macabros”.

Nuestra Señora de París . Víctor Hugo. Ilustraciones de Banjamín Lacombe

Ed. Edelvives. 20x28 cm. 2 volúmenes

240 y 392 páginas. Castellano

Definido por Jordi Costa en su prólogo como “una paráfrasis bufa de Perdidos”, “Grandes Verdades de la Humanidad@ es una aventura extrañamente tintinesca que une interrogación metafísica y continuará con unos personajes inolvidables: el muy frustrado Pedro, el taimado Luis, el mismísimo Dios y hasta el malvado Jhavier. Un cómic de aventuras que, como las mejores historias de Carlos de Diego, comienza de forma completamente anecdótica (con una asistenta comprando un bocadillo de jamón y queso para su jefe) para dar paso a un entramado de secretos familiares, extrañas operaciones e islas misteriosas.
Carlos de Diego es guionista y productor de los videos y series de “Los Pioneros del SXXI”. Estudió físicas pero dedica su tiempo a  escribir, concebir, y producir documentales y series de humor loco. Además escribe y dibuja cómics, que ha publicado en El Manglar, el Víbora, La Brasería o Nosotros somos los muertos. 

Grandes Verdades de la Humanidad. Carlos Diego 

Ed. Caramba. 56 páginas . 22,8x29,7 cm. Castellano

En ocasiones, la complicidad del lector es un ejercicio heróico. Con el autor y con el editor. Nos referimos a esos libros en que uno no puede evitar dudar sobre si está ante una genialidad o una tomadura de pelo, porque la línea es delgada y difusa... Tienen especial mérito esas ediciones. 
Es el caso de “Pulir”. atendiendo a la nota de la editorial, demos por bueno que puede ser un libro de arte contemporáneo, de humor e incluso de autoayuda. En cualquier caso, merece la pena acercarse a él, aunque solo sea por descubrir hasta dónde la pasión por el absurdo nos puede, porque se trata de un libro para unos pocos, y falta saber si estamos o no entre ese grupo de elegidos. Una vez que hemos condenado a nuestra propia especie, una vez que el Arte ha demostrado que es incapaz de salvarnos, solo podemos recurrir a lo idiota, a lo fútil o a lo desconocido para evocar un tiempo en el que todo parecía más fácil, en el que no sabíamos qué hacíamos ni por qué lo hacíamos, pero en el que nada de todo eso hacía falta para sentir el contento de vivir. Nacho lleva tiempo invocando la paz, el orden, el amor y la alegría en sus miles de páginas garabateadas. A decir suyo, no sabe cómo hacerlo, pero sabe hacerlo bien, porque posee un gran poder: el de quien no se lo propone, el de quien simplemente no sabe hacer otra cosa en la vida. En realidad, Nacho no tiene ni idea de qué diablos hace cuando dibuja, pero lo hace. Y la gente ríe cuando lo ve. Y entonces él se pone contento, y dibuja más.

Pulir. Nacho García

Ed. Fulgencio Pimentel. 16,50 x 24 cm

208 páginas. Castellano

Esta selección exuberante de fuentes y estilos tipográficos traza la evolución moderna de la letra impresa, reproduciendo páginas de catálogos exquisitamente diseñados que muestran familias de caracteres en redonda, cursiva, negrita, seminegrita, compacta y ancha. También contiene filetes, florituras, capitulares y otros ornamentos, así como muchos ejemplos deslumbrantes de su uso. Las fuentes victorianas, espectaculares por su complejidad, ocupan un lugar prominente. Además, se incluyen y describen ejemplos de litografía y letras por grabadores y calígrafos.
El volumen presenta obras de los diseñadores tipográficos William Caslon, Fritz Helmuth Ehmcke, Peter Behrens, Rudolf Koch, Eric Gill, Jan van Krimpen, Paul Renner, Jan Tschichold, A. M. Cassandre, Aldo Novarese y Adrian Frutiger.
Para dar cabida a un material tan extenso, la obra se divide en dos tomos. El primer volumen abarca muestras tipográficas previas al siglo xx, con textos del editor Cees de Jong y el coleccionista Jan Tholenaar. El segundo volumen comprende el periodo que va de 1900 a mediados del siglo xx y contiene un resumen histórico escrito por Alston W. Purvis.
Incluye acceso exclusivo a una base de datos con más de 1000 imágenes de alta resolución para investigar online con búsquedas y descargas.
Respecto a los autores, Cees W. 
de Jong es un diseñador editor establecido en Naarden, Países Bajos. Ha publicado numerosos libros sobre diseño, arquitectura y arte y hoy trabaja como consultor de diseño y editorial y como escritor. También ha publicado muchos libros sobre diseño gráfico. Alston W. Purvis es profesor en la división de artes visuales de la Escuela de Artes de la Universidad de Boston, EE.UU. También es autor de numerosos libros sobre diseño gráfico. Jan Tholenaar fue coleccionista de letra impresa en diversas formas a través de exquisitos catálogos de diseño y libros de muestras tipográficas. Vivió en Amsterdam, donde falleció en 2009.   

Type. A Visual History of Typefaces & Graphic Styles

Ed. Taschen. 25x30,5 cm. 2 volúmenes. 720 páginas

Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Inglés

El “Gran Diccionario de Autores Latinoamericanos de Literatura Infantil y Juvenil” se refiere a las obras de David Wapner como “híbridos entre cuentos, testimonios y documentos” en los que el autor “trabaja con la fragmentación para traducir el caos propio de la imaginación y las asociaciones libres” de conceptos e ideas, un estilo que favorece que “cada lectura de sus textos signifique una experiencia distinta para el pequeño lector”. 
David Wapner juega con lo absurdo, lo imprevisible y lo inimaginable en los 41 textos experimentales que conforman “La guía Necsia”. Las ilustraciones de Marc Taeger refuerzan la abstracción y el surrealismo que acaparan esos textos: figuras geométricas de trazos gruesos, escenas esbozadas como transparencias sobre texturas cromáticas en las que se combinan blancos, azules, rojos, amarillos... 
En realidad, el estilo de Marc 
sin necesidad de adaptarse parece pensado para los textos 
de Wapner. Y es que cada uno en su género, son dos creadores parecidos. 

La Guía Necsia de récords, misterios, sucesos increíbles, inventos y otras maravillas 

Texto: David Wapner. Ilustraciones: Marc Taeger

Ed. Faktoría K de Libros. . 16x16 cm. . 48 páginas