Bestiario es la audacia, la imaginación y la calidad artístico-literaria plasmadas en un libro. Las ilustraciones de Stéphane Poulin forman un binomio perfecto con el prólogo de Jean Fugére, un ejercicio literario rebosante de destreza. Se trata de un texto introspectivo, lleno de surrealismo, que profundiza en lo más hondo del alma. Utiliza un lenguaje desinhibido y evocador, que juega con el doble sentido. La palabra mágica, noctambullir, es el abracadabra a un mundo repleto de referencias al arte de Magritte, Hopper o Van Gogh.
Las páginas de Bestiario contienen seres dotados de rasgos psicológicos y físicos imposibles, animales humanizados como el perro mayordomo o el pingüino pintor. Poulin ilustra comportamientos llevados al extremo, como el bolero que bailan toro y torero, o estampas oníricas como el cazador de patos en un plato de sopa, o el ratón gigante corriendo en una noria de feria... Fauna con genio y figura.
Entre los guiños más llamativos figuran su homenaje a Magritte y Saint-Exupéry, de cuyas obras hace una curiosa fusión: ni la pipa ni el sombrero de El Principito resultan ser la suma de lo que son...
Destaca también la versión de Nighthawks (1942), una de las obras más conocidas de Edward Hopper, pintor por excelencia del realismo americano en la década de 1920.  

Bestiario. Texto e ilustraciones de Stéphane Poulin
Ed. Faktoría K de Libros.  21,50x30 cm. 80 páginas. Castellano

Vivimos en un entorno cada vez más saturado de imágenes que evidencia el papel primordial que la fotografía juega en la comunicación humana. Pero fotografiar el mundo y leerlo a través de la fotografía no es un acto inocuo, influye en la comprensión que tenemos de la realidad y de nosotros mismos. Por ello es preciso comprender cómo y por qué funciona una fotografía y qué significa. Es preciso adentrarse, en suma, en la teoría de la fotografía.
Cómo leer una fotografía es una introducción clara al análisis visual de la fotografía. A través del repaso histórico del desarrollo de la fotografía, Richard Salkeld ofrece una panorámica comprensible y bellamente ilustrada de las reflexiones que han ido surgiendo en torno a las imágenes. Como resultado, el libro proporciona una aproximación amable y accesible a la teoría que encierra la práctica fotográfica contemporánea convirtiéndose en una guía básica para entender el papel fundamental que la fotografía juega en la sociedad actual y en nuestro entorno más cotidiano.
Richard Salkeld es profesor titular de Historia y Teoría del Arte y de la Fotografía en la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Gloucestershire, Gran Bretaña. Entre sus áreas de interés se encuentran el minimalismo, la teoría estética y la street photography.


Cómo leer una fotografía. Richard Salkeld
Ed. Gustavo Gili. 16x23 cm
184 páginas. Castellano

Este enorme volumen presenta las formas más interesantes, creativas e inspiradoras de explicar el mundo en gráficos de información. Dividido en cinco capítulos, el libro abarca el medio ambiente, la tecnología, la economía, la sociedad y la cultura, mostrando como los conceptos complejos pueden hacerse accesibles mediante el lenguaje visual. Con casi trescientos gráficos, incluye además de las técnicas y porpuestas actuales obras maestras históricas, que puestas en persepectiva nos ayudan a entender la evolución de la visualización gráfica de datos. Nigel Holmes introduce la obra, con una infografía de su propia vida mientras Sandra Rendgen proporciona un ensayo histórico ilustrado para explorar la manera en que hemos estudiado e interpretado nuestro mundo a través de los siglos.
Sabdra Rendgen estudió historia del arte en Berlín y Amsterdam. Su trabajo como editora y en el desarrollo de conceptos para los medios está enfocado en la interfície de la cultura y la tecnología de la imagen, con un especial enfoque hacia la visualización de datos, medios interactivos y la historia de como se transmite la información. 

Understanding the World. The Atlas of Infographics

S. Rendgen, J. Wiedemann. Ed. Taschen

24,6x37,2 cm. 456 páginas. Alemán, Francés, Inglés

Japón es tanto una isla como un archipiélago. Y entre las cuatro mil islas que lo componen, el artista e ilustrador francés Florent Chavouet escogió una, la apacible y minúscula Manabé (trescientos habitantes, diez vehículos y tres conexiones a internet), para pasar dos meses conviviendo con sus gentes y dibujando.
Como Tokyo Sanpo, su anterior obra, éste es un libro muy personal, una singular combinación de diario y guía, de crónica de aventuras e inventario de curiosidades y de instantes fugaces cazados al vuelo. La vida cotidiana en esta islita de pescadores, cuya atmósfera de calma y serenidad contrasta con el ajetreo de Tokio, emerge aquí con igual intensidad y extravagancia, gracias al interés insaciable de Florent Chavouet, a su ojo para el detalle y su sentido del humor.

Manabé Shima. Florent Chavouet

Ed. Salamandra. 19,7x27 cm

144 páginas. Castellano

Para escapar del calor de un día de agosto en Madrid, Maite Zubiaurre buscó refugio en una tienda de antigüedades, y allí, deambulando entre globos terráqueos y viejos pergaminos, se topó de pronto con un curioso álbum de fotos. Las fotografías oficiales del rey Alfonso XIII y la reina Isabel II llenaban las primeras páginas, pero rápidamente vino a sustituirlas una riquísima y sabrosa colección de postales eróticas. En ellas, hombres y mujeres alegremente desnudos desafiaban por igual los preceptos de la Iglesia católica y se entregaban con abierto deleite a los placeres de la carne y a las muchas variantes del amor. Abundaban entre estas las "fellatio", los "cunnilingus", los "ménage à trois", el sadomasoquismo, el tribadismo y la zoofilia, y no faltaban tampoco los curas salaces y las monjas retozonas. Culturas del erotismo en España, 1898-1939 es el primer volumen académico dedicado al estudio de esa sensualidad irreverente y procaz, tal y como se manifiesta en la cultura popular española de la primera mitad del siglo XX. El análisis abarca un amplio elenco de representaciones textuales y visuales del erotismo nacional, entre ellas las revistas frívolas, las postales atrevidas, los cortometrajes pornográficos, las novelas cortas eróticas, las publicaciones naturistas y nudistas, los manuales de sexología y de higiene sexual, los acercamientos primerizos al psicoanálisis freudiano, los tratados morales y judiciales sobre el comportamiento sexual, y el ensayo filosófico sobre el amor.


Culturas del erotismo en España, 1898-1939
Zubiaurre, Maite. Ed. Cátedra
19x23,5 cm. 415 páginas. Castellano

La reina de Turnedó es un poema escénico que se apoya en los recursos de la literatura oral popular para contar  una divertida historia de estructura acumulativa y formato lírico, que destaca tanto por la sonoridad como por el remarcado carácter del ritmo y la rima, invitando a los lectores a intervenir en el juego lingüístico a través de extraños binomios de palabras y de un doble lenguaje que remite a un proceso creativo dominado por la imaginación, la libertad y la ausencia de prejuicios, con ánimo lúdico. Las ilustraciones abstractas de Pablo Otero destacan por su fuerza expresiva, con tipografías, figuras y protagonistas de sorprendente apariencia. 
Pablo Otero (Ourense, 1970) estudió en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Sus dibujos, esculturas y pinturas se han expuesto en diversas galerías de Galicia. Su trayectoria artística también está relacionada con las escenografías para teatro y el diseño de carteles. Ha recibido, entre otras distinciones, el  premio de escultura en el I Salón de Arte Joven de Ourense (1992), el Premio Isaac Díaz Pardo de Ilustración (2011) y un accésit del Premio Lazarillo.  


La reina de Turnedó. Texto de Gloria Sánchez
Ilustraciones de Pablo Otero . Ed. Kalandraka
15,7x24,5 cm. 68 páginas. Castellano

Pintura y cómic son dos disciplinas artísticas íntimamente ligadas. El llamado noveno arte se inspira y homenajea a las obras maestras de los grandes pintores en viñetas e ilustraciones de portadas. El modo de lograrlo es muy variado. En ocasiones, el dibujante de cómic reproduce la obra pictórica de la manera más fidedigna posible. En otras, imita la composición de las figuras de un determinado cuadro, sustituyéndolas por los personajes protagonistas del cómic. Finalmente, también existen citas estilísticas en las que la imagen de cómic posee una relación muy débil con una pintura concreta, pero que imita a la perfección la técnica pictórica y el uso de la luz y del color de un determinado lienzo, estableciendo así la conexión entre ambas obras.  
Este volumen es también una imaginativa y amena recopilación de las grandes obras maestras de la pintura, donde las obras icónicas de esta disciplina se fusionan con los grandes iconos del mundo del cómic, enriqueciendo el imaginario colectivo de nuestro tiempo con un fuerte espíritu pop. Así, por ejemplo, personajes como Astérix, Obélix y el resto de locos personajes de la aldea gala se convierten en protagonistas de lienzos de la pintura francesa como La libertad guiando al pueblo de Delacroix o La balsa de la medusa de Géricault; las brujas y los demonios de las pinturas negras y los disparates de Goya enriquecen el universo de Mike Mignola y su criatura Hellboy; y superhéroes como Batman, Superman o Spiderman pueblan las obras maestras de la pintura norteamericana como Noctámbulos de Hooper, Gótico estadounidense de Wood o El mundo de Cristina de Wyeth.


La pintura en el cómic. Asier Mensuro y Luis Gasca
Ed: Cátedra. 19x23,5 cm. 336 páginas. Castellano

El interés por el diseño de espacios y la arquitectura es algo extendido, se diría que incluso una tendencia de moda... Pero casi siempre desde fuera, como espectadores, como algo inalcanzable. Nótese que no sucede esto por supuesto en el diseño, ni en la fotografía, ni en la decoración... Es por ello que este libro es tan sorprendente como inquietante. Abordar la arquitectura como una actitud y no ya tanto como una especialización técnica, hay que reconocer que es audaz. No se trata de un manual para no arquitectos, es mucho más: propone entender la arquitectura desde dentro, no como un ejercicio contemplativo y de análisis, sino como una praxis sencilla y desmitificada.
Obra repleta de elegantes dibujos de Steve Bowkett destinada a los arquitectos de todas las edades, especialmente para quienes les apasiona soñar en nuestro entorno construido, dibujar y hacer bocetos. Propuestas que van de lo divertido a lo académico, pasando por lo educativo y lo inspirador.
Los edificios y paisajes seleccionados ilustran algunos de los conceptos que forman los fundamentos de la arquitectura moderna y actúan como estímulo para crear nuevas propuestas arquitectónicas.
Steve Bowkett es un apasionado del buen diseño. Ha trabajado como arquitecto y profesor de arquitectura durante más de 25 años en diversas universidades y escuelas de Bellas Artes. Actualmente es catedrático en la London South Bank University en el Reino Unido. Estudió arquitectura en el Royal College of Art de Londres y en la Polytechnic de Central London.

Croquis. Un libro  de arquitectura para dibujar

Steve Bowkett. Ed. Coco Books

27x21 cm. 160 páginas. Castellano  

De las exposiciones, a veces se hace un catálogo. Otras veces no se hace. Y en alguna ocasión excepcional, se hace un buen libro en lugar del consabido catálogo. Pues aquí nos hallamos ante una de esas ocasiones. 
El ilustrador mexicano José Guadalupe Posada fue un cronista excepcional de la historia cotidiana de su país entre finales del siglo XIX y principios del XX. Por medio de sus dibujos y viñetas, el autor, a quien admiraba profundamente el muralista Diego Rivera, captó la marginalidad, la tragedia, la risa, la fe o la muerte, para transmitir una imagen de su cultura que aún hoy está presente en los artistas mexicanos de las generaciones más recientes.
José Guadalupe Posada es el gran ilustrador de lo mexicano. Sus dibujos, mientras vivió, no tuvieron espacio en ningún museo, aunque nunca fue su objetivo; tuvieron un fin mejor: volar por los aires mexicanos, mirarse en las calles, las iglesias, las mesas para el juego, en cartas de amor, cancioneros, periódicos, anuncios… En cada casa, modesta o lujosa, había uno de sus trabajos.
Su obra fue realizada para el momento, para lo efímero y sin embargo, trascendió de tal manera que hoy está más viva que nunca. Impresa en blanco y negro o en tonos multicolores que ilustraron todo lo que los ojos podían mirar. En hojas de papel volando, retrató la tragicomedia mexicana, atrapó el silencio, la marginalidad, la tragedia, el dolor, la risa, la sorna, la carcajada, el miedo, el regocijo, el pecado, la magnificencia, la fe, la miseria, el llanto, el placer, la vida, la muerte, el blanco, lo negro, lo mexicano.
La obra de Posada pertenece a un artista que nunca se pensó como tal. Sus calaveras forman parte de la iconografía nacional, su Catrina es la obra mexicana más conocida en el mundo, pero Posada es más que las calaveras, su temática es vasta.

Fantasías, calaveras y vida cotidiana

Agustín Sánchez González y otros

Ed. Turpin Editores. 16,5x23,5 cm

163 páginas. Castellano  

Apenas existe bibliografía teórica sobre el humor, y sin embargo para quienes realizan tareas creativas es un elemento recurrente y habitual, casi un lenguaje que se maneja de modo subyacente, sin que haya existido aprendizaje consciente ni análisis de sus estructuras y recursos. Es por ello que este libro supone una reflexión interesante para ilustradores, creativos, viñetistas y diseñadores.
Definir el gag visual es como definir la risa, imposible. Y sin embargo, reconocemos uno cuando lo vemos. El gag es una de las imágenes más misteriosas de nuestra cultura, una de esas ideas que palpitan libremente entre la diversión y el absurdo. Por eso este libro no habla de qué es un gag, sino de cómo funciona. Lo que se plantea aquí es una cartografía, un mapa de sus formas. Un recorri­do por los mecanismos y rutinas de cientos de gags, desde el cine mudo hasta las pantallas de videojuego, donde esta forma visual se revela como una poderosa herramienta de experimentación, viva y bastarda, con la libertad como principio de conducta estética. El gag reinventa nuestra realidad y transforma la risa en un síntoma, una forma de resistencia que desborda la categoría de lo cómico y hace (posible) reír.

El Gag Visual. Manuel Garín. Ed. Cátedra

13,5x21 cm. 398 páginas. Castellano  

Guía Completa de Técnicas de Dibujo Urbano es el subtítulo de esta obra, y pueden estar seguros de que de eso se trata. Los cuadernos de viaje urbanos es un género en alza entre los ilustradores profesionales y aficionados, y este es un manual de iniciación y perfeccionamiento metódico, con profusión de ejemplos gráficos.
Thomas Thorspecken aborda en este libro desde algunos principios básicos del dibujo hasta cuestiones específicas de la crónica urbana ilustrada, analiza las técnicas y recursos expresivos de numerosos ilustradores, diseñadores y artistas gráficos y proporciona infinidad de trucos y consejos para adentrarse en el universo del dibujo urbano. Los urban sketchers son reporteros visuales que combinan una gran capacidad de observación, la habilidad para dar con el detalle adecuado, y el manejo de los materiales y técnicas de dibujo. 
Thomas Thorspecken estudió ilustración en la School of Visual Arts de Nueva York y ha trabajado en Walt Disney Feature Animation. En su blog Analog Artist Digital World comparte diariamente sus dibujos con la comunidad de los urban sketchers.

Urban Sketching. Thomas Thorspecken

Ed. Gustavo Gili. 21,5x28 cm. 128 páginas. Castellano

Nico Munuera es el segundo volumen de los pocket series dedicados a artistas de la editorial Nocapaper, un monográfico con prólogo de Álvaro de los Ángeles que busca acercar la obra del artista murciano a lectores y profesionales del arte interesados. 
El libro se compone de un texto/ensayo sobre el artista escrito por Juan Francisco Rueda, una entrevista a Munuera y un apartado de bocetos diseñado en exclusiva para la publicación a modo de cuaderno de bocetos.

Nico Munuera. Juan Francisco Reda

Ed. Nocapaper. 14x21 cm. 158 páginas

Castellano e inglés

Rosa Llop ha sido una firma habitual en esta revista, y este libro tiene para nosotros un significado especial. En un panorama bibliográfico en el que la teorización tiene poca cabida, hay que agradecerle a Rosa y a G. Gili este impagable volumen. 
Con el fin de sistematizar la complejidad de este proceso de ideación, Rosa Llop explora en este libro aquellos parámetros o principios semióticos y gráficos que entran en juego a la hora de desarrollar un proyecto gráfico. Para ello toma como objeto de análisis las cubiertas de libros, un campo de experimentación rico y acotado, especialmente idóneo para abordar cuestiones generales que afectan a la simbolización gráfica (como las formas de argumentación o codificación) así como cuestiones más concretas que inciden sobre la gramática visual y el comportamiento de las formas, colores y objetos gráficos en el espacio. La propuesta se apoya en una riquísima selección de cubiertas de libro, obra de grandes diseñadores, históricos y contemporáneos, de la talla de Daniel Gil, Coralie Bickford-Smith, Enric Jardí, Jessica Hische, Enrique Redel, Barbara De Wilde, David Pearson, Alvin Lustig, Jan Tschichold, Rodrigo Corral o Chip Kidd.
Rosa LLop se define como una ex diseñadora gráfica que adora el diseño. Es codirectora del Máster en Dirección y Diseño de proyectos para Internet y del curso de postgrado en Diseño de Apps de la escuela Elisava. Investigadora sobre lenguaje visual, media software, cultura del diseño y TICs. También imparte clases sobre edición digital y composición tipográfica en el Grado de Diseño de Elisava. Actualmente es doctorada en la Winchester School of Arts de la Universidad de Southampton, donde investiga acerca de la programación de medios digitales y el diseño gráfico.

Un sistema gráfico para las cubiertas de libros. 

Hacia un lenguaje de parámetros

Rosa Llop. Ed. Gustavo Gili. 14x23 cm. 

128 páginas. Castellano

Batman: Año 100 es una miniserie de historietas estadounidense de cuatro números protagonizada por Batman, publicada en 2006 por DC Comics. Fue escrita e ilustrada por Paul Pope y coloreada por José Villarrubia. La serie de cuatro números se publicó entre febrero y mayo de 2006. En 2007, los cuatro números fueron recogidos y publicados en una edición de libro en rústica, que incluye también The Berlin Batman de Pope, que fue publicado originalmente en The Batman Chronicles #11. La historia presenta una versión de Batman que vivió en la República de Weimar alemana en vísperas de la Segunda Guerra Mundial. La editora Lynda Barry deseaba incluir un extracto de Batman: Año 100 en The Best American Comics 2008, pero se le negó el permiso por parte de DC Comics por razones no especificadas.
Ahora, Debolsillo edita esta obra en castellano. Aunque no tenemos la certeza, todo apunta a que una vez más lo que en el extranjero es un álbum aquí empequeñece a tamaño bolsillo, para dolor de nuestra presbicia y detrimento de la espectacularidad. Pero bueno, esto es una constante en la edición de cómic extranjero en nuestro país, nada que haya de sorprendernos ya. En cualquier caso, imprescindible para los seguidores del género y del personaje.

Batman: Año 100. Paul Pope. . Coloreada por José Villarrubia

Ed. Debolsillo. 15x21 cm. 240 páginas. Castellano

50 años de ilustración reúne ilustraciones publicadas en todo el mundo en el último medio siglo. Analizando el contexto en el que se realizaron dichas obras y lo que ocurría en aquel momento a lo largo del mundo en el ámbito de la cultura popular (música, literatura, cine, teatro, arte y diseño), este libro muestra la naturaleza cambiante de la sociedad y nos descubre la importancia de la ilustración como disciplina fundamental, entendida como el “arte de la gente”. 
Organizado por décadas, esta obra reúne 700 ilustraciones desde los años sesenta hasta el siglo XXI: las utopías de los años sesenta, la generación del desencanto en los setenta, clásicos en la década del diseño, autores personales en los albores de la era digital de los noventa o a las grandes figuras emergentes del nuevo siglo.

50 años de ilustración. Lawrence Zeegen|. Caroline Roberts

Ed. Lunwerg. 20x25,5 cm. 184 páginas. Castellano

¿Por qué Warhol es un impostor? ¿Cómo se crean las identidades nacionales? ¿De dónde surge nuestra manía por coleccionar? ¿Qué es lo que vemos desde el retrovisor de Grand Theft Auto V? ¿Por qué valoramos la imperfección? Empezando por la a de ‘auténtico’ este libro se convierte, letra a letra, en una herramienta para comprender la cultura contemporánea, y nuestra pasión por la moda, el diseño, la tecnología y el arte. Más que un diccionario, es, sobre todo, un análisis personal del mundo que nos rodea y  de la importancia del diseño en él.
Deyan Sudjic (1952) estudió arquitectura en Edimburgo y colaboró en diversas publicaciones especializadas en diseño antes de hacerse cargo de la dirección del Design Museum de Londres, la institución más emblemática del mundo en el campo del diseño. 

B de Bauhaus. Deyan Sudjic
Ed. Turner. 356 páginas. 14x22 cm

Si hay alguna característica de estilo que distingue el trabajo de Milton Glaser, éstas son la honradez y el sentido de la justicia combinadas con una libertadora actitud lúdica e imaginativa. Mantener la integridad ética frente a las seducciones del mercado y hacerlo con sentido del humor se plantea como un auténtico reto para todo diseñador.
Este libro reúne cuatro charlas que el célebre artista norteamericano dirigió a estudiantes de diseño. En ellas nos da algunas pistas sobre la respuesta del propio Glaser a este desafío, así como sobre su forma de entender y abordar los procesos creativos. Glaser analiza como el marketing y la publicidad han ido modificando nuestra cultura en las últimas décadas y reflexiona sobre el papel fundamental de los diseñadores en esta evolución. Defiende que el arte es, actualmente, la forma más benigna y esencial de crear comunidad, y que todas las personas vinculadas con el ejercicio de la creatividad tienen, por tanto, una función importante que desempeñar en esa transformación de la sociedad. Es así como Glaser llega a proponer en estas páginas una nueva denominación para el diseñador: “He cambiado de opinión sobre mi autodesignación: diseñador/ciudadano me parece una descripción más satisfactoria. Nunca existió mejor momento para asumir esta función”.
Milton Glaser (Nueva York, 1929) es, para muchos, la personificación del diseño gráfico americano. Fue cofundador de los revolucionarios Pushpin Studios; fundó la revista New York junto con Clay Felker; creó Milton Glaser, Inc.; y la firma de diseño editorial WBMG en colaboración con Walter Bernard. También diseñó la célebre campaña 
I love NY. Glaser ha expuesto su obra por todo el mundo; ha realizado exposiciones individuales en el Centre Georges Pompidou de París y en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su trabajo se exhibe en varios museos. Actualmente vive en Nueva York.

Diseñador/Ciudadano. Milton Glaser

Ed. Gustavo Gili. 13x20 cm

56 páginas. Castellano

Seconds es la nueva novela gráfica a color de Bryan Lee O'Malley, el autor de Scott Pilgrim. Un estilo cruzado entre el manga, el cómic occidental y la estética y narrativa de los videojuegos da como resultado un trabajo de hibridación de digestión fácil pero que no por ello ha de decepcionar. Narra la historia de Katie, una joven chef en un restaurante de éxito y que planea abrir otro aún mejor. Pero un día todos sus proyectos se tuercen, su actividad amorosa se dirige al borde del abismo y una camarera sufre un accidente muy desafortunado. 

Seconds. Bryan Lee O'Malley

Ed. Debolsillo. 336 páginas. 15x21 cm

La publicación de libros autopromocionales de los estudios de diseño es en estos tiempos un género poco menos que olvidado, y es por ello que reconforta cuando algún valiente se atreve a recuperarlo. Sin alardes innecesarios pero con una pulcritud y cuidado editorial notables –no podía ser de otro modo– Calamar ha recogido en esta edición sus trabajos de los últimos años. En buena parte, centrados en el diseño editorial en papel y más allá del papel. 

Calamar Edición y Diseño

Ed. Calamar. 110 páginas

20x20 cm. Castellano

La exposición es uno de los conceptos más desconcertantes que rigen la esencia misma de la fotografía y, como tal, siempre ha sido un tema fascinante tanto para los fotógrafos aficionados como para los profesionales. La fotografía digital ha revolucionado el modo en que se puede manipular la exposición, lo que a su vez ha permitido a los fotógrafos experimentar para conseguir en sus imágenes el resultado deseado. Jeff Revell aborda las situaciones típicas de exposición con las que tiene que enfrentarse el fotógrafo, para ofrecer a continuación una solución sencilla que puede cambiar la imagen de forma decisiva. Desarolla la relación esencial que existe entre la exposición y la luz, y cómo la apertura, la velocidad de obturación y la ISO (el "triángulo de la exposición") están íntimamente ligadas en el esfuerzo por conseguir una gran imagen: las utilizará para controlar tanto la luz como las decisiones creativas que afectan a su fotografía. Mediante un lenguaje sencillo e imágenes bien escogidas, esta guía recoge cada uno de los aspectos de la exposición: desde los conceptos básicos sobre la apertura y la velocidad de obturación, pasando por situaciones difíciles de iluminación, hasta transgredir las reglas para conseguir efectos sorprendentes.

La exposición. Claves  y secretos de una buena fotografía

Ed. Anaya Photoclub. 264 páginas

18,4x24 cm. Castellano

Esta obra no es un manual de fotografía como tal. Tampoco se trata de un simple libro artístico, sino de una combinación de ambos. Reúne una  colección de imágenes de algunos de los artistas más brillantes del panorama fotográfico. Para este libro, el jurado de la galería 1x.com ha seleccionado las mejores imágenes de entre las miles de fotos alojadas en su web. Imágenes de fotógrafos procedentes de todos los rincones del mundo. 1x.COM es una de las agencias más prestigiosas a nivel internacional, con un concepto único entre las galerías fotográficas. Su exigente sistema de publicación, mediante la selección por un jurado profesional y experto, la ha convertido en una de las principales galerías del mundo. En ella miles de fotógrafos profesionales se benefician de su alto nivel de visibilidad y de su constante demanda por revistas, medios de comunicación y grandes empresas multinacionales.

El alma de la fotografía. Ed. Anaya Photoclub

240 páginas. 22,5 x 23 cm. Castellano

La mano cornutta edita y produce una bella edición de arte con ilustraciones de Ana Juan a partir de la canción de Juan Pablo Silvestre Mi querida Babel, sintonía de Mundo Babel, mítica emisión de Radio Nacional de España-R3. Un álbum ilustrado por Ana Juan, con el concepto gráfico de Oscar Mariné. Un libro-objeto que devuelve el placer de tocar el papel, de disfrutar de los futuros del libro, más allá de la era digital. Incluye un CD con una selección de las mejores versiones de la canción que se han venido realizando por intérpretes del primer nivel artistico en todos los géneros y estilos musicales. Nunca comercializadas y motivo de ávido interés coleccionista. Música que solo se regala con este libro. Algunas de las versiones de los interprétes: Faltriqueira, Om Off, Vocal Sampling, La Chicana, C.R.A.G. Citaraedus, Banda Inaudita Juan Pablo Torres, Bebo Valdés, Ole Swing, Paco Ortega y Coro Pizzicato.

Mi querida Babel. Textos: Juan Pablo Silvestre

Ilustraciones: Ana Juan. Ed. La mano cornuta

22x30 cm

El color es un elemento fundamental de nuestro lenguaje visual. Afecta a nuestros sentidos, provoca a nuestras emociones, y desempeña un papel esencial en el resultado de una fotografía. Jerod Foster nos muestra, desde la perspectiva del fotógrafo, cómo funciona el color, cómo es capaz de captar nuestra atención, de dominar la vista y de interactuar y organizar los elementos de una escena en un diseño armonioso para contar historias visuales increíbles. 
Explora el dominio de la composición con el color, el correcto balance de blancos, la iluminación artificial, los perfiles de color, las lentes y los objetivos y la correcta exposición. Muestra cómo manejar la creación de profundidad visual con colores complementarios, a usar colores dominantes/recesivos  y el contraste, analizar el sentido y las formas del color (rojo, azul, verde o púrpura) y su influencia  en las emociones. Además,  explora las posibilidades del formato RAW, cómo calibrar el monitor, y descubre los mejores momentos del día para un correcto color en la toma fotográfica y las mejores prácticas para el manejo del color desde el momento de realizar una foto hasta el procesado y revelado. 
Jerod Foster es un reconocido fotógrafo de viajes y naturaleza. Comenzó su carrera como ayudante de Wyman Meinzer, pero desarrolló rápidamente una pasión por la narración visual y la educación de las futuras generaciones de fotógrafos. Su obra abarca desde la fotografía de naturaleza y de viajes al fotoperiodismo, y se pueden ver sus fotografías en numerosas revistas y publicaciones nacionales e internacionales.

Color. Cómo crear profundidad visual y emoción en tus fotos

Ed. Anaya Photoclub. Jerod Foster

272 páginas. 18,5x24 cm. Castellano

Segunda entrega en papel de lo mejor del blog del Hematocrítico del Arte. Valga decir que el éxito y la genialidad está en la fórmula, tan sencilla como extraordinaria: El Hematocrítico selecciona y da nuevos e insospechados sentidos a un buen número de pinturas clásicas a través de reveladores pies de foto. Santos, pintores, mártires y figuras celestiales en actitudes que parecen propias de la actualidad, un gran ejercicio de humor donde la apropiación es reverenciada por su ingente masa de seguidores,  El Hematocrítico de Arte 2 (La secuela molto esperata) contiene además el prólogo de Álex de la Iglesia, que toma el relevo del impagable Nacho Vigalondo. 

El Hematocrítico de Arte

Ed. ¡Caramba!. 15 x 21 cm. 

96 páginas. Castellano

Quinta entrega de la serie que viene editando Taschen dedicada a los ilustradores. En este caso están representados ciento cincuenta ilustradores de treinta países distintos. Los anuarios es un género que funciona desde hace décadas. Taschen ha tenido la habilidad de sacarlo del contexto profesional, sin tener para ello que realizar concesiones, no en vano el comisariado es de Julius Wiedemann que ha hecho de las recopilaciones un género propio desde hace años. Esta vez, además, la editorial incluye versión del texto en castellano –¡gracias!–, aunque no hay mucho que leer, apenas una cita de cada autor, la presentación de Wiedemann en la que nos advierte que ha primado la ilustración editorial, iluminadores de libros los llama, y que en esta ocasión ha primado la experiencia sobre la novedad. Entre los elegidos vemos a Rafael Álvarez (Madrid),  a Ricardo Fumanal (Huesca), a Carla Fuentes (Valencia) o a Carmen Segovia (Barcelona). La introducción del libro es de Steven Heller.

Illustration Now! 5. Julius Wiedemann

Ed. TaSchen. 19,6 x 24,9 cm. 448 páginas

Castellano, Italiano, Portugués

No es la primera vez que nos referimos aquí a las humildes y contundentes ediciones de Caramba!. Rozando el panfleto en el sentido más admirable, estos cuadernillos cosidos a caballete están por derecho propio ocupando un espacio en el panorama editorial de la historieta. Tengo hambre es un cómic que ha viajado en el tiempo: se trata de una historia escrita en 2005 por Santiago García (El Vecino, Beowulf, La tempestad) y dibujada en 2014 por Manel Fontdevila (La Parejita, ¡Para ti, que eres joven!, No os indignéis tanto), una historia en blanco y negro de 24 páginas protagonizada por gente que tiene hambre.

Tengo hambre. Santiago García y Manel Fontdevila

Ed. ¡Caramba!. 24 páginas. 15x21 cm.  Castellano

Con motivo de la exposición del escultor Eberhard Bosslet –Chisme– Heavy Duty en TEA, Tenerife Espacio de las Artes, se ha editado este catálogo. El libro documenta las intervenciones en el espacio público que Bosslet ha realizado durante un período de treinta años en su estancias temporales en las Islas Canarias y muestra imágenes de la serie fotográfica que creó allí durante el mismo periodo. 
Se documentan también en este libro  intervenciones similares del autor en el espacio urbano en Amberes, Berlín, Duisburgo y Barcelona. Se incluyen textos de 
Orlando Britto, Teresa Camps Miro, Ralph Findeisen, Celestino Hernández, Christian Janecke, Alejandro Krawietz, Gloria Picazo y Eberhard Bosslet.

Obras en España 1982-2012. Eberhard Bosslet

296 paginas. 29,7x21x3 cm, 

Español, Ingles, Aleman.

Esta edición desnuda con tal  minuciosidad el trabajo del artista que nos reconcilia con el género del libro objeto, porque en realidad, esta vez sí, el despliegue editorial está más que justificado. Es el libro que a todos nos gustaría que nos regalaran. Tiene en cuenta, hasta un punto jamás visto previamente, los rasgos y circunstancias más personales de Miguel Ángel, como su naturaleza solitaria, su sed de dinero y encargos, su avaricia, su inmensa fortuna y su habilidad como inversor inmobiliario. Sin olvidar el controvertido tema de las atribuciones de los dibujos, algo de gran interés para el mercado y las grandes colecciones. Este estudio de la vida y la obra de Miguel Ángel es una referencia básica para todo amante del arte.   

Miguel Ángel. Obra completa

Thomas Pöpper, Christof Thoenes, Frank Zöllner

Ed. Taschen. 29 x 44 cm. 768 páginas

Son escasas las reflexiones escritas que Henri Cartier-Bresson legó sobre su propia práctica fotográfica, y seguramente fue en las entrevistas que concedió a lo largo de su carrera donde el artista francés se mostró más generoso en palabras y manifestó su pensamiento más vivo sobre la fotografía.
Este libro reúne doce de estas conversaciones que muestran a un Cartier-Bresson apasionante y apasionado, que habla de su fotografía, reflexiona sobre la situación mundial y rememora su trayectoria vital y profesional. Escalonados a lo largo de casi medio siglo, estos doce momentos de diálogo no solo nos revelan la visión que el artista tenía de la fotografía sino que nos permiten ver cómo su pensamiento se transforma y evoluciona. Doce testimonios en primera persona que trazan una imagen de Cartier-Bresson plenamente viva y alejada de la leyenda.
Henri Cartier-Bresson (1908-2004) es considerado uno de los grandes referentes de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX y uno de los padres del fotoperiodismo. Desde la agencia Magnum, que fundó en 1947 junto a Robert Capa, David (Chim) Seymour, William Vandivert y George Rodger, realizó algunos de los grandes reportajes sobre Europa, Oriente y la antigua URSS que le dieron fama mundial como cronista gráfico.

Ver es un todo. Entrevistas y conversaciones 1951-1998

Henri Cartier-Bresson

Ed. Gustavo Gili. 13x20.5 cm. 127 páginas. Castellano

¿Quién puede explicar mejor la historia de la música soul que sus protagonistas? David Moreu lo tenía meridianamente claro y se dedicó a contactar con músicos, productores, diseñadores gráficos, responsables de sellos discográficos y activistas en pro de los derechos civiles para que contaran sus experiencias, sus sensaciones y sus recuerdos relacionados con los momentos clave del devenir de un género que sigue despertando pasiones. Desde miembros de grupos legendarios como The Temptations, The Impressions o The Meters hasta Ben Harper y Los Fulanos, pasando por mitos como Irma Thomas, Dr. John o Allen Toussaint, nos encontramos cara a cara con treinta y siete puntos cardinales del soul que aparecen en estas páginas para retratar una escena que todavía goza de una salud envidiable. En una excelente sucesión de certeras entrevistas, Moreu consigue que las piezas formen un todo, que el lector entienda el cómo y el porqué de unas canciones que proporcionaron diversión y esperanza, que descubra la era gloriosa en la que triunfaron Stax, Motown y Hi Records, y que no olvide que el soul sigue reinando en el nuevo milenio. Sin anclarse en el pasado y llegando al presente, esta historia oral y coral supone un regalo para todos los amantes de la música negra y para quienes deseen comprobar sus imprescindibles conexiones sociales, culturales y políticas. David Moreu es colaborador habitual en esta revista.

From a Whisper to a Scream (una historia oral de la música soul)

David Moreu. Ed. 66 RPM Edicions 

255 páginas. 17x24 cm

Este libro muestra la esencia del procesamiento de imágenes Raw, y las técnicas imprescindibles del mal llamado revelado digital. Se trata de un libro eminentemente técnico y tecnológico, en el que de manera detallada se explica con detalle de qué depende un negativo digital de calidad y cómo dominar las herramientas para obtener resultados contundentes, perfeccionando auqellas fotografías que lo precisan. 

Revelado Digital. El gran poder de Lightroom, Camera Raw y Photoshop

Jeff Schewe. Ed. Anaya Multimedia

288 páginas. 18,5x24 cm. Castellano

Por fín este libro en castellano. La edición original es de 2003. Se trata de una introducción al alfabeto y el arte de la tipografía de forma absolutamente original y entretenida, para niños: Un grupo de revoltosas letras que se conocen por primera vez en una pequeña habitación amarilla. ¿Que las ha llevado hasta ahí? Antes de finalizar el libro, el extraordinario secreto que cambiará el mundo será revelado... En este libro descubrimos a un Glaser completamente nuevo, distinto. Para muchos, Milton Glaser es la personificación del diseño gráfico americano. Fue cofundador de los revolucionarios Pushpin Studios, fundó la revista New York junto con Clay Felker, creó Milton Glaser, Inc. y la firma de diseño editorial WBMG en colaboración con Walter Bernard. También diseñó la célebre campaña I love NY. Glaser ha expuesto su obra por todo el mundo; ha realizado exposiciones individuales en el Centre Georges Pompidou de París y en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su trabajo se exhibe en varios museos. Actualmente vive en Nueva York. 

Las Alfazetas. Texto: Shirley Glaser

Ilustraciones: Milton Glaser. Ed. Gustavo Gili

32 páginas. Tamaño: 21,5x30,5 cm. Idioma: Castellano

Coincidiendo con la donación y catalogación de la colección de carteles del estudio de diseño gráfico formado por Pilar Villuendas y Josep Ramon Gómez, al Museu d’Història de Barcelona, se ha publicado Barcelona, una iconografia urbana de la Transició el nuevo volumen de la colección MUHBA Documents, que recoge  estos 280 carteles cedidos y los textos de Josep Bracons, Josep Fontana y Daniel Giralt-Miracle. Estos carteles realizados desde 1975 hasta 1995, o lo que es lo mismo, desde el final del franquismo hasta el post olimpismo.

Barcelona, una iconografia urbana de la Transició

Pilar Villuendas. Josep Ramon Gómez. 164 páginas

Tamaño: 21x29,7 cm. Idioma: Catalán

En 2016 la obra de García Lorca pasará a ser de dominio público, como de hecho ya ha sucedido en Francia, Italia, Alemania y la mayoría de países iberoamericanos. Preparémonos para ver una buena cantidad de ediciones ilustradas. La editorial Kalandraka, con buen criterio, se adelanta al fenómeno con este breve poemario ilustrado por Gabriel Pacheco. Sus ilustraciones poéticas y sugerentes, de fuerte singularidad, están cargadas de metáforas visuales y simbolismo, composiciones líricas sobre fondos acuosos, paisajes oníricos de minuciosa pincelada, personajes ambiguos e inciertos que habitan escenas de la vida, con un tono trágicamente vital y alegre. Todo ello envuelto en atmósferas de sutil perfección y rara belleza, con el propósito de invitar a los lectores a dialogar –a través de las imágenes– con “la poética” de los versos.
Gabriel Pacheco (México DF, 1973) es graduado en Escenografía por la Escuela Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. Desde 1997 se dedica a la ilustración de libros para público infantil y juvenil. Ha recibido numerosos galardones: X Concurso Internacional de Ilustración Cittá de Chioggia (Venecia, 2004)„ Premio Internacional de Libro Ilustrado de México en 2000 y 2002; Mención especial de la Feria Internacional del Libro Infantil-Juvenil de Bolonia 2009; Premio Quórum del Consejo de Diseñadores de Méxido 2009. Ha trabajado para editoriales de todo el mundo.

12 poemas de Federico García Lorca

Ilustraciones: Gabriel Pacheco

Ed. Kalandraka. 40 páginas. Tamaño: 18,5x27 cm