Rosa Llop ha sido una firma habitual en esta revista, y este libro tiene para nosotros un significado especial. En un panorama bibliográfico en el que la teorización tiene poca cabida, hay que agradecerle a Rosa y a G. Gili este impagable volumen. 
Con el fin de sistematizar la complejidad de este proceso de ideación, Rosa Llop explora en este libro aquellos parámetros o principios semióticos y gráficos que entran en juego a la hora de desarrollar un proyecto gráfico. Para ello toma como objeto de análisis las cubiertas de libros, un campo de experimentación rico y acotado, especialmente idóneo para abordar cuestiones generales que afectan a la simbolización gráfica (como las formas de argumentación o codificación) así como cuestiones más concretas que inciden sobre la gramática visual y el comportamiento de las formas, colores y objetos gráficos en el espacio. La propuesta se apoya en una riquísima selección de cubiertas de libro, obra de grandes diseñadores, históricos y contemporáneos, de la talla de Daniel Gil, Coralie Bickford-Smith, Enric Jardí, Jessica Hische, Enrique Redel, Barbara De Wilde, David Pearson, Alvin Lustig, Jan Tschichold, Rodrigo Corral o Chip Kidd.
Rosa LLop se define como una ex diseñadora gráfica que adora el diseño. Es codirectora del Máster en Dirección y Diseño de proyectos para Internet y del curso de postgrado en Diseño de Apps de la escuela Elisava. Investigadora sobre lenguaje visual, media software, cultura del diseño y TICs. También imparte clases sobre edición digital y composición tipográfica en el Grado de Diseño de Elisava. Actualmente es doctorada en la Winchester School of Arts de la Universidad de Southampton, donde investiga acerca de la programación de medios digitales y el diseño gráfico.

Un sistema gráfico para las cubiertas de libros. 

Hacia un lenguaje de parámetros

Rosa Llop. Ed. Gustavo Gili. 14x23 cm. 

128 páginas. Castellano

Batman: Año 100 es una miniserie de historietas estadounidense de cuatro números protagonizada por Batman, publicada en 2006 por DC Comics. Fue escrita e ilustrada por Paul Pope y coloreada por José Villarrubia. La serie de cuatro números se publicó entre febrero y mayo de 2006. En 2007, los cuatro números fueron recogidos y publicados en una edición de libro en rústica, que incluye también The Berlin Batman de Pope, que fue publicado originalmente en The Batman Chronicles #11. La historia presenta una versión de Batman que vivió en la República de Weimar alemana en vísperas de la Segunda Guerra Mundial. La editora Lynda Barry deseaba incluir un extracto de Batman: Año 100 en The Best American Comics 2008, pero se le negó el permiso por parte de DC Comics por razones no especificadas.
Ahora, Debolsillo edita esta obra en castellano. Aunque no tenemos la certeza, todo apunta a que una vez más lo que en el extranjero es un álbum aquí empequeñece a tamaño bolsillo, para dolor de nuestra presbicia y detrimento de la espectacularidad. Pero bueno, esto es una constante en la edición de cómic extranjero en nuestro país, nada que haya de sorprendernos ya. En cualquier caso, imprescindible para los seguidores del género y del personaje.

Batman: Año 100. Paul Pope. . Coloreada por José Villarrubia

Ed. Debolsillo. 15x21 cm. 240 páginas. Castellano

50 años de ilustración reúne ilustraciones publicadas en todo el mundo en el último medio siglo. Analizando el contexto en el que se realizaron dichas obras y lo que ocurría en aquel momento a lo largo del mundo en el ámbito de la cultura popular (música, literatura, cine, teatro, arte y diseño), este libro muestra la naturaleza cambiante de la sociedad y nos descubre la importancia de la ilustración como disciplina fundamental, entendida como el “arte de la gente”. 
Organizado por décadas, esta obra reúne 700 ilustraciones desde los años sesenta hasta el siglo XXI: las utopías de los años sesenta, la generación del desencanto en los setenta, clásicos en la década del diseño, autores personales en los albores de la era digital de los noventa o a las grandes figuras emergentes del nuevo siglo.

50 años de ilustración. Lawrence Zeegen|. Caroline Roberts

Ed. Lunwerg. 20x25,5 cm. 184 páginas. Castellano

¿Por qué Warhol es un impostor? ¿Cómo se crean las identidades nacionales? ¿De dónde surge nuestra manía por coleccionar? ¿Qué es lo que vemos desde el retrovisor de Grand Theft Auto V? ¿Por qué valoramos la imperfección? Empezando por la a de ‘auténtico’ este libro se convierte, letra a letra, en una herramienta para comprender la cultura contemporánea, y nuestra pasión por la moda, el diseño, la tecnología y el arte. Más que un diccionario, es, sobre todo, un análisis personal del mundo que nos rodea y  de la importancia del diseño en él.
Deyan Sudjic (1952) estudió arquitectura en Edimburgo y colaboró en diversas publicaciones especializadas en diseño antes de hacerse cargo de la dirección del Design Museum de Londres, la institución más emblemática del mundo en el campo del diseño. 

B de Bauhaus. Deyan Sudjic
Ed. Turner. 356 páginas. 14x22 cm

Si hay alguna característica de estilo que distingue el trabajo de Milton Glaser, éstas son la honradez y el sentido de la justicia combinadas con una libertadora actitud lúdica e imaginativa. Mantener la integridad ética frente a las seducciones del mercado y hacerlo con sentido del humor se plantea como un auténtico reto para todo diseñador.
Este libro reúne cuatro charlas que el célebre artista norteamericano dirigió a estudiantes de diseño. En ellas nos da algunas pistas sobre la respuesta del propio Glaser a este desafío, así como sobre su forma de entender y abordar los procesos creativos. Glaser analiza como el marketing y la publicidad han ido modificando nuestra cultura en las últimas décadas y reflexiona sobre el papel fundamental de los diseñadores en esta evolución. Defiende que el arte es, actualmente, la forma más benigna y esencial de crear comunidad, y que todas las personas vinculadas con el ejercicio de la creatividad tienen, por tanto, una función importante que desempeñar en esa transformación de la sociedad. Es así como Glaser llega a proponer en estas páginas una nueva denominación para el diseñador: “He cambiado de opinión sobre mi autodesignación: diseñador/ciudadano me parece una descripción más satisfactoria. Nunca existió mejor momento para asumir esta función”.
Milton Glaser (Nueva York, 1929) es, para muchos, la personificación del diseño gráfico americano. Fue cofundador de los revolucionarios Pushpin Studios; fundó la revista New York junto con Clay Felker; creó Milton Glaser, Inc.; y la firma de diseño editorial WBMG en colaboración con Walter Bernard. También diseñó la célebre campaña 
I love NY. Glaser ha expuesto su obra por todo el mundo; ha realizado exposiciones individuales en el Centre Georges Pompidou de París y en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su trabajo se exhibe en varios museos. Actualmente vive en Nueva York.

Diseñador/Ciudadano. Milton Glaser

Ed. Gustavo Gili. 13x20 cm

56 páginas. Castellano

Seconds es la nueva novela gráfica a color de Bryan Lee O'Malley, el autor de Scott Pilgrim. Un estilo cruzado entre el manga, el cómic occidental y la estética y narrativa de los videojuegos da como resultado un trabajo de hibridación de digestión fácil pero que no por ello ha de decepcionar. Narra la historia de Katie, una joven chef en un restaurante de éxito y que planea abrir otro aún mejor. Pero un día todos sus proyectos se tuercen, su actividad amorosa se dirige al borde del abismo y una camarera sufre un accidente muy desafortunado. 

Seconds. Bryan Lee O'Malley

Ed. Debolsillo. 336 páginas. 15x21 cm

La publicación de libros autopromocionales de los estudios de diseño es en estos tiempos un género poco menos que olvidado, y es por ello que reconforta cuando algún valiente se atreve a recuperarlo. Sin alardes innecesarios pero con una pulcritud y cuidado editorial notables –no podía ser de otro modo– Calamar ha recogido en esta edición sus trabajos de los últimos años. En buena parte, centrados en el diseño editorial en papel y más allá del papel. 

Calamar Edición y Diseño

Ed. Calamar. 110 páginas

20x20 cm. Castellano

La exposición es uno de los conceptos más desconcertantes que rigen la esencia misma de la fotografía y, como tal, siempre ha sido un tema fascinante tanto para los fotógrafos aficionados como para los profesionales. La fotografía digital ha revolucionado el modo en que se puede manipular la exposición, lo que a su vez ha permitido a los fotógrafos experimentar para conseguir en sus imágenes el resultado deseado. Jeff Revell aborda las situaciones típicas de exposición con las que tiene que enfrentarse el fotógrafo, para ofrecer a continuación una solución sencilla que puede cambiar la imagen de forma decisiva. Desarolla la relación esencial que existe entre la exposición y la luz, y cómo la apertura, la velocidad de obturación y la ISO (el "triángulo de la exposición") están íntimamente ligadas en el esfuerzo por conseguir una gran imagen: las utilizará para controlar tanto la luz como las decisiones creativas que afectan a su fotografía. Mediante un lenguaje sencillo e imágenes bien escogidas, esta guía recoge cada uno de los aspectos de la exposición: desde los conceptos básicos sobre la apertura y la velocidad de obturación, pasando por situaciones difíciles de iluminación, hasta transgredir las reglas para conseguir efectos sorprendentes.

La exposición. Claves  y secretos de una buena fotografía

Ed. Anaya Photoclub. 264 páginas

18,4x24 cm. Castellano

Esta obra no es un manual de fotografía como tal. Tampoco se trata de un simple libro artístico, sino de una combinación de ambos. Reúne una  colección de imágenes de algunos de los artistas más brillantes del panorama fotográfico. Para este libro, el jurado de la galería 1x.com ha seleccionado las mejores imágenes de entre las miles de fotos alojadas en su web. Imágenes de fotógrafos procedentes de todos los rincones del mundo. 1x.COM es una de las agencias más prestigiosas a nivel internacional, con un concepto único entre las galerías fotográficas. Su exigente sistema de publicación, mediante la selección por un jurado profesional y experto, la ha convertido en una de las principales galerías del mundo. En ella miles de fotógrafos profesionales se benefician de su alto nivel de visibilidad y de su constante demanda por revistas, medios de comunicación y grandes empresas multinacionales.

El alma de la fotografía. Ed. Anaya Photoclub

240 páginas. 22,5 x 23 cm. Castellano

La mano cornutta edita y produce una bella edición de arte con ilustraciones de Ana Juan a partir de la canción de Juan Pablo Silvestre Mi querida Babel, sintonía de Mundo Babel, mítica emisión de Radio Nacional de España-R3. Un álbum ilustrado por Ana Juan, con el concepto gráfico de Oscar Mariné. Un libro-objeto que devuelve el placer de tocar el papel, de disfrutar de los futuros del libro, más allá de la era digital. Incluye un CD con una selección de las mejores versiones de la canción que se han venido realizando por intérpretes del primer nivel artistico en todos los géneros y estilos musicales. Nunca comercializadas y motivo de ávido interés coleccionista. Música que solo se regala con este libro. Algunas de las versiones de los interprétes: Faltriqueira, Om Off, Vocal Sampling, La Chicana, C.R.A.G. Citaraedus, Banda Inaudita Juan Pablo Torres, Bebo Valdés, Ole Swing, Paco Ortega y Coro Pizzicato.

Mi querida Babel. Textos: Juan Pablo Silvestre

Ilustraciones: Ana Juan. Ed. La mano cornuta

22x30 cm

El color es un elemento fundamental de nuestro lenguaje visual. Afecta a nuestros sentidos, provoca a nuestras emociones, y desempeña un papel esencial en el resultado de una fotografía. Jerod Foster nos muestra, desde la perspectiva del fotógrafo, cómo funciona el color, cómo es capaz de captar nuestra atención, de dominar la vista y de interactuar y organizar los elementos de una escena en un diseño armonioso para contar historias visuales increíbles. 
Explora el dominio de la composición con el color, el correcto balance de blancos, la iluminación artificial, los perfiles de color, las lentes y los objetivos y la correcta exposición. Muestra cómo manejar la creación de profundidad visual con colores complementarios, a usar colores dominantes/recesivos  y el contraste, analizar el sentido y las formas del color (rojo, azul, verde o púrpura) y su influencia  en las emociones. Además,  explora las posibilidades del formato RAW, cómo calibrar el monitor, y descubre los mejores momentos del día para un correcto color en la toma fotográfica y las mejores prácticas para el manejo del color desde el momento de realizar una foto hasta el procesado y revelado. 
Jerod Foster es un reconocido fotógrafo de viajes y naturaleza. Comenzó su carrera como ayudante de Wyman Meinzer, pero desarrolló rápidamente una pasión por la narración visual y la educación de las futuras generaciones de fotógrafos. Su obra abarca desde la fotografía de naturaleza y de viajes al fotoperiodismo, y se pueden ver sus fotografías en numerosas revistas y publicaciones nacionales e internacionales.

Color. Cómo crear profundidad visual y emoción en tus fotos

Ed. Anaya Photoclub. Jerod Foster

272 páginas. 18,5x24 cm. Castellano

Segunda entrega en papel de lo mejor del blog del Hematocrítico del Arte. Valga decir que el éxito y la genialidad está en la fórmula, tan sencilla como extraordinaria: El Hematocrítico selecciona y da nuevos e insospechados sentidos a un buen número de pinturas clásicas a través de reveladores pies de foto. Santos, pintores, mártires y figuras celestiales en actitudes que parecen propias de la actualidad, un gran ejercicio de humor donde la apropiación es reverenciada por su ingente masa de seguidores,  El Hematocrítico de Arte 2 (La secuela molto esperata) contiene además el prólogo de Álex de la Iglesia, que toma el relevo del impagable Nacho Vigalondo. 

El Hematocrítico de Arte

Ed. ¡Caramba!. 15 x 21 cm. 

96 páginas. Castellano

Quinta entrega de la serie que viene editando Taschen dedicada a los ilustradores. En este caso están representados ciento cincuenta ilustradores de treinta países distintos. Los anuarios es un género que funciona desde hace décadas. Taschen ha tenido la habilidad de sacarlo del contexto profesional, sin tener para ello que realizar concesiones, no en vano el comisariado es de Julius Wiedemann que ha hecho de las recopilaciones un género propio desde hace años. Esta vez, además, la editorial incluye versión del texto en castellano –¡gracias!–, aunque no hay mucho que leer, apenas una cita de cada autor, la presentación de Wiedemann en la que nos advierte que ha primado la ilustración editorial, iluminadores de libros los llama, y que en esta ocasión ha primado la experiencia sobre la novedad. Entre los elegidos vemos a Rafael Álvarez (Madrid),  a Ricardo Fumanal (Huesca), a Carla Fuentes (Valencia) o a Carmen Segovia (Barcelona). La introducción del libro es de Steven Heller.

Illustration Now! 5. Julius Wiedemann

Ed. TaSchen. 19,6 x 24,9 cm. 448 páginas

Castellano, Italiano, Portugués

No es la primera vez que nos referimos aquí a las humildes y contundentes ediciones de Caramba!. Rozando el panfleto en el sentido más admirable, estos cuadernillos cosidos a caballete están por derecho propio ocupando un espacio en el panorama editorial de la historieta. Tengo hambre es un cómic que ha viajado en el tiempo: se trata de una historia escrita en 2005 por Santiago García (El Vecino, Beowulf, La tempestad) y dibujada en 2014 por Manel Fontdevila (La Parejita, ¡Para ti, que eres joven!, No os indignéis tanto), una historia en blanco y negro de 24 páginas protagonizada por gente que tiene hambre.

Tengo hambre. Santiago García y Manel Fontdevila

Ed. ¡Caramba!. 24 páginas. 15x21 cm.  Castellano

Con motivo de la exposición del escultor Eberhard Bosslet –Chisme– Heavy Duty en TEA, Tenerife Espacio de las Artes, se ha editado este catálogo. El libro documenta las intervenciones en el espacio público que Bosslet ha realizado durante un período de treinta años en su estancias temporales en las Islas Canarias y muestra imágenes de la serie fotográfica que creó allí durante el mismo periodo. 
Se documentan también en este libro  intervenciones similares del autor en el espacio urbano en Amberes, Berlín, Duisburgo y Barcelona. Se incluyen textos de 
Orlando Britto, Teresa Camps Miro, Ralph Findeisen, Celestino Hernández, Christian Janecke, Alejandro Krawietz, Gloria Picazo y Eberhard Bosslet.

Obras en España 1982-2012. Eberhard Bosslet

296 paginas. 29,7x21x3 cm, 

Español, Ingles, Aleman.

Esta edición desnuda con tal  minuciosidad el trabajo del artista que nos reconcilia con el género del libro objeto, porque en realidad, esta vez sí, el despliegue editorial está más que justificado. Es el libro que a todos nos gustaría que nos regalaran. Tiene en cuenta, hasta un punto jamás visto previamente, los rasgos y circunstancias más personales de Miguel Ángel, como su naturaleza solitaria, su sed de dinero y encargos, su avaricia, su inmensa fortuna y su habilidad como inversor inmobiliario. Sin olvidar el controvertido tema de las atribuciones de los dibujos, algo de gran interés para el mercado y las grandes colecciones. Este estudio de la vida y la obra de Miguel Ángel es una referencia básica para todo amante del arte.   

Miguel Ángel. Obra completa

Thomas Pöpper, Christof Thoenes, Frank Zöllner

Ed. Taschen. 29 x 44 cm. 768 páginas

Son escasas las reflexiones escritas que Henri Cartier-Bresson legó sobre su propia práctica fotográfica, y seguramente fue en las entrevistas que concedió a lo largo de su carrera donde el artista francés se mostró más generoso en palabras y manifestó su pensamiento más vivo sobre la fotografía.
Este libro reúne doce de estas conversaciones que muestran a un Cartier-Bresson apasionante y apasionado, que habla de su fotografía, reflexiona sobre la situación mundial y rememora su trayectoria vital y profesional. Escalonados a lo largo de casi medio siglo, estos doce momentos de diálogo no solo nos revelan la visión que el artista tenía de la fotografía sino que nos permiten ver cómo su pensamiento se transforma y evoluciona. Doce testimonios en primera persona que trazan una imagen de Cartier-Bresson plenamente viva y alejada de la leyenda.
Henri Cartier-Bresson (1908-2004) es considerado uno de los grandes referentes de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX y uno de los padres del fotoperiodismo. Desde la agencia Magnum, que fundó en 1947 junto a Robert Capa, David (Chim) Seymour, William Vandivert y George Rodger, realizó algunos de los grandes reportajes sobre Europa, Oriente y la antigua URSS que le dieron fama mundial como cronista gráfico.

Ver es un todo. Entrevistas y conversaciones 1951-1998

Henri Cartier-Bresson

Ed. Gustavo Gili. 13x20.5 cm. 127 páginas. Castellano

¿Quién puede explicar mejor la historia de la música soul que sus protagonistas? David Moreu lo tenía meridianamente claro y se dedicó a contactar con músicos, productores, diseñadores gráficos, responsables de sellos discográficos y activistas en pro de los derechos civiles para que contaran sus experiencias, sus sensaciones y sus recuerdos relacionados con los momentos clave del devenir de un género que sigue despertando pasiones. Desde miembros de grupos legendarios como The Temptations, The Impressions o The Meters hasta Ben Harper y Los Fulanos, pasando por mitos como Irma Thomas, Dr. John o Allen Toussaint, nos encontramos cara a cara con treinta y siete puntos cardinales del soul que aparecen en estas páginas para retratar una escena que todavía goza de una salud envidiable. En una excelente sucesión de certeras entrevistas, Moreu consigue que las piezas formen un todo, que el lector entienda el cómo y el porqué de unas canciones que proporcionaron diversión y esperanza, que descubra la era gloriosa en la que triunfaron Stax, Motown y Hi Records, y que no olvide que el soul sigue reinando en el nuevo milenio. Sin anclarse en el pasado y llegando al presente, esta historia oral y coral supone un regalo para todos los amantes de la música negra y para quienes deseen comprobar sus imprescindibles conexiones sociales, culturales y políticas. David Moreu es colaborador habitual en esta revista.

From a Whisper to a Scream (una historia oral de la música soul)

David Moreu. Ed. 66 RPM Edicions 

255 páginas. 17x24 cm

Este libro muestra la esencia del procesamiento de imágenes Raw, y las técnicas imprescindibles del mal llamado revelado digital. Se trata de un libro eminentemente técnico y tecnológico, en el que de manera detallada se explica con detalle de qué depende un negativo digital de calidad y cómo dominar las herramientas para obtener resultados contundentes, perfeccionando auqellas fotografías que lo precisan. 

Revelado Digital. El gran poder de Lightroom, Camera Raw y Photoshop

Jeff Schewe. Ed. Anaya Multimedia

288 páginas. 18,5x24 cm. Castellano

Por fín este libro en castellano. La edición original es de 2003. Se trata de una introducción al alfabeto y el arte de la tipografía de forma absolutamente original y entretenida, para niños: Un grupo de revoltosas letras que se conocen por primera vez en una pequeña habitación amarilla. ¿Que las ha llevado hasta ahí? Antes de finalizar el libro, el extraordinario secreto que cambiará el mundo será revelado... En este libro descubrimos a un Glaser completamente nuevo, distinto. Para muchos, Milton Glaser es la personificación del diseño gráfico americano. Fue cofundador de los revolucionarios Pushpin Studios, fundó la revista New York junto con Clay Felker, creó Milton Glaser, Inc. y la firma de diseño editorial WBMG en colaboración con Walter Bernard. También diseñó la célebre campaña I love NY. Glaser ha expuesto su obra por todo el mundo; ha realizado exposiciones individuales en el Centre Georges Pompidou de París y en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su trabajo se exhibe en varios museos. Actualmente vive en Nueva York. 

Las Alfazetas. Texto: Shirley Glaser

Ilustraciones: Milton Glaser. Ed. Gustavo Gili

32 páginas. Tamaño: 21,5x30,5 cm. Idioma: Castellano

Coincidiendo con la donación y catalogación de la colección de carteles del estudio de diseño gráfico formado por Pilar Villuendas y Josep Ramon Gómez, al Museu d’Història de Barcelona, se ha publicado Barcelona, una iconografia urbana de la Transició el nuevo volumen de la colección MUHBA Documents, que recoge  estos 280 carteles cedidos y los textos de Josep Bracons, Josep Fontana y Daniel Giralt-Miracle. Estos carteles realizados desde 1975 hasta 1995, o lo que es lo mismo, desde el final del franquismo hasta el post olimpismo.

Barcelona, una iconografia urbana de la Transició

Pilar Villuendas. Josep Ramon Gómez. 164 páginas

Tamaño: 21x29,7 cm. Idioma: Catalán

En 2016 la obra de García Lorca pasará a ser de dominio público, como de hecho ya ha sucedido en Francia, Italia, Alemania y la mayoría de países iberoamericanos. Preparémonos para ver una buena cantidad de ediciones ilustradas. La editorial Kalandraka, con buen criterio, se adelanta al fenómeno con este breve poemario ilustrado por Gabriel Pacheco. Sus ilustraciones poéticas y sugerentes, de fuerte singularidad, están cargadas de metáforas visuales y simbolismo, composiciones líricas sobre fondos acuosos, paisajes oníricos de minuciosa pincelada, personajes ambiguos e inciertos que habitan escenas de la vida, con un tono trágicamente vital y alegre. Todo ello envuelto en atmósferas de sutil perfección y rara belleza, con el propósito de invitar a los lectores a dialogar –a través de las imágenes– con “la poética” de los versos.
Gabriel Pacheco (México DF, 1973) es graduado en Escenografía por la Escuela Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. Desde 1997 se dedica a la ilustración de libros para público infantil y juvenil. Ha recibido numerosos galardones: X Concurso Internacional de Ilustración Cittá de Chioggia (Venecia, 2004)„ Premio Internacional de Libro Ilustrado de México en 2000 y 2002; Mención especial de la Feria Internacional del Libro Infantil-Juvenil de Bolonia 2009; Premio Quórum del Consejo de Diseñadores de Méxido 2009. Ha trabajado para editoriales de todo el mundo.

12 poemas de Federico García Lorca

Ilustraciones: Gabriel Pacheco

Ed. Kalandraka. 40 páginas. Tamaño: 18,5x27 cm

Nos encontramos ante un manual al uso, sin mayores pretensiones que abordar de manera didáctica y ordenada las claves para conocer el género. De manera minuciosa y ordenada el autor recorre todos los aspectos técnicos y formales de la fotografía callejera, desde la cámara y el equipo adecuados a la localización, incluso las consideraciones éticas y legales, sin olvidar los aspectos narrativos y estéticos de la fotografía. Profusamente ilustrado será una herramienta válida para quienes acercarse a la fotografía en la calle con alguna pretensión más que la que nos ofrecen el teléfono móvil e instagram, y que para bien o para mal –dejamos ahí que el lector decida– ha lanzado el género a una prolífica presencia como nunca había tenido.

Fotografía urbana. Cómo fotografiar la vida en la ciudad

Jesús León. Ed. Anaya. 224 páginas. Tamaño: 18,5x24 cm

Idioma: Castellano

¿Qué tienen en común el Escarabajo de Volkswagen, la casa Farnsworth de Mies van der Rohe, los carteles de Cassandre, el grabado Tauromaquia 20 de Goya y la catedral de Notre Dame? La comprensión profunda de los sistemas de proporción que refleja su diseño. Algunas ideas excelentes fracasan en su ejecución porque el diseñador no comprende adecuadamente los principios visuales de la composición geométrica. Este libro pretende explicar dichos principios de manera visual a través de un esclarecedor repaso de los sistemas de proporción clásicos (como la sección áurea y la secuencia Fibonacci, los rectángulos raíz, las ratios, la interrelación de las formas o las líneas reguladoras), y por medio del análisis pormenorizado de 40 diseños de carteles, objetos y edificios cuyo agudo sentido de la proporción ha legitimado el paso del tiempo. Si bien el análisis geométrico no aborda el contexto cultural en que se ha producido un diseño, sí que resulta increíblemente iluminador respecto a los principios compositivos y permite valorar la primera respuesta —intuitiva— del receptor. La geometría del diseño no pretende cuantificar la estética a través de la geometría, pero sí analizar el papel que la simetría, el orden y el equilibrio visual desempeñan en el arte y el diseño para enseñarnos a reconocer el funcionamiento de estos principios y ayudarnos a aplicarlos eficazmente en nuestro propio trabajo.
Kimberly Elam es diseñadora gráfica y profesora del departamento de Comunicación Gráfica del Ringling College of Art + Design de Sarasota, Florida. Especializada en tipografía, diseño de sistemas visuales y pedagogía del diseño, es autora de diversos libros sobre diseño que se han convertido en obras de referencia para estudiantes y profesionales.

La geometría del diseño. Kimberly Elam

Ed. Gustavo Gili. 144 páginas. Tamaño: 17x21,5 cm

Idioma: Castellano

Entre 1954 y 1974 aparecieron las tiras de cómics en el periódico londinense The Evening News y deleitaron diariamente a sus veinte millones de lectores repartidos en más de cuarenta países.
El éxito de esta entrañable familia de trolls fue inmediato. Casi 70 años después, sus historias continúan vigentes y los Mumin siguen deleitando a grandes y pequeños de todo el mundo. Estas historias llenas de poesía, humor y ternura les han convertido en un referente único de la literatura infantil y han dado lugar a la realización de películas, series de dibujos animados, obras de teatro, una ópera, un museo y un parque temático.
Tove Jansson (1914-2001) es considerada indiscutiblemente una de las mejores novelistas de la literatura escandinava contemporánea. Este año se celebra el centenario del nacimiento de esta autora. Por primera vez se publica en lengua castellana una parte inédita de su valioso legado.

Mumin. Tove Jansson

Ed. Coco books. 96 páginas. Tamaño: 22x31,50 cm

“Las tres princesas pálidas” nos remite a los cuentos clásicos ambientados en un tiempo remoto y en un reino de ensueño, con un anciano monarca que deposita en el pueblo la elección de su sucesora. María José Martín recurre a las fórmulas propias de este género: la estructura repetitiva y los diálogos rimados. Carole Hénaff plasma esa carga literaria en ilustraciones inspiradas en la estética de las mil y una noches, de trazos sencillos, tonos pastel y fondos limpios, con un juego de perspectivas que transmite dinamismo y fuerza expresiva. Destaca el contraste entre imágenes tenues y composiciones luminosas, hechas con lápices de colores. En consonancia con el texto, abundan los detalles vegetales, celestes y simbólicos,  conviviendo en perfecta armonía.  
Carole Hénaff (Orange, Francia, 1973) .
Ha pasado sus primeros años en París, donde ha estudiado Filosofía y Literatura Teatral en la Facultad de Censier. En 1994 se trasladó a Barcelona, donde aprendió ilustración, artes gráficas y animación digital. Trabajó durante cuatro años en el Estudio Peret de diseño, comunicación y creatividad. En 2004 creó su propio estudio, donde se dedica a la publicidad, la ilustración de libros, revistas y carteles. Otra de sus facetas creativas es la realización de cuadernos de viaje.

Las tres princesas pálidas. Texto de María José Martín

Ilustraciones de Carole Hénaff

Ed. Kalandraka. 36 páginas. Tamaño: 21,5x24,5 cm

Idioma: Castellano, gallego, catalán

Esta antología elaborada por el profesor Miguel Herráez con textos del uruguayo Mario Benedetti, se pueden reconocer ciertas constantes que su obra, como el amor y la muerte, el exilio y la denuncia social, o su conocimiento del lado interno de las personas y el universo cotidiano, siempre con la presencia subyacente de su compromiso político. Pero lo que ha de interesarnos aquí son las ilustraciones de Ana Bustelo. Incorpora el trazo de su ilustración a los que son propios del collage, con un resultado coherente y homogéneo, en una reposada gama de ocres y sienas. Por sí merecerían sus ilustraciones un libro, y sin embargo verlas acompañando esos textos las hace acaso más necesarias. La edición del libro es impecable en su producción gráfica –papel, encuadernación...– aunque el resultado se ve condicionado por el diseño de la colección tanto en interiores como cubiertas, una lástima, merecería el conjunto un diseño más propio. de haber sido así, quizá hubiéramos estado hablando de la edición del año en lo que a libro ilustrado se refiere.

La vida y otras geografías

Textos de Mario Benedetti. Ilustraciones de Ana Bustelo

Ed. Edelvives. 176 páginas. Tamaño: 14,5x22 cm

Idioma: Castellano

Manual del buen paseante es una atinada crítica a esta tendencia de los correcaminos. Es un pequeño e ingenioso canto al placer que proporciona un buen paseo... En tan solo veinte puntos, expuestos de manera breve  y concisa, el Manual del buen paseante orienta a los lectores sobre los pasos a seguir para disfrutar de una actividad  saludable: pasear por placer.
A diferencia de lo que suele suceder en los libros que escriben ilustradores, esta golosina literaria de Juventeny merecería por sí misma un libro, haber sido ilustrada por otro autor. El texto no es aquí un armazón de alambre para sustentar las ilustraciones, como tantas veces sucede. Predominan los tonos ocres y pastel en una historia que parece ambientada en una tarde apacible. El autor  desarrolla la secuencia del paseo con un enfoque cinematográfico, a base de figuras con poco volumen y trazos difuminados, combinando planos generales y detalles. 
Raimon Juventeny (Barcelona, 1977) Graduado en Arte y Diseño por la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha completado su formación en la Escuela de Arte Kunsthogskolen i Bergen, en Noruega. Desde 2002 ha trabajado con diversas editoriales y estudios de diseño. Ha ilustrado varios libros publicados por L’Abadia de Montserrat y La Galera.   

Manual del buen paseante. Raimon Juventeny

Ed. Kalandraka. 52 páginas. Tamaño:16x16 cm

Idioma: Castellano

Cosmicomic responde de verdad –y esto es más excepcional de lo que podría parecer– a la denominación de género “novela gráfica”: Es realmente una novela en viñetas, y no una historieta. Personajes, una trama compleja y bien hilada, con dosis de intriga y ciencia ficción... Con una ilustración muy al servicio de la historia y sin apenas concesiones ni recreación en el dibujo, se ofrece para tejer una narración dinámica y que atrapa al lector.
Amedeo Balbi es un astrofísico que trabaja como investigador en la Universidad Tor Vergata, de Roma. Dedica una parte importante de su tiempo a la enseñanza y la divulgación. Ha trabajado en Berkeley, California, con el premio Nobel George Smoot, así como en numerosos laboratorios internacionales, entre ellos el Fermilab de Chicago y el Laboratorio de Propulsión a Chorro de Pasadena. Asimismo, ha participado en la misión espacial Planck, de la Agencia Espacial Europea. Es autor de La musica del Big Bang (2007) y Seconda stella a destra (2010), obras aún inéditas en español. 
Rossano Piccioni es director de arte, consultor, diseñador gráfico e ilustrador. Ha ganado numerosos premios nacionales e internacionales. Es el fundador de la Escuela de Cómic Adriática, que nació con el objetivo de fomentar, promover y publicar a los jóvenes talentos del cómic.

Cosmicómic. Amedeo Balbi / Rossano Piccioni

Ed. Salamandra. 152 páginas. Tamaño: 17,2x24 cm.

Idioma: Español

La editorial Taschen es en muchas ocasiones para publicitarios y diseñadores una fuente de documentación impagable. Sus recopilaciones gráficas siguen criterios que poco tienen que ver con los que acontecen en ediciones profesionales y especializadas, y ello, lejos de ser un problema, puede incluso ser virtud. Su estrategia de publicar lo que a más gente pueda satisfacer lleva muchas veces a resultados interesantes. Si a ello le sumamos que su carácter divulgativo se acompaña de precios más razonables que los de las editoriales especializadas, convendremos que su catálogo es, cuando menos, una alternativa que hay que contemplar. Es el caso de 40s All-American Ads.
La Segunda Guerra Mundial llevó a Estados Unidos a unos niveles de orgullo y prosperidad nunca antes vistos. Desde los instrumentos de comunicación de Western Electric para “el campo de batalla cotidiano”, hasta los transatlánticos Matson, el whisky Seagram's para “hombres con visión de futuro”, y las aspiradoras Hoover “para la mujer orgullosa de su hogar”, la avalancha de productos y servicios para cada ocasión y capricho fue prácticamente inagotable durante la posguerra.
Esta nueva edición en tapa dura, una radiografía de la historia social, empresarial y gráfica de Estados Unidos a través de la publicidad de 1940 es reflejo del desarrollo del país, desde las dificultades de la guerra al consumismo desenfrenado en tiempos de paz.

40s All-American Ads

Jim Heimann y W. R. Wilkenson

Ed. Taschen. 704 páginas. Tamaño: 21x27,4 cm

Edición plurilingüe: Alemán, Español, Francés, Inglés

Interesante recopilación de las obras de diseño por Keisuke Unosawa, entre las que se encuentran, por ejemplo, sus conocidísimas tarjetas de felicitación pop-up para el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Sus diseños simples, elegantes y sorprendentes son reconocidos y valorados por diseñadores de todo el mundo. Este libro presenta sus obras comerciales, así como algunas obras privadas seleccionadas. Anuncios, tarjetas de felicitación, identidad visual, escaparates de las tiendas, etc. Además de las imágenes de las piezas acabadas, el libro incluye en muchos casos las plantillas y troqueles de sus trabajos, lo que lo convierte en una herramienta eminentemente práctica.

Paper Folding Designs  Keisuke Unosawa 

Ed. Piebooks 18,5 x 26 cm. 250 páginas

Inglés y Japonés

Alianza Editorial reedita 
Renacimiento y renacimientos en el arte occidental, un volumen que reúne cuatro conferencias del curso impartido por el historiador del Arte y ensayista Erwin Panofsky (Hannover, Alemania, 1892 - Princeton, EE.UU., 1968) en el castillo de Gripsholm, sede de la Galería Nacional de Retratos de Suecia, en el verano de 1952, que reflejan su asombrosa erudición, su profundo conocimiento de la historia de las ideas, su gran sagacidad para el descubrimiento de supuestos e implicaciones y una extraordinaria sensibilidad estética para la percepción de la calidad.
Estos textos muestran el talento de Panofsky para complementar el puro análisis iconográfico (la descripción de las imágenes, historias o alegorías que contiene el cuadro) con la interpretación iconológica del significado intrínseco y los valores simbólicos de la obra de arte (capaz de relacionar las alteraciones en la forma y las matizaciones en los temas con los cambios históricos de sensibilidad y mentalidad).
Estas magistrales investigaciones iconográficas muestran, además, la profunda unidad cultural de la civilización occidental a través de los siglos al establecer diversas conexiones entre el mundo antiguo, la Edad Media cristiana y el Renacimiento.
Panofsky fue profesor de Historia del Arte en Hamburgo desde 1921 hasta 1933, cuando, con el advenimiento del nazismo, se trasladó a Estados Unidos. Enseñó hasta su muerte en el Institute of Advanced Studies de Princeton. Se dio a conocer como teórico de la Estética en 1915 con un estudio sobre la teoría del arte de Durero.
En su formación fueron esenciales las influencias de Alois Riegl (el historiador de arte más “filosófico” del siglo XIX) y Aby Warburg, propulsor de los estudios iconológicos. Es autor de obras clásicas como Estudios sobre iconología (1939), El significado de las artes visuales (1953) y Renacimiento y renacimientos en el arte occidental (1960).

Renacimiento  y renacimientos en el arte occidental

Erwin Panofsky Ed. Alianza Forma

17,5x23 cm. 328 páginas Castellano