Moderna de Pueblo es el pseudónimo de Raquel Córcoles, una joven historietista que ha
trabajado como guionista e ilustradora para revistas como Cuore y El Jueves. Tras publicar su
primer libro, su fama creció exponencialmente y ahora cuenta con cerca de 200.000 seguidores en Facebook y más de 65.000 en Twitter. También ha colaborado con diseñadores de moda y ha trabajado en el mundo del cine. En abril de 2013 publicó Los capullos no regalan flores, y, ahora, un año después, Cooltureta.
Moderna de Pueblo presenta en este libro a un nuevo personaje de su universo, un tipo con un deslumbrante –y a menudo irritante– saber “moderno”. 
Algunos modernos, además de llevar pantalones de pitillo y no saltarse ni un festival de música, asisten a ciclos de cine iraní y leen poesía contemporánea en el metro. Si además contestan con un “ya lo había visto” a los posts de sus amigos en Facebook o se dedican a arquear las cejas cada vez que alguien hace un inocente chascarrillo de bar, es fácil encasillarlos en una categoría que tiene sus miserias y esplendores: la del hipster. Exactamente eso es Cooltureta, el nuevo personaje de Moderna de Pueblo, la ilustradora que siempre tiene a punto una ocurrencia para sacar los colores a la comunidad indie española.

Cooltureta. Raquel Córcoles

Ed. Lumen. 15,5x23 cm. 128 páginas Castellano

Elefante, un guisante es un divertimento literario protagonizado por varios animales: el león, la pantera, la gacela, la gallina, la rana... A cada uno se le antoja una fruta y, recorriendo la sabana, buscan donde saciar su apetito. Se trata de un relato humorístico de estructura acumulativa y repetitiva que establece un divertido juego de palabras rimadas, por lo que resulta especialmente indicado para ser contado a primeros lectores. 
Rafael Ordóñez enriquece el texto con fragmentos narrativos y diálogos entre los personajes, de modo que el alcance de esta obra se hace extensivo también a lectores autónomos. 
Prolongando el juego literario, Marc Taeger experimenta con los colores y las formas: los animales son representados con gamas cromáticas atípicas y figuras esquemáticas hechas artesanalmente con la técnica del linograbado, con la que logra un aspecto rústico para este álbum que transmite dinamismo. 
Marc Taeger (Berna, 1963) ha estudiado diseño gráfico en Barcelona. Afincado en Galicia, trabaja como ilustrador y diseñador. 
Animación, pintura, escultura y arte gráfica son las especialidades de su obra, que se expuso en Luxemburgo, Alemania, China, España, Francia y Costa Rica. Por su trabajo de ilustración y diseño en el álbum La verdadera historia de Caperucita (Kalandraka), recibió el Premio Daniel Gil de Diseño Editorial 2005.


Elefante, un guisante. Rafael Oodóñez
Ilustraciones de Marc Taeger . Ed. Kalandraka
24,5x21,50 cm. 40 páginas. Castellano

Andreu es un chico de doce años que juega al fútbol como los ángeles. Un buen día, recibe una grata noticia: un ojeador del equipo inglés del Arsenal vendrá a ver al partido de cadetes que disputará el equipo de barrio donde juega contra el Valencia. Su padre deposita todas sus esperanzas en que el ojeador se fije en su hijo para salir de la ruina, pero el fichaje se verá truncado. El chico es incapaz de decepcionar a su padre y decide engañarlo, con el fin de salvarlo del alcoholismo y de la depresión. Trata de convencerlo de que, si reacciona y demuestra que puede cambiar, su excéntrica asistenta social le dará la posibilidad de acompañarlo en la aventura inglesa.
A modo de bola extra, esta obra está prologada por Juánjo Sáez, que en realidad propone una historieta sobre la historieta. 
Mario Torrecillas es el guionista de Dream Team. Fue campeón de taekwondo en la categoría de peso mosca. Luego pasó por mil oficios (realizador de publicidad, guionista de cine, de cómic, de danza). Escribió en prensa y colaboró en la radio. Publicó dos novelas gráficas en Ediciones Glénat, Santo Cristo (2009) y El hijo (2009), actualmente pendiente de adaptación cinematográfica. En 2008 fundó PDA (Pequeños Dibujos Animados), un proyecto que consiste en pasarlo bomba haciendo cortos de animación con niños entre siete a doce años.
Artur Laperla es el dibujante de Dream Team. Trabaja como ilustrador infantil, guionista y dibujante de cómics. Ha colaborado con editoriales como Edelvives, SM, Teide, La Galera, Cruïlla, Baula, Edebé o Barcanova, ilustrando libros de texto, cuadernos y libros para niños, entre ellos la serie Las increíbles aventuras de XXL, con textos de Eduard Márquez. Entre sus últimos trabajos destaca Superpatata, cómic para primeros lectores editado por Bang (colección Mamut), publicado en castellano, catalán y francés. Como autor de cómic ha publicado en el mercado francés los libros Voleurs de chien, Matilda Clark y La tête de Wilson l'enragé, todos con la editorial suiza Paquet. También ha dibujado la biografía de Louis Armstrong, Potato Head Blues, con textos de Mikel Jurado, para la editorial Discmedi. Y acaba de publicar el tercer volumen de Superpatata.

Dream Team (Fixed Layout). Mario Torrecillas / Artur Laperla

Ed. Reservoir Books. 16,5x23 cm.. 416 páginas. Castellano

Documentado y bien estructurado, este recorrido por el cartelismo en nuestro país hace especial hincapié en las circunstancias que rodean la creación y producción cartelística en cada pieza y en cada autor. Los carteles han formado parte de la vida urbana al menos durante los últimos dos siglos, informando a los ciudadanos con sus bandos públicos y sus anuncios de mercaderías, alertando sobre disposiciones gubernativas, sobre las ventajas de un producto comercial o sobre las comodidades de algún nuevo servicio. Sugestivos, evocadores, ingeniosos, excéntricos, instructivos, a veces zafios y otras refinados pero siempre atractivos, han ido depositando una multitud de emblemas e iconos (“los gordos y los flacos” del chocolate Matías López, la “chulapa” del Anís del Mono, el abrigo raído de Polil, etc.) que forman parte indisoluble del imaginario social de este país. Pero el cartel no ha sido solamente un modo de anunciarse, ha servido también de forma de expresión para multitud de pintores y dibujantes que no encontraron un medio mejor, ni más amable, para hacer llegar su arte a las calles. Los nombres de Ortego Vereda, Ramón Casas, Rusiñol, Antoni Clavé, Josep Renau, Salvador Bartolozzi, Federico Ribas, Helios Gómez, Rafael de Penagos, Manolo Prieto y tantos otros se encuentran al pie de estos pedazos de papel que, en un tiempo, alegraron con sus colores los muros encalados y las fachadas de ladrillo.

El cartel en España . Raúl Eguizábal

Ed. Cátedra 19x23,5 cm. 347 páginas. Castellano

Yurio Seki es un diseñador gráfico japonés reconocido por sus diseños coloristas y su sensibilidad. Aunque su labor profesional abarca la dirección de arte editorial, el packaging, la identidad visual, es conocido por sus diseños de texturas y motivos decorativos para papel y tela.
Esta es la segunda recopilación editada de trabajos Yurio Seki, también conocido por su marca, Salvia. Sus modelo son usados no sólo para productos textilesm o papeles para pared: ediciones de libros, envases, artesanía... El libro, de caracter eminentemente didáctico, incluye muestras reales de sus papeles estampados. 

Designs and patterns. Yurio Seki

Ed. Pie Books. Tamaño: 15x21 cm. Idioma: Inglés

Publicado por primera vez en 1963, Donde viven los monstruos suscitó cierta polémica por su tratamiento nada ejemplarizante de los niños, pero ha llegado a ser un clásico y un referente imprescindible. Está traducido a numerosas lenguas y es una de las obras más vendidas de todos los tiempos. Castigado sin cenar por sus travesuras, Max emprende un viaje  simbólico desde su habitación hasta un lugar fantástico, atravesando un tiempo/espacio mítico y enfrentándose a sus miedos. Tras convertirse en el rey de unos monstruos tan feroces como entrañables, regresa al punto de partida, donde le espera la cena. Una travesía de ida y vuelta,  desde la realidad a la ficción, sin que nada ni nadie explique si esa metamorfosis ha sido producto de un sueño. 
Donde viven los monstruos es un ejemplo de álbum ilustrado por su perfecta conjunción entre palabra e imagen; una historia poética y sencilla, contada con humor, total economía expresiva y absoluta armonía entre texto e ilustraciones. Todo se conjuga en este libro, pensado artísticamente hasta el más mínimo detalle: el juego con la diagramación, el formato, la atmósfera casi mágica que desprende cada página, la tensión argumental y la combinación de palabras, sonidos y repeticiones. Así, el tamaño de las ilustraciones va in crescendo a medida que el protagonista se adentra en el mundo onírico; las imágenes ocuparán la totalidad de la página cuando la historia alcance su clímax e irán disminuyendo en envergadura cuando Max vaya regresando al plano de la realidad. 
Maurice Sendak (Brooklyn, Nueva York, 1928 – Connecticut, 2012). Desde 1951 realizó más de 90 libros infantiles, una prestigiosa trayectoria por la que recibió en 1970 el Premio Andersen, y el Premio Laura Ingalls Wilder en 1983. En 1996 el Gobierno de los Estados Unidos le entregó la Medalla Nacional de las Artes y en 2003 le concedieron el Premio Internacional Astrid Lindgren de Literatura Infantil, junto con la autora austriaca Christine Nöstlinger. Hijo de inmigrantes judíos de origen polaco, Maurice Sendak estudió pintura y dibujo en el Art Students League de Nueva York.  Consiguió su primer empleo como ilustrador para All America Comics, y en 1951 comenzó a trabajar como ilustrador para la editorial Harper and Brothers. 
Impulsó una auténtica revolución en el panorama literario infantil por las ideas, la forma y el contenido de sus libros. La crítica especializada le calificaba como “Uno de los hombres más influyentes de los  Estados Unidos, porque darle forma a la fantasía de millones de niños es una terrible responsabilidad”. 

Donde viven los monstruos. Maurice Sendak

Ed. Kalandraka. 26x23,5 cm. 40 páginas

En esta nueva entrega de la colección grapada Versus, Ana Galvañ y a Marc Torices proponen dos historias que en sus finales se cruzan. 
En la parte de Galvañ nos topamos con Dios María, quien sueña con un mundo mejor, lejos de su realidad adolescente, cruda y desalmada. En un instituto insufriblemente tedioso va siempre acompañada de su plasta e inseparable mejor amiga y, por paga, en casa le espera una madre que no la comprende aunque lo intente. Dios María odia a todo el mundo, aunque en silencio y con resignación, con la certeza de que sólo el amor puede dar un vuelco a su triste existencia.
Torices, por su parte presenta a Iván, un adolescente que vive en los montes de Oak Paso con su madre sobreprotectora y su hermano mayor que padece una extraña enfermedad contagiosa. En su instituto hace semanas que se han cometido varios asesinatos perpetrados por un anónimo enmascarado. Su situación personal y su punto de vista sesgado, harán que pase uno de los días más decisivos y horribles de su vida. 

Trabajo de clase / Nuevos románticos

Ana Galvañ y Marc Torices Ed. Apa-Apa

Tamaño: 16x22 cm. 48 páginas. Castellano

Repertorio de ideas del Surrealismo (1919-1970) reúne reseñas y textos publicados en libros y revistas, muchos de ellos de difícil acceso para el lector actual. Recoge una parte importante de la agitada historia del Surrealismo y de la actitud de los surrealistas sobre los problemas de su tiempo. Su contenido, a pesar de diferentes autores y de un largo periodo de más de cincuenta años, tiene un carácter, un tono que lo recorre y lo identifica.
La gran aventura intelectual del surrealismo agrupó, en los primeros años del siglo xx y a la sombra no siempre protectora del movimiento Dadá, a un reducido grupo literario que acabaría pronto con los gestos y actitudes de la vanguardia rezagada. Contaminó e hizo suyas pintura, escultura, cine y solo la música parece haber estado fuera de su influencia. Intervino en política con la contundencia de una izquierda sin ataduras, ajena al escalafón y al consenso, uniendo a Marx y a Rimbaud en una frase que ha hecho fortuna: “Objetivo triple e indivisible: transformar el mundo, cambiar la vida, rehacer de arriba a abajo el pensamiento humano”.
A despecho de ellos mismos que siempre se consideraron al margen del orden establecido, fue la literatura su campo de acción y en muchas ocasiones su campo de batalla. André Breton, Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Antonin Artaud, Louis Aragon y Tristan Tzara forman parte de la literatura francesa del siglo xx. Saber lo que se quiere era una forma de ser del surrealismo, y nunca se encontraron a gusto en el escalafón de los manuales: “Desaparecer es triunfar” (Éluard, 1921), “Cuando no se tiene genio el consuelo es tener éxito” (Leiris, 1929), “Es precisa la perseverancia para llegar al fracaso” (Chavée, 1958).

Repertorio de ideas del Surrealismo (1919 a 1970)

Ángel Pariente. Ed. Pepitas de calabaza

Tamaños 17x24cm. 277 páginas. Castellano

Los autores afrontan en este libro un minucioso análisis periodístico y político del género, en el que no faltan anécdotas. En la década de los treinta del siglo XX, el fotoperiodismo alcanzó su esplendor. La actividad en años anteriores, debido al desarrollo de la prensa ilustrada, propició la toma de conciencia de un colectivo tradicionalmente desunido y acostumbrado a trabajar en solitario. Aunque se ha escrito que la fotografía de reportaje no consiguió su elemento definidor hasta la guerra civil, lo cierto es que años antes, sobre todo tras proclamarse la Segunda República, la información gráfica ya era imprescindible en la prensa periódica.

Fotoperiodismo y República

Juan Miguel Sánchez y María Olivera Zaldua

Ed.Cátedra. 13,5x21 cm. 456 páginas. Castellano

En paralelo a la parte expositiva y la organización de eventos en vivo  de Of Bridges & Borders, Of Bridges & Borders la edición de este libro –el segundo volumen, ya hubo un primero en 2009– supone la parte teórica del proyecto con la participación de una veintena de autores, de 14 países, que fueron invitados a escribir ensayos o presentar un proyecto. Este segundo volumen sigue la línea pura y elegante del primero, creada por el estudio de concepción visual parisino Baldinger•Vu-Huu, y nuevamente publicado por el editor JRP I Ringier de Zúrich. Los 18 ensayos se relacionan de una forma sutil entre ellos abordando el arte, la arquitectura, la sociología, la demografía, el urbanismo, la antropología, la tecnología o las estrategias políticas.
La selección de autores/artistas fue realizada a lo largo de 2010 y 2011, a cargo de tres editores: Pedro Donoso, radicado en Barcelona y desde 2012 en Valparaíso; Flavia Costa, residente en Buenos Aires; y Sigismond de Vajay, que trabaja desde 2010 en Buenos Aires, con acciones permanentes en Barcelona y Vevey, creando puentes culturales reales entre Europa y América Latina.

Of Bridges & Borders, vol. II. Ed.jrp/ringier

17,5x23,8 cm. 384 páginas. Castellano, Inglés

Battling Boy ha tardado en editarse, interrumpido por las líneas de moda que su autor diseñó para DKNY, sus trabajos de gráfica publicitaria para Diesel, la docencia en el American Council of Arts, e incluso su trabajo en la adaptación a la gran pantalla de esta misma obra. Se trata de una novela gráfica de digestión fácil y perfección academicista, llamada a ser una de las historietas imprescindibles de este año.
Paul Pope es uno de los autores gráficos más reputados de la actualidad, entre cuya obra cabe destacar The One Trick Rip-Off, Batman: Año 100, Heavy Liquid y 100%. Los cómics de Paul Pope hunden sus raíces en las historietas clásicas de superhéroes, especialmente en la obra de Jack Kirby. 
A los veinticinco años Pope empezó su carrera como dibujante de cómics para Kodansha, la principal editorial japonesa de manga. Asimismo, fue el protegido de Moebius, el legendario maestro de la BD francesa. Su obra integra todas estas influencias, que se mezclan con su sensibilidad americana. Se ha reconocido de manera unánime su magisterio en el manejo de la ciencia-ficción y la épica, así como su capacidad para llevar las historias al límite del género con una narrativa frenética y perspicaz. Paul Pope ha trabajado para empresas tan diversas como LucasArts, Diesel Industries, Cartoon Network o DKNY, donde diseñó una línea de ropa. Ha ganado tres Premios Eisner, y con su tira cómica Strange Adventures ganó el popular Premio National Cartoonist Society's Reuben. En 2010 fue distinguido como Master Artist por el American Council of the Arts.

Battling Boy. Paul Pope. Ed. Debolsillo

15x21 cm. 204 páginas. Castellano

Esta exquisita edición es un acercamiento a la obra de uno de los escritores más singulares del siglo pasado. Pessoa y sus heterónimos –que surgen de su tendencia hacia la despersonalización y hacia la simulación, en palabras del propio autor– construyen un rico universo de imágenes poéticas, comenzando por una rotunda declaración de intenciones: El poeta es un fingidor. 
De su devoción por las vanguardias destacan obras como Hora absurda o Lluvia oblicua, que beben del interseccionismo, que tanto marcó su producción literaria. Esta selección poética  –en edición bilingüe– se completa con composiciones que firman Álvaro de Campos, de tipo futurista; Ricardo Reis, de estilo neoclásico; y con el sello neopaganista que caracteriza a Alberto Caeiro, el heterónimo principal y maestro de los demás. Cada uno con su biografía, con rostros, gestos e incluso horóscopo propio. 
Estos textos –cuya traducción respeta la sintaxis original  de Pessoa– se completan con los collages geométricos de Pedro Proença que, adoptando el rol interseccionista del poeta, combina aleatoriamente fondos de colores sobre los que traza dibujos, tipografías y recortes de revistas. 
Pedro Proença (Angola, 1962)  es licenciado en pintura por la Escuela Superior de Bellas Artes de Lisboa. Vinculado a las vanguardias, en los años 80 creó el Movimiento 
Neo-Caníbal, que derivó en el Movimiento Homeostético. En los 90 se dedicó a la ilustración y colaboró con escritores como Camões y Saramago. Además de artista plástico, es poeta y autor de libros de ensayo y narrativa. Su obra, por la que ha recibido varios premios, se ha expuesto en Europa, Estados Unidos, Brasil e India, y está presente en diversos espacios públicos de Portugal. 

Fernando Pessoa, selección poética

Ilustraciones de Pedro Proença

Ed. Faktoria de libros. 15,8x24 cm.

80 páginas. Castellano

Los mensajes visuales están omnipresentes en nuestra vida, pequeños impulsos que tratan de provocar reacciones en nosotros: comprar, aprender, actuar... ¿Qué poder secreto tienen, cómo es posible que sean capaces de producir en nosotros cambios de comportamiento? Este libro analiza la publicidad más allá del mero poder de la persuasión, analizando treinta y tres técnicas efectivas de influencia en la persuasión visual y la forma en que se aplican.
El lector obtendrá una visión profunda acerca de cómo se construyen los mensajes visuales para su influencia en los comportamientos y la toma de decisiones de manera no consciente. Sería ingenuo pensar que se trata solo de una herramienta para profesionales de la comunicación y el diseño, más allá, este libro ofrece una oportunidad a cualquiera de entender cómo nuestro comportamiento es influenciado y dirigido por la publicidad, las campañas sociales y los mensajes gubernamentales.

Hidden persuassion. Andrews, Van Leeuwen y Van Baaren

Ed. Bis Publishers. 19,5x24,5 cm. 192 páginas. Inglés

El artista, arquitecto, comisario, editor, poeta y urbanista chino Ai Weiwei ha ampliado con su polifacética obra la noción tradicional de arte y se ha convertido en uno de los personajes más significativos del panorama creativo y cultural internacional. En esta serie de entrevistas mantenidas con el comisario Hans Ulrich Obrist a lo largo de varios años, Ai Weiwei desvela el sinfín de influencias que han nutrido su obra y reflexiona sobre las múltiples dimensiones con las que se ha configurado su vida artística, desde la cerámica o los blogs, hasta la naturaleza, la filosofía o su faceta más conocida como activista político contra el gobierno de China. Un pequeño volumen de conversaciones extraordinarias que arrojan excepcional luz sobre la complejidad de la obra y el pensamiento de Ai Weiwei y se convierten, al mismo tiempo, en recordatorio crucial de la necesidad de libertad personal, política y artística de esta figura clave de la escena artística contemporánea.

Ai Weiwei. Conversaciones. Hans Ulrich Obrist

Ed. Gustavo Gili. 12x18 cm.. 130 páginas. Castellano

La aproximación al arte y a la cultura, eso que llamamos turismo cultural, se rige por una oferta estructurada en base a criterios que poco tienen que ver con el conocimiento y bastante más con los intereses económicos de las ciudades y su posicionamiento como destino. Y de eso trata este libro, es casi un manual de viajero, o cómo escapar a la percepción sesgada que habitualmente se nos ofrece.
El turismo, uno de los fenómenos más característicos en la construcción de la contemporaneidad –y hasta de la modernidad—, se ha convertido en un fenómeno esencial para nuestro tiempo. Sin embargo, lo más interesante del turismo ha sido la manera en la que esa nueva puesta en escena masiva de los últimos años, propiciada por la democratización del viaje, ha cambiado el modo mismo de representar la cultura. Paisajes contaminados, museos llenos, monumentos iluminados, productos y hasta personajes típicos..., Todo se organiza para no defraudar las expectativas del que llega. Pero el turismo, desde sus inicios un territorio visual por excelencia, es sobre todo cierta estrategia para modificar nuestra noción del mundo: llegamos hasta un sitio con el deseo de ver con nuestros propios ojos lo que anunciaba el folleto, el programa televisivo, el periódico... Y es aquí donde aparecen las primeras contradicciones entre ver y mirar, ya que viajar no es garantía de nada. Nunca hemos viajado tanto y, pese a todo, seguimos siendo incapaces de entender al otro hasta las extremas consecuencias de aceptarlo.

Rincones de postales. Estrella de Diego

Ed. Cátedra. 12,5x17,8 cm.. 224 páginas. Castellano

Es encomiable la tarea que Kalandraka viene realizando en lo que se refiere a la traducción y edición de obras significativas ilustradas del siglo pasado. 
Carta de las islas Baladar es un clásico de 1952 con plena vigencia en la actualidad, marcada por los abusos del sistema económico y financiero, la corrupción y el deterioro del medio ambiente. Sobre esas y otras lacras trata este libro de Jacques Prévert y André François, que destaca por su original portada, el carácter simbólico de las ilustraciones y un texto satírico con destellos poéticos y mensaje reivindicativo.
Defensor de la libertad y contrario  a cualquier forma de imperialismo, Jacques Prévert se rebela contra la dominación en esta metáfora epistolar: la codicia de quienes controlan el poder en la capital del Gran Continente amenaza  la vida pacífica de los felices habitantes de un archipiélago paradisíaco para explotar sus riquezas naturales. André François acompaña los juegos de palabras,  el humor inteligente y corrosivo del escritor, con una propuesta estética audaz, donde conviven lo exuberante con lo esquemático, 
lo grotesco con lo sorprendente.
El Gran Puente de la Península, la Sociedad de la Península del Tesoro, la Gran Caja Registradora del Tesoro o el Gran Tesorero General del Cuerpo del Ejército 
del Tesoro son fórmulas ostentosas que Prévert utiliza en esta crítica social, que François colorea con pinceladas doradas como el oro, origen de los males que acechan a Baladar.
André François (Rumanía, 1915– Francia, 2005) fue pintor, escultor, publicista y diseñador gráfico. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Budapest y en 1934 se instaló en París, donde empezó a trabajar en el taller de Adolphe Cassandre. Cinco años después obtuvo la nacionalidad francesa. Ilustró la obra de escritores como Jacques Prévert, Raymond Queneau o Boris Vian. Realizó portadas para publicaciones y periódicos franceses, prestigiosas revistas británicas y norteamericanas. Diseñó anuncios, escenografías y produjo películas de animación. Fue miembro de la Alianza Gráfica Internacional, Caballero de la Legión de Honor francesa y doctor por la Universidad de Londres. Su obra se expuso en museos de Europa, Norteamérica y Asia. En 2002 un incendio destruyó casi todos sus trabajos. Tras el siniestro se volcó en su faceta pictórica; un año y medio después inauguró en el Centro Georges Pompidou la muestra A prueba de fuego.

Carta de las islas Baladar. Jacques Prévert. Ilustración, André François

Ed. Kalandraka. 25,5x17,50 cm. 56 páginas. Castellano

Dario Gamboni realiza, en este examen integral de la iconoclasia moderna, una nueva evaluación de los motivos y circunstancias que hay detrás de los ataques deliberados –tanto por instituciones como por individuos– contra edificios públicos, iglesias, esculturas, pinturas y otras obras de arte en los dos últimos siglos. La destrucción del arte, que abarca un ámbito internacional e incluye casos ciertamente cómicos y otros muy inquietantes, es, en definitiva, un ilustrativo ensayo sobre las definiciones, en perpetuo cambio y conflicto, del propio arte. Geográfica y cronológicamente, este estudio se centra en el mundo occidental después de la II Guerra Mundial. Pero aspira a indagar la his­toricidad y especificidad de la situación en la cual nos encontramos nosotros mis­mos, para lo cual abordamos también el siglo XIX y los comienzos del XX así como (si bien de forma mucho menos extensa) otras partes del mundo. De hecho, en la premisa, generalmente aceptada, de que la Revolución Francesa marcó un cambio decisivo en la historia de la destrucción y la conservación del arte, pero apoyándo­nos también en el hecho de que los acontecimientos posteriores nunca han sido estudiados en su conjunto, uno de los temas principales de este libro es qué es lo que ha cambiado en el mundo entero desde la Revolución en lo que se refiere a atacar o eliminar obras de arte deliberadamente, y qué nos enseña esto acerca de la manera en que han sido definidas, producidas, valoradas y devaluadas. 

La destrucción del arte. Dario Gamboni

Ed. Cátedra. 16,5x24 cm. 464 páginas. Castellano

Toda imagen fotográfica es siempre un “registro obtenido” a partir del “proceso de creación” del fotógrafo, un “binomio indivisible” que se establece por la relación “registro/creación”, una relación que está en el origen mismo de la fotografía. A lo largo de ese proceso, la imagen es elaborada, construida técnica, cultural, estética e ideológicamente. Se trata de un sistema que debe ser desmontado para que comprendamos cómo se da esa elaboración, cómo sus elementos constituyentes se articulan. Para tal propuesta, debemos percibir la complejidad epistemológica de la imagen fotográfica como representación y documento visual. Este volumen reúne los mejores momentos de las investigaciones teóricas de Boris Kossoy: Fotografía e historia, Realidades y ficciones en la trama fotográfica y Los tiempos de la fotografía: lo efímero y lo perpetuo, trilogía teórica que, al proponer conceptos de un modelo metodológico de investigación y análisis crítico de las fuentes fotográficas –liberados de las amarras convencionales desde siempre pensadas para los documentos escritos–, proporciona nuevos y productivos modos de abordar el estudio del fenómeno fotográfico. 

Lo efímero y lo perpetuo en la imagen fotográfica 

Boris Kossoy. Ed. Cátedra. 11x18ccm. 390 páginas

Nocapaper arranca su colección de monograficos de artista, y lo hace con el albaceteño José Luis Serzo. Recoge las distintas facetas artísticas de este autor, desde instalaciones y esculturas espectaculares a las ilustraciones, y en ellas desde sencillos dibujos al carbón a minuciosas recreaciones fantásticas y oníricas de gran complejidad y técnica impecable. 

José Luis Serzo. Alberto Ruiz de Samaniego

Ed. Nocapaper Books & More. 14x21 cm.

118 páginas. Castellano, Inglés

La ilimitada producción y mercantilización de las imágenes en la cultura contemporánea ha relegado el concepto de imagen a una forma superficial, estilizada y efímera de representación artística y de comunicación visual. Sin embargo, las imágenes constituyen un vehículo esencial para la percepción, el pensamiento, el lenguaje y la memoria y, en el conjunto del imaginario que configura nuestras mentes, las imágenes poéticas y corpóreas se erigen como categorías fundamentales, puesto que son la raíz de toda expresión artística. En el ámbito de la arquitectura, las experiencias espaciales duraderas consisten precisamente en imágenes vividas y corpóreas que se han convertido en parte inseparable de nuestras vidas.
Este libro ahonda en la naturaleza de la imagen. Tras revisar su controvertido papel en la cultura contemporánea y la mínima atención que le ha brindado la tradición logocéntrica filosófica occidental, Juhani Pallasmaa nos muestra la gran complejidad del universo de la imagen, donde entran en juego elementos como el tiempo, el espacio, el cuerpo o la metáfora, y nos brinda, a través de estas páginas, un delicioso alegato a favor de una revisión crítica de la imagen.
Juhani Pallasmaa (Hämeenlinna, Finlandia, 1936) es arquitecto y trabaja en Helsinki. Fue profesor de arquitectura en la Universidad de Tecnología de Helsinki, director del Museo de Arquitectura de Finlandia y profesor invitado en diversas escuelas de arquitectura de todo el mundo. Autor de numerosos artículos sobre filosofía, psicología y teoría de la arquitectura y del arte, su obra Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos se ha convertido en un clásico de la teoría de la arquitectura y es de lectura obligatoria en diferentes escuelas de arquitectura de todo el mundo. Pallasmaa es también autor de The Architecture of Image: Existential Space in Cinema, Encounters. Architectural Essays y La mano que piensa.

La imagen corpórea. Imaginación e imaginario en la arquitectura

Juhani Pallasmaa. Ed. Gustavo Gili. 17,50x21,5 cm.

184 páginas. Castellano

Ricardo Liniers Siri, nació en 1973 y su segundo nombre –el cual ahora usa para firmar sus trabajos– se lo pusieron en honor a un abuelo, pariente del famoso prócer. Ávido lector, conoció tempranamente a Hergé, Goscinny y Uderzo, Quino, Héctor Germán Oesterheld, Francisco Solano López, Charles Schulz y Herriman. Lo primero que leyó fueron las tiras de Mafalda y de Tintin y comenzó a dibujar por influencia del cine, porque “en aquella época, cuando íbamos a ver La guerra de las galaxias, el dibujo era la mejor manera de poder llevarte a casa a Han Solo y R2D2, ya que no había dvd ni videos”. Intentó seguir la tradición familiar y empezó a estudiar Derecho. Un poco más tarde probó suerte con Ciencias de la Comunicación y luego estudió publicidad, pero no se dedicó a ello; comenzó a dibujar para fanzines y luego para medios profesionales... El humor de Liniers no es de carcajada, sino de gesto y comisura, lo que no le puso las cosas fáciles. Hoy en cambio es la referencia viva del humor argentino. Este noveno volumen de la serie invita de nuevo a ese universo de lo onírico, al humor poético de la ternura y a veces del delirio. Los personajes –ya conocidos y cómplices para sus lectores asiduos– recorren la anécdota en tres viñetas, ese formato que repite con estructura teatral clásica. Aunque a veces sea una y otras veces cinco.
Lo fácil sería mentar las referencias de Quino o Fontanarrosa... Pues sí. Existe un humor argentino. Y Liniers es quien lleva a estas alturas el testigo.
La edición de Reservoir Books sin estridencias se permite dos guiños: un troquel a modo de mordisco en la esquina superior derecha y un barniz UVI en cubiertas. Suficiente para eludir la tapa dura (gracias, me empalaga la tapa dura) y mantener el carácter especial del objeto-libro.

Macanudo 9. Liniers. Ed. Penguin Random House

21x33cm. 96 páginas. Castellano

En las últimas dos décadas, una mayor formación cultural del público ha traído consigo una demanda en la calidad museológica y museográfica. Y una mayor concienciación hacia la preservación del Patrimonio por parte de organizaciones internacionales y nacionales: UNESCO, ICOM. Este texto se ocupa por un lado de los planes de conservación preventiva, incluyendo el análisis y control de los parámetros ambientales y, por otro, del diseño de exposiciones y su relación con la conservación preventiva. Analiza el concepto “evaluación de riesgo”, que permite establecer prioridades de conservación, permitiendo la corrección de las deficiencias y el planteamiento de unas medidas de control más ajustadas a las necesidades y posibilidades de los museos. Pero, sobre todo, se dan soluciones prácticas y reales en la aplicación de la teoría y técnicas de la conservación preventiva al diseño de exposiciones. 

La conservación preventiva de bienes culturales. Isabel García Fernández

Ed. Alianza Forma. 17,50x23 cm. 304 páginas. Castellano

Piraña Social es un libro protagonizado por Federik Freak, el enano pelirrojo sin cuello más famoso de Logroño. Directamente salido de las páginas de la revista El Jueves para mostrar cosas útiles de la vida, como por ejemplo cómo esquivar los spoilers, por qué Los Goonies no es para tanto o cómo no tener ningún éxito en las relaciones con otros seres humanos. 
Piraña social es el tercer libro de Federik Freak tras Onanist Life-Style (El Jueves, 2010) y ¡Para ti, que eres virgen! (El Jueves, 2011). Un total de 112 páginas a color con material no recopilado anteriormente en libro, junto con páginas inéditas realizadas para la ocasión. Rubén Fdez, es conocido por sus colaboraciones semanales en El Jueves y por hacerse pasar por mujer en redes sociales bajo el nick Azahara21.

Piraña Social. Rubén Fdez.

Ed. Caramba. 20,5x25 cm. 112 páginas. Castellano

El cine de Warhol, al que se dedicó intensamente a partir de 1963, cuando entraba en el período más notorio de su carrera como pintor, sigue siendo desconocido para el gran público. In­fluido inicialmente por las películas de Ron Rice y Jack Smith, Warhol pronto encontró su propia voz en una serie de películas minimalistas (Sleep, Empire) que lo convertirían en pionero del estructuralismo cinematográfico. Sin renunciar a sus presupuestos artísticos, alcanzó el éxito comercial con My Hustler y Chelsea Girls. Reconocido como innovador, es posible rastrear su huella tanto en el cine formal más radical como en, al otro lado del espectro, las gamberradas del cine punk o espacios televisivos como Gran Hermano y similares. Este libro ofrece un paseo por la materialidad de las películas de Warhol, lejos de enfoques conceptuales que utilizan las películas más como pretextos para el debate teórico que como textos para el análisis crítico.
El escritor y cineasta Alberte Pagán cuenta en este libro todos los secretos sobre la faceta más desconocida de Andy Warhol, como director de cine. El volumen, de más de quinientas páginas, trata sobre el artista más conocido nominalmente de todo el siglo XX, más conocido por sus obras gráficas que por
su cine, aunque como director aplicó todas sus técnicas vanguardistas.
Pagán ha comentado que este libro se empezó a escribir a partir del año 2000, aprovechando que entonces hubo unas exposiciones bastante completas de Andy Warhol tanto en Bilbao como en Oporto. Fue una oportunidad única para acercarse a su cine. En muchas ocasiones yo era el único que estaba en la sala junto al proyeccionista. Reconoce que quería eliminar todos los errores que comete la gente cuando habla de Warhol, como Confundir sus películas con las de su 'sucesor', Paul Morrissey, que hizo películas más comerciales y superfluas.
Por eso se dedicó a investigar sobre todo lo que se había publicado, que era: Mucho en cantidad, pero poco en calidad, con muchas cuestiones falsas o que simplemente se trataban de oídas.
Entre todas las películas de Warhol el autor se queda con Sleep, cuyo metraje original no pasa de cuarenta minutos, pero tras un proceso de montaje muy elaborado en la que se dispuso la misma imagen en bucle, simulando continuidad y repitiendo planos hasta un total de cinco horas con un concepto muy cubista.

Andy Warhol. Alberte Pagán

Ed. Cátedra. 11x18 cm. Castellano

Este cuaderno de viaje de Lisboa es un nuevo libro de artista en la trayectoria artística de David Pintor, que plasma su fascinación por la ciudad con una treintena de dibujos que destacan por su frescura, su capacidad para mostrar distintos espacios de la capital –tanto los conocidos como los menos populares en las guías turísticas– desde puntos de vista sorprendentes, introduciendo elementos imaginarios a la vez que recoge la esencia del paisaje y la identidad lisboeta: la luminosidad de los lugares, las calles empedradas, el colorido de los tendales y los azulejos, el ambiente acogedor de las plazas, los jardines y terrazas salpicados entre la arquitectura doméstica y monumental…
El autor nos hace partícipes de un agradable paseo veraniego guiados por un alter-ego que se desplaza en bicicleta. A su alrededor, hábilmente acomodados, una serie de elementos simbólicos: el tranvía, las sardinas que revolotean en cada rincón...
David Pintor (A Coruña, 1975) es humorista gráfico, ilustrador y pintor. Desde 1993 pertenece a Pinto & Chinto, que publican sus viñetas en La Voz de Galicia. En 2011 fue finalista de los CJ Picture Book Awards e incluido en la lista The White Ravens; seleccionado para exponer su obra en varias ediciones de la Bienal de Ilustración de Bratislava y de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil de Bolonia. Recibió, entre otros, el premio de la Society of News Design, el Premio Pura y Dora Vázquez de Ilustración, el Premio Internacional Clermont-Ferrand de Cuadernos de Viaje, el Premio Ilustrador del Año Città del Sol y el 2º Premio de la Feria del Libro de Sharjah (Dubai) por las ilustraciones de Almanaque musical.

Lisboa. David Pintor (texto e ilustraciones)

Ed. Kalandraka. 25x17 cm. 64 páginas

Corasons, un libro-cd-dvd que reúne fotografías, músicas y un completo trabajo audiovisual sobre el proyecto que, bajo la dirección de Uxía Senlle, reúne a un grupo de destacados intérpretes galaico-lusófonos. Con una cuidada edición y producción, Corasons es una experiencia artística que surgió en las redes sociales a través de la página “Quem vê corações” y se materializó inicialmente en una exposición de fotografías de Isabel Leal y en un recital posterior con la participación de varios músicos en la Casa das Crechas de Santiago de Compostela.
A ese encuentro le siguió un gran concierto celebrado en A Illa de Arousa al que se sumaron más de cuarenta intérpretes y que se plasmó en un documental grabado por Paco Abelleira. Ahora, con Kalandraka, el proyecto que dirige Uxía Senlle se ha convertido en un libro-cd-dvd con 19 temas y una película de hora y media.
Cada imagen cuenta una historia hecha canción. La naturaleza, la vida cotidiana, la arquitectura, las sombras, la geometría o la imaginación son los escenarios que se recrean partiendo de la forma y la simbología del corazón.

Corasons

Ed. Kalandraka. 22x16 cm. 64 páginas. Gallego

Murakami es posiblemente el autor japonés vivo más popular. Nieto de un monje budista e hijo de profesores de literatura japonesa, estudió en la Universidad de Waseda pero se formó sobre todo escuchando jazz, viendo películas de Hollywood y leyendo a autores como Richard Brautigan, Kurt Vonnegut o Jack Kerouac. Ese fervor por la cultura norteamericana lo llevó a dirigir durante años un club de jazz y después a traducir a autores como Raymond Carver, J.D. Salinger, John Irving, Francis Scott Fitzgerald, Truman Capote o Paul Theroux. Escribió su primera novela, Kaze no uta o kike (Oye cantar al viento), a los 29 años y ganó con ella un premio literario. Después vendrían libros notables, mezcla de realismo y de fábula, como Crónica del pájaro que da cuerda al mundo, Tokio Blues (Norwegian Wood), Kafka en la orilla, 1Q84.
La protagonista de esta historia cuenta en primera persona que lleva diecisiete días y diecisiete noches sin dormir. Ni siquiera siente sopor. Su mente se mantiene muy clara, incluso más despejada que de costumbre. Tiene apetito, su cuerpo funciona bien y no nota ningún cansancio. 
Pero ni su marido ni su hijo se dan cuenta de lo que pasa y ella no les cuenta nada para que no la obliguen a ir a un hospital. Durante el día finge normalidad, y dedica las noches, mientras ellos duermen plácidamente, a leer con voracidad o a dar vueltas en el coche por la ciudad sin rumbo fijo. No encuentra sentido a lo que le pasa, ni explicación a las sombras que en algún momento empiezan a rodearla. 
Kat Menschik estudió diseño y comunicación en Berlín y París. A mediados de la década de los noventa fundó con su colega Jan Hülpüsch la editorial Millionen y la legendaria revista de cómics A.O.C. En 1999 empezó a trabajar como ilustradora de la edición dominical del Frankfurter Allgemeine Zeitung y de revistas como Stern y Mare. Una década más tarde se había consagrado como notable ilustradora de libros, entre los que destacan tres de Haruki Murakami: Schlaf (Sueño, 2009), Die Bäkereiüberfälle (Asaltos a panaderías, 2012) y Die Unheimliche Bibliothek (La inquietante biblioteca, 2013). El propio Murakami ha escrito de ella Las imágenes de Kat Menschik son de verdad diferentes y únicas. Es precisamente ese sentido de otredad el que como autor quiero evocar en mis lectores.

Sueño. Haruki Murakami. Kat Menschik (ilustraciones)

Ed. Libros del Zorro Rojo. 17x25 cm. 81 páginas. Castellano

El sencillo trazo de las historietas de Miguel B. Núñez donde no cabe lo superfluo ni lo decorativo las convierte en productos de fácil digestión –no es crítica sino halago–, donde lo intrascendente tiene su espacio para la sonrisa cómplice. Este cuaderno de vivencias, que autobiográfico suena demasiado solemne, y donde se aventuran guiños y preestablecidos que nos perdemos, remite a un realismo social actualizado que acaba por enganchar. Delicioso.
Miguel B. Núñez (Madrid, 1970) 
es ilustrador y músico, y uno de los autores alternativos más interesantes del panorama nacional. Originalmente vinculado al mundillo de los fanzines, publicó su primer cómic, M, en 1999. Posteriormente ha continuado su trayectoria en títulos como Demonios internos,  Interferencias, Stroszek o Muertemanía; y en publicaciones como NSLM, Strapazin, Stripburguer,  El Víbora, Vacas Flacas, Tos, 
Idiota y Diminuto o Interzona. Fue el codirector, junto a Paco Alcázar, de la revista Recto. 

Cuaderno Uno. Miguel B. Núñez

Ed. Libros de Autoengaño. 15x21 cm. 64 páginas

Han pasado 25 años desde que el D&AD eliminó el término british de su enunciado. Y hoy es sin duda la gran referencia en lo que al estado de la comunicación se refiere, en el ámbito internacional. Que sea Taschen quien corre con la edición garantiza además una difusión más allá del endogámico circuito de los libros para creativos... 
Los certámenes de diseño o publicidad son una fiesta, una explosión de ombliguismo glamuroso, una feria de vanidades... Más allá de los réditos inmediatos para quienes los organizan y para los ganadores, lo que realmente interesa es su caracter de documentación para el futuro, su valor histórico si se nos permite hablar en esos términos. Y ese valor reside en el libro que los recoge. No está claro que las alternativas digitales cumplan esa misión: Los libros pasan por los departamentos de las empresas, duermen en las bibliotecas... No creamos que una app cumple esa función. El D&AD se está quedando solo en esa labor, después de que el ADCE le dejara ese terreno libre, así como la mayoría de premios locales. 
El D&AD de este año ha sido diseñado por Fleur Isbell –diseñador en Wolf Ollins Londres–. 
Junto a un minimalismo tipográfico muy al uso en este tipo de publicaciones, la ilustración de portada remite en cierta medida a la obra de Mark Rothko, aunque de hecho se basa en los datos de cada una de las 196 naciones del mundo: las líneas horizontales son determinadas por la latitud, y los colores por los datos meteorológicos, de manera que cada uno podría crear su propio horizonte mundial a partir de su ubicación.

D&AD 2013

Ed. Taschen. 24x26 cm. 592 páginas. Inglés, Alemán y Francés

El manga es de por sí un género para iniciados, te tiene que gustar. Pero hay distintas categorías, y el trabajo de Tsuchiva y Minegishi es de digestión fácil, manga blando, si se nos permite. El trabajo de tinta es académico y cuidado, y el lenguaje muy cinematográfico. Enfrentarse a tres tomos de casi seiscientas páginas cada uno impone de primeras. Pero resulta entretenido y fácil de leer. Podría pensarse que esa ingente cantidad de viñetas habría de resentir el resultado, y sin embargo es todo lo contrario: un trabajo cuidado en el que no hay repeticiones. Old Boy fue adaptado al cine en 2003 por el director coreano Park Chan-wook, y en unas semanas volverá a las pantallas bajo la direcciónd de Spike Lee, en una versión que promete ser mucho más fiel al cómic que la precedente.

Old Boy. Garan Tsuchiya y Nobuaki Minegishi

Ed. DeBolsillo. 15x21 cm. Tres tomos, 624 páginas c/u. Castellano