Esta guía recoge consejos y trucos para activar la creatividad y escapar de la rutina fotográfica. Desde la subversión de las reglas tradicionales o el uso de cámaras analógicas hasta la propuesta de ejercicios prácticos y retos. No se trata de un manual técnico, en realidad propone una mirada sugerente hacia la fotografía, buscando la esencia y los matices.

Redescubre la fotografía. Demetrius Fordham. 
Ed. Gustavo Gili
128 páginas. 9 x 24,5 cm. Castellano

Nikolai Popov (Saratov, Rusia, 1938) es graduado en el Instituto Poligráfico de Saratov, es miembro de la Federación Rusa de Pintores, la Academia Rusa de Diseño Gráfico y ha sido nombrado pintor honorífico en su país. Actualmente imparte clases en la Universidad de Washington, en Seattle. Entre los numerosos reconocimientos que ha recibido por todo el mundo destacan dos medallas de oro en la Exposición Internacional de las Artes del Libro en Leipzig, un Gran Premio y la medalla de oro de la Bienal de Ilustración de Bratislava.
La Segunda Guerra Mundial dejó una profunda huella en la infancia de Nikolai Popov: el avance del ejército nazi sobre la Unión Soviética, las sirenas marcando la apresurada huida de la población a los refugios, jugar entre los restos de las bombas sin comprender su efecto letal hasta que una de ellas explotó en las manos de otro niño, el recuerdo de los soldados mutilados regresando tras la rendición alemana… Pero sería la obra de Tolstoi, Dostoyevski, Hemingway y Remarque lo que decantó la ideología pacifista del autor de ¿Por qué?. Esta edición de Kalandraka recupera la versión original de la obra, sin texto. Porque las ilustraciones, de estilo clásico, tienen un gran poder comunicativo y narran visualmente la historia, hasta extremos impactantes por su capacidad para reflejar el galopante delirio militarista y destructivo. Frente a la barbarie, el propio autor alienta a los lectores a ser promotores del diálogo, la tolerancia, la convivencia y la paz.


¿Por qué?. Nikolai Popov
Ed. Kalandraka. 40 páginas. 19 x 23,5 cm

Este libro –una edición plurilingüe: español, inglés, italiano– ofrece una completa historia del diseño gráfico desde el fin del siglo XIX hasta el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Traza la evolución de esta disciplina creativa desde sus primeras manifestaciones en el diseño de carteles pasando por la publicidad, la identidad corporativa, el embalaje y el diseño editorial. Ordenado cronológicamente, el libro incluye más de 2500 diseños fundamentales de todo el mundo, 71 de los cuales van acompañados de información detallada. Además, ofrece reseñas sobre 61 figuras clave en la disciplina, entre las que destacan Alphonse Mucha (carteles publicitarios de chocolate), Edward Johnston (logotipo y tipografía del metro de Londres), El Lissitzky (creador del constructivismo), Herbert Matter (pósteres turísticos con fotomontaje de Suiza), Saul Bass (títulos de crédito animados) y A. M. Cassandre (pósteres art déco). Con su amplio conocimiento sobre el tema, Jens Müller presenta los diseños más destacados de cada año junto a breves textos sobre hitos del diseño. Por su parte, en su ensayo introductorio David Jury revisa el diseño gráfico desde sus orígenes en la impresión, el grabado y la litografía tempranos hasta los notables desarrollos creativos del siglo XIX. Además, cada década va precedida, a modo de prólogo, por un breve resumen y una impresionante cronología visual que ofrecen una vívida perspectiva general de la variedad de la producción gráfica en ese período, así como el panorama global que, en su momento, describió y definió. Un segundo volumen, actualmente en preparación, examinará el periodo que va desde la década de 1960 hasta hoy.



Graphic Design. Vol.1, 1890–1959. Jens Müller, Julius Wiedemann
Ed. Taschen. 480 páginas. 24,6 x 37,2 cm. Varios idiomas

Los ensayos reunidos en este libro contemplan el arte contemporáneo como una zona de conflicto en la que artes plásticas y entorno visual confluyen y chocan al mismo tiempo. El lápiz conté, los pigmentos con aglutinante, el papel litográfico, el collage, la madera, el acero galvanizado, el plexiglás, el contrachapado, la película cinematográfica, la cinta de vídeo, en fin, las acciones o procesos, son algunas de las inertes materias de las que se ha partido para la realización de los ingrávidos artefactos que aquí se comentan. Son sus autores Pablo Picasso, Joan Miró, Fernand Léger, Luis Buñuel, Josep Renau, Salvador Dalí, Willem de Kooning, Richard Hamilton, Robert Morris, Joan Brossa o Victor Burgin. El objetivo es mostrar, a través de la lente de sus obras y trayectorias, las transformaciones sufridas por el arte en el curso del siglo que nos ha precedido y que de forma tan directa moldea la actividad creativa del presente.




Arte y cultura visual. Fèlix Fanés
Ed. Cátedra. 360 páginas. 19 x 23,5 cm. Castellano

En este diario de un genio, la voz de Leonardo nos invita a recorrer su mundo más íntimo: sus obsesiones, sus inventos, los encargos artísticos de los monarcas, la rivalidad con Miguel Ángel, la génesis de La Última Cena, los encuentros con La Mona Lisa, de los que nacería ese ícono pictórico de belleza y sensualidad: “Había aceptado pintar el retrato de una dama cuyo rostro era de otro mundo […]. Para contentarla y hacerla sentir a gusto, contraté a un grupo de juglares para que, en su rostro –pero sobre todo en su corazón–, hubiera siempre una sonrisa”. Con destreza en el manejo de la tinta, Ralph Steadman recrea la atmósfera artística y la situación política de aquel tiempo, a la vez que, con trazos cargados de fino humor, da vida a los personajes más influyentes en quien ha sido considerado como el modelo de sabio renacentista. Stedman desarrolló una gran obsesión por Leonardo, fijación que lo llevó a pintar su propia versión de La Última Cena en la pared de su dormitorio; a construir una máquina equivalente a la de Leonardo que logró alzar el vuelo; y a recorrer aquellas ciudades y paisajes italianos transitados por Da Vinci, tratando, así, de imaginar cómo era habitar su mente imaginativa.


Yo, Leonardo. Ralph Steadman. Ed. Libros del zorro rojo
128 páginas. 28 x 24 cm. Castellano

Olivier Schrauwen (Brujas, 1977) estudió animación en Ghent y lenguaje de cómic en Bruselas. Autor muy dotado para la emulación y el pastiche, sus primeros trabajos aparecieron en distintas revistas y antologías, que hoy son de ámbito internacional. Algunos de sus libros publicados hasta la fecha, Mi pequeño, El hombre que se dejó crecer la barba y Mowgli en el espejo, han recibido el aplauso de la crítica y sendas nominaciones al mejor álbum en el Festival de Angoulême. Su última obra hasta la fecha, la trilogía Arsène Schrauwen, supone su confirmación como uno de los dibujantes de cómic actuales más innovadores e interesantes. En la actualidad vive en Berlín, donde sigue dividiendo su actividad entre la animación, la ilustración, la música y los tebeos. Antes de Arsène Schrauwen y El hombre que se dejó crecer la barba, Schrauwen provocó el asombro de muchos con este libro transgresor y deslumbrante, que recuperaba la estética de las viejas páginas dominicales de prensa. La gracilidad, el humor ácido y la imaginación desbordan las páginas de estas historias sobre un aristócrata y su poco agraciado hijo. Se presenta ahora con nuevo formato y una extensa historia adicional, una de las grandes obras de Schrauwen, en la que el autor considera su edición definitiva.

Mi pequeño. Olivier Schrauwen. Ed. Fulgencio Pimentel
80 páginas. 24,5 x 29 cm. Castellano

Hablar de los hábitos de consumo de alcohol y tabaco de los estadounidenses es contar una historia de cien años de publicidad destinada a seducirlos para que se entregaran a estos vicios deliciosos. Este catálogo de anuncios muestra las numerosas y extensas campañas y tendencias a la hora de beber y fumar en Estados Unidos que, para bien o para mal, exploran un capítulo vibrante de la historia de la publicidad. El alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que darse grandes festines visuales. En este compendio de anuncios se explora cómo la representación de estos productos se movía entre la elegancia y la excentricidad, y se descubre cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran. Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan con imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como El Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.

20th Century Alcohol & Tobacco Ads
Steven Heller y Jim Heimann. Ed. Taschen
392 páginas. 23,8 x 30,2 cm. Varios idiomas

Nacido en 1959, Paul Cox es un artista francés con múltiples talentos conocido por su diseño gráfico, ilustración y arte escénico. En 1999, ganó el Premio Bologna Ragazzi en Ficción en la Feria del Libro Infantil de Bolonia. Las obras de Cox son diseños gráficos encantadores. Esta recopilación muestra sus diversas obras, que fueron lanzadas principalmente en Francia y Japón. Desde anuncios publicitarios para la Opéra National de Lorraine à Nancy, la marca japonesa MUJI en París y el tren bala Hokuriku en Japón, hasta publicaciones únicas sobre letras y formas, los divertidos dibujos de Cox, las combinaciones de colores brillantes y el toque humano característico se combinan para crear un estilo de diseño gráfico propio. Este título también es un acercamiento al estilo de vida de Cox presentando sus objetos favoritos, bocetos, además de una entrevista con el artista.

Paul Cox. Design & art. Paul Cox
Ed. PIE International. 224 páginas. 
25,7 × 18,2 cm. Japonés

Muchos diseños modernos han sido influenciados por  la década de 1980. Este título muestra alrededor de 200 artículos, entre ellos carteles, CD, moda, portadas de libros, envases para cosméticos y golosinas… Son diseños que nos recuerdan a los 80, pero en los que se produce una traslación al diseño actual. El libro está dividido en cinco secciones: Cute Punch, New ‘80, Techno Pop, Comical Pop y Neon Dreamy.
Cute Punch presenta diseños de caracter o temática femeninos. New ‘80 son la combinación de la cultura de los ‘80 y la cultura juvenil.
Techno Pop es el término japonés original que se refiere a la música que representan bandas como Perfume o artistas como Miku Hatsune. Estos diseños contienen formas geométricas que dan una impresión neo-futurista. Comical Pop muestra diseños de alto impacto y coloridos, como los que se presentan en el diseño de cómic estadounidense. Por último, la sección Neon Dreamy muestra diseños de ensueño con colores de neón. Los diseños pueden estar basados ​​en el diseño de los años ochenta, pero su asociación con celebridades populares y la recreación de artistas jóvenes los convierte en algo completamente nuevo. Todos los diseñadores presentados son artistas jóvenes, talentosos y prometedores de todo el mundo.

Fancy Pop Design. Ed. PIE International
224 páginas. 25,5×19 cm. Japonés

Jan V. White fue diseñador, consultor de diseño de comunicación y educador. Ha escrito varios libros sobre diseño. Checo de nacimiento, se educó en Inglaterra en Leighton Park School y se licenció en arquitectura en la Universidad de Cornell y en la Escuela de Arquitectura, Planificación y Preservación de la Universidad de Columbia. De 1951 a 1964 trabajó en dos de las revistas de arquitectura de TIME: Architectural Forum (1951-56) como director de arte asociado, y House & Home (1956-1964) como director de arte. Desde 1964 ha trabajado como consultor, escritor y docente. Rediseñó más de 200 publicaciones periódicas en cuatro continentes e influyó en muchas más con sus libros y artículos sobre diseño para impresión.
Este es un libro clásico. La primera edición es de 1974. Ha sido un referente durante épocas, pero nunca nadie se atrevió a traducirlo y editarlo en castellano. Con el tiempo, ha ganado en vigencia y credibilidad. Los libros de diseño de libros al uso adolecen de la inmediatez de la moda o la tendencia. Muestran ejemplos del momento en que son escritos. Y no siempre distinguen entre lo que es fundamento y lo que es coyuntura. Con cientos de ilustraciones dibujadas por el autor, los capítulos cubren todos los aspectos importantes del diseño de revistas y publicaciones. Trata sobre la colaboración entre editores y diseñadores. Descubrie el uso eficaz de las relaciones entre palabras, imágenes y espacio blanco. Propone problemas prácticos, y aporta sus soluciones. Todo ello alejado de las herramientas de hoy, los manierismos y las mecánicas impuestas por las tecnologías.

Diseño para la edición. Jan V. White
Ed. Jardín de monos. 240 páginas. 21 x 29,5 cm. Castellano

Antonia Santolaya (Ribafrecha, La Rioja, 1966) se licenció en Bellas Artes, especialidad Pintura, por la Universidad Complutense de Madrid. Entre 1993 y 1994 estudió fotograbado y fotoserigrafía en Ormond Road Workshop (Londres), además de un curso avanzado de postgraduado en Grabado en St. Martins School de Londres. Desde el año 2000 trabaja profesionalmente como ilustradora de libros infantiles, fecha en la que ganó, en colaboración con su hermana Dori Santolaya, el Premio Apel•les Mestre por Las damas de la luz. Desde entonces ha trabajado con varias de las editoriales más importantes del panorama nacional, como SM, Anaya, Destino, Santillana, Aldeasa, etc. Uno de sus proyectos más ambiciosos es una serie de biografías infantiles sobre las escritoras Virginia Woolf, María Zambrano, Gloria Fuertes o Carmen Martín Gaite, con texto de Luisa Antolín. Feminismo para principiantes se ha convertido en el libro de cabecera de varias generaciones feministas. En esta edición, Nuria Varela une a su texto el talento al de la ilustradora Antonia Santolaya para ofrecer la versión cómic de este libro imprescindible.


Feminismo para principiantes. Nuria Varela y Antonia Santolaya
Ed. Penguin Random House. 238 páginas. 19 x 12,5 cm. Castellano

Anatxu Zabalbeascoa es periodista e historiadora especializada en arquitectura y trabaja para el diario El País, donde escribe también el blog Del tirador a la ciudad. Es autora de varios libros de arquitectura, entre los que destacan Las casas del siglo (1998), Vidas construidas (1998), Minimalismos (2001, con Javier Rodríguez Marcos), y Todo sobre la casa (2011). Chairs es una historia de la silla de autor. Un recorrido que arranca con el prólogo del investigador Jorge Wagensberg sobre el concepto de asiento. Presenta una panorámica de los grandes hitos de las sillas históricas y se centra, finalmente, en el universo de la silla moderna y las sucesivas miradas que le han dado sentido. Nos pasea por las sillas de la era industrial como las célebres sillas en serie Thonet, las sillas-manifiesto como las de Gerrit Th. Rietveld o Mies van der Rohe, o las sillas propias de la ostentación tecnológica y formalista posmoderna, donde destacan nombres propios como los de Frank O. Gehry, Philippe Starck o Jasper Morrison. Un delicioso relato, en definitiva, de aquellas creaciones maestras que han marcado un antes y un después en la historia del diseño y, al mismo tiempo, de la humanidad.

Chairs. Historia de la silla. Anatxu Zabalbeascoa
Ed. Gustavo Gili. 144 páginas. 15 x 21cm. Castellano

Tom Gauld nació en 1976 en Aberdeenshire, Escocia, y estudió Ilustración en el Edinburgh College of Art y el Royal College of Art. En la actualidad vive en Londres, donde trabaja como ilustrador y caricaturista. Ha colaborado con The Guardian (diario en el que publica una viñeta semanal desde hace años), The New York Times, The New Yorker, The Believer y Granta. Conocido como “el dibujante de los amantes de los libros”, Tom Gauld aúna en sus historietas el mundo de la crítica literaria y el de la cultura pop. El resultado son unas viñetas concisas, brillantes, divertidas e ingeniosas que hacen gala del típico humor inglés y del estilo gráfico absolutamente único que caracterizan la obra de este genial autor.




En la cocina con Kafka. Tom Gauld
Ed. Salamandra. 160 páginas. 21 x 15 cm. Castellano

David Rubín estudia diseño gráfico y se lanza al mundo del cómic, la animación y la ilustración. Con su primera obra larga, El circo del desaliento (Astiberri, 2005), es nominado como autor revelación en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona de 2006, gana el primer premio Castelao, y se edita en gallego, castellano, italiano y francés. Su siguiente novela gráfica, La tetería del oso malayo (Astiberri, 2006), también publicada en Francia, Italia y la República Checa, se lleva cuatro nominaciones a los premios del Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2007, logra el galardón al autor revelación y le acredita como finalista del I Premio Nacional del Cómic. Codirige Espíritu del bosque, un largometraje de animación CGI, y adapta al cómic Romeo y Julieta, de William Shakespeare, y El monte de las ánimas (SM, 2009), de Gustavo Adolfo Bécquer. Cuaderno de tormentas. Crónicas de los deambulares por Ciudad Espanto es una metáfora sobre la búsqueda de la inspiración, sobre el tortuoso camino que es la creación, sobre lo peligrosa que puede ser la dependencia de las musas a la hora de encontrar historias que contar. Al mismo tiempo, es un viaje por el mapa de la ciudad más terrible y a la vez fascinante del mundo, un flashback gigante que poco a poco irá desvelando las claves. La presente edición ampliada –tras una inicial publicada por Planeta en 2008, hace tiempo agotada–, cuenta con una ilustración de cubierta realizada para la ocasión por David Rubín, una nueva rotulación y 21 páginas de extras. Esas páginas que complementan el cómic incluyen varias entregas que fueron la génesis de Cuaderno de tormentas.

Cuaderno de tormentas. David Rubín
Ed. Astiberri. 128 páginas. 17 x 24 cm. Castellano

Benjamin Lacombe (1982) es un autor e ilustrador francés nacido en París. En 2001 asistió a la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París (ENSAD), donde realizó su formación artística. Su proyecto final, Cerise Griotte, que él mismo escribió e ilustró, se convirtió en su primer libro infantil y fue publicado en 2006. Al año siguiente, se convirtió en una joven celebridad del mundo editorial desde su exitoso lanzamiento en Estados Unidos por el sello Walker Books, y gracias a la nominación de la prestigiosa Revista Time que ubicó a Cerise Griotte entre los 10 mejores libros para niños publicados en el año 2007. Desde entonces, ha escrito e ilustrado una veintena de libros abordando temas tales como: la infancia, la melancolía y la diferencia. También ha publicado libros ilustrados para adultos. Algunos de sus trabajos son: Los amantes mariposa, Genealogía de una bruja, Cuentos silenciosos, Melodía en la ciudad, Cuentos macabros, Blancanieves, El herbario de las hadas y La niña silencio.
En 1845, el francés Prosper Mérimée escribió Carmen, la novela romántica en la que se retrata su visión de la España de la época, costumbrista y exótica. En ella se relatan los amores trágicos y pasionales de una cigarrera gitana, un bandolero y un torero. La fama de Carmen, su protagonista femenina, se haría universal gracias a la ópera de George Bizet, y se convertiría en todo un mito de la mujer fatal, libre y seductora, capaz de arrastrar a la perdición a quienes la rodean. Lacombe revisa este clásico con su ilustración oscura e inquietante, buscando la belleza de las miradas y las escenas, donde las luces y oscuros que maneja con maestría recrean la atmósfera del texto.

Carmen. Prosper Mérimée . Benjamin Lacombe
Ed. Edelvives. 19,5 cm x 27,5 cm. 184 páginas. Castellano

Rachid Koraïchi (Argelia, 1947) Koraïchi es una de las personalidades más relevantes del arte contemporáneo internacional. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Argel y en la de París, y luego en la Escuela Nacional de Artes Decorativas y en el Instituto de Urbanismo de París. La obra de Koraïchi pertenece a la tradición y espiritualidad sufí, pero abarca la modernidad y la universalidad. Su arte se caracteriza por la inclusión de una amplia variedad de medios y materiales, siempre dentro del contexto de la escritura sagrada y los signos mágicos, fiel a su concepción de una estética íntimamente ligada a la palabra, el lenguaje y, sobre todo, a la poesía árabe. Además de su colaboración en publicaciones, ha creado exposiciones monumentales: estelas, pirámides, murales de cerámica, sedas, tapices o aguafuertes son algunas de las creaciones que jalonan su obra. Participó junto a otros seis artistas internacionales, en el proyecto de arte Six Flags for Tolerance, promovido por la UNESCO. En 2011 ganó el Premio Jameel con su instalación Los maestros invisibles, que ha sido exhibida en el Victoria & Albert Museum de Londres, en el Arab World Institute de París y Casa Árabe en Madrid.  Prodigios es una antología ilustrada en la que se recogen algunos de los poemas árabes más bellos escritos desde el siglo VI hasta nuestros días. Sus páginas presentan un desafío al lector a través de dos caminos creativos: la poesía y la imagen plástica. Cincuenta y dos voces que indagan en torno a temas eternos y universales, como el amor y la muerte, el arrebato vital y la búsqueda del absoluto. Las sorprendentes e inspiradoras ilustraciones del artista argelino nos invitan a recorrer este libro como quien se adentra en una galería revestida de espléndidos tapices, muestras y ejemplos de una magnífica cultura, donde la poesía fue, y sigue siendo todavía, una revelación, un lugar de encuentro y una vía que abre nuevos horizontes.

Prodigios. Antología de poesías árabes.
Varios autores. Rachid Koraïchi (ilustrador)
Ed. libros del zorro rojo. 145 páginas. 23 x 25,8 cm.. Castellano, Árabe

Javirroyo nació en 1972 en Zaragoza. Pasa su infancia en el barrio zaragozano del Picarral donde comienza a ilustrar para las revistas de movimientos vecinales posteriores a la Transición Española. En 1990 se traslada a Bilbao para estudiar arte y diseño en la Facultad de Bellas Artes  y durante los años 90 comenzó a colaborar en fanzines como dibujante e ilustrador. A partir de ahí colabora para publicaciones como Monográfico (revista) o La Comictiva. En 1999 empieza a editar con Subterfuge Records el que será su personaje más conocido, La Cebolla Asesina, en formato cómic book, del que se venderán miles de ejemplares. En 2001 edita el primer álbum recopilatorio del personaje titulado La Cebolla Asesina contra todos. Un año más tarde, en 2002. Se edita su segundo álbum Los 7 pecados vegetales.​ Más tarde, en 2010 se editará otro libro de La Cebolla Asesina, Sexo, mentiras y armas de destrucción masiva. Como ilustrador también ha trabajado para editoriales como Edelvives o Santillana, en proyectos de ilustración infantil. Desde 2004 hasta 2007 para la revista Interviú, ilustrando el artículo de opinión de Juan José Millás. En 2007 crea Chispum, la conocida marca de vinilos decorativos de autor junto a Idoia García de Cortázar. Sus diseños e ilustraciones se distribuyen en la actualidad en Europa, USA, Canadá, Japón, Corea e Iberoamérica. En el catálogo de Chispum aparecen autores conocidos como Javier Mariscal, Mario Eskenazi, Juanjo Sáez o Miguel Gallardo entre otros. En 2009 funda el semanario de humor gráfico online El Estafador,​ junto a Juanjo Sáez, Pepo Pérez, Liniers (historietista), Tute y Sergi Padró. Javi es colaborador habitual de Visual, realizando una entrevista ilustrada en cada número.
La Escuela son cuatro historias reales entre africanos y europeos mientras se construye una escuela al sur de Senegal, y rompe con los tópicos que los europeos tenemos sobre la vida en África, así como los que existen de los africanos hacia Europa. Es un libro de historias de amor y de desamor. La edición de este libro sirve además para recaudar fondos para Foundawtion,  la fundación que está construyendo la escuela en Senegal.


La Escuela. Javirroyo. Ed. Foundawtion
198 páginas. 17,2 x 23 cm. Castellano

Terráneo es un proyecto gráfico y narrativo realizado por dos jóvenes arquitectos, que nace por la voluntad y la necesidad de investigar una condición territorial y humana común a las poblaciones que viven en las costas del mar Mediterráneo. Conscientes de las relaciones existentes entre todas las culturas mediterráneas, este proyecto quiere investigar los orígenes y la evolución de este vínculo. La relación entre el mar y el horizonte se desarrolla tanto desde un punto de vista arquitectónico, mediante la descripción de las ciudades del Mediterráneo –con sus morfologías y sus estructuras de asentamiento–, como desde un punto de vista emotivo, a través de la relación existente entre los habitantes de estas ciudades y el mar.


Terráneo. Marino Amodio /Vincenzo del Vecchio
Ed. Edelvives. 225mm x 290mm. 52 páginas. Castellano

Ana Juan (Valencia, 1961) recibió el Premio Nacionalde Ilustración 2010. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en 1982, empezó a colaborar al año siguiente con las revistas La Luna de Madrid y Madriz, aportando para ellas sus únicas historietas hasta la fecha, todas en blanco negro y de tintes expresionistas. En 1988 realizó su primera exposición individual en la Galería Notuno de Ginebra. En 1994 pasó tres meses en Japón, becada por la Editorial Kodansha. En 1995, apareció su primera portada en The New Yorker, a la que seguirían muchas más. Durante dos años consecutivos (1998 y 1999), obtuvo la Medalla de Oro
en la categoría de ilustración de la Society of Newspaper Design. Desde 2002, con
Frida se ha centrado en la ilustración de libros infantiles, incluyendo también algunos escritos por ella: Comenoches (2004) y The pet shop revolution (2010). Participó también en la exposición colectiva El Texto Iluminado, organizada por la Fundación Germán Sánchez Ruipérez.
En Elisa en el corazón del laberinto Ana desgrana en sus ilustraciones el relato de Sebastien Perez con una poética visual intimista, dibujando a lápiz y restringiendo la cromía –apenas rojos y negros–.

Elisa en el corazón del laberinto. Sébastien Perez / Ana Juan
Ed. Edelvives. 19 cm x 25,5cm. 72 páginas. Castellano

 

Maurice Sendak (Brooklyn, Nueva York, 1928-Connecticut, 2012). Desde 1951 realizó más de 90 libros infantiles, una prestigiosa trayectoria por la que recibió en 1963 la Caldecott Medal, en 1970 el Premio Andersen y el Premio Laura Ingalls Wilder en 1983. En 1996 el Gobierno de los Estados Unidos le entregó la Medalla Nacional de las Artes, y en 2003 le concedieron el Premio Internacional Astrid Lindgren de Literatura Infantil, junto con la autora austriaca Christine Nöstlinger. Estudió Pintura y Dibujo en el Art Students League de Nueva York. Consiguió su primer empleo como ilustrador para All America Comics y en 1951 comenzó a trabajar como ilustrador para la editorial Harper and Brothers. Impulsó una auténtica revolución en el panorama literario infantil por las ideas, la forma y el contenido de sus libros. La crítica especializada le calificaba como “uno de los hombres más influyentes de los Estados Unidos, porque darle forma a la fantasía de millones de niños es una terrible responsabilidad”. Kalandraka nos ofrece ahora estos cuatro títulos con la estructura y las ilustraciones de Sendak y la aportación impagable de Gloria Fuertes en la adaptación del texto.

Miguel. Lluvia de cocodrilos. Sopa de pollo con arroz
El uno era Juan. Maurice Sendak / versión de Gloria Fuertes
Ed. Kalandraka. 13,2 x 18,3 cm. Castellano