Esta guía recoge consejos y trucos para activar la creatividad y escapar de la rutina fotográfica. Desde la subversión de las reglas tradicionales o el uso de cámaras analógicas hasta la propuesta de ejercicios prácticos y retos. No se trata de un manual técnico, en realidad propone una mirada sugerente hacia la fotografía, buscando la esencia y los matices.

Redescubre la fotografía. Demetrius Fordham. 
Ed. Gustavo Gili
128 páginas. 9 x 24,5 cm. Castellano

Nikolai Popov (Saratov, Rusia, 1938) es graduado en el Instituto Poligráfico de Saratov, es miembro de la Federación Rusa de Pintores, la Academia Rusa de Diseño Gráfico y ha sido nombrado pintor honorífico en su país. Actualmente imparte clases en la Universidad de Washington, en Seattle. Entre los numerosos reconocimientos que ha recibido por todo el mundo destacan dos medallas de oro en la Exposición Internacional de las Artes del Libro en Leipzig, un Gran Premio y la medalla de oro de la Bienal de Ilustración de Bratislava.
La Segunda Guerra Mundial dejó una profunda huella en la infancia de Nikolai Popov: el avance del ejército nazi sobre la Unión Soviética, las sirenas marcando la apresurada huida de la población a los refugios, jugar entre los restos de las bombas sin comprender su efecto letal hasta que una de ellas explotó en las manos de otro niño, el recuerdo de los soldados mutilados regresando tras la rendición alemana… Pero sería la obra de Tolstoi, Dostoyevski, Hemingway y Remarque lo que decantó la ideología pacifista del autor de ¿Por qué?. Esta edición de Kalandraka recupera la versión original de la obra, sin texto. Porque las ilustraciones, de estilo clásico, tienen un gran poder comunicativo y narran visualmente la historia, hasta extremos impactantes por su capacidad para reflejar el galopante delirio militarista y destructivo. Frente a la barbarie, el propio autor alienta a los lectores a ser promotores del diálogo, la tolerancia, la convivencia y la paz.


¿Por qué?. Nikolai Popov
Ed. Kalandraka. 40 páginas. 19 x 23,5 cm

Este libro –una edición plurilingüe: español, inglés, italiano– ofrece una completa historia del diseño gráfico desde el fin del siglo XIX hasta el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Traza la evolución de esta disciplina creativa desde sus primeras manifestaciones en el diseño de carteles pasando por la publicidad, la identidad corporativa, el embalaje y el diseño editorial. Ordenado cronológicamente, el libro incluye más de 2500 diseños fundamentales de todo el mundo, 71 de los cuales van acompañados de información detallada. Además, ofrece reseñas sobre 61 figuras clave en la disciplina, entre las que destacan Alphonse Mucha (carteles publicitarios de chocolate), Edward Johnston (logotipo y tipografía del metro de Londres), El Lissitzky (creador del constructivismo), Herbert Matter (pósteres turísticos con fotomontaje de Suiza), Saul Bass (títulos de crédito animados) y A. M. Cassandre (pósteres art déco). Con su amplio conocimiento sobre el tema, Jens Müller presenta los diseños más destacados de cada año junto a breves textos sobre hitos del diseño. Por su parte, en su ensayo introductorio David Jury revisa el diseño gráfico desde sus orígenes en la impresión, el grabado y la litografía tempranos hasta los notables desarrollos creativos del siglo XIX. Además, cada década va precedida, a modo de prólogo, por un breve resumen y una impresionante cronología visual que ofrecen una vívida perspectiva general de la variedad de la producción gráfica en ese período, así como el panorama global que, en su momento, describió y definió. Un segundo volumen, actualmente en preparación, examinará el periodo que va desde la década de 1960 hasta hoy.



Graphic Design. Vol.1, 1890–1959. Jens Müller, Julius Wiedemann
Ed. Taschen. 480 páginas. 24,6 x 37,2 cm. Varios idiomas

Los ensayos reunidos en este libro contemplan el arte contemporáneo como una zona de conflicto en la que artes plásticas y entorno visual confluyen y chocan al mismo tiempo. El lápiz conté, los pigmentos con aglutinante, el papel litográfico, el collage, la madera, el acero galvanizado, el plexiglás, el contrachapado, la película cinematográfica, la cinta de vídeo, en fin, las acciones o procesos, son algunas de las inertes materias de las que se ha partido para la realización de los ingrávidos artefactos que aquí se comentan. Son sus autores Pablo Picasso, Joan Miró, Fernand Léger, Luis Buñuel, Josep Renau, Salvador Dalí, Willem de Kooning, Richard Hamilton, Robert Morris, Joan Brossa o Victor Burgin. El objetivo es mostrar, a través de la lente de sus obras y trayectorias, las transformaciones sufridas por el arte en el curso del siglo que nos ha precedido y que de forma tan directa moldea la actividad creativa del presente.




Arte y cultura visual. Fèlix Fanés
Ed. Cátedra. 360 páginas. 19 x 23,5 cm. Castellano

En este diario de un genio, la voz de Leonardo nos invita a recorrer su mundo más íntimo: sus obsesiones, sus inventos, los encargos artísticos de los monarcas, la rivalidad con Miguel Ángel, la génesis de La Última Cena, los encuentros con La Mona Lisa, de los que nacería ese ícono pictórico de belleza y sensualidad: “Había aceptado pintar el retrato de una dama cuyo rostro era de otro mundo […]. Para contentarla y hacerla sentir a gusto, contraté a un grupo de juglares para que, en su rostro –pero sobre todo en su corazón–, hubiera siempre una sonrisa”. Con destreza en el manejo de la tinta, Ralph Steadman recrea la atmósfera artística y la situación política de aquel tiempo, a la vez que, con trazos cargados de fino humor, da vida a los personajes más influyentes en quien ha sido considerado como el modelo de sabio renacentista. Stedman desarrolló una gran obsesión por Leonardo, fijación que lo llevó a pintar su propia versión de La Última Cena en la pared de su dormitorio; a construir una máquina equivalente a la de Leonardo que logró alzar el vuelo; y a recorrer aquellas ciudades y paisajes italianos transitados por Da Vinci, tratando, así, de imaginar cómo era habitar su mente imaginativa.


Yo, Leonardo. Ralph Steadman. Ed. Libros del zorro rojo
128 páginas. 28 x 24 cm. Castellano

Olivier Schrauwen (Brujas, 1977) estudió animación en Ghent y lenguaje de cómic en Bruselas. Autor muy dotado para la emulación y el pastiche, sus primeros trabajos aparecieron en distintas revistas y antologías, que hoy son de ámbito internacional. Algunos de sus libros publicados hasta la fecha, Mi pequeño, El hombre que se dejó crecer la barba y Mowgli en el espejo, han recibido el aplauso de la crítica y sendas nominaciones al mejor álbum en el Festival de Angoulême. Su última obra hasta la fecha, la trilogía Arsène Schrauwen, supone su confirmación como uno de los dibujantes de cómic actuales más innovadores e interesantes. En la actualidad vive en Berlín, donde sigue dividiendo su actividad entre la animación, la ilustración, la música y los tebeos. Antes de Arsène Schrauwen y El hombre que se dejó crecer la barba, Schrauwen provocó el asombro de muchos con este libro transgresor y deslumbrante, que recuperaba la estética de las viejas páginas dominicales de prensa. La gracilidad, el humor ácido y la imaginación desbordan las páginas de estas historias sobre un aristócrata y su poco agraciado hijo. Se presenta ahora con nuevo formato y una extensa historia adicional, una de las grandes obras de Schrauwen, en la que el autor considera su edición definitiva.

Mi pequeño. Olivier Schrauwen. Ed. Fulgencio Pimentel
80 páginas. 24,5 x 29 cm. Castellano

Hablar de los hábitos de consumo de alcohol y tabaco de los estadounidenses es contar una historia de cien años de publicidad destinada a seducirlos para que se entregaran a estos vicios deliciosos. Este catálogo de anuncios muestra las numerosas y extensas campañas y tendencias a la hora de beber y fumar en Estados Unidos que, para bien o para mal, exploran un capítulo vibrante de la historia de la publicidad. El alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que darse grandes festines visuales. En este compendio de anuncios se explora cómo la representación de estos productos se movía entre la elegancia y la excentricidad, y se descubre cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran. Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan con imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como El Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.

20th Century Alcohol & Tobacco Ads
Steven Heller y Jim Heimann. Ed. Taschen
392 páginas. 23,8 x 30,2 cm. Varios idiomas

Nacido en 1959, Paul Cox es un artista francés con múltiples talentos conocido por su diseño gráfico, ilustración y arte escénico. En 1999, ganó el Premio Bologna Ragazzi en Ficción en la Feria del Libro Infantil de Bolonia. Las obras de Cox son diseños gráficos encantadores. Esta recopilación muestra sus diversas obras, que fueron lanzadas principalmente en Francia y Japón. Desde anuncios publicitarios para la Opéra National de Lorraine à Nancy, la marca japonesa MUJI en París y el tren bala Hokuriku en Japón, hasta publicaciones únicas sobre letras y formas, los divertidos dibujos de Cox, las combinaciones de colores brillantes y el toque humano característico se combinan para crear un estilo de diseño gráfico propio. Este título también es un acercamiento al estilo de vida de Cox presentando sus objetos favoritos, bocetos, además de una entrevista con el artista.

Paul Cox. Design & art. Paul Cox
Ed. PIE International. 224 páginas. 
25,7 × 18,2 cm. Japonés

Muchos diseños modernos han sido influenciados por  la década de 1980. Este título muestra alrededor de 200 artículos, entre ellos carteles, CD, moda, portadas de libros, envases para cosméticos y golosinas… Son diseños que nos recuerdan a los 80, pero en los que se produce una traslación al diseño actual. El libro está dividido en cinco secciones: Cute Punch, New ‘80, Techno Pop, Comical Pop y Neon Dreamy.
Cute Punch presenta diseños de caracter o temática femeninos. New ‘80 son la combinación de la cultura de los ‘80 y la cultura juvenil.
Techno Pop es el término japonés original que se refiere a la música que representan bandas como Perfume o artistas como Miku Hatsune. Estos diseños contienen formas geométricas que dan una impresión neo-futurista. Comical Pop muestra diseños de alto impacto y coloridos, como los que se presentan en el diseño de cómic estadounidense. Por último, la sección Neon Dreamy muestra diseños de ensueño con colores de neón. Los diseños pueden estar basados ​​en el diseño de los años ochenta, pero su asociación con celebridades populares y la recreación de artistas jóvenes los convierte en algo completamente nuevo. Todos los diseñadores presentados son artistas jóvenes, talentosos y prometedores de todo el mundo.

Fancy Pop Design. Ed. PIE International
224 páginas. 25,5×19 cm. Japonés

Jan V. White fue diseñador, consultor de diseño de comunicación y educador. Ha escrito varios libros sobre diseño. Checo de nacimiento, se educó en Inglaterra en Leighton Park School y se licenció en arquitectura en la Universidad de Cornell y en la Escuela de Arquitectura, Planificación y Preservación de la Universidad de Columbia. De 1951 a 1964 trabajó en dos de las revistas de arquitectura de TIME: Architectural Forum (1951-56) como director de arte asociado, y House & Home (1956-1964) como director de arte. Desde 1964 ha trabajado como consultor, escritor y docente. Rediseñó más de 200 publicaciones periódicas en cuatro continentes e influyó en muchas más con sus libros y artículos sobre diseño para impresión.
Este es un libro clásico. La primera edición es de 1974. Ha sido un referente durante épocas, pero nunca nadie se atrevió a traducirlo y editarlo en castellano. Con el tiempo, ha ganado en vigencia y credibilidad. Los libros de diseño de libros al uso adolecen de la inmediatez de la moda o la tendencia. Muestran ejemplos del momento en que son escritos. Y no siempre distinguen entre lo que es fundamento y lo que es coyuntura. Con cientos de ilustraciones dibujadas por el autor, los capítulos cubren todos los aspectos importantes del diseño de revistas y publicaciones. Trata sobre la colaboración entre editores y diseñadores. Descubrie el uso eficaz de las relaciones entre palabras, imágenes y espacio blanco. Propone problemas prácticos, y aporta sus soluciones. Todo ello alejado de las herramientas de hoy, los manierismos y las mecánicas impuestas por las tecnologías.

Diseño para la edición. Jan V. White
Ed. Jardín de monos. 240 páginas. 21 x 29,5 cm. Castellano

Antonia Santolaya (Ribafrecha, La Rioja, 1966) se licenció en Bellas Artes, especialidad Pintura, por la Universidad Complutense de Madrid. Entre 1993 y 1994 estudió fotograbado y fotoserigrafía en Ormond Road Workshop (Londres), además de un curso avanzado de postgraduado en Grabado en St. Martins School de Londres. Desde el año 2000 trabaja profesionalmente como ilustradora de libros infantiles, fecha en la que ganó, en colaboración con su hermana Dori Santolaya, el Premio Apel•les Mestre por Las damas de la luz. Desde entonces ha trabajado con varias de las editoriales más importantes del panorama nacional, como SM, Anaya, Destino, Santillana, Aldeasa, etc. Uno de sus proyectos más ambiciosos es una serie de biografías infantiles sobre las escritoras Virginia Woolf, María Zambrano, Gloria Fuertes o Carmen Martín Gaite, con texto de Luisa Antolín. Feminismo para principiantes se ha convertido en el libro de cabecera de varias generaciones feministas. En esta edición, Nuria Varela une a su texto el talento al de la ilustradora Antonia Santolaya para ofrecer la versión cómic de este libro imprescindible.


Feminismo para principiantes. Nuria Varela y Antonia Santolaya
Ed. Penguin Random House. 238 páginas. 19 x 12,5 cm. Castellano

Anatxu Zabalbeascoa es periodista e historiadora especializada en arquitectura y trabaja para el diario El País, donde escribe también el blog Del tirador a la ciudad. Es autora de varios libros de arquitectura, entre los que destacan Las casas del siglo (1998), Vidas construidas (1998), Minimalismos (2001, con Javier Rodríguez Marcos), y Todo sobre la casa (2011). Chairs es una historia de la silla de autor. Un recorrido que arranca con el prólogo del investigador Jorge Wagensberg sobre el concepto de asiento. Presenta una panorámica de los grandes hitos de las sillas históricas y se centra, finalmente, en el universo de la silla moderna y las sucesivas miradas que le han dado sentido. Nos pasea por las sillas de la era industrial como las célebres sillas en serie Thonet, las sillas-manifiesto como las de Gerrit Th. Rietveld o Mies van der Rohe, o las sillas propias de la ostentación tecnológica y formalista posmoderna, donde destacan nombres propios como los de Frank O. Gehry, Philippe Starck o Jasper Morrison. Un delicioso relato, en definitiva, de aquellas creaciones maestras que han marcado un antes y un después en la historia del diseño y, al mismo tiempo, de la humanidad.

Chairs. Historia de la silla. Anatxu Zabalbeascoa
Ed. Gustavo Gili. 144 páginas. 15 x 21cm. Castellano

Tom Gauld nació en 1976 en Aberdeenshire, Escocia, y estudió Ilustración en el Edinburgh College of Art y el Royal College of Art. En la actualidad vive en Londres, donde trabaja como ilustrador y caricaturista. Ha colaborado con The Guardian (diario en el que publica una viñeta semanal desde hace años), The New York Times, The New Yorker, The Believer y Granta. Conocido como “el dibujante de los amantes de los libros”, Tom Gauld aúna en sus historietas el mundo de la crítica literaria y el de la cultura pop. El resultado son unas viñetas concisas, brillantes, divertidas e ingeniosas que hacen gala del típico humor inglés y del estilo gráfico absolutamente único que caracterizan la obra de este genial autor.




En la cocina con Kafka. Tom Gauld
Ed. Salamandra. 160 páginas. 21 x 15 cm. Castellano

David Rubín estudia diseño gráfico y se lanza al mundo del cómic, la animación y la ilustración. Con su primera obra larga, El circo del desaliento (Astiberri, 2005), es nominado como autor revelación en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona de 2006, gana el primer premio Castelao, y se edita en gallego, castellano, italiano y francés. Su siguiente novela gráfica, La tetería del oso malayo (Astiberri, 2006), también publicada en Francia, Italia y la República Checa, se lleva cuatro nominaciones a los premios del Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2007, logra el galardón al autor revelación y le acredita como finalista del I Premio Nacional del Cómic. Codirige Espíritu del bosque, un largometraje de animación CGI, y adapta al cómic Romeo y Julieta, de William Shakespeare, y El monte de las ánimas (SM, 2009), de Gustavo Adolfo Bécquer. Cuaderno de tormentas. Crónicas de los deambulares por Ciudad Espanto es una metáfora sobre la búsqueda de la inspiración, sobre el tortuoso camino que es la creación, sobre lo peligrosa que puede ser la dependencia de las musas a la hora de encontrar historias que contar. Al mismo tiempo, es un viaje por el mapa de la ciudad más terrible y a la vez fascinante del mundo, un flashback gigante que poco a poco irá desvelando las claves. La presente edición ampliada –tras una inicial publicada por Planeta en 2008, hace tiempo agotada–, cuenta con una ilustración de cubierta realizada para la ocasión por David Rubín, una nueva rotulación y 21 páginas de extras. Esas páginas que complementan el cómic incluyen varias entregas que fueron la génesis de Cuaderno de tormentas.

Cuaderno de tormentas. David Rubín
Ed. Astiberri. 128 páginas. 17 x 24 cm. Castellano

Benjamin Lacombe (1982) es un autor e ilustrador francés nacido en París. En 2001 asistió a la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París (ENSAD), donde realizó su formación artística. Su proyecto final, Cerise Griotte, que él mismo escribió e ilustró, se convirtió en su primer libro infantil y fue publicado en 2006. Al año siguiente, se convirtió en una joven celebridad del mundo editorial desde su exitoso lanzamiento en Estados Unidos por el sello Walker Books, y gracias a la nominación de la prestigiosa Revista Time que ubicó a Cerise Griotte entre los 10 mejores libros para niños publicados en el año 2007. Desde entonces, ha escrito e ilustrado una veintena de libros abordando temas tales como: la infancia, la melancolía y la diferencia. También ha publicado libros ilustrados para adultos. Algunos de sus trabajos son: Los amantes mariposa, Genealogía de una bruja, Cuentos silenciosos, Melodía en la ciudad, Cuentos macabros, Blancanieves, El herbario de las hadas y La niña silencio.
En 1845, el francés Prosper Mérimée escribió Carmen, la novela romántica en la que se retrata su visión de la España de la época, costumbrista y exótica. En ella se relatan los amores trágicos y pasionales de una cigarrera gitana, un bandolero y un torero. La fama de Carmen, su protagonista femenina, se haría universal gracias a la ópera de George Bizet, y se convertiría en todo un mito de la mujer fatal, libre y seductora, capaz de arrastrar a la perdición a quienes la rodean. Lacombe revisa este clásico con su ilustración oscura e inquietante, buscando la belleza de las miradas y las escenas, donde las luces y oscuros que maneja con maestría recrean la atmósfera del texto.

Carmen. Prosper Mérimée . Benjamin Lacombe
Ed. Edelvives. 19,5 cm x 27,5 cm. 184 páginas. Castellano

Rachid Koraïchi (Argelia, 1947) Koraïchi es una de las personalidades más relevantes del arte contemporáneo internacional. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Argel y en la de París, y luego en la Escuela Nacional de Artes Decorativas y en el Instituto de Urbanismo de París. La obra de Koraïchi pertenece a la tradición y espiritualidad sufí, pero abarca la modernidad y la universalidad. Su arte se caracteriza por la inclusión de una amplia variedad de medios y materiales, siempre dentro del contexto de la escritura sagrada y los signos mágicos, fiel a su concepción de una estética íntimamente ligada a la palabra, el lenguaje y, sobre todo, a la poesía árabe. Además de su colaboración en publicaciones, ha creado exposiciones monumentales: estelas, pirámides, murales de cerámica, sedas, tapices o aguafuertes son algunas de las creaciones que jalonan su obra. Participó junto a otros seis artistas internacionales, en el proyecto de arte Six Flags for Tolerance, promovido por la UNESCO. En 2011 ganó el Premio Jameel con su instalación Los maestros invisibles, que ha sido exhibida en el Victoria & Albert Museum de Londres, en el Arab World Institute de París y Casa Árabe en Madrid.  Prodigios es una antología ilustrada en la que se recogen algunos de los poemas árabes más bellos escritos desde el siglo VI hasta nuestros días. Sus páginas presentan un desafío al lector a través de dos caminos creativos: la poesía y la imagen plástica. Cincuenta y dos voces que indagan en torno a temas eternos y universales, como el amor y la muerte, el arrebato vital y la búsqueda del absoluto. Las sorprendentes e inspiradoras ilustraciones del artista argelino nos invitan a recorrer este libro como quien se adentra en una galería revestida de espléndidos tapices, muestras y ejemplos de una magnífica cultura, donde la poesía fue, y sigue siendo todavía, una revelación, un lugar de encuentro y una vía que abre nuevos horizontes.

Prodigios. Antología de poesías árabes.
Varios autores. Rachid Koraïchi (ilustrador)
Ed. libros del zorro rojo. 145 páginas. 23 x 25,8 cm.. Castellano, Árabe

Javirroyo nació en 1972 en Zaragoza. Pasa su infancia en el barrio zaragozano del Picarral donde comienza a ilustrar para las revistas de movimientos vecinales posteriores a la Transición Española. En 1990 se traslada a Bilbao para estudiar arte y diseño en la Facultad de Bellas Artes  y durante los años 90 comenzó a colaborar en fanzines como dibujante e ilustrador. A partir de ahí colabora para publicaciones como Monográfico (revista) o La Comictiva. En 1999 empieza a editar con Subterfuge Records el que será su personaje más conocido, La Cebolla Asesina, en formato cómic book, del que se venderán miles de ejemplares. En 2001 edita el primer álbum recopilatorio del personaje titulado La Cebolla Asesina contra todos. Un año más tarde, en 2002. Se edita su segundo álbum Los 7 pecados vegetales.​ Más tarde, en 2010 se editará otro libro de La Cebolla Asesina, Sexo, mentiras y armas de destrucción masiva. Como ilustrador también ha trabajado para editoriales como Edelvives o Santillana, en proyectos de ilustración infantil. Desde 2004 hasta 2007 para la revista Interviú, ilustrando el artículo de opinión de Juan José Millás. En 2007 crea Chispum, la conocida marca de vinilos decorativos de autor junto a Idoia García de Cortázar. Sus diseños e ilustraciones se distribuyen en la actualidad en Europa, USA, Canadá, Japón, Corea e Iberoamérica. En el catálogo de Chispum aparecen autores conocidos como Javier Mariscal, Mario Eskenazi, Juanjo Sáez o Miguel Gallardo entre otros. En 2009 funda el semanario de humor gráfico online El Estafador,​ junto a Juanjo Sáez, Pepo Pérez, Liniers (historietista), Tute y Sergi Padró. Javi es colaborador habitual de Visual, realizando una entrevista ilustrada en cada número.
La Escuela son cuatro historias reales entre africanos y europeos mientras se construye una escuela al sur de Senegal, y rompe con los tópicos que los europeos tenemos sobre la vida en África, así como los que existen de los africanos hacia Europa. Es un libro de historias de amor y de desamor. La edición de este libro sirve además para recaudar fondos para Foundawtion,  la fundación que está construyendo la escuela en Senegal.


La Escuela. Javirroyo. Ed. Foundawtion
198 páginas. 17,2 x 23 cm. Castellano

Terráneo es un proyecto gráfico y narrativo realizado por dos jóvenes arquitectos, que nace por la voluntad y la necesidad de investigar una condición territorial y humana común a las poblaciones que viven en las costas del mar Mediterráneo. Conscientes de las relaciones existentes entre todas las culturas mediterráneas, este proyecto quiere investigar los orígenes y la evolución de este vínculo. La relación entre el mar y el horizonte se desarrolla tanto desde un punto de vista arquitectónico, mediante la descripción de las ciudades del Mediterráneo –con sus morfologías y sus estructuras de asentamiento–, como desde un punto de vista emotivo, a través de la relación existente entre los habitantes de estas ciudades y el mar.


Terráneo. Marino Amodio /Vincenzo del Vecchio
Ed. Edelvives. 225mm x 290mm. 52 páginas. Castellano

Ana Juan (Valencia, 1961) recibió el Premio Nacionalde Ilustración 2010. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en 1982, empezó a colaborar al año siguiente con las revistas La Luna de Madrid y Madriz, aportando para ellas sus únicas historietas hasta la fecha, todas en blanco negro y de tintes expresionistas. En 1988 realizó su primera exposición individual en la Galería Notuno de Ginebra. En 1994 pasó tres meses en Japón, becada por la Editorial Kodansha. En 1995, apareció su primera portada en The New Yorker, a la que seguirían muchas más. Durante dos años consecutivos (1998 y 1999), obtuvo la Medalla de Oro
en la categoría de ilustración de la Society of Newspaper Design. Desde 2002, con
Frida se ha centrado en la ilustración de libros infantiles, incluyendo también algunos escritos por ella: Comenoches (2004) y The pet shop revolution (2010). Participó también en la exposición colectiva El Texto Iluminado, organizada por la Fundación Germán Sánchez Ruipérez.
En Elisa en el corazón del laberinto Ana desgrana en sus ilustraciones el relato de Sebastien Perez con una poética visual intimista, dibujando a lápiz y restringiendo la cromía –apenas rojos y negros–.

Elisa en el corazón del laberinto. Sébastien Perez / Ana Juan
Ed. Edelvives. 19 cm x 25,5cm. 72 páginas. Castellano

 

Maurice Sendak (Brooklyn, Nueva York, 1928-Connecticut, 2012). Desde 1951 realizó más de 90 libros infantiles, una prestigiosa trayectoria por la que recibió en 1963 la Caldecott Medal, en 1970 el Premio Andersen y el Premio Laura Ingalls Wilder en 1983. En 1996 el Gobierno de los Estados Unidos le entregó la Medalla Nacional de las Artes, y en 2003 le concedieron el Premio Internacional Astrid Lindgren de Literatura Infantil, junto con la autora austriaca Christine Nöstlinger. Estudió Pintura y Dibujo en el Art Students League de Nueva York. Consiguió su primer empleo como ilustrador para All America Comics y en 1951 comenzó a trabajar como ilustrador para la editorial Harper and Brothers. Impulsó una auténtica revolución en el panorama literario infantil por las ideas, la forma y el contenido de sus libros. La crítica especializada le calificaba como “uno de los hombres más influyentes de los Estados Unidos, porque darle forma a la fantasía de millones de niños es una terrible responsabilidad”. Kalandraka nos ofrece ahora estos cuatro títulos con la estructura y las ilustraciones de Sendak y la aportación impagable de Gloria Fuertes en la adaptación del texto.

Miguel. Lluvia de cocodrilos. Sopa de pollo con arroz
El uno era Juan. Maurice Sendak / versión de Gloria Fuertes
Ed. Kalandraka. 13,2 x 18,3 cm. Castellano

Sir John Tenniel fue un famoso dibujante inglés, colaborador de la revista Punch, donde hacía caricaturas políticas y satíricas de la sociedad y de los principales políticos de la época victoriana. A pesar de su bagaje como caricaturista, Tenniel es internacionalmente conocido como el original, y genial, ilustrador de las primeras ediciones de Alicia en el País de las Maravillas y Alicia A través del Espejo, escritas por Lewis Carroll. Después de ver la calidad de su obra, Mark Lemon le propuso ser el caricaturista de la revista Punch. Aunque al principio dudó en aceptar la propuesta, ya que no estaba seguro de ser un buen caricaturista humorístico, aceptó convirtiéndose en uno de los puntos de referencia de la revista, por la gran calidad de sus ilustraciones y el contenido satírico del que las impregnaba. En poco tiempo la ilustración de Tenniel era la caricatura política más importante de cada número de Punch, desplazando a los demás caricaturistas. En Enero de 1864, Lewis Carroll le pidió a John Tenniel que ilustrara el libro que estaba a punto de publicar. Aunque Tenniel lo dudó, dadas las exigencias de Carroll para que las ilustraciones se asemejaran lo máximo posible a la idea que él tenía de los personajes, aceptó el trabajo, por el que cobró 184 libras. La serie de ilustraciones para Alicia fueron 84 y tuvieron un gran éxito en el momento de su publicación –a pesar de que Lewis Carroll declaró en un principio que no estaba enteramente satisfecho con la Alicia de Tenniel–. Carroll le pidió una segunda serie de ilustraciones para Alicia A través del Espejo, Tenniel no respondió enseguida, ya que recordaba el atosigamiento al que lo sometió el escritor cuando ilustró la primera obra, pero finalmente aceptó de nuevo el encargo. La publicación de la segunda obra sobre el universo de Alicia se convirtió en un gran éxito. Aunque se presenta como un libro para colorear, el auténtico valor de esta edición está en la reproducción exquisita de aquellas ilustraciones. La editorial japonesa PIE una vez más no defrauda, y en este caso propone una Alicia donde los textos ceden presencia a las ilustraciones de Tenniel. La exquisita edición lo convierte en una pieza de culto.

Alice in the Wonderland. Lewis Carroll
John Tenniel (ilustraciones). Ed. PIE International
23,5×23,5 cm. 96 páginas. Inglés

En 1958, la compañía japonesa Riso lanzó un dispositivo de impresión al que llamó Risograph. A caballo entre la impresión mecánica y la digital, el proceso de impresión de este nuevo dispositivo se basaba en técnicas de serigrafía, pero permitía imprimir un gran número de copias como si de una fotocopiadora se tratase. En los últimos años cada vez más diseñadores y artistas están redescubriendo esta tecnología olvidada. Con ella los colores se transfieren al papel sin empleo del calor ni sustancias químicas, lo que supone un ahorro de energía y convierte el proceso en más ecológico. Además, el resultado impreso se distingue por su aspecto vibrante y radicalmente contemporáneo gracias a la fuerza del color, una textura genuina y a la perfecta imperfección de sus acabados. Este libro documenta este renacimiento único e inesperado en el ámbito de la impresión gráfica, y ofrece una panorámica de la historia y el desarrollo de estas máquinas, con ejemplos de láminas, flyers, tarjetas, fanzines y productos impresos experimentales. El libro ofrece una panorámica actual de los pioneros contemporáneos de la nueva risografía y una selección de editores, impresores y estudios de diseño de todo el mundo orientados al arte de esta técnica de impresión.

Risografía. El nuevo espíritu de la impresión
John Z. Komurki. Ed. Gustavo Gili. 20.5 x 25.5cm. 232 páginas

Este manual básico recupera los principios y técnicas del dibujo artesanal de letras para darlos a conocer entre los estudiantes  y cualquier aficionado a la belleza de este arte. Desde qué es el lettering y en qué se diferencia de la tipografía y la caligrafía, pasando por los principios de composición y los recursos ornamentales más recurrentes hasta los estilos artísticos o el proceso de diseño. Este libro revela los secretos necesarios para sumergirse en la técnica y la práctica del dibujo de letras hechas a mano. Esta edición tiene además un entrañable prólogo de Ricardo Rousselot.

Los grandes secretos del lettering
Dibujar letras: desde el boceto al arte final
Martina Flor. Ed. Gustavo Gili. 21 x 24cm.. 168 páginas. Castellano

Paco Roca (Valencia, 1969) comenzó a realizar trabajos de publicidad y acabó montando un estudio de ilustración en su ciudad natal. Pronto empezaría a compaginar los trabajos con los que se ganaba el sustento con la creación de relatos de cómic.
Autor prolífico, cuenta entre sus obras con El Faro, Arrugas –por la que recibió el Premio Nacional del Cómic en 2008, los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2008 y el Goya al mejor guión en 2012 de la versión al cine dirigida por Ignacio Ferreras, que también se llevó la estatuilla a la mejor película de animación–, Las calles de arena, Emotional World Tour, El invierno del dibujante, –obra merecedora de los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2011–, Memorias de un hombre en pijama, –nominada a mejor obra nacional en la edición de 2012 de la citada feria de Barcelona, serie de la que ha publicado también Andanzas de un hombre en pijama y sobre la que está dirigiendo un largometraje de animación–. Después de ilustrar La metamorfosis, de Franz Kafka, le dio forma definitiva a El juego lúgubre. Con Los surcos del azar y ya en 2015 con La casa, una obra intimista en torno a la figura del padre desaparecido, Paco Roca ha demostrado situarse como un autor de primer nivel internacional. Por último, completa la trilogía “pijamera” con Confesiones de un hombre en pijama, una serie de la que se está preparando una película de animación que se estrenará en la primavera de 2018.
Dice Paco que hace cómics para aprender, y de ahí surge esta obra, de su interés por el mundo de la música. Desde hace cuatro años y medio, el dibujante valenciano y José Manuel Casañ, alma máter de la banda Seguridad Social, han estado charlando sobre la música, la creación, el mercado discográfico, el universo de los cómics... El libro-disco La encrucijada es, por una parte, la puesta en viñetas de todas esas conversaciones, en las que Paco Roca intenta comprender por qué creamos y cómo se puede llegar a vivir de ello dentro de una industria, y, por otra, empleando registros gráficos distintos, la plasmación en el lenguaje del cómic de las canciones que componen el último disco inédito de Seguridad Social, con las que se hace un repaso por los géneros que a lo largo de sus treinta años como grupo ha fusionado con el punk y el rock.


La encrucijada. Paco Roca, Jose Manuel Casañ
Ed. Astiberri. 168 páginas. Color 17 x 24 cm.

Emi Lenox es una dibujante que vive en Portland (Oregón). Comenzó su carrera haciendo prácticas en Top Shelf y Periscope Studio. Es conocida por el webcomic autobiográfico EmiTown, recopilado en dos tomos por Image. Su trabajo también puede verse en obras de otros creadores como Sweet Tooth, Nowhere Men y Madman, entre otros.
Plutonia lleva a los lectores a un viaje a través del lado oscuro de la adolescencia, explorando las relaciones abusivas, el acoso, el amor y el significado de hacerse adulto. Una historia amarga, conmovedora y profunda narrada con la maestría de J. Lemire, uno de los guionistas estadounidenses más importantes del momento. Los derechos cinematográficos de Plutona han sido adquiridos por Waypoint Entertainment.


Plutona. Jeff Lemire, Emi Lenox. Ed. Astiberri
152 páginas. Color. Cartoné. 17 x 26 cm. Castellano

Ana Penyas se diplomó en Diseño Industrial y se graduó en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de Valencia. Ha realizado exposiciones individuales en Estudio 64 (Valencia, 2016) y en la O! Galería (Lisboa, 2015), y ha participado en varias exposiciones colectivas, como Refugio Ilustrado (Valencia, 2016) y AnArco (Valencia, 2016). Ha publicado con la editorial Mil razones, Libros del K.O., la web cultural MipetitMadrid, elHype y la revista Bostezo, y es ilustradora en la revista Pikara Magazine. En la actualidad está desarrollando dos álbumes ilustrados para la nueva editorial Cocoyoc. También ha colaborado en el fanzine valenciano Arròs negre, el proyecto sonográfico Hits With Tits o la plataforma CIES NO. En Estamos todas bien afronta un biopic de sus dos abuelas donde un lío aparentemente trivial toma protagonismo. Su ilustración minuciosa, apoyada en el bitono y la incorporación de elementos y texturas traídos, crea un sugerente espacio visual nada condescendiente que refuerza el carácter de realismo social de esta obra.

Estamos todas bien. Ana Penyas
Ed. Salamandra. 112 páginas. 24,5 x 24,5 cm.. Castellano

Rubén Pellejero nació en Badalona en 1952. Publica por primera vez a través de la revista Cimoc. Poco después crea junto con Jorge Zentner para la revista Cairo el personaje Dieter Lumpen (1985). Sus obras han sido premiadas en diversos festivales de cómic de Francia, pero cabe destacar El silencio de Malka, con guión de Jorge Zentner, que obtuvo el premio Alph-Art a la mejor obra extranjera publicada en francés en el festival de Angoulême de 1997. Más tarde inicia una nueva etapa de trabajo junto al guionista belga Denis Lapière, con quien publica Un poco de humo azul, El vals del gulag  y Un verano insolente. Realiza En carne viva con guión de Frank Giroud y Florent Germaine, y el western Lobo de Lluvia, con Jean Dufaux. También es el autor de Cromáticas, junto con Jorge Zentner, y es el actual dibujante de Corto Maltés, con guión de Juan Díaz Canales. En El largo y tortuoso camino se embarca junto al guionista francés Christopher en una road movie con una banda sonora rockera de fondo, donde el protagonista, flanqueado de tres viejos gamberros, amigos de su padre, irá descubriendo quién era esa persona autoritaria con la que apenas tenía relación y, sobre todo, se irá conociendo a sí mismo. Christopher comenta: “el álbum es una especie de versión de La odisea de Homero del siglo XXI. Cuenta el camino de un hombre perdido en su crisis de los cuarenta años y que busca a su padre, con una parte autobiográfica. Cuando un ser querido desaparece y, con él, toda su historia, uno se siente huérfano. Es ese sentimiento de frustración lo que quería plasmar”. 


El largo y tortuoso camino. Christopher, Rubén Pellejero
Ed. Astiberri. 184 páginas. 21 x 29 cm. Castellano

Emma Ríos (Vilagarcía de Arousa, 1976) es una autora que se forma a medio camino entre la arquitectura y la autoedición hasta que consigue dedicarse profesionalmente a la historieta en 2007. Ha realizado trabajos de encargo para varias editoriales americanas, destacando Marvel Entertainment, donde trabaja regularmente durante cuatro años hasta que consigue volver al cómic de autor en 2014 de la mano de Image y en colaboración con Kelly Sue DeConnick con Bella Muerte. Hwei Lim (Kuala Lumpur, 1982) es una artista malaya conocida por su elegante y suave trazo, y sus dinámicos colores. Su primer cómic publicado fue la historia corta Simple Love como parte de la antología Love, Sweat & Tears en 2002, a la que seguiría Absent en 2003. Ha expuesto en numerosas galerías de arte en el mundo, dibuja ilustraciones para literatura juvenil y libros para niños (Spirit of the Sea, Dragonheart). Emma y Hwei proponen esta primera entrega de su serie sobre los alquimistas de la Sincronía y los animales conscientes de la colonia de Irzah, que explora el concepto de humanidad. Parcialmente inspirada en Oda a Kirihito, de Osamu Tezuka, y La isla del Dr. Moreau, de H. G. Wells, Mirror es una historia sobre la identidad, la aceptación y la libertad de elegir.

Mirror 1. El reflejo de la montaña. Emma Ríos, Hwei Lim
Ed. Astiberri. 176 páginas. 16 x 25 cm. Castellano

A través del tiempo y el espacio, los motivos e imágenes de lo decadente se representan repetidamente en literatura, bellas artes, música y otras formas de arte. Este libro presenta numerosas obras de arte que abarcan desde el siglo XIX hasta el surrealismo, incluyendo ilustradores europeos como Odilon Redon, Gustav Klimt, Gustave Moreau, Aubrey Vincent Beardsley y muchos más. Cada capítulo agrupa piezas por categoría estilística o movimiento artístico: Hermandad Prerrafaelita, Simbolismo en Francia, Alemania y Bélgica; Secesión de Wiener; Art Nouveau y Art Deco; Erotismo; ilustradores de libros; Artistas surrealistas, etc. Esta colección también explora el tema de la femme fatale a través de representaciones de sirenas, sirenas y brujas, así como personajes de la mitología griega, obras literarias modernas, etc. Aproximadamente 370 grandes obras de arte se presentan en un diseño elegante diseñado por Reiko Harajo, el renombrado diseñador de libros.

The Art of Decadence: European Fantasy Art of the Fin-de-Siècle. Hiroshi Unnno
Ed. PIE Books. 400 páginas. 25,7×18,6 cm. japonés , Inglés

Sin abandonar nunca el ánimo renovador de títulos como El hombre que se dejó crecer la barba (2012) o Mowgli en el espejo (2014), Olivier Schrauwen inicia aquí la más audaz y personal de sus obras para narrar la odisea de su abuelo Arsène en las postrimerías del Imperio colonial belga. Relato iniciático, con reminiscencias de clásicos como El corazón de las tinieblas y Viaje al fin de la noche, Arsène Schrauwen es un tebeo en trance que alterna personajes turbadores, noches tropicales y estaciones lluviosas con el fondo alucinado del descubrimiento del amor. Restando por primera vez primacía a lo gráfico en favor de lo literario, Schrauwen no solo entrega aquí su trabajo más accesible, también el más conmovedor y fascinante.


Arsène Schrauwen I. Olivier Schrauwen
Ed. Fulgencio Pimentel. 21 x 26,5 cm. Castellano

Flavita Banana se define a sí misma como viñetista, ilustradora y dibujante, de Barcelona y nacida en 1987. Nunca ha dejado de dibujar, y la prueba de ello es que publica diariamente en Instagram, ha colaborado en medios como Smoda, El Salto, Orgullo y Satisfacción o Mongolia, ilustrado el libro #Curvy escrito por Covadonga D’lom (Lumen, 2016) y publicado Las cosas del querer (Lumen, 2017). Poseedora de un trazo rotundo e inconfundible y una gran habilidad para retratar las alegrías y miserias del género humano, Flavita Banana lleva varios años haciéndonos llegar sus viñetas a través de las redes sociales y colaborando con medios como Smoda, Orgullo y Satisfacción o Mongolia. En Archivos Estelares recopila por primera vez sus viñetas más populares, a lo largo de un volumen de más de 200 páginas. De ella ha escrito Miguel Gallardo “poca gente sabe mezclar amor y humor de una forma tan enrevesada y directa; y a pesar de todo el cinismo que destila, deja ver un corazón así de grande, que se encariña con esas mujeres de pelo alborotado y esos hombres atónitos”.

Archivos estelares. Flavita Banana
Ed. Astiberri. 208 páginas 21 x 21,5 cm. Castellano

Hardcore maternity narra las aventuras y desventuras de un grupo de madres en Nueva York. Pero no son precisamente historias de mamás preocupadas por qué cremita de pañal irrita menos el culo de su hijo o por cuál de todas las papillas del mercado es la más saludable, sino más bien una panda de mamás desenfadadas, mordaces y, a ratos, un poco caóticas, que hacen malabares para encontrar un espacio en el que ser mujer, individuo y madre sean opciones vitales compatibles.


Hardcore Maternity. Marga Castaño y Esther de la Rosa
Ed. Lumen. 160 páginas. 21 x 21 cm. Castellano

The Marvel Age of Comics 1961–1978 nos traslada al corazón de esta etapa fundamental en la historia del cómic, una era de personajes carismáticos e innovación narrativa que reinventó el género de los superhéroes. Con cientos de imágenes e información exclusiva, el libro se remonta al nacimiento de estos defensores del bien que poseían poderes tan épicos como sus adversarios, a quienes combatían en un mundo que los lectores reconocían como propio; se trataba de héroes creíbles con los mismos problemas, dificultades y defectos que la gente corriente. En la década de 1970, vemos cómo la Casa de las Ideas elevó también el terror, la espada y brujería y las artes marciales a su panteón de semidioses titánicos, presentando personajes icónicos como el Hombre Cosa, Conan y Shang Chi, demostrando que su estilo de narrativa podía triunfar y prosperar más allá de las capas y los leotardos.

La Era Marvel de los cómics 1961–1978. Roy Thomas
Ed. Taschen . 24x33 cm. 400 páginas. Castellano

Pierre-Henry Gomont (1978, Boulogne-Billancourt, Francia), publica en 2011 su primer cómic Kirkenes, y a continuación Catalyse. También es el autor de Crématorium (2012), con guión de Eric Borg, de Rouge Karma (2014), en colaboración con Eddy Simon, y de Les nuits de Saturne (2015). En Sostiene Pereira, Gomont adapta al cómic la novela del escritor italiano Antonio Tabucchi, publicada en 1994, en parte como metáfora del auge de Berlusconi en Italia. El dibujante francés confiesa que lo que le llamó la atención de esta obra es que “se trata de una novela cerebral, nada visual, que dejaba el campo libre para el dibujo. La leí cuatro o cinco veces, la cerré y empecé a trabajar, para quedarme con su esencia. Elegí como telón de fondo el café Lisboa donde Fernando Pessoa iba a menudo, ya que él era la figura tutelar de Tabucchi, quien lo tradujo en Italia”. Gomont consigue marcar gráficamente el contraste entre la atmósfera cálida de Lisboa, sus bellos azulejos, y la dictadura que se está instalando de manera implacable. También se vale de un recurso original y sorprendente para trasladar visualmente la teoría de las almas desarrollada en el relato de Tabucchi, según la cual múltiples almas luchan en la conciencia de cada uno y determinan las decisiones de cada individuo: hace brotar pequeños avatares de Pereira que comentan y cuestionan sus actos constantemente, para reflejar sus dudas y su profundo cambio hacia el compromiso y la militancia por la libertad.


Sostiene Pereira. Pierre-Henry Gomont
Ed. Astiberri. 160 páginas. 22 x 29 cm. Castellano

La historia de la fotografía española ha construido en las últimas cuatro décadas su propio marco de acción conceptual y metodológico, que mezcla el modelo de las historias generales con las respuestas específicas de carácter nacional y las particularidades de signo regional o local. Tras superar las lagunas historiográficas iniciales, a la nueva historia de la fotografía le compete, sobre todo, el estudio y la revisión de las fuentes y los métodos usados, actualizando enfoques, proponiendo nuevos ámbitos de debate y abriendo otras vías de análisis histórico de la fotografía como fenómeno social y cultural. Además de su función de suma y síntesis de los aspectos más significativos de la fotografía en nuestro país, ordenados a partir de una estructura cronológica que permita visualizar mejor el rastro secuencial de determinados planteamientos e ideas, “Fotografía en España (1839-2015): historia, tendencias, estéticas” propone un recorrido por los principales argumentos y discursos estéticos que han definido el desarrollo y la evolución de la fotografía española, desde sus orígenes hasta la actualidad, intentando desvelar, profundizar e interpretar los diferentes rumbos artísticos, las grandes corrientes de opinión y las estrategias críticas que, conectadas o no con los derroteros de la fotografía internacional, se han sucedido a lo largo del tiempo.

Fotografía en España (1839-2015)
Carmelo Vega. Ed. Cátedra. 912 páginas
19 x 23,5 cm. Castellano

Made in North Korea descubre la fascinante y sorprendentemente bella cultura gráfica de Corea del Norte, desde el packaging hasta los folletos del hotel, las etiquetas de equipaje y las entradas para los juegos masivos de fama mundial. Desde su base en Beijing, Bonner ha estado realizando giras por Corea del Norte durante más de veinte años, y durante el camino ha coleccionado todo tipo de elementos efímeros gráficos. Ha acumulado miles de artículos que, como colección, proporcionan una visión extraordinaria y rara de una producción gráfica controlada por el estado de Corea del Norte, que nos invita a suponer algo más sobre las vidas de los norcoreanos de a pie. Con más de quinientas imágenes reproducidas, se trata de un libro imprescindible para curiosos de la gráfica y obsesionados por el diseño bizarro.

Made in North Korea. Graphics From Everyday Life in the DPRK
Nicholas Bonner. Ed. Phaidon. 240 páginas. 27 x 20,5 cm. Inglés

Rebecca Roke se inspira en su formación arquitectónica y en sus amplias investigaciones y experiencia como escritora para exponer ideas sobre arquitectura y sobre la obra de profesionales destacados. Como directora de la revista Monument y corresponsal en Londres de Inside Interior Review escribió acerca del trabajo de diseñadores y arquitectos de todo el mundo. Rebecca, en su día editora de Foster + Partners en Londres, también es autora de Nanotecture y codirectora de la asesoría Corvo. En este extraño libro –que genera cierta fascinación– muestra cómo el ser humano se las apaña para crear diseños estables que puedan rodar, desdoblarse, saltar, deslizarse en trineo, flotar sobre el agua... Esta colección, de más de 250 imágenes, no se limita a tipologías icónicas como las tiendas de campaña y las caravanas, sino que ofrece una enorme variedad de estructuras móviles diseñadas para desiertos, océanos, playas, montañas y ciudades, lo cual pone de relieve una unión entre arte y movilidad. Mientras que unos proyectos recurren a la libertad para experimentar con materiales, tamaños, colores y conceptos de diseño, otros arrojan luz de manera más emotiva sobre la importancia del diseño de estructuras móviles. Movitectura también incluye diseños que ayudan a los refugiados que huyen de las zonas de conflicto, a los emigrantes económicos que esperan labrarse una vida mejor en otro lugar, a la migración medioambiental debida a causas naturales y a los sin hogar.

Movitectura: Arquitectura móvil. Rebecca Roke
Ed. Phaidon. 318 páginas. 13 x 19 cm. Castellano

La cuidadísima edición de este recopilatorio del ingente trabajo de José María Cruz Novillo en el ámbito de la identidad visual debería hacer reflexionar a algunos. Que se publique en Gran Bretaña y en inglés, también. Más allá, este libro es imprescindible para analizar su trabajo en conjunto, y entender que aunque trabaje muchas veces con la sencillez de geometrías y el contraste plano, en realidad sus marcas están diseñadas en su cabeza en el espacio tridimensional, como si la síntesis viniera después. Posiblemente no existe en nuestro diseño un maestro tan coherente en su trayectoria, tan poco alejado de sus principios, y sin embargo aun se le debe un reconocimiento desde las instituciones. Sí, ya sabemos que recibió el honorífico Premio Nacional… pero es anecdótico: sigue siendo un desconocido cuando su impacto visual en la memoria de las personas en este país es mucho mayor que el de cualquier artista contemporáneo, el de cualquier cineasta, y el de cualquier diseñador de moda. ¿Alguien puede imaginar que en Estados Unidos nadie conociera a Milton Glasser? Pues pregunten a sus vecinos quién es Pepe Cruz Novillo.


Cruz Novillo. Logos. Ed. Counter-Print
368 páginas. 20,5 x 21 cm. Inglés

Riad Sattouf (París, 1978) ha publicado Pascal Brutal, que obtuvo el Fauve d’Or en Angulema 2010, y Manual del pajillero. Entre 2004 y 2014 colaboró con Charlie Hebdo con la tira La vida secreta de los jóvenes. También ha colaborado con Télérama y, actualmente, con Le Nouvel Observateur. Asimismo, ha dirigido dos largometrajes, Les beaux gosses (2009), que ganó el Premio César a la mejor ópera prima de ese año, y Jacky au royaume des filles (2014), para el que también compuso la banda sonora. Con el Fauve d’Or 2015, otorgado a El árabe del futuro, Riad Sattouf se ha consagrado definitivamente como uno de los grandes autores de novela gráfica francesa. En esta tercera entrega de la serie, Sattouf se centra en los años del 1985 al 1987 y en los deseos de su madre de volver a Francia y abandonar Ter Maaleh.


El árabe del futuro, vol. III. Riad Sattouf
Ed. Salamandra. 152 páginas. Castellano, catalán

Desde la legendaria serie de cómic Tank Girl (La chica del tanque) hasta las animaciones de la banda musical virtual Gorillaz, pasando por incursiones en la ópera contemporánea china y una exposición en la Saatchi Gallery de Londres, el artista, compositor y diseñador Jamie Hewlett es una de las figuras más prolíficas y eruditas de la cultura pop contemporánea.
Con influencias tan diversas como el hip hop y las películas de zombis, Hewlett se dio a conocer a mediados de la década de 1990 como cocreador de Tank Girl, una serie de cómic que destiló el espíritu de una época. Con su compañero de piso Damon Albarn creó el singular grupo musical Gorillaz, una banda de pop virtual formada por cuatro personajes de dibujos animados para la que Hewlett y Albarn grabaron cinco álbumes, organizaron impresionantes espectáculos en directo y dieron forma a composiciones musicales de premio.
Desde entonces, Hewlett ha seguido colaborando con Albarn en proyectos como la exquisita y elaborada puesta en escena de la novela china Monkey: Journey to the West de Wu Cheng’en, donde no faltan acróbatas de circo, monjes shaolín y cantantes chinos. En 2006, el Museo de Diseño de Londres lo eligió mejor “diseñador del año”, y en 2009, él y Albarn recibieron el premio BAFTA por la secuencia animada Monkey para los Juegos Olímpicos de Pekín. Más recientemente, en una muestra titulada The Suggestionists, ha expuesto su obra gráfica en la Saatchi Gallery de Londres, donde ha quedado patente la nueva dirección que ha tomado la apasionante carrera de Hewlett.

Jamie Hewlett. Julius Wiedemann
Ed. Taschen. 424 páginas. 25 x 31,7 cm. Inglés

Alfons Mucha (Moravia, 1860 - Praga, 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau. Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas en escena teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Fue el mejor diseñador gráfico y artista decorativo checo, conocido por su estilo significado dentro de la estética del Art Nouveau. Produjo muchas ilustraciones, anuncios, postales, carteles y pinturas a lo largo de su vida. Este libro, publicado en japonés, es la mejor colección de obras características de Mucha, que abarca toda su carrera, desde sus inicios en París hasta sus últimos días en Chequia después de cuatro años en Estados Unidos. Como una característica especial, este libro introduce más trabajos de tipografía y diseño de paquetes en comparación con otras publicaciones sobre el trabajo de Mucha. Y, por supuesto, la obra maestra de Mucha, la “Epopía eslava” también se cubre en detalle, junto con una interpretación y sus antecedentes históricos.

The World of Mucha. Hiroshi Unno
Ed. PIE Books. 19 x 26 cm. 358 páginas

Frank Berzbach (1971) es profesor de Psicología y Pedagogía de los Media en la Ecosign Academy for Design y en la facultad de Ciencias Aplicadas de la Universidad de Colonia. Sean diseñadores, publicistas, artistas o artesanos 2.0, los profesionales de la creatividad parecen tener trabajos de ensueño donde solo hay espacio para la ideación, la experimentación y la novedad. Pero detrás de esta fachada de cristal se esconden personas que deben aprender a conciliar su yo creativo con el exceso de trabajo, el miedo a la hoja en blanco, las rutinas y las prosaicas exigencias de la vida real. Este libro propone cómo llevar una vida creativa que armonice con éxito el yo artístico con la cotidianidad. Con la lucidez y humor, Frank Berzbach ofrece una serie de recursos y técnicas para recuperar la espiritualidad sin que el estrés, el pensamiento negativo y, en definitiva, el lado más tedioso del trabajo hundan en lo más profundo el verdadero sentido que puede llevar a tomar la decisión de dedicar una vida a la creatividad.

El arte de llevar una vida creativa. Frank Berzbach
Ed. Gustavo Gili. 168 páginas. 15 x 21cm. Castellano

La luz es uno de los elementos clave en la fotografía. Hacer un buen uso de ella es uno de los mayores retos de los profesionales de la imagen. Hablar de iluminación no sólo es introducir o eliminar los puntos de luz adecuados en una escena, sino también asumir que la luz es una fuente de creatividad y expresión que influye en la visión de la imagen. Además de apasionado fotógrafo, Roberto Valenzuela es un profesor de talento, capacitado para desarrollar interesantes contenidos didácticos y de divulgación. Algunas de sus obras, «La fotografía perfecta» y «El posado perfecto», son ya importantes referentes del mercado bibliográfico en castellano y prácticos manuales de ayuda para muchos profesionales. Ahora en «La iluminación perfecta», el autor introduce el concepto de luz circunstancial. También incluye su prueba de iluminación, un interesante método para determinar la calidad de la luz. Este test permite determinar si necesitaremos ayudarnos de una luz de apoyo, aquella que se crea con difusores, reflectores, flashes, focos o modificadores, sobre los cuales hay un apartado especial en la obra.

La iluminación perfecta. Roberto Valenzuela
Ed. Anaya Multimedia. 320 páginas. 18,5 x 24 cm. Castellano

Leonard Koren estudió arquitectura pero nunca ha construido nada, excepto un excéntrico pabellón de té. Fue uno de los fundadores de WET: The Magazine of Gourmet Bathing, una de las revistas más influyentes en el desarrollo de la estética postmoderna. Desde entonces, ha escrito libros sobre cultura popular japonesa y sobre estética. Koren ha sido definido como un fabricante de libros aparentemente modestos sobre temas aparentemente modestos. Wabi-sabi es el rasgo más notable y característico de lo que consideramos la belleza tradicional japonesa. Puede llegar a ser un modo de vida. Es la belleza de las cosas imperfectas, mudables e incompletas. Es la belleza de las cosas modestas y humildes y no convencionales.

Wabi-sabi para artistas, diseñadores, poetas y filósofos
Leonard Koren. Ed. Sd-edicions. 14 x 21 cm.  96 páginas

La imagen, como objeto historiográfico y fuente documental de suma utilidad, parece estar constituyendo en la actualidad un campo de investigación interdisciplinar que algunos denominan “historia de la cultura visual”; donde, sobre todo, confluyen la Historia y la Historia del Arte. Así, el estudio de la iconografía, desde una perspectiva diferente a la tradicional, otorga una especial relevancia al contexto y el acervo ideológico-cultural en el que surge y cumple su función. Del mismo modo, a la influencia ejercida por los hábitos y usos visuales de cada etapa histórica, decisivos en la manera de ver y entender las imágenes. El arte, pues, es una consecuencia de las instituciones sociales de su entorno, mas ello no impide que sus artífices puedan transgredir las normas estilísticas refrendadas. A partir de este prisma metodológico, el libro explora el impacto del discurso ascético-espiritual en la producción artística de la Contrarreforma, pero desde el punto de vista de la religión. En un periodo histórico en el que la Iglesia se benefició de las cualidades seductoras y conmovedoras del arte, de su virtualidad ritualista y ceremoniosa, en aras de la transmisión y consolidación de principios ético-piadosos paradigmáticos.


El espíritu de la imagen. Carlos Alberto González Sánchez
Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 368 páginas.

James Laver (1899-1975) fue responsable de los departamentos de dibujo y pintura en el Victoria and Albert Museum de Londres, entre 1838 y 1959. También fue un historiador de la moda y pionero descrito como “el hombre que en Inglaterra hizo respetable el estudio del traje”, y definió las relaciones entre el diseño del vestido y otras artes aplicadas, al tiempo que discutió la influencia de factores económicos y sociales sobre el desarrollo del gusto de la moda. Los caprichos de la moda a lo largo de los siglos son una fuente de interés interminable, no solo como indicación de nuestra capacidad infinita de invención, sino también debido a la relación entre el disfraz y los patrones culturales cambiantes. Laver presenta en este estudio clásico los motivos subyacentes de la moda, así como un estudio de la historia del traje. Describe los medios que han sido adoptados para satisfacer las tres funciones de la ropa: la protección, la expresión de la personalidad a través de la exposición artística y el atractivo para los demás. La invención trascendental de la aguja (hace unos 40.000 años), haciendo posible la costura de pieles, y la posterior introducción del tejido, puso en marcha el desarrollo del traje tal como lo conocemos. Todos los grandes hitos históricos —el Renacimiento, la Revolución Francesa, la Revolución Industrial, la emancipación de la mujer, las dos guerras mundiales— provocaron cambios profundos en las actitudes hacia el vestir.


Breve historia del traje y la moda
James Laver. Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 324 páginas.