La imagen, como objeto historiográfico y fuente documental de suma utilidad, parece estar constituyendo en la actualidad un campo de investigación interdisciplinar que algunos denominan “historia de la cultura visual”; donde, sobre todo, confluyen la Historia y la Historia del Arte. Así, el estudio de la iconografía, desde una perspectiva diferente a la tradicional, otorga una especial relevancia al contexto y el acervo ideológico-cultural en el que surge y cumple su función. Del mismo modo, a la influencia ejercida por los hábitos y usos visuales de cada etapa histórica, decisivos en la manera de ver y entender las imágenes. El arte, pues, es una consecuencia de las instituciones sociales de su entorno, mas ello no impide que sus artífices puedan transgredir las normas estilísticas refrendadas. A partir de este prisma metodológico, el libro explora el impacto del discurso ascético-espiritual en la producción artística de la Contrarreforma, pero desde el punto de vista de la religión. En un periodo histórico en el que la Iglesia se benefició de las cualidades seductoras y conmovedoras del arte, de su virtualidad ritualista y ceremoniosa, en aras de la transmisión y consolidación de principios ético-piadosos paradigmáticos.


El espíritu de la imagen. Carlos Alberto González Sánchez
Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 368 páginas.

James Laver (1899-1975) fue responsable de los departamentos de dibujo y pintura en el Victoria and Albert Museum de Londres, entre 1838 y 1959. También fue un historiador de la moda y pionero descrito como “el hombre que en Inglaterra hizo respetable el estudio del traje”, y definió las relaciones entre el diseño del vestido y otras artes aplicadas, al tiempo que discutió la influencia de factores económicos y sociales sobre el desarrollo del gusto de la moda. Los caprichos de la moda a lo largo de los siglos son una fuente de interés interminable, no solo como indicación de nuestra capacidad infinita de invención, sino también debido a la relación entre el disfraz y los patrones culturales cambiantes. Laver presenta en este estudio clásico los motivos subyacentes de la moda, así como un estudio de la historia del traje. Describe los medios que han sido adoptados para satisfacer las tres funciones de la ropa: la protección, la expresión de la personalidad a través de la exposición artística y el atractivo para los demás. La invención trascendental de la aguja (hace unos 40.000 años), haciendo posible la costura de pieles, y la posterior introducción del tejido, puso en marcha el desarrollo del traje tal como lo conocemos. Todos los grandes hitos históricos —el Renacimiento, la Revolución Francesa, la Revolución Industrial, la emancipación de la mujer, las dos guerras mundiales— provocaron cambios profundos en las actitudes hacia el vestir.


Breve historia del traje y la moda
James Laver. Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 324 páginas.

Después de trabajar como ayudante artístico en Dark Horse Comics (a través del estudio con sede en Toronto Bright Anvil), Marvel le dio varios números de Marvel Age Spiderman, Marvel Knights 4 y X-Factor para que hiciera el dibujo a lápiz. Desarrollar y cocrear Bitch Planet con Kelly Sue DeConnick ha cambiado el rumbo de su carrera. Le han dicho que las críticas son excelentes, pero no las lee. De todos modos, está muy contento de que sean buenas. De Landro vive al este de Toronto (Ontario) con su esposa, Maya, y sus dos hijos. Bitch Planet es una distopía satírica en la que el sexismo institucional, el racismo y el fundamentalismo de la sociedad estadounidense no son algo implícito, sino sus propios principios fundacionales. En un futuro próximo la Tierra está gobernada por el Protectorado, un patriarcado que combina los peores elementos del predominio cristiano y la oligarquía corporativa. Bitch Planet es el fruto de un proyecto apasionado, audaz y subversivo cocreado por la guionista Kelly Sue DeConnick (Bella Muerte) y el dibujante Valentine De Landro. La forma en que han imaginado los personajes principales consigue hacer de ellos individuos complejos y convertirlos en símbolos del modo en que las mujeres son minusvaloradas en nuestra sociedad.

Bitch Planet. Kelly Sue DeConnick,
Valentine De Landro. Ed. Astiberri. 17,5 x 26,5 cm. 136 páginas.

Titulado en Diseño Gráfico por la Escuela Massana de Barcelona, Víctor Escandell comienza su trayectoria profesional como ilustrador en 1989 trabajando para la productora de animación D’Ocon Films Productions. Hace más de 15 años que es colaborador de El Periódico de Cataluña, y en prensa, ha ilustrado también para los diarios El Mundo, El País y La Vanguardia. Desde 1994 colabora con las principales agencias de publicidad ilustrando campañas gráficas y de TV, de ámbito nacional e internacional (McCann Erickson, Delvico Bates, TBWA, Euro RSCG, Bassat Ogylby, SCPF*, FMRG, Casadevall Pedreño, Morera Design, etc). En el mundo editorial ha publicado numerosos libros ilustrados, tanto para público infantil como para adulto, y gracias a sus variados registros estilísticos, colabora también como ilustrador para instituciones y empresas de diversos sectores. En 1998, funda Alehop, estudio que ofrece servicios de diseño gráfico e ilustración. Ha sido galardonado varias veces por su trabajo en premios como: Junceda, Anuaria, Daniel Gil y ÑH05 de Diseño Periodístico. En 2007 fue seleccionado como autor de habla catalana por el Institut Ramon Llull para la exposición de ilustradores en la Feria del Libro de Frankfurt. En Enigmas, Víctor propone un juego, en el que mediante la imaginación o la lógica, individualmente o en grupo, hay que dar solución a las adivinanzas propuestas.

Enigmas. Víctor Escandell. Ed. Zahorí Books
64 páginas. 24 x 29,5 cm. Castellano, catalán

Paco Roca (Valencia, 1969) es un versátil autor de cómic e ilustración. Comenzó a realizar trabajos de publicidad y acabó montando un estudio de ilustración en su ciudad natal. Pronto empezaría a compaginar los trabajos con los que se ganaba el sustento con la creación de relatos de cómic. Su trayectoria es extensa: El Faro, Arrugas –por la que recibió el Premio Nacional del Cómic en 2008, los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2008 y el Goya al mejor guión en 2012 de la versión al cine dirigida por Ignacio Ferreras, que también se llevó la estatuilla a la mejor película de animación–, Las calles de arena, Emotional World Tour, El invierno del dibujante, obra merecedora de los premios al mejor guión y mejor obra en el Salón del Cómic de Barcelona 2011, Memorias de un hombre en pijama, nominada a mejor obra nacional en la edición de 2012 de la citada feria de Barcelona, serie de la que ha publicado también Andanzas de un hombre en pijama y sobre la que está dirigiendo un largometraje de animación que, se prevé, se estrene en 2017. Después de ilustrar La metamorfosis, de Franz Kafka, le dio forma definitiva a El juego lúgubre. Con Los surcos del azar y ya en 2015 con La casa, una obra intimista en torno a la figura del padre desaparecido, Paco Roca ha demostrado situarse como un autor de primer nivel internacional.  Tras Memorias de un hombre en pijama (Astiberri, 2011) y Andanzas de un hombre en pijama (Astiberri, 2014), Paco Roca culmina con este tercer volumen la trilogía que protagoniza su álter ego, donde el creador valenciano demuestra de nuevo su más acentuada vis cómica y capacidad de observación al poner en su punto de mira la vida cotidiana de un cuarentón que por fin ha conseguido su sueño infantil de quedarse en casa todo el día con el pijama puesto. En este volumen incluye dos historietas nuevas realizadas para la ocasión –de 18 y 3 páginas–, así como sus colaboraciones en El País Semanal y Academia. Revista del Cine Español, nunca anteriormente recopiladas en un álbum, y pone de nuevo de actualidad una serie cuya traslación a la gran pantalla, que combina imagen animada y real, está pendiente de estreno –previsto para antes de fin de 2017– y en la que Raúl Arévalo da vida al sosias de Paco Roca.

Confesiones de un hombre en pijama
Paco Roca. Ed Astiberri. 22 x 27 cm. . 64 páginas.

Tras participar en la fundación de la revista El Tío Saín y colaborar con publicaciones como La Comictiva, Kovalsky Fly, Annabel Lee o Subterfuge, Pedro Vera (Murcia, 1967) comienza a publicar sus historietas en 1998 en la revista El Jueves. Es el padre de personajes como Nick Platino o los famosos Ortega y Pacheco, con una decena de libros publicados por El Jueves entre 2000 y 2010. En 2012 crea en la misma revista, Ranciofacts, donde repasa semanalmente las costumbres y dichos más rancios de la cultura popular española. Este es el primer volumen de la seire que reúne en una edición definitiva todas las hazañas de Ortega y Pacheco, los Bud Spencer y Terence Hill de la cultura popular española, los Starsky y Hutch de la caspa patria,. A lo largo de cuatro volúmenes, Ortega y Pacheco Deluxe recopila desde la primera hasta la última página de esta serie dibujada por Pedro Vera (autor de Ranciofacts) y publicada en El Jueves entre 1998 y 2012. El primer volumen incluye páginas publicadass en El Jueves entre 1998 y 2002, la primera historieta (inédita) de Ortega y Pacheco, tiras de los personajes nunca vistas y páginas publicas en La Opinión de Murcia antes del salto de la serie a El Jueves.

Ortega y Pacheco Deluxe Vol. 1. Pedro Vera
Ed. Astiberri. 20 x 25 cm. 200 páginas.

Leo Lionni nació en Amsterdam en 1910.Creció en un ambiente artístico -su madre fue cantante de ópera, y su tío Piet, aficionado a la pintura- y desde joven supo que ése sería su destino. Su formación no fue artística, ya que se doctoró en Economía. En 1931 se instaló en Milán y entró en contacto con el diseño gráfico. Cuando se trasladó a América en 1939, trabajó en una agencia de publicidad de Filadelfia, en la Corporación Olivetti y la revista Fortune. También iba creciendo su reputación como artista y sus cuadros se exhibían en las mejores galerías, desde Estados Unidos a Japón. Como él mismo dijo: “De algún modo, en algún lugar, el arte expresa siempre los sentimientos de la infancia”. Su su primer libro para niños no llegó hasta 1959, y surgió casi por casualidad: durante un viaje en tren se le ocurrió entretener a sus nietos con un cuento hecho a base de trozos de papel de seda. Así nació “Pequeño Azul y Pequeño Amarillo”, que fue el primero de más de 40 obras, aclamadas en todo el mundo por la crítica especializada. Este clásico de Leo Lionni, publicado por primera vez en 1969, es la historia de Álex y Guille, dos ratones de distinta naturaleza –uno de carne y hueso; otro mecánico– unidos por la amistad. Esa diferencia no es obstáculo para que se hagan compañía, compartiendo aventuras y felicidad. Premiado con la Medalla de Honor Caldecott, este álbum ilustrado con la técnica del collagey de gran simplicidad gráfica, es representativo del característico estilo artístico de su autor.

Álex y el ratón de cuerda. Leo Lionni
Ed. Kalandraka. 22x27,5 cm. 40 páginas

Jordi Pastor (Barcelona, 1977) ha realizado ilustraciones para editoriales como Cruïlla/SM, Barcanova o Editorial Sol 90. También storyboards para diferentes campañas de publicidad. En cuanto al cómic, es autor de Padre, Reacción, Encuentro y Vaquero. Ha dibujado Khalid, con guión de Damián Campanario, y ha participado en obras colectivas como Barcelona TM, Revolution Complex, Tales From the End of the World o Barcelona viste de negro, y Rubor. Como dibujante también ilustra las portadas de las llamadas “novelas de bolsillo” para el mercado americano de autores míticos como Frank Caudett o Curtis Garland. Además del dibujo, también tiene una carrera paralela como director (uno de sus cortometrajes fue premiado en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya Sitges) y como fotógrafo de temática erótica para la página Nude Tales. En Catálogo de Bunkers Eric K., escritor frustrado, manipulador vocacional, aficionado al tiro al plato y exempleado de la empresa Bunkers, recorre con su hijo Alexander un mundo postapocalíptico en el que una nada desdeñable proporción de los supervivientes de la crisis humanitaria-ecológico-económica-moral conocida como Segunda Tormenta Perfecta Mundial permanecen recluidos en sus búnkeres particulares. Eric K. conoce las localizaciones y las claves de acceso de varios de estos refugios, y está decidido a saquearlos, a matar a cualquiera que se interponga en su camino y a justificar sus actos ante su vástago, al que le impone un sistema de creencias enfermizo. Para el guionista Raule, Jordi Pastor dota a “esta odisea paternofilial de una narrativa excepcional, escenarios cautivadores y un color, maravilloso color, cargado de malas intenciones”. Raule subraya que “nada es hermoso, sencillo o amable en este tebeo. Quizás por eso me ha entusiasmado sobremanera”.


Catálogo de Bunkers. Jordi Pastor, Marcos Prior
Ed. Astiberri. 17,5 x 24,4 cm.. 104 páginas

La vida, signifique lo que signifique, no es algo que pueda explicarse desde la eternidad. La memoria de Mariano Fortuny y Marsal ha estado demasiado condicionada por la épica de un destino artístico situado más allá de los avatares terrenales. Sin embargo, como todos los seres humanos, hubo de conciliar sus aspiraciones personales con la complejidad de un sistema que cambiaba rápidamente, condicionado por las apariencias y el dinero. A mediados del siglo XIX, el arte empezó a funcionar como un elemento de prestigio para una nueva élite deseosa de exhibir su poder, no siempre experta en sutilezas estéticas. La posesión y el reconocimiento de las obras de Fortuny se convirtió en un signo de distinción de clase. Esta circunstancia singular sirve en este libro de arranque para adentrarse en un universo de intereses mundanos que supera la pura trayectoria vital del pintor, observada desde puntos de vista como la amistad, el amor, la frivolidad, la presunción, el sexo o la nostalgia. Todo ello a través de un relato fresco y ágil alejado de la perfección de los grandes discursos.


Fortuny o el arte comodistinción de clase
Carlos Reyero. Ed. Cátedra. 12,5 x 18 cm. . 400 páginas.

Partiendo del estudio de los mitos fundacionales acerca del origen y la naturaleza de la luz, de la visión y del invento de la imagen figurativa, Román Gubern analiza con agudeza las principales manifestaciones prácticas en que se ha plasmado la expresión icónica en la cultura de la modernidad occidental, para desembocar finalmente en un nuevo mito, en el de penetrar en el interior de las imágenes, una aspiración arcaica que hoy tiene su manifestación más popular y expansiva en la tecnología de la Realidad Virtual Inmersiva.


Dialectos de la imagen. Román Gubern
Ed. Cátedra. 12 x 17 cm. . 272 páginas.

Sozapato es licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Central de Ecuador, graduada en Diseño Gráfico en el Instituto Metropolitano de Diseño de Quito y ha completado su formación con un Máster de Libro Infantil Ilustrado en la Escuela i con i, en Madrid. Como ilustradora, ha trabajado con editoriales de Ecuador, Chile, Colombia y España. Ha ganado varios premios de dibujo, pintura y diseño. Su primer libro como autora, “Colorín colorado”, fue seleccionado para representar a Ecuador en la lista de honor IBBY 2014. También ha estudiado artes escénicas en el laboratorio Malayerba y en El Teatro del Cronopio, especializándose en teatro-clown. Actualmente forma parte del colectivo teatral español-ecuatoriano El Gran Ticlop. En Matilde, Sofía presenta una historia actual evocadora de una antigua leyenda sobre un pincel mágico. Trata sobre el poder de la imaginación y la creatividad; un poder incluso indómito, si quien lo maneja no sabe controlarlo. En este sentido, se aprecia un guiño al oficio artístico y al papel del maestro como guía. La obra, con un final abierto, no se agota en un primer acercamiento, sino que permite descubrir nuevos detalles y personajes de oculto protagonismo en sucesivas lecturas. Con una estudiada narrativa que compensa la ausencia de palabras, está estructurado en grupos de viñetas y en escenas a doble página, incluyendo representaciones de estilo cinematográfico propias del lenguaje de la banda diseñada, que refuerzan el carácter dinámico del relato.

Matilde. Sofía Zapata Ochoa, SOZAPATO
Ed. Kalandraka. 16 x 16 cm.. 48 páginas

Los libros de texturas, como los de clip-arts, son un género en horas bajas. Pero Yoko Kibamoto debió pensar que tendría sentido si el contenido justifica volver al pasado, edición sencilla pero cuidada, impresión excelente, incluso el socorrido y casi extinto cedé colgando en bolsa de plastico de la contraportada. Más de 300 imágenes de patrones dibujados a mano, en su mayoría acuarelas, con motivos de suave plasticidad, muy de acuerdo con la estética marcada hoy por el handcraft y el do it yourself… Seguro que tendrá su público. En internet está todo, pero quizá lo mejor haya que buscarlo aun en el papel.


Cute hand-drawn patterns. Yoko Kibamoto
Ed. PIE Books. 20 x 26 cm. 128 páginas

La dibujante estadounidense Sarah Glidden acompaña a dos amigos reporteros –fundadores de una organización de periodismo sin ánimo de lucro– en un viaje por Turquía, Siria e Iraq con el fin de descubrir historias que ilustren el efecto causado por la guerra de Iraq en Oriente Próximo en general, y en los refugiados en particular.
Al trío se une un amigo de la infancia y exmarine, cuyo servicio en Iraq aporta un punto de vista inesperado y a menudo desconcertante, tanto para las personas que van conociendo en el camino como para ellos mismos. A lo largo del periplo, Glidden observa que los reporteros repiten la misma pregunta: «¿Quién eres?» Y todos sus interlocutores tienen una historia interesante que contar: el bloguero iraní, un representante de las Naciones Unidas, un taxista,  un iraquí expulsado de  Estados Unidos, los iraquíes que buscan amparo en Siria e incluso el marine estadounidense. Ganadora del premio Ignatz al Mejor Nuevo Talento por Una judía americana perdida en Israel, Sarah Glidden registra todo lo que se va encontrando con una mirada minuciosa y receptiva. Este libro, ilustrado con las acuarelas tenues características de Glidden y escrito con honestidad y candor, afianza a su autora como una de las voces de no ficción más originales del momento.



Oscuridades programadas: crónicas desde Turquía, Siria e Irak
Sarah Glidden. Ed. Salamandra 17 x 24 cm. 304 páginas

A través de 21 demostraciones paso a paso, se proponen técnicas para dibujar vestuario, peinados, herramientas, armas, joyas y accesorios. Este libro profundiza en las escenas de ciencia ficción y desarrolla múltiples personajes. Partiendo de nociones muy básicas, avanza aplicando el academicismo en el dibujo básico de la figura humana para trasladarlo al lenguaje de la hoistoprieta de ciencia ficción.


Sci-fi Fashion. Irene Flores, Ashly Raiti
Ed. Anaya Multimedia / Espacio de diseño. 144 páginas. 21 x 27 cm.

Son pocos los cuadros en la historia de la pintura que han ejercido una atracción tan intensa y permanente como el “Guernica”, obra pintada por Pablo Picasso en 1937 para el Pabellón de la República española en la Exposición Internacional de París. Tras un largo periodo en el que la obra permanece depositada en el Museum of Modern Art de Nueva York, su llegada a España en 1981 tiene una significación trascendental en el momento de la transición a la democracia. Su devolución supone el final de un largo proceso que va desde la gestación del cuadro hasta las negociaciones para su traslado a España, revistiendo una gran importancia desde el punto de vista de la recuperación de nuestro patrimonio artístico, y marca el final de la transición política y cultural tras los años de dictadura. Las nulas relaciones del artista con el régimen franquista, que le consideraba un enemigo político por su militancia comunista y su apoyo a la causa republicana, no impidieron que Franco diera su visto bueno en 1968 a la primera reclamación oficial del cuadro. En un momento de apertura y promoción del arte de vanguardia español fuera de nuestras fronteras, el régimen buscaba recuperar la obra maestra de Picasso que, afincado en Francia, ya era reconocido como el artista más destacado del siglo XX. Gran parte de la documentación manejada durante esta investigación es inédita y procede del archivo del Ministerio de Asuntos Exteriores, así como del Archivo Histórico Nacional.

El Gernica recobrado. Genoveva Tusell
Ed. Cátedra. 16,5 x 24 cm. 384 páginas

Luis Bustos nació en Madrid, en 1973. Dibujante de cómics, ilustrador y grafista. Comienza su carrera en 1996 con Rayos y centellas, junto al guionista David Muñoz. De un estilo gráfico versátil, ha realizado trabajos en varios géneros y formatos que van desde el comic book, el álbum europeo, el humor para prensa o la novela gráfica. Como autor completo destacan Endurance, un relato de aventuras sobre la expedición antártica de Ernest Shackleton; el cómic juvenil Zorgo o Versus, adaptación libre del relato de Jack London Por un bistec. Ha colaborado en el semanario humorístico El Jueves (2012-2014) y actualmente en la revista digital Orgullo y Satisfacción. Otros trabajos como dibujante son Residuos, junto a David Muñoz y Antonio Trashorras, o ¡Infiernos!, con guión de John Tones. Con Santiago García ha realizado los dos tomos de los que consta, por ahora, ¡García!. En Los vecinos de Puertadeluz, una urbanización de las surgidas al amparo de la burbuja inmobiliaria, procuran vivir el día a día con la falta de servicios, el desinterés del Gobierno central y el peligro creciente de las bandas criminales nómadas que asolan las carreteras.
Es ahí donde vive Alicia, una adolescente de 14 años, junto con su hermano y su padre.
En una de sus incursiones por la denominada “zona fantasma”, que no es sino una parte de la ciudad abandonada en mayor medida a causa de las obras no finalizadas, descubrirá una misteriosa caja encaminada a desencadenar una espiral de sucesos que afectarán de pleno a la comunidad.
Este planteamiento que propone Luis Bustos le permite firmar un thriller futurista reflejo de un modelo sociopolítico en crisis, en el que se perciben referencias tanto a J. G. Ballard como a la película Sólo ante el peligro.


Puertadeluz. Luis Bustos
Ed. Astiberri. 17 x 24 cm. 128 páginas

Emmanuelle Tchoukriel estudió Artes Aplicadas y amplió su formación en el ámbito de la comunicación visual antes de ingresar en la Escuela Estienne de París y de especializarse en ilustración médica y científica. Sus “inventarios” responden a esa especialización, pero trasladando a un lenguaje gráfico accesible y próximo el conocimiento de la naturaleza, sin perder rigor.
En todo el mundo existen alrededor de 230.000 especies de plantas con flores. Donde podemos encontrarlas con más abundancia es en los bosques tropicales. En Europa contamos aproximadamente con 12.000 especies diferentes, de las cuales en la península Ibérica podemos observar unas
5.000… Las páginas del Inventario ilustrado de flores son un festival de colorido -y de aromas sugeridos- que, a través de 62 tipos de flores, nos lleva de viaje por todo el mundo: desde las regiones de África del Sur de donde viene el ave del paraíso, hasta la isla indonesia de Sumatra de donde es originario el efímero aro gigante, pasando por las praderas próximas donde crecen las margaritas.


Inventario ilustrado de flores. Emmanuelle Tchoukriel / Virginie Aladjidi
Ed. Kalandraka. 21,5 x 30 cm. 72 páginas

José Domingo (Zaragoza, 1982), inicia su andadura profesional en el ámbito de la animación como diseñador de personajes y dibujante de storyboards en Dygra Films. En estos años, forma parte del colectivo Polaqia y en 2008 publica su primera obra, Cuimhne. El fuego distante (Dolmen), con guión de Kike Benlloch, al tiempo que dibuja multitud de historias cortas. En 2011 publica por vez primera Aventuras de un oficinista japonés (Bang Ediciones), su primera obra larga en solitario, con la que obtiene el premio a mejor obra nacional en el 30.º Salón Internacional del Cómic de Barcelona. También publicado en Reino Unido y Estados Unidos por Nobrow Press, recibió por dicha edición una nominación a los premios Eisner 2014 en la categoría de mejor cómic internacional. Tras publicar Conspiraciones en 2013, realiza Pablo & Jane en la Dimensión de los Monstruos en 2015, su primer álbum infantil, una mezcla de cómic, libro ilustrado y libro-juego con un colorido plantel de cientos de monstruos. Su trabajo aparece en diversas antologías y obras colectivas, José Domingo es parte del equipo de arte del filme de animación Psiconautas, dirigido por Alberto Vázquez y Pedro Rivero, y ganador del Goya a mejor película de animación en 2017. En esta obra cuenta como un anodino oficinista japonés sale del trabajo, sin sospechar que se le viene encima la más loca y disparatada odisea para volver a casa: yakuzas, yokais, sushis gigantes apisonadores, familias caníbales, camioneras enamoradizas, yetis, esqueletos y brujas. El personaje es vapuleado por las circunstancias y vive, o más bien padece, una sucesión de peripecias cómicas sobre las que no tiene ningún control. José Domingo explica que, de cierta forma, “es una metáfora del día a día, lo que te rodea te acaba superando y, al final, de lo que te das cuenta, como el oficinista, es de que lo mejor que puedes hacer es dejarte llevar”. Inspirado en los videojuegos antiguos y la cultura pop, vibrante de color, detalles y personajes, esta nueva edición de Aventuras de un oficinista japonés cuenta con una útil guía de lectura a cargo del crítico Gerardo Vilches, para no perderse ni un detalle del retorno a casa más rocambolesco.


Aventuras de un oficinista japonés. José Domingo
Ed. Astiberri. 24 x 33 cm. 128 páginas

John Arne Sæterøy, Jason, nació en Molde (Noruega) en 1965. Tras realizar estudios secundarios y pasar un año en el Ejército, entró en una escuela artística de Oslo. En 2002 obtuvo el premio Harvey al autor revelación. La historieta y la ilustración han sido sus principales ocupaciones en los últimos años. Sus cómics se han publicado en Noruega, Suecia, Dinamarca, Finlandia, Francia, Alemania, Holanda, Eslovaquia, Suiza, Estados Unidos y España. Actualmente reside en la ciudad francesa de Montpellier. Para celebrar su 50 cumpleaños Jason decidió probar la experiencia de recorrer el Camino (era eso o comprarse un Porsche). Un noruego en el Camino de Santiago es el relato de ese viaje, 32 días y 800 kilómetros desde San Juan de Pie de Puerto hasta Finisterre, con lo bueno (la gente, las conversaciones) y lo malo (las ampollas, las chinches), todo ello trufado de pequeños incidentes, extraños encuentros y modestos triunfos. Jason ofrece una nueva faceta de su gran talento de narrador y del peculiar sentido del humor nórdico.

Un noruego en el Camino de Santiago. Jason
Ed. Astiberri. 16 x 21 cm. 192 páginas

El nombre de Malagón está asociado indivisiblemente a dos cosas: al humor y al activismo social. Desde sus inicios —en medios como El Jueves, la revista Tiempo, o El Mundo, entre otros— en sus viñetas nos ha mostrado con su visión ácida esa realidad que nos rodea a los españoles y a la que parecemos habernos sometido o, al menos, acostumbrado. Sus ilustraciones cargadas de sarcasmo son como flechas dirigidas a despertar nuestra conciencia social. Nada mejor que un examen humorístico de la actualidad para darnos cuenta de la realidad que nos ha tocado vivir y para luchar por un mundo mejor. En estado crítico es una obra de humor gráfico en la que podemos admirar el talento de Malagón en estado puro, un imprescindible del activismo gráfico.



En estado crítico. Malagón (José Rubio)
Ed. Inventa. 12,5 x 19 cm. 96 páginas

Nacido en San Marino (Italia) en 1965, G. Toccafondo es un artista, animador y dibujante italiano. Sus cortometrajes han recibido menciones especiales en festivales como Berlín, Chicago o Venecia. Es autor de la celebrada animación que abre la película Robin Hood de Ridley Scott. Ha sido asistente de dirección del film Gomorra. Como ilustrador, ha colaborado con distintas editoriales italianas y es autor de un volumen ilustrado de Las aventuras de Pinocho (Japón, 1999), del que también hizo un corto animado. Esta edición ilustrada esta compuesta por cuatro relatos que transcurren durante el estallido de la guerra civil y los crueles y vengativos primeros años de la posguerra. La rotundidad de la prosa, directa y proverbial, sustentada por un mantenido vigor poético,  lo dramático de las vidas que se retratan o la sutileza con que se vinculan las cuatro historias le valieron a Alberto Méndez el reconocimiento de los lectores de todo el mundo y la convicción general de que esta no es una narración más sobre la guerra civil, sino una de las más emocionantes escritas hasta ahora. Se trata de la primera y única obra de Alberto Méndez, que le valió póstumamente el Premio Nacional de Narrativa y el unánime reconocimiento internacional. La edición separa de manera marcada la obra de Méndez, que abre el todo como texto seguido. La interpretación ilustrada de Toccafondo, a continuación, toma referencias escritas, apenas frases, para a modo de cuaderno proponer el contrapunto y complemento a la obra de Méndez.

Los girasoles ciegos. Alberto Méndez / Gianluigi Toccafondo
Ed. Edelvives. 24 cm x 19 cm. 256 páginas

Benjamín Lacombe es un ilustrador y autor Francés nacido el 12 de julio de 1982 en París, donde actualmente vive y trabaja. Sus ilustraciones se destacan por un estilo caricaturesco que denotan elegancia, fragilidad y melancolía. En 2001 se unió a la Escuela Nacional de Artes Decorativas (ENSAD), en París, donde continuó su formación artística. Durante sus estudios, Benjamín trabajó en publicidad y animación y, con sólo 19 años, edita su primer cómic. Si bien la mayoría de las producciones de Lacombe conciernen al sector juvenil, también publicó libros ilustrados para adultos incluyendo entre ellos una reversión de los “ Cuentos Macabros “ de Edgar Allan Poe, con la traducción de Baudelaire, como así también la historia de “ Notre-Damede París “ con texto íntegro de Victor Hugo. Esta edición presenta la versión íntegra del clásico de Lewis Carroll donde se narran las aventuras de Alicia y otros extraños personajes en el mundo mágico del País de las Maravillas, ilustrado por Benjamin Lacombe. Incluye una sección final con correspondencia del autor con Alice Liddell y otras niñas, apuntes a la edición y datos cronológicos y biográficos.


Alicia en el País de las Maravillas. Lewis Carroll / Benjamin Lacombe
Ed. Edelvives. 27,5 x 19,5 cm. 298 páginas

Josiah Brooks, es conocido por su canal de Youtube Draw with Jazza, con más de 800.000 suscriptores en todo el mundo. Propone en este libro un método para crear paso a paso personajes de ficción. Desde una estética clásica de héroes y heroínas de acción hasta la imagen más steampunk actual. Las técnicas abatcan contexto, carácter y morfología; a partir de ahí, se propone la definición de estilo, esquemas de colores y los posibles escenarios en un contexto real que delimite la apuesta final.


Cómo crear personajes de cómic y animación. Josiah “Jazza” Brooks
Ed. Anaya Multimedia / Espacio de diseño. 144 páginas . 21x27 cm.

De la fregona al Airbus se presenta como una guía para todos aquellos emprendedores, empresarios y diseñadores que quieren lanzarse a la piscina de la innvocación y promover sus propios productos en un mundo en el que parece que ya no queda nada por inventar. Para ello, Juli Capella y Antonio Monturiol nos hacen viajar a través de la historia de los inventos españoles más curiosos de Manolo Jalón, además de complementarlo con propias experiencias y recopilando una serie de consejos para poner en práctica. Hay que localizar los problemas de la sociedad para darles una solución, empleando también técnicas de I+D+i y sobretodo, usando la imaginación y la creatividad que lleva dentro el ser humano. Quien domine esto podrá trabajar en cualquier área logrando siempre resultados positivos. Además, incluye una recopilación de pequeños y grandes inventos universales que han hecho un poquito más fácil y práctica la vida de las personas.


De la fregona al Airbus. Juli Capella, Antonio Monturiol
Ed. LID. 17 x 24 cm. 223 páginas

La literatura y la poesía del Medio Oriente ha fascinado desde siempre la imaginación de los europeos con sus misteriosas atmósferas y las historias de tierras exóticas. Desde el siglo XVIII hasta principios del XX, se publicaron varias ediciones europeas de estas historias que incluían ilustraciones imaginativas de destacados ilustradores europeos como Kai Nielsen, Edmund Durac entre otros. Este libro recoge el imaginario creado en occidente a partir de los textos y referencias artísticas de la cultura islámica.



A Thousand and One Nights: The Art of Folklore, Literature, Poetry, Fashion & Book Design of the Islamic World. Hiroshi Unno. Ed. PIE Books. 25,7 × 18,6 cm.. 296 páginas

Arnold Lobel nació en Los Ángeles en 1933, estudió Arte en el Pratt Institute, donde conoció a la que sería su esposa, la ilustradora Anita Kempler. Empezó trabajando para una agencia de publicidad y posteriormente se dedicó a ilustrar historias escritas por otros autores. En 1962 apareció su primer libro, “A Zoo for Mister Muster”, al que le siguió un año después “A Holiday for Mister Muster”. Como autor e ilustrador recibió numerosos reconocimientos por parte del público y la crítica especializada. Entre los premios logrados destacan el Caldecott Honour Book, el Christopher Award, el Caldecott Award y el Newbery Honour Book. A lo largo de su trayectoria ilustró unos 70 libros de otros escritores, a los que se sumaron casi una treintena más escritos e ilustrados por él mismo. Arnold falleció en Nueva Yorken 1987. Los “guarripios” de Arnold Lobel son poemas que el traductor Miguel Azaola ha adaptado y actualizado con maestría, sin perder ni pizca de la rima, el ritmo y el grotesco humor de la obra original de 1983. Siguiendo la estructura del original, que consta de cinco versos ajustados al esquema poético AABBA, cada estrofa es una pequeña historia divertida y disparatada, lúdica y absurda, fresca e ingeniosa. El propio autor se involucra en el juego cómico retratándose con aspecto porcino, tanto al principio como al final del libro; un recurso que hace a los lectores partícipes del proceso creativo. El resultado es un viaje por distintas ciudades y países donde los personajes experimentan situaciones insólitas y rocambolescas que Arnold Lobel representa en una sucesión de viñetas que destacan por su colorido, detallismo y expresividad.



El Libro de los Guarripios. Arnold Lobel
Ed. Kalandraka. 20,5 x 25,5 cm.. 48 páginas

Lightroom Mobile es la extensión de la versión de ordenador de la conocida aplicación para el tratamiento de imágenes digitales. Permite a los usuarios unificar los servicios entre sus dispositivos e incorpora las funciones de edición en iPads, iPhones y Android.  Scott Kelby, el autor de manuales sobre fotografía digital más conocido en el mundo, realiza en este libro un análisis detallado de las posibilidades que esta aplicación permite.Desde como administrar colecciones, agregar banderas Pick y calificaciones de estrellas, a mover imágenes, reproducir presentaciones de diapositivas y, por supuesto, a editar las imágenes, con las mismas funciones de la versión de escritorio.



Lightroom Mobile. Scott Kelby
Ed. Anaya / Photo Club. 160 páginas. 18,5 x 24 cm.

En este libro, el ilustrador y youtuber Alejandro Rubio comparte sus conocimientos para una aproximación sencilla y práctica a la lustración. A través de descripciones paso a paso, consejos sobre materiales, técnicas y trucos especiales, Alejandro hace un repaso a distintos estilos de dibujo, de manera didáctica.

Atrévete a dibujar. Alejandro Rubio
Ed. Anaya Multimedia / Espacio de diseño
136 páginas. 21 x 27 cm.

Han pasado cuatro años desde que José María Mellado publicó su última versión de Fotografía de Alta Calidad. Tras un profundo análisis de su metodología didáctica y teniendo en cuenta los importantes cambios tecnológicos que se han producido en este periodo, José María nos acerca una nueva y revolucionaria versión de su texto clásico. Con un enfoque diferente y todavía más práctico y sencillo de entender. Dirigido tanto al fotógrafo aficionado como al experto o al profesional, este libro ofrece una renovación completa y profunda de «el Método Mellado»; con nuevos temas nunca publicados anteriormente en sus libros y un tratamiento más detallado y práctico de todas sus técnicas y métodos. Además, el lector tiene acceso a todos los archivos originales empleados en el libro para poder seguir las técnicas explicadas con Photoshop y Lightroom CC 2017.




Los fundamentos de la fotografía. José María Mellado
Ed. Anaya / Photo Club. 480 páginas. 19,5 x 25,5 cm.

Bruno Mollière es un urban sketcher amante del dibujo, la escritura, la observación de la naturaleza y el senderismo. En 2002 creó Randocroquis, una empresa que le permite dedicarse profesionalmente a estas cuatro pasiones combinando los paseos y el senderismo con el dibujo. Es editor de la revista Le Journal du Randocroqueur. Sin esquemas complicados ni teorías rebuscadas, estas páginas muestran trucos y consejos para encontrar la línea de horizonte y las aristas que estructuran los dibujos, definir los puntos de fuga, medir las inclinaciones o realizar los trazos ordenadamente.


La perspectiva en urban sketching. Trucos y técnicas para dibujantes
Bruno Mollière. Ed. Gustavo Gili. 15 x 21cm. 96 páginas. Castellano

Vicent Llobell Bisbal, “Sento” (Valencia, 1953) Tras licenciarse en la facultad de Bellas Artes de Valencia, ejerce como profesor de anatomía en la misma facultad entre 1979 y 1981, año en el que abandona la docencia para dedicarse a dibujar cómics. Etiquetado, dentro del movimiento de la “línea clara”, como uno de los integrantes de la llamada Nueva Escuela Valenciana de los años 80. Publica títulos como Romance, El Laboratorio del Dr. Arnau, Ruinas, Cazando millonarios y El cartero audaz con guiones propios. Velvet Nigths (con el escritor Ramón de España) y la serie Tirant lo Blanc con guión del novelista Jaume Fuster. En la actualidad reside en Sagunto (Valencia), sigue dibujando cómics y ha vuelto a tomar contacto con la docencia impartiendo cursos de postgrado en la Facultad de Bellas Artes de Valencia y cursos monográficos en la Escuela Superior de Arte y Tecnología de la misma ciudad. El verano de 1936, Pablo Uriel, un joven de veintidós años recién licenciado en Medicina, empezaba ilusionado su andadura profesional y se enfrentaba a su primer destino como médico. En ese momento no podía ni imaginar que, de repente, su vida y la de todo el país se iba a convertir en una terrible pesadilla. Los testimonios minúsculos, como el suyo, no suelen figurar en los grandes libros de Historia y acaban desapareciendo... Pero Sento se ha encargado de que, ochenta años después, la pequeña gran historia del doctor Uriel sea difícil de olvidar. Publicado originalmente en tres tomos –Un médico novato, Atrapado en Belchite y Vencedor y Vencido–, Doctor Uriel recopila la historia completa en este integral. Aún en plena dictadura el doctor Uriel consiguió escribir sus memorias que vieron la luz en una pequeña edición familiar publicada en 1988, dos años antes de su muerte. Sento Llobell, autor de la trilogía y yerno de Uriel confiesa que Cuando leí las memorias me quedé impresionado. Siempre pensé que tenía que hacerlo.


Dr. Uriel. Sento. Ed. Astiberri
19,5 x 27,5. 432 páginas. Castellano

Tyto Alba (Badalona, 1975) da sus primeros pasos profesionales como pintor exponiendo en varias galerías de Barcelona. Durante una estancia en México, D. F., comienza su carrera de dibujante, donde realiza su cómic Black River Together (Ediciones del Castor, 1999) y varias historietas cortas para diferentes publicaciones. A su vuelta, trabaja durante años ilustrando artículos de opinión en El Periódico de Catalunya y desarrolla el proyecto PDA (Pequeños Dibujos Animados) mediante la realización de cortometrajes de animación en colaboración con niños de diferentes países. Guionista y dibujante, entre sus numerosos libros destaca La casa azul, un homenaje a dos figuras eternas, Frida Kahlo y Chavela Vargas. La amistad entre dos jóvenes artistas, Pablo Ruiz Picasso y Carles Casagemas, en la Barcelona, Málaga y el París de principios del siglo XX es la idea sobre la que gira La vida, la nueva obra de Tyto Alba, en esta ocasión de nuevo como autor completo. Ambos, Picasso y Casagemas, se conocen en un café de la Barcelona bohemia y, atraídos por el talento y la personalidad del otro, acabarán por ser inseparables, formando una de las relaciones de amistad entre artistas más interesantes y misteriosas de la historia.



La vida. Una historia de Carles Casagemas y Pablo Picasso
Tyto Alba. Ed. Astiberri. 96 páginas. 17 x 24 cm. Castellano

Lo que hoy llamamos cómic es una expresión que nace en el siglo XIX pero tiene sus raíces en la necesidad humana de narrar a través de imágenes que le sobrevivan. Este impulso construye “una arquitectura de la mente”, una estructura que ocupa el espacio bidimensional de la página, habitada por nuestras pulsiones convertidas en personajes de todo tipo. Este libro reflexiona en torno a ese medio de dos dimensiones, que en su sofisticación consigue representar hasta cuatro, contando las del espacio y el tiempo. Es un viaje con paradas tanto en el clásico popular del número 13 de la Rue del Percebe como en las páginas medievales de los Beatos, que se detiene a mirar cómics realizados por arquitectos o arquitectura concebida por autores de viñeta, que compendia teorías que desentrañan este medio gráfico y cierra con un catálogo de estrategias para contar historias mientras se dibujan ventanas o escaleras.

Cómic, arquitectura narrativa. Enrique Bordes
Ed. Cátedra. 408 páginas. 19,5 x 24 cm.

Pep Brocal (Terrassa, 1967) publica sus primeros trabajos en las revistas Comix Internacional, Totem y Zona 84 (Toutain Editor, 1984-1987), para pasar posteriormente a Cairo con la serie John Pájaro (Norma Editorial, 1989-1990), con guiones propios, de Óscar Aibar y de Manel Fontdevila. Recibe el premio al autor revelación en el XIII Salón Internacional del Cómic de Barcelona en 1995. Desde 1979 ha ilustrado más de 60 libros infantiles y juveniles, hace serigrafía, xilografía e imparte un curso de ilustración en la escuela EINA (Barcelona, 2006-2017). Con Blanca Hernández y Laura Miyashiro funda la editorial Badabum, plataforma independiente dedicada a la obra gráfica y a la experimentación en papel (2010-2016). Para el cineasta Álex de la Iglesia –que comenzó siendo autor de cómics–, Pep Brocal construye con Cosmonauta Un cuento sólido y terrible sobre la condición humana, de una profundidad y sencillez apabullantes, como las grandes obras maestras. Una lección sobrecogedora de una nueva filosofía: el nihilismo alegre, el único inteligente. Pep nos enseña que las grandes verdades se entienden mejor con viñetas.


Cosmonauta. Pep Brocal. Ed. Astiberri
176 páginas. 17 x 24 cm. Castellano

Jordi Gumí (1931-2013) fue un fotógrafo catalán especializado en fotografía industrial, comercial y editorial. Durante cerca de treinta años fue profesor de fotografía en la Escola Massana de Barcelona y, en su doble vertiente de químico y fotógrafo, escribió sobre fotografía e investigación artística. Este libro recoge los conocimientos fundamentales para exprimir al máximo las posibilidades técnicas del proceso fotográfico tradicional: desde el funcionamiento de la cámara oscura, las características del material fotográfico o las condiciones de iluminación, hasta nociones básicas de química aplicada, o las bases de la composición de la imagen. Un libro sencillo y práctico, nacido de las anotaciones del autor para sus clases de fotografía en la Escola Massana de Barcelona, que nos introduce al original universo de la fotografía analógica.



Apuntes de fotografía. Recursos y técnicas básicas de fotografía analógica
Jordi Gumí. Ed. Gustavo Gili. 14 x 20cm. 112 páginas. Castellano

Los libros sobre técnicas fotográficas de Scott Kelby son un éxito de ventas en todo el mundo. Ahora llega con nuevos conceptos: una obra concebida desde cero para explicar con detalle las técnicas que necesitas para editar las imágenes en Photoshop. El programa ofrece una importante gama de herramientas y múltiples funciones, aunque algunas no resulten obvias a primera vista o estén en cierto modo escondidas. Las técnicas del procesamiento de imágenes son explicados con detalle en este manual. Este es un libro práctico, con ejemplos y pasos detallados a seguir. Con un clic, podrás aplicar los ajustes requeridos, también saber cuándo, cómo y dónde utilizarlos.

¿Cómo hacer esto en Photoshop?. Scott Kelby
Ed. Anaya / Photo Club. 288 páginas. 18,5 x 24 cm.

Paleofonografías es un proyecto artístico que reflexiona sobre el poder de reminiscencia que presentan determinados objetos obsolescentes. Interpretado como una alegoría de la memoria sonora parcialmente transferida en materia física, las obras remiten a la idea de un tiempo pasado cuya indeterminada evocación es susceptible de surgir a través de la contemplación de las imágenes que, a modo de particulares fósiles, sugieren las superficies pétreas. El origen objetual de las caprichosas grafías que ofrecen las distintas piedras corresponden a casetes y cintas magnéticas de audio. Estas han sido directamente escaneadas como objetos tridimensionales, y las imágenes tratadas digitalmente antes de ser definitivamente transferidas manualmente a cada una de las piedras. En ocasiones, se muestran como pequeños puzzles que hablan tanto de fracción y ruptura como de continuidad y plenitud. Se ofrecen, en definitiva, como pequeños indicios de una memoria individual, también colectiva, de sonidos extintos transmutados en enigmática imagen con voluntad de ser preservada.



Paleofonografías. Javier Ariza. Ed. Fundación Antonio Pérez
21 x 27 cm. 76 páginas. Castellano

El “boom” turístico español es un fenómeno tan conocido como poco debatido. En la memoria colectiva ha quedado vinculado a una serie de espacios —Benidorm, Torremolinos— e iconos simbólicos —el biquini, “las suecas”— que dan forma a una narración estereotipada. Con la finalidad de matizar y enriquecer dicho relato, este libro propone una revisión de la cultura visual del “boom”. La autora analiza un nutrido corpus documental extraído de archivos nacionales y extranjeros, sirviéndose de herramientas analíticas de los estudios  visuales y de la antropología del turismo. El repertorio iconográfico resultante revela que el imaginario de lo español durante la dictadura franquista fue mucho más complejo de lo que “a priori” podría pensarse, con una constante negociación entre las imágenes que respondían a la búsqueda de experiencias de los turistas y aquellas en las que un país en pleno proceso de modernización deseaba verse reconocido.


Bienvenido, Mr. Turismo. Ed. Cátedra
Alicia Fuentes Vega. 19,3 x 21,5 cm.. 288 páginas. Castellano

Carlos Cánovas inició su actividad fotográfica en 1972. Hasta 1980 obtuvo numerosos premios y distinciones en salones de fotografía y, a partir de ese año, comenzó a desarrollar su obra personal y a ejercer una notable actividad docente, impartiendo talleres y cursos especializados en diversos centros y universidades, tanto de naturaleza técnica como de historia de la fotografía, así como en relación con su propio trabajo. Su obra se ha mostrado en numerosas exposiciones, individuales como las realizadas en el Museo de Bellas Artes (Bilbao) o el Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia), y colectivas, entre las que destacan las realizadas en el Instituto Cervantes en diversos países, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en el Museum of Contemporary Photography (Chicago) o en el Instituto Cultural de México (Washington). La construcción del paisaje urbano y la formación de una experiencia vinculada a la creación de la imagen y al establecimiento de su dimensión estética y poética, son los temas que Carlos Cánovas trata en sus series de fotografías desde los años ochenta hasta hoy. Su interés en las áreas periurbanas y en los límites de las ciudades le ha llevado a explorar distintas zonas industriales y residenciales, manteniendo siempre una visión poética. En este libro más de un centenar de fotografías, muchas de ellas inéditas, se reparten en cuatro apartados: «Extramuros» (1982- 1986), desarrollado en torno a la ciudad de Pamplona y el Vallès Oriental (1990) de Barcelona, en el que documenta algunos aspectos residuales de una Cataluña entre lo industrial y lo rural; «Paisajes sin retorno» (1993-94), donde registra el Bilbao industrial en los momentos previos a su transformación; en «Paisaje anónimo» (1994-2006) continúa la exploración de las periferias, con una selección de imágenes que recorren distintas ciudades españolas; por último, «Séptimo cielo» (2007-2016) es su trabajo para el proyecto artístico «Tender Puentes».



En el tiempo. Carlos Cánovas. Ed. Museo Universidad . de Navarra
29 x 24 cm. 190 páginas. Castellano e Inglés

En 1935, el fundador de DC Comics, el mayor Malcolm Wheeler-Nicholson, publicó New Fun. Se trataba del primer libro especializado en cómics con todo el material inédito y original, en una época en la que estas obras solían ser contenedores de las historietas descartadas de los periódicos. Lo que al principio se consideró un medio disponible sólo para niños estaba a punto de convertirse en mito de nuestro tiempo: la respuesta del siglo XX a personajes como Atlas o El Zorro. TASCHEN lanza ahora el libro más exhaustivo y único sobre DC Comics en una edición XL con más de 2.000 imágenes –portadas e interiores, ilustraciones originales, fotografías, fotos fijas y coleccionables– restauradas y reproducidas mediante tecnología digital, y da vida a las aventuras, personajes y creadores. Paul Levitz, un clásico en DC tras 35 años en la empresa, desvela las peripecias que se esconden tras las obras. Sus crónicas minuciosas recorren la historia de la compañía, desde su nacimiento como revista de bajo precio hasta la más moderna edición digital. Gracias a una completa y desplegable cronología y a un exhaustivo apéndice que incluye la biografía de los artistas, escritores, editores, editoriales y actores que hechizaron al mundo, esta obra es una referencia imprescindible para cualquier aficionado a los cómics.

75 Years of DC Comics. The Art of Modern Mythmaking
Paul Levitz. Ed. Taschen. 29 x 39,5 cm. 720 páginas

Quinientos de los diseños gráficos más emblemáticos de todos los tiempos, desde los inicios de la reproducción mecánica hasta el presente.
El proceso de comunicación visual y resolución de problemas a través del uso de la tipografía, el espacio, la imagen y el color nos informa la forma en que nos conectamos a través de lenguas y culturas. Derivado del Archivo Phaidon de Diseño Gráfico, este fascinante compenio celebra la larga y rica historia del diseño gráfico, desde la primera muestra de tipo móvil y la Crónica de Nuremberg del siglo XV hasta las revistas de vanguardia, carteles y efímeras de hoy. Compilado y escrito por un equipo global de expertos, este libro tiene un carácter internacional donde se cuzan los estilos y filosofías del diseño en las diferentes partes del mundo.



Graphic, 500 Designs that Matter
Ed. Phaidon. 16,3 x 12,3 cm. 708 páginas

Cristina Durán (Valencia, 1970) es licenciada por la Facultad de Bellas Artes de Valencia y fue becada Erasmus en la Middlesex University de Londres. En su época universitaria formó parte del Equipo Grúa, creador del fanzine No Aparcar Llamo GRUA, y fue galardonada y seleccionada en varios certámenes de cómic (Murcia Joven, Portugalete, Alaquàs, INJUVE, etc.). Inicialmente trabajó un tiempo en animación, pero desde 1993 se dedica profesionalmente a la ilustración y el cómic en LaGRUAestudio. En 1997 participó activamente en el resurgimiento de la Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia (APIV), de la que fue presidenta entre 2006 y 2009.
Cristina y Miguel, los autores, necesitan reconstruirse y reinventarse cuando, nada más nacer Laia, su primera hija, les toca enfrentarse al mundo de la parálisis cerebral infantil: hospitales, centros de rehabilitación y médicos se convierten entonces en su rutina diaria. Hay una posibilidad entre mil de que Laia salga adelante, y se agarra a ella con una fuerza tremenda y una alegría desbordante. Años más tarde deciden emprender, con la misma valentía y determinación, el arduo proceso de la adopción de su segunda hija, Selam, que supone una nueva vida llena de alegrías y descubrimientos, pero también una etapa de adaptación para encontrar un nuevo equilibrio. Este libro es una historia de superación, que transita por un camino familiar empedrado y lleno de incertidumbres, pero que los cuatro recorren con una energía y un optimismo fuera de lo común.



Una posibilidad. Miguel Á. Giner Bou
Cristina Durán (ilustración). Ed. Astiberri. 17,5 x 24,4 cm. 320 páginas.

David Sánchez, el autor de Tú me has matado y No cambies nunca, vuelve con un cómic desértico, dominado por un cielo aplastante, que gira en torno a la figura divina y que resulta tan inquietante y turbador como sus obras anteriores. David es el creador de la marca de camisetas Mong T-Shirts, para la que sigue diseñando dos colecciones anuales. Ha ilustrado los libros El destripador, de Robert Desnos y Paul está muerto para Errata Naturae, editorial de la que es responsable gráfico, realizando el diseño de sus colecciones así como las portadas de todos sus títulos. También ha publicado en Calle 20, El País de las Tentaciones, El Semanal, el suplemento cultural de El País EP3, Man, Público, Rolling Stone, Shangay Express y El Manglar. Según Santiago García, Un millón de años demuestra que David es además de un autor espiritual, puede ser también el más material. Con frecuencia se han descrito sus páginas como crípticas o enigmáticas. Por el contrario, Santiago considera que su obra es de un realismo escalofriante, y está dotada de una precisión y una exactitud clínicas. Como un místico materialista, David Sánchez produce a través de sus viñetas una experiencia sensorial de una veracidad angustiosa.


Un millón de años. David Sánchez
Ed. Astiberri. 19 x 26 cm. 120 páginas.  Castellano

Rebeca Luciani (La Plata, Argentina, 1976) es licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Hace 15 años que trabaja ilustrando libros en editoriales de varios países. Comparte sus horas de dibujo con la docencia, impartiendo talleres de ilustración en Barcelona, Sao Paulo, Santiago de Chile y Buenos Aires. Su obra ha sido incluida en la lista The White Ravens.
Las aves son las protagonistas de este poemario y conforman un abecedario muy personal que sugieren múltiples avecedarios. A la fuerza literaria de este alado avecedario se une la exuberancia plástica que aporta Rebeca Luciani: ilustraciones que combinan lo figurativo con los personajes humanizados, que rebosan colorido y luminosidad, naturaleza y vida. Sus aves arrullan los versos con la elegancia de sus poses y la audacia de sus acrobacias.

Las alas del abecedario. Texto de Antonio Rubio e ilustraciones de Rebeca Luciani
Ed. Factoría K de Libros. 15 x 25 cm. 48 páginas. Castellano

Lynne Chapman ha publicado treinta libros infantiles, todos ellos ilustrados con pasteles. Es fundadora de Urban Sketchers Yorkshire y organiza SketchCrawls cada mes. Lynne imparte talleres de urban sketching por todo el mundo y publica sus dibujos en el blog An Illustrator’s Life for Me!. Este libro proporciona a quienes se inician en el dibujo consejos sencillos y prácticos que darán la confianza para dibujar a todo tipo de personas en situaciones. Además de conocer los materiales y herramientas básicos del urban sketching, esta guía muestra cómo mirar a los modelos con atención y destreza. Desde la anatomía humana, las acciones y las escenas más recurrentes, hasta los estilos, los enfoques y la captación del movimiento, este sencillo manual ilustrado propone reforzar la habilidad en el dibujo.



Dibujando gente en acción. Guía práctica para captar gestos y escenas en urban sketching
Lynne Chapman. Ed. Gustavo Gili. 21,5 x 28 cm. 128 páginas Castellano

La búsqueda de lo que hoy conocemos como fotografía forma parte de una compleja trama de experimentos llevados a cabo por numerosos científicos y aficionados a las artes no solo en las grandes metrópolis europeas, sino también en los sitios más apartados de la civilización occidental. Esta obra nos presenta las pesquisas, zozobras y hallazgos de Hercule Florence, francés afincado en el interior de Brasil, quien, en 1833, logró fijar imágenes visibles a través de la cámara oscura, además de proponer el uso del negativo y bautizar el descubrimiento con el nombre que hoy le damos: fotografía. Después de más de doscientos años de su nacimiento, sus descubrimientos no caben dentro del mundo de las coincidencias, sino que responden a la búsqueda decimonónica por mejorar los medios de reproducción de la imagen, privilegiada desde entonces como una senda del conocimiento. El análisis de Kossoy no se agota con la fotografía; por el contrario, a partir de ella abre el camino a la reflexión sobre las maneras en que la cultura latinoamericana ha sido abordada.



Hercule Florence el descubrimiento aislado de la fotografía
Boris Kossoy. Ed. Cátedra. 272 páginas. 16,5 x 24 cm. Castellano

Miguel Angel Pacheco es doctor en Bellas Artes, desde finales de los años 60 escribe, dibuja y diseña libros para público infantil y juvenil. Ha colaborado en programas infantiles de televisión, como La bola de cristal, siendo director de arte y creando la imagen de los Electroduendes. Actualmente se dedica sobre todo a la literatura y a la edición de su obra, que suma más de 15 novelas. Ha recibido el Premio Nacional de Ilustración en 1980 y 1983. Poemas de La Oca Loca –cuyo original se publicó en 1978– es una selección de 25 composiciones de la inolvidable poeta de los niños. Sus rimas alegres, sorprendentes y absurdas, repletas de repeticiones y juegos de palabras, forman parte de la memoria colectiva de toda una generación de jóvenes y adultos, y han calado también en los niños y niñas del siglo XXI. Las sencillas ilustraciones de Miguel Ángel Pacheco acompañan las composiciones con trazos firmes y de línea clara, figuras planas y redondeadas, que rellena con punteados y rayas para dotarlas de profundidad y perspectiva.

Poemas de la Oca Loca. Gloria Fuertes. Ilustraciones de Miguel Angel Pacheco
Ed. Kalandraka. 18 x 27 cm. 48 páginas. Castellano

Gina Alyse Wynbrandt es una autora gráfica e ilustradora de Chicago. Muestras de su trabajo han aparecido en la prestigiosa antología The Best American Comics 2015, lo que asimismo le valió una nominación al premio Ignatz. Con su nombre completo pueden construirse los anagramas «gay anal by twin nerds» y «wannabe sadly trying». Le encantan las comedias de situación, las estrellas del pop adolescente, el maquillaje, internet y ser el centro de atención. Que alguien se acueste conmigo, por favor (2015) es su primer libro. En Que alguien se acueste conmigo, tras plantar el campamento base en un territorio surreal y desternillante donde se juntan la autobiografía y lo fantástico, la autora elabora parábolas extremas sobre el mundo en que vivimos, sometidos a todo tipo de presiones, exigencias y necesidades, tanto en el mundo real como en el virtual. El resultado es una mirada fresca a   las lides más tristes del amor y la carne, sazonada con visiones muy sabrosonas de la cultura popular.


Que alguien se acueste conmigo, por favor. Gina Wynbrandt
Ed. Reservoir Books. 142 páginas. 14,5 x 20 cm- Castellano

Bodoni publicó la primera edición de su Manual en 1788, pero continuó trabajando en él hasta su muerte. Su viuda continuó su labor y publicó en 1818 la edición final del Manual de tipografía, uno de los mayores éxitos tipográficos de la historia. Este Prefacio incluye los textos introductorios. En el Prefacio al Manual de tipografía, la viuda de Bodoni, Margherita dall’Aglio, dedica el Manual a la archiduquesa María Luisa de Austria, duquesa de Parma, Piacenza y Guastalla, “Por saberla protectora de las Ciencias y las Bellas Artes”, y lo presenta al público con un discurso Al lector, en el que cuenta las circunstancias favorables y adversas que se dieron desde que su amado esposo decidió emprender esta colosal tarea. Estos dos textos son seguidos por el Prefacio escrito por Giambattista Bodoni.

Prefacio al “Manual de tipografía”. Giambattista Bodoni
Ed. Trama Editorial. 15 x 21 cm. 72 páginas. Castellano