Emilio Urberuaga (Madrid, 1954) fue galardonado en 2011 con el Premio Nacional de Ilustración por su trayectoria artística, que comenzó en la década de 1980. Desde entonces, su obra está en las principales fundaciones y museos del mundo. Creador de la imagen del célebre personaje Manolito Gafotas, ha ilustrado cerca de un centenar de libros infantiles publicados en varias editoriales. Ha recibido otros galardones como el VII Premio Anaya, el Premio Crítica Serra d’Or y ha sido incluido en la lista The White Ravens. La importancia de la educación ambiental, el contacto directo del alumnado con la naturaleza para su formación integral y el espíritu colaborativo en la comunidad educativa están presentes en El árbol de la escuela. Esta historia de estructura circular narra con un lenguaje sencillo la relación entre un niño y un pequeño árbol que va creciendo gracias al cariño que recibe de él, y al afecto de otros compañeros que siguen su ejemplo. Pese a la reticencia inicial a que los escolares interactuasen con el árbol, la propia profesora acaba sumándose también a la iniciativa de los alumnos, que consiguen llamar la atención de los botánicos.
Emilio Urberuaga sitúa a los lectores en diferentes puntos de vista y hace discurrir el tiempo a través del ir y venir de los personajes, los cambios meteorológicos y el progresivo desarrollo del árbol. Las ilustraciones destacan por su colorido, la expresividad de cada escena y la presencia de elementos ajenos al texto que enriquecen la lectura visual.
El árbol de la escuela Texto:Antonio Sandoval
Ilustraciones: Emilio Urberuaga. Ed. Kalandraka
22,5 x 23cm. 36 páginas . Catellano
miércoles, 19 de abril de 2017
miércoles, 12 de abril de 2017
Este álbum de gran belleza estética es una narración poética cuya protagonista, movida por sus “sueños de volar”, inicia un viaje hasta donde solo el deseo y la voluntad pueden llevarla. Las ilustraciones de Fátima Afonso contribuyen a crear una atmósfera etérea, de levedad y ensoñación, con imágenes llenas de simbolismo: aves, aviones de papel, nubes, plumas, globos, mecedoras... El detallismo de los trazos, las figuras estilizadas y la suavidad cromática envuelven con delicadeza las palabras de Teresa Marques y su mensaje abierto a la reflexión. Fátima Afonso (Torres Novas, 1962) es licenciada en Pintura por la Faculdad de Bellas Artes de Lisboa. Desde 1986 ha participado en numerosas exposiciones de pintura, diseño e ilustración. Desde el año 2000 se dedica a la ilustración de literatura infantil y juvenil, género en el que ha publicado varias obras. También ha ilustrado libros escolares y carteles. En la actualidad, además de continuar su faceta de ilustradora, también es profesora de Artes Visuales en Setúbal, donde reside.
Sueños de volar. Fátima Afonso
Kalandraka. 24,5x21,5 cm. 40 páginas. Castellano
Sueños de volar. Fátima Afonso
Kalandraka. 24,5x21,5 cm. 40 páginas. Castellano
miércoles, 5 de abril de 2017
En una de las islas del archipiélago de las Halligen, en el fiero mar del Norte, tan solo viven el farero y su familia. Una vida de días grises y noches eternas que viene a ensombrecer todavía más una mujer llegada del mundo de los sueños. Las tentaciones a las que somete al hombre desatarán sobre la familia una tormenta tan violenta y amenazadora como las que se originan en ese mar. Ana Juan, licenciada en Bellas Artes, comenzó a ilustrar en revistas como La Luna, Madriz o El Víbora. Ha realizado más de una veintena de portadas para The New Yorker, revista con la que colabora desde 1995, y colaboraciones especiales para diarios como El País o El Mundo. Su primer libro premiado como autora e ilustradora fue The Night Eater. Entre sus obras figuran títulos tan emblemáticos como Snowhite o Demeter.
En sus pinturas destaca un personal uso del volumen y de las geometrías, los contrastes emocionales y el protagonismo de la figura humana. En 2010 obtuvo el Premio Nacional de Ilustración que concede el Ministerio de Cultura español.
La isla. Ana Juan y Matz Mainka
Contempla. 22,5x30 cm. 52 páginas. Castellano
En sus pinturas destaca un personal uso del volumen y de las geometrías, los contrastes emocionales y el protagonismo de la figura humana. En 2010 obtuvo el Premio Nacional de Ilustración que concede el Ministerio de Cultura español.
La isla. Ana Juan y Matz Mainka
Contempla. 22,5x30 cm. 52 páginas. Castellano
jueves, 30 de marzo de 2017
El clásico de Lewis Carroll parece que soporta cualquier número de revisiones que se quieran realizar. En esta edición, el texto íntegro de Carroll va acompañado de las ilustraciones de Benjamin Lacombe, además de un extenso prólogo de Ramón Buckley, el traductor al español, una serie de cartas de Carroll con Alice Liddell y otras niñas y algunos datos cronológicos. Algunas de sus páginas ilustradas son desplegables. La edición cuidada hay que entenderla más como una versión no infantil, a lo que contribuye el aire oscuro y casi trágico de las ilustraciones de Lacombe.
Alicia en el país de las maravillas. Benjamín Lacombe (ilustraciones)
Ed. Edelvives. 20x28 cm. 290 páginas. Castellano
Alicia en el país de las maravillas. Benjamín Lacombe (ilustraciones)
Ed. Edelvives. 20x28 cm. 290 páginas. Castellano
lunes, 27 de marzo de 2017
Alrededor de la innovadora marca de moda de Miyake, " 132 5. ISSEY MIYAKE ", y el proyecto de Miyake de productos de iluminación de interiores , IN -EI, este libro de 112 páginas en inglés y japonés presenta la obra de Miyake en un formato accesible y portátil. El concepto de la marca " 132 5. ISSEY MIYAKE " se da a conocer en el libro a través de diez modelos de esta línea de moda ofrecida junto con bocetos y ejemplos de desarrollo, y de las piezas terminadas.
Creativity is Born. Issey Miyake y Sanae Shimizu
Ed. Pie Books. 29,7x210 cm. 112 páginas. japones e inglés
Creativity is Born. Issey Miyake y Sanae Shimizu
Ed. Pie Books. 29,7x210 cm. 112 páginas. japones e inglés
miércoles, 22 de marzo de 2017
«168 dardos dadá», presenta una magnífica cosecha de frases y aforismos recolectados en diversas revistas surgidas entre 1919 y 1924, principalmente en París, al calor de la irreverente e incandescente hoguera de Dadá. Revistas como «391», «Dada», «Proverbe», «Cannibale», «Z», «Littérature», «Le pommes de pins», o «Le Coeur à barbe», escritas por figuras referenciales de las vanguardias: Francis Picabia, Tristan Tzara, Benjamin Péret, Philippe Soupault, André Breton, Paul Éluard, Vicente Huidobro, Louis Aragon, Céline, Jean Cocteau, René Magritte, Erik Satie, Marcel Duchamp, y tantos otros.
168 dardos dadá. Varios autores
Centro de Creación Experimental de la UCLM
14,5x20,5 cm. 188 páginas. Castellano
168 dardos dadá. Varios autores
Centro de Creación Experimental de la UCLM
14,5x20,5 cm. 188 páginas. Castellano
viernes, 17 de marzo de 2017
El Yeti es la última obra de Rébecca Dautremer (Seda, Una Biblia, Alicia en el País de las Maravillas, El pequeño teatro de Rébecca). En esta ocasión vuelve a contar con el apoyo del escritor Taï-Mar Le Thanh (su colaborador literario habitual), para narrar la historia de una joven que está obesionada con el Yeti y recorre medio mundo para buscarlo; sin saber que, por el mero hecho de iniciar esa búsqueda, el Yeti ya viaja a su lado, dándole fuerza para conseguir su meta. En este álbum la autora es un poco más luminosa que en otras de sus obras. Destaca su magistral uso del color, desde los tonos más cálidos e intensos del principio, cuando la joven decide iniciar su viaje, hasta los más blancos, grisáceos y ocres del final, cuando escala una gran montaña en busca del Yeti. Destaca el gran formato del libro, que permite apreciar las belleza cuidada de las ilustraciones de Rebecca.
El Yeti. Tai-Marc Le Thanh y Rebecca Dautremer
Ed.Edelvives. 29,5x35,5 cm. 36 páginas. Castellano
El Yeti. Tai-Marc Le Thanh y Rebecca Dautremer
Ed.Edelvives. 29,5x35,5 cm. 36 páginas. Castellano
miércoles, 15 de marzo de 2017
José María Mellado es uno de los fotógrafos españoles que ha construido con mayor intensidad esa experiencia visual de la belleza natural; emplea magistralmente la tecnología digital para conseguir el paisaje que, literalmente, desea. “Intervengo –dice– en la luz de la imagen, en el estilo más tradicional del laboratorio para recuperar la emoción y la atmósfera del momento”. Mellado domina las luces y las nubes; envuelve sus paisajes con colores grises, como si quisiera sugerir que algo está a punto de suceder, que las promesas de lluvia se cumplirán. En sus carreteras vacías, sus mares y ríos embravecidos, en las fábricas de presencia imponente o las visiones de ciudad, se transmite una mezcla de intensa poesía y, al mismo tiempo, de extraña irrealidad. No hay aquí documentalismo, ni anécdota, sino un afán en convertir el afuera en el territorio para la ensoñación. En buena medida, Mellado ejemplifica, a la perfección, aquella idea de Paul Klee de que el arte no reproduce lo visible, sino que “más bien lo hace visible”.
Closer. José María Mellado. Photo Club
29x25 cm. 144 páginas. Castellano
Closer. José María Mellado. Photo Club
29x25 cm. 144 páginas. Castellano
lunes, 13 de marzo de 2017
Nueva edición revisada y ampliada de Diseño gráfico: Nuevos fundamentos, que ha pasado a la categoría de clásico por aportar un nuevo enfoque en el aprendizaje del diseño gráfico. Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips analizan las estructuras formales del diseño y se las explican a los estudiantes con un lenguaje actual, lleno de referencias contemporáneas y numerosos ejemplos visuales. El resultado es un magnífico manual básico de diseño, riguroso y atractivo, dirigido a todos aquellos que quieran comprender el diseño gráfico desde una perspectiva crítica e informada. El libro, renovado y ampliado con nuevos ejemplos en esta segunda edición, analiza los elementos y estructuras que subyacen a todo proyecto de diseño (ya sea un logotipo, un cartel, o un sitio web) y nos enseña a manipularlos de forma práctica, a jugar con soltura y solidez con la escala, el ritmo, el color, la jerarquía, las retículas, etc. Así, el estudiante de diseño aprenderá a crear construcciones ricas y complejas partiendo de relaciones básicas y simples.
Diseño gráfico: Nuevos fundamentos. Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips
Ed. Gustavo Gili. 20x22,5 cm. 264 páginas. Castellano
Diseño gráfico: Nuevos fundamentos. Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips
Ed. Gustavo Gili. 20x22,5 cm. 264 páginas. Castellano
miércoles, 8 de marzo de 2017
Cuando en 2013 BIS Publishers editó la versión original de este libro supuso un revuelo considerable en los departamentos creativos de las agencias de todo el mundo. Ahora por fin, disponible en castellano de la mano de Gustavo Gili. Los mensajes visuales son omnipresentes en nuestra vida diaria. Nos bombardean constantemente, tratando de persuadirnos y de orientar nuestro comportamiento. La industria de la publicidad es un gigante que mueve la sorprendente cifra estimada de un trillón de dólares al año. Todo este gasto, ¿es solo un despilfarro o somos más susceptibles a los influjos de la publicidad de lo que creemos? ¿Cuál es el poder secreto de la publicidad? ¿De qué forma intenta influir en nuestro comportamiento?. Este libro analiza la publicidad más allá del poder de persuasión de las propias imágenes. En él se explican, describen, analizan y juzgan 33 técnicas psicológicas que se emplean habitualmente en publicidad. Algunas de ellas son fáciles de detectar, otras, más oscuras e insidiosas. Todas las técnicas están apoyadas en un rico catálogo de ejemplos de la mejor publicidad actual e información científica acerca de los principios psicológicos de su funcionamiento. Este no es sólo un libro idóneo para los profesionales y estudiantes de los campos de la comunicación y el diseño, sino una reflexión sobre la sociedad actual valiosa para cualquiera que quiera entender cómo la publicidad influye inconscientemente en nuestro comportamiento.
Persuasión. 33 técnicas publicitarias de influencia psicológica
Marc Andrews, Matthijs van Leeuwen, Rick van Baaren
Gustavo Gili. 19x24 cm. 192 páginas. Castellano
Persuasión. 33 técnicas publicitarias de influencia psicológica
Marc Andrews, Matthijs van Leeuwen, Rick van Baaren
Gustavo Gili. 19x24 cm. 192 páginas. Castellano
miércoles, 1 de marzo de 2017
El Bosco ya era famoso en su tiempo por sus pinturas y creaciones fantásticas. Hoy en día se ha convertido en sinónimo de imágenes fantasmagóricas. Y a la hora de interpretar sus enigmáticas pinturas algunos remiten al simbolismo de la alquimia o sugieren la pertenencia a cultos paganos secretos. Otros tratan de entender sus mundos visuales a través de explicaciones exotéricas mientras que algunos otros intentan decodificarlos a través de métodos de psicología y de psicoanálisis.
La vida y el trabajo de El Bosco están excepcionalmente bien documentadas. En este libro, Nils Büttner recorre la trayectoria de un pintor que trabajó para los círculos más altos de nobles y cortesanos y analiza su obra en el contexto de la cultura contemporánea. Este trabajo nuevo y concienzudo se publica en el quinto centenario de la muerte de El Bosco.
Hieronymus Bosch "El Bosco". Nils Büttner . Alianza Editorial
14,5x20,5 cm. 208 páginas. Castellano
La vida y el trabajo de El Bosco están excepcionalmente bien documentadas. En este libro, Nils Büttner recorre la trayectoria de un pintor que trabajó para los círculos más altos de nobles y cortesanos y analiza su obra en el contexto de la cultura contemporánea. Este trabajo nuevo y concienzudo se publica en el quinto centenario de la muerte de El Bosco.
Hieronymus Bosch "El Bosco". Nils Büttner . Alianza Editorial
14,5x20,5 cm. 208 páginas. Castellano
miércoles, 22 de febrero de 2017
En la breve historia del cine han sido numerosas las adaptaciones de los clásicos de la literatura universal y, como no podía ser de otro modo, unas con más fortuna que otras. El "Quijote" figura entre esas obras maestras que han sido llevadas al cine, ya sea como obra completa o de forma parcial. En un centenar largo de títulos que adaptan la novela, o toman el personaje como modelo referencial, confluyen cinematografías tan dispares como las de Brasil, Finlandia, Grecia, Argentina, Dinamarca, Israel, Bulgaria, Australia, Suiza, Corea del Sur, China, Japón, Italia, Francia, Reino Unido, Estados Unidos, la extinta Unión Soviética y, por supuesto, España. En este libro, Ferran Herranz desentraña a través de las adaptaciones cinematográficas más divulgadas la difícil relación entre la literatura y el cine, que, a estas alturas, no ha logrado realizar una adaptación del "Quijote" que haya suscitado una recepción unánimemente favorable. El presente estudio abarca desde las primeras traslaciones de la novela realizadas por los pioneros del séptimo arte hasta las recientes adaptaciones por parte del cine y la televisión en nuestros días, incluyendo el profuso bloque de obras basadas en el "Quijote" que se llevaron a cabo con posterioridad al Cuarto Centenario de la publicación de la novela.
El Quijote y el cine. Ferran Herranz. Ed. Cátedra
19x23,5 cm. 384 páginas. Castellano
El Quijote y el cine. Ferran Herranz. Ed. Cátedra
19x23,5 cm. 384 páginas. Castellano
miércoles, 15 de febrero de 2017
Antes que nada, una aclaración: en los créditos de este libro puede leerse “primera edición, 300 ejemplares”. Las joyas que edita el Centro de Creación Experimental de la Universidad de Castilla La Mancha lo son por sus contenidos y hay que pensar que han de serlo pronto también por su escasez. Este estudio de Jose Antonio Sarmiento reproduce a modo de diario, una variopinta selección de poemas, canciones, piezas musicales, partituras, obras de teatro, ilustraciones, carteles y otras obras de autores como Tristan Tzara, Vasili Kandinski, Hugo Ball, Aristide Bruant, Blaise Cendrars, F. T. Marinetti, Claude Debussy, Max Jacob, Emmy Hennings, Richard Huelsenbeck, Camille Saint-Saëns, Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry, Marcel Janco o Henri Martin Barzun, que documentan, como si fuera una suerte de abigarrado cuaderno de bitácora, la increíble y singular singladura artística y literaria que en el Cabaret Voltaire se generó.
Cabaret Voltaire. Jose Antonio Sarmiento.
Centro de Creación Experimental de la UCLM
14,2x20,5. 396 páginas. Castellano
Cabaret Voltaire. Jose Antonio Sarmiento.
Centro de Creación Experimental de la UCLM
14,2x20,5. 396 páginas. Castellano
miércoles, 8 de febrero de 2017
Este relato rimado comienza con una anécdota inocente e insignificante: quién no ha tirado de un hilo que le sobresalía de la chaqueta... Así lo hace el niño protagonista de esta historia, cuya curiosidad por llegar al extremo final de la hebra se vuelve insaciable y hasta extenuante. Rosa Osuna realiza una propuesta plástica en la que predominan los fondos neutros sobre los que destacan -con intenso colorido- el protagonista y otros personajes cómplices que la ilustradora añade a la trama visual. En la expresividad del niño se aprecian los cambios en su estado de ánimo, que va del interés inicial, a la preocupación, la sorpresa o la travesura, hasta el agotamiento final. La desnudez humana se representa con naturalidad, mientras que la ‘desnudez’ del espacio -a medida que aumenta la madeja de hilo- apela a la imaginación de los lectores. Rosa Osuna (Segovia , 1961) Vive y trabaja en Madrid. Es licenciada en Bellas Artes. Después de dedicarse durante varios años al diseño gráfico, la ilustración publicitaria y la animación, actualmente su especialidad es la ilustración infantil. Ha publicado varios álbumes ilustrados de los que también es autora, y continúa creando y modelando personajes en tres dimensiones para todo tipo de proyectos. “Abuelos”, fue su primer álbum ilustrado; le siguieron “¡No es fácil, pequeña ardilla!” y “Un regalo diferente”.
El hilo. Rosa Osuna. Ed. Kalandraka
22,5x22,5 cm. 32 páginas. Castellano
El hilo. Rosa Osuna. Ed. Kalandraka
22,5x22,5 cm. 32 páginas. Castellano
miércoles, 1 de febrero de 2017
Erwin Panofsky (1892 - 1968) fue un historiador del arte y ensayista alemán, exiliado en los Estados Unidos. Su obra más conocida es Estudios sobre iconología, pero sus monografías sobre Durero, Tiziano, los artistas flamencos o el arte funerario son trabajos fundamentales en la estética del siglo XX. Fue discípulo de Aby Warburg, al que conoció en 1912 en un congreso en Roma, y se convirtió en "seguidor devoto" en Hamburgo. Después de estudiar en Berlín y otras universidades alemanas, se graduó en 1914 en la Universidad de Friburgo, con una tesis sobre el pintor alemán Alberto Durero. En 1916 contrajo matrimonio con Dora Mosse, también historiadora del arte. En 1924 apareció la primera de sus grandes obras, "Idea": Ein Beitrag zur Begriffsgeschichte der älteren Kunstheorie, donde examina la historia de la teoría neoplatónica del arte. Participa en la fundación del Instituto Warburg y recibe en su formación una influencia muy decisiva de Ernst Cassirer en cuanto a la definición de "símbolo", como se aprecia en su obra La perspectiva como forma simbólica. En 1953, fruto de unas conferencias pronunciadas en la Universidad de Harvard entre los años 1947 y 1948, publicó "Los primitivos flamencos", texto fundamental que definía el propio autor de la siguiente manera: "Como la mayoría de los títulos, el de la publicación presente es impreciso. No he pretendido presentar la pintura flamenca primitiva en su totalidad [...], sino concentrar mis esfuerzos en Hubert y Jan van Eyck, el maestro de Flémalle y Roger van der Weyden. He intentado aclarar, hasta donde ha sido posible, las premisas históricas de sus logros; valorar lo que sabemos o creemos saber sobre su estilo; y seguir en líneas generales el curso de las evoluciones subsiguientes de las que puede decirse que constituyen la principal corriente de la tradición flamenca primitiva". Los primitivos flamencos. Erwin Panofsky
Ed. Cátedra. 16,5x24 cm. 594 páginas. Castellano
jueves, 26 de enero de 2017
Diego Bianchi (Bianki) La Plata, Argentina, 1963. Maestro de dibujo y diseñador (Universidad Nacional de La Plata). Trabaja como ilustrador, director de arte del sello Pequeño Editor -del que es cofundador- y autor de libros ilustrados para público infantil y juvenil. Colabora con periódicos y revistas de varios países, además de participar en foros, festivales y jornadas sobre edición, ilustración y literatura infantil. Por sus obras ha recibido, entre otros, el Premio Nuevos Horizontes de la Feria Internacional del Libro de Bolonia (2013), el Premio Konex de Ilustración 2012, y ha sido incluido en la lista The White Ravens.
“Recuperar, reciclar y reutilizar” es el lema del autor a la hora de abordar el proceso artístico de este libro. Con un enfoque original, utilizando cajas de cartón, pintadas y encajadas como un rompezabezas, Diego Bianki crea un mundo de diferentes identidades que, a su vez se interrelacionan. Con este sencillo antídoto lúdico contra la discriminación y la exclusión, se invita a los lectores a jugar y a experimentar, a seguir sumando nuevas combinaciones para que cada uno construya su propio catálogo de identidades infinitas, haciendo este rompecabezas cada vez más grande.
Rompecabezas. Diego Bianki
Ed. Kalandraka.. 24 x 30 cm.. 56 páginas
“Recuperar, reciclar y reutilizar” es el lema del autor a la hora de abordar el proceso artístico de este libro. Con un enfoque original, utilizando cajas de cartón, pintadas y encajadas como un rompezabezas, Diego Bianki crea un mundo de diferentes identidades que, a su vez se interrelacionan. Con este sencillo antídoto lúdico contra la discriminación y la exclusión, se invita a los lectores a jugar y a experimentar, a seguir sumando nuevas combinaciones para que cada uno construya su propio catálogo de identidades infinitas, haciendo este rompecabezas cada vez más grande.
Rompecabezas. Diego Bianki
Ed. Kalandraka.. 24 x 30 cm.. 56 páginas
jueves, 10 de noviembre de 2016
Federico Delicado (Badajoz, 1956) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En 1970 inició su trayectoria profesional elaborando materiales audiovisuales y trabajos para prensa. Ha publicado numerosos libros para público infantil y juvenil ; entre ellos, “El niño bisiesto” e “Ícaro” (KALANDRAKA), galardonado con el VII Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado, el Premio Fundación Cuatrogatos 2016, y que ha sido incluido en la selección The White Ravens 2015 y la Lista de Honor IBBY 2016.
Este libro es un homenaje al mundo de los títeres por parte de un autor que ha nacido entre ellos, ha jugado con marionetas y ha sido titiritero. “Mundinovi” -título que procede de un pequeño retablo que en el siglo XVI servía para representar es cenas del Nuevo Mundo- también es un tributo al legado del marionetista argentino Javier Villafañe, artífice de personajes como Maese Trotamundos, que protagoniza uno de los poemas del libro.
Con una métrica tradicional a base de octosílabos, un ritmo literario ágil y un evocador ejercicio memorístico, los versos de “Mundinovi” se completan con las ilustraciones de Federico Delicado, repletas de colorido, expresividad y dinamismo. Con un estilo realista, las imágenes sitúan al público delante y detrás del teatrillo, e incluso frente a frente con los propios títeres, estableciendo una relación de cercanía y complicidad.
Mundinovi. El gran teatrillo del mundo
Juan Carlos Martín Ramos y Federico Delicado
15 x 23,5 cm.. 56 páginas. Ed. Kalandraka
Este libro es un homenaje al mundo de los títeres por parte de un autor que ha nacido entre ellos, ha jugado con marionetas y ha sido titiritero. “Mundinovi” -título que procede de un pequeño retablo que en el siglo XVI servía para representar es cenas del Nuevo Mundo- también es un tributo al legado del marionetista argentino Javier Villafañe, artífice de personajes como Maese Trotamundos, que protagoniza uno de los poemas del libro.
Con una métrica tradicional a base de octosílabos, un ritmo literario ágil y un evocador ejercicio memorístico, los versos de “Mundinovi” se completan con las ilustraciones de Federico Delicado, repletas de colorido, expresividad y dinamismo. Con un estilo realista, las imágenes sitúan al público delante y detrás del teatrillo, e incluso frente a frente con los propios títeres, estableciendo una relación de cercanía y complicidad.
Mundinovi. El gran teatrillo del mundo
Juan Carlos Martín Ramos y Federico Delicado
15 x 23,5 cm.. 56 páginas. Ed. Kalandraka
lunes, 7 de noviembre de 2016
Anabel Fernández Rey (argentina, 1975) estudió Producción y Realización Audiovisual en la Universidad Abierta Interamericana, un posgrado en Gestión Cultural en la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales y Arteterapia en la Fundación Jung de Psicología Analítica. Desde hace más de diez años realiza animación digital y diseño para proyectos artísticos, publicitarios, sociales y educativos. Colabora en programas donde la educación, la comunicación y la expresión artística involucran a niños y niñas. Sigue formándose como ilustradora en talleres de las escuelas Sótano Blanco y Casita de Latinoamérica, y en literatura con el taller Octavo Cielo.
“¿Somos amigos?” es un álbum ilustrado dirigido a pre-lectores y primeros lectores sobre la construcción de la amistad entre un niño y un oso: a priori, dos personajes muy diferentes, pero que pueden ser complementarios si se ayudan mutuamente. Anabel Fernández Rey estructura la obra en dos partes, mostrando los puntos de vista, los deseos y las necesidades de los dos protagonistas ante situaciones cotidianas. Texto e ilustraciones dialogan en el libro de modo que la parte visual tiene tanto peso como las palabras o incluso más, en las dobles páginas mudas, lo que abre la lectura a diversas interpretaciones y conclusiones. El diálogo entre los personajes se establece con palabras y gestos: uno verbaliza sus deseos mientras la respuesta del otro se intuye a través de su expresividad. Colores y pinceladas suaves son el principal rasgo artístico de esta obra, junto con la variedad de planos y el juego con el lenguaje no verbal.
Somos amigos. Anabel Fernández Rey
Ed. Kalandraka. 18,5 x 25,5 cm.. 40 páginas. Castellano
“¿Somos amigos?” es un álbum ilustrado dirigido a pre-lectores y primeros lectores sobre la construcción de la amistad entre un niño y un oso: a priori, dos personajes muy diferentes, pero que pueden ser complementarios si se ayudan mutuamente. Anabel Fernández Rey estructura la obra en dos partes, mostrando los puntos de vista, los deseos y las necesidades de los dos protagonistas ante situaciones cotidianas. Texto e ilustraciones dialogan en el libro de modo que la parte visual tiene tanto peso como las palabras o incluso más, en las dobles páginas mudas, lo que abre la lectura a diversas interpretaciones y conclusiones. El diálogo entre los personajes se establece con palabras y gestos: uno verbaliza sus deseos mientras la respuesta del otro se intuye a través de su expresividad. Colores y pinceladas suaves son el principal rasgo artístico de esta obra, junto con la variedad de planos y el juego con el lenguaje no verbal.
Somos amigos. Anabel Fernández Rey
Ed. Kalandraka. 18,5 x 25,5 cm.. 40 páginas. Castellano
jueves, 3 de noviembre de 2016
Bruno Munari (Milán, 1907–1998) fue diseñador, poeta, escultor, pedagogo y autor de libros infantiles y ensayos. Vinculado al movimiento futurista desde 1927, desarrolló su actividad en los campos diversos del grafismo, el diseño industrial, la experimentación sobre materiales y tecnologías, y la proyección de objetos que integraran utilidad práctica y uso estético. Siempre interesado en la búsqueda de formas de simplificar y clarificar el proceso de diseño, durante los últimos años de su vida se centró sobre todo en temas relacionados con la didáctica, la psicología y la pedagogía, apostando por una educación en el diseño que comenzara en las guarderías.
Este libro compila las 50 lecciones que Bruno Munari impartió en la década de los sesenta en el Carpenter Center for the Visual Arts de Cambridge (Massachusetts). Eran años de rápidas transformaciones para el diseño gráfico, que apenas había empezado a profesionalizarse y ya debía abordar cuestiones fundamentales como la relación entre arte y diseño o entre artesanía e industria. Munari planteó un profundo cambio de marco al tratar de superar el academicismo y su binomio bello/feo y abogar, en cambio, por los principios de coherencia formal y funcional y el binomio acertado/erróneo. Los elementos de esa transformación se tradujeron en una nueva aproximación a los principios, leyes y posibles realizaciones del diseño gráfico, y a una oportuna reflexión sobre las metodologías didácticas de la comunicación visual. Con casi cincuenta años de historia, este libro forma parte ya del imaginario de varias generaciones de diseñadores y docentes. Esta nueva edición, revisada y actualizada, recupera pues una aportación histórica y fundamental para entender la investigación y la práctica del diseño en su sentido más amplio.
Diseño y comunicación visual. Contribución a una metodología proyectual
Bruno Munari (Nueva edición revisada)
Ed. Gustavo Gili. 16x23,7 cm. 296 páginas. Castellano
Este libro compila las 50 lecciones que Bruno Munari impartió en la década de los sesenta en el Carpenter Center for the Visual Arts de Cambridge (Massachusetts). Eran años de rápidas transformaciones para el diseño gráfico, que apenas había empezado a profesionalizarse y ya debía abordar cuestiones fundamentales como la relación entre arte y diseño o entre artesanía e industria. Munari planteó un profundo cambio de marco al tratar de superar el academicismo y su binomio bello/feo y abogar, en cambio, por los principios de coherencia formal y funcional y el binomio acertado/erróneo. Los elementos de esa transformación se tradujeron en una nueva aproximación a los principios, leyes y posibles realizaciones del diseño gráfico, y a una oportuna reflexión sobre las metodologías didácticas de la comunicación visual. Con casi cincuenta años de historia, este libro forma parte ya del imaginario de varias generaciones de diseñadores y docentes. Esta nueva edición, revisada y actualizada, recupera pues una aportación histórica y fundamental para entender la investigación y la práctica del diseño en su sentido más amplio.
Diseño y comunicación visual. Contribución a una metodología proyectual
Bruno Munari (Nueva edición revisada)
Ed. Gustavo Gili. 16x23,7 cm. 296 páginas. Castellano
martes, 25 de octubre de 2016
Betania Zacarías (Buenos Aires, 1980) estudió en la Universidad de Buenos Aires, donde también ha sido profesora. Ha ejercido como diseñadora gráfica en varios estudios de la capital argentina y en Barcelona, ciudad donde reside. Actualmente trabaja como ilustradora y docente, organizando sus propios talleres. Desde 2012 ha ilustrado una docena de libros publicados en América, Asia y Europa. Seleccionada para participar en la Feria Internacional del Libro de Bolonia, el Catálogo Iberoamericano de Ilustración, la Bienal de Bratislava, la Feria del Libro de Sharjah y el Festival Cow Design de Ucrania. Ha recibido el Premio Fundación Cuatrogatos 2015.
“Trastario” reúne 31 poemas dedicados o inspirados en aparatos de uso cotidiano que encontramos en nuestro entorno doméstico: desde la lavadora al frigorífico, pasando por la plancha, la tostadora o el aspirador. Pedro Mañas actúa como mecánico, ingeniero o constructor de versos. Sus herramientas son el ingenio y el humor, con los que crea juegos de palabras y dobles sentidos, al tiempo que experimenta con su sonoridad y significado, trasladando por momentos a los lectores al terreno de lo lúdico. Las ilustraciones de Betania Zacarías, elaboradas con acrílico y collage, envuelven los textos con una suave calidez de colores y texturas; los ambienta en sencillos escenarios hogareños, en espacios naturales a los que añade destellos de imaginación, donde proyecta metáforas visuales que aportan un gran valor a esta lectura poética.
Trastario. Pedro Mañas y Betania Zacarías
Ed. Kalandraka. 15 x 23,5 cm.. 40 Páginas.
“Trastario” reúne 31 poemas dedicados o inspirados en aparatos de uso cotidiano que encontramos en nuestro entorno doméstico: desde la lavadora al frigorífico, pasando por la plancha, la tostadora o el aspirador. Pedro Mañas actúa como mecánico, ingeniero o constructor de versos. Sus herramientas son el ingenio y el humor, con los que crea juegos de palabras y dobles sentidos, al tiempo que experimenta con su sonoridad y significado, trasladando por momentos a los lectores al terreno de lo lúdico. Las ilustraciones de Betania Zacarías, elaboradas con acrílico y collage, envuelven los textos con una suave calidez de colores y texturas; los ambienta en sencillos escenarios hogareños, en espacios naturales a los que añade destellos de imaginación, donde proyecta metáforas visuales que aportan un gran valor a esta lectura poética.
Trastario. Pedro Mañas y Betania Zacarías
Ed. Kalandraka. 15 x 23,5 cm.. 40 Páginas.
jueves, 20 de octubre de 2016
A través de la mirada curiosa de un viajero, los autores, trazan un auténtico retrato sociológico de Japón y de su riqueza gastronómica en una sucesión de nuevas historias que dan continuidad, dieciséis años después, a El gourmet solitario (Astiberri, 2010).
Jiro Taniguchi nace en la prefectura de Tottori (Japón), en 1947; debuta en el manga en 1970. Durante más de veinte años colabora con el guionista Natsuo Sekikawa, junto al que produce numerosas obras, entre las que destaca La época de Botchan (Ponent Mon, 2004-2008). A partir de 1991 publica numerosos títulos en solitario como Barrio lejano (Ponent Mon, 2003), con cuyo primer volumen obtuvo en 2003 el premio Alph-Art en el Salón de Angoulême, El caminante (Ponent Mon, 2004) o El almanaque de mi padre (Planeta DeAgostini, 2008).
Masayuki Kusumi, Tokio en 1958. Junto con su hermano Takuya crea el dúo de historietistas «Q.B.B.» (siglas de «Qusumi Brothers Band»), cuya obra Diario de secundaria (Chugakusei nikki) es galardonada con el premio Bungeishunju de manga en 1999 y llevada al cine en un cortometraje realizado por el director Nobuhiro Yamashita. Además de guionista de cómics, Kusumi ha realizado trabajos como ilustrador, ensayista, diseñador y músico.
Paseos de un gourmet solitario. Jiro Taniguchi, Masayuki Kusumi
Ed. Astiberri. 17,2x24 cm. 142 páginas. Castellano
Jiro Taniguchi nace en la prefectura de Tottori (Japón), en 1947; debuta en el manga en 1970. Durante más de veinte años colabora con el guionista Natsuo Sekikawa, junto al que produce numerosas obras, entre las que destaca La época de Botchan (Ponent Mon, 2004-2008). A partir de 1991 publica numerosos títulos en solitario como Barrio lejano (Ponent Mon, 2003), con cuyo primer volumen obtuvo en 2003 el premio Alph-Art en el Salón de Angoulême, El caminante (Ponent Mon, 2004) o El almanaque de mi padre (Planeta DeAgostini, 2008).
Masayuki Kusumi, Tokio en 1958. Junto con su hermano Takuya crea el dúo de historietistas «Q.B.B.» (siglas de «Qusumi Brothers Band»), cuya obra Diario de secundaria (Chugakusei nikki) es galardonada con el premio Bungeishunju de manga en 1999 y llevada al cine en un cortometraje realizado por el director Nobuhiro Yamashita. Además de guionista de cómics, Kusumi ha realizado trabajos como ilustrador, ensayista, diseñador y músico.
Paseos de un gourmet solitario. Jiro Taniguchi, Masayuki Kusumi
Ed. Astiberri. 17,2x24 cm. 142 páginas. Castellano
martes, 18 de octubre de 2016
Cuando Le Corbusier comparó el Partenón con un automóvil Grand-Sport no solo estaba dando crédito a la "boutade" proferida pocos años antes por Marinetti ("un coche de carreras es más bello que la "Victoria" de Samotracia"); en realidad, estaba insuflando nueva vida en las viejas metáforas mecanicistas que desde mediados del siglo XVII se habían ido extendiendo de la filosofía natural a todas las disciplinas humanas (también a la política y la religión) bajo la égida de un modelo bello a fuer de funcional: el reloj. Desde una perspectiva que abarca el arte, la ciencia y la filosofía, "La ley del reloj" analiza el papel de la metáfora de la máquina en la arquitectura desde sus primeras expresiones al calor de la ideología mecanicista de la Ilustración hasta sus manifestaciones contemporáneas, para mostrar que, al contrario de lo que en su momento no se cansaron de proclamar los panegiristas del Movimiento Moderno, la imitación de las máquinas no proporcionó a la arquitectura objetividad, ni tampoco claridad compositiva ni, por supuesto, neutralidad política, sino que inoculó en ella nuevas dosis de ideología y contradicción.
La ley del reloj. Eduardo Prieto
Ed. Cátedra. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano
La ley del reloj. Eduardo Prieto
Ed. Cátedra. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano
miércoles, 12 de octubre de 2016
No podríamos concebir el pasado, el presente y el futuro de la ciencia sin sus imágenes. El dibujo científico ha hecho visible lo observado y lo imaginado, dando forma, por igual, al pensamiento y al conocimiento. Este cuarto volumen de la serie "Dibujo y profesión" se dedica al estudio del arte al servicio de la ciencia. En "Dibujo científico" se analizan aquellas imágenes concebidas para: mostrar, conocer, reconocer, organizar, clasificar… no solo los fenómenos del mundo material sino también el complejo universo de las ideas; particularmente, cuando el discurso escrito se muestra insuficiente, como ya anunciaba Leonardo da Vinci, paradigma de la integración de arte y ciencia: "La pintura presenta las obras de la naturaleza ante los sentidos con mayor autenticidad y certeza de lo que lo hacen las palabras o las letras". "Ver es creer" y el dibujo científico ha creado el imaginario con el que el hombre conoce el mundo a través de unas representaciones elaboradas artificialmente cuyos códigos se han enriquecido de manera continua desde los primitivos dibujos hasta los contemporáneos modelos 3D.
Dibujo científico. Lino Cabezas; Inmaculada López Vílchez y otros
Ed. Cátedra. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano
Dibujo científico. Lino Cabezas; Inmaculada López Vílchez y otros
Ed. Cátedra. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano
lunes, 10 de octubre de 2016
"Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo (materiales cotidianos, más allá del arte)" aborda la construcción y recepción de las identidades de género en la cultura visual del periodo autárquico en España (1938-1953). El estudio de los materiales culturales de la vida cotidiana desvela cómo las mujeres negociaron sus identidades con autodeterminación para desafiar los férreos mandatos de una dictadura profundamente patriarcal. La cultura visual del primer franquismo nos devuelve mujeres empoderadas, sensuales, masculinas: abnegadas militantes falangistas, heroínas del cine histórico, voluptuosas y atrevidas feminidades, madres fuertes encargadas de la supervivencia familiar o pintoras situadas en la tensión entre su vocación y lo que se espera de ellas. Todas se apropiaron de los materiales visuales para hacer posible una vida más digna, y es esa densidad de la experiencia lo que este libro recupera.
Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo
María Rosón. Ed. Cátedra. 19x23,5 cm. 334 páginas. Castellano
Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo
María Rosón. Ed. Cátedra. 19x23,5 cm. 334 páginas. Castellano
jueves, 6 de octubre de 2016
Aprende a promocionar tu trabajo es un libro para todas aquellas personas que rehúyen el concepto de autopromoción. Diez sencillas máximas ponen fin al mito del genio solitario y nos enseñan a darnos a conocer con osadía y generosidad. Austin Kleon nos muestra cómo la obra creativa no es un producto sino un proceso en permanente desarrollo que, al compartirse, nos permite construir un público propio y aprender a comunicarnos con él. “No tienes que ser un genio”, “Abre tu gabinete de curiosidades”, “Enseña lo que sabes pero no te conviertas en spam humano”, “Aprende a recibir los golpes”… Con principios tan contundentes como estos, Kleon no sólo nos enseña estrategias para que nos atrevamos a mostrar nuestro trabajo, sino que nos abre un nuevo e increíble escenario —el de la comunicación— para que reflexionemos desde otra perspectiva sobre nuestra propia obra.
Austin Kleon es artista y escritor. Autor de Roba como un artista, Newspaper Blackout y este Aprende a promocionar tu trabajo, sus libros son auténticos best sellers en el mundo anglosajón y se han traducido a más de veinte idiomas. Imparte habitualmente conferencias sobre la creatividad en la era digital para empresas como Pixar, Google, SXSW, TEDx y The Economist.
Aprende a promocionar tu trabajo. Austin Kleon
Ed. Gustavo Gili. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano
Austin Kleon es artista y escritor. Autor de Roba como un artista, Newspaper Blackout y este Aprende a promocionar tu trabajo, sus libros son auténticos best sellers en el mundo anglosajón y se han traducido a más de veinte idiomas. Imparte habitualmente conferencias sobre la creatividad en la era digital para empresas como Pixar, Google, SXSW, TEDx y The Economist.
Aprende a promocionar tu trabajo. Austin Kleon
Ed. Gustavo Gili. 15x15 cm. 216 páginas. Castellano
lunes, 3 de octubre de 2016
El trabajo y el pensamiento de Curro Claret son el punto de arranque de esta serie de conversaciones que reúnen a reconocidas voces vinculadas al mundo del arte y el diseño. A partir de los temas recurrentes surgidos en los diálogos, Oscar Guayabero ha sabido deconstruir y reconstruir magistralmente las conversaciones hasta crear siete nuevas charlas virtuales. En ellas, las distintas miradas se unen y reordenan conformando un armónico sembrado de reflexiones, ideas, dudas y experiencias. El libro, fruto de un gran trabajo de edición de Ramón Úbeda, desborda su objetivo y no solo se convierte en una potente reflexión polifónica realizada desde el lenguaje del diseño, sino también en una reivindicación de esa cara humilde y brillante a la vez que debería instalarse en nuestra cultura industrial y que tan bien personifica Curro Claret.
Curro Claret nace en Barcelona en 1968. Estudia diseño industrial en Elisava y en Central Saint Martins de Londres. Desde 1998 trabaja como diseñador freelance, en proyectos muy diferentes (objetos, instalaciones, interiorismo, eventos-happening...), para familia, amigos, galerías, instituciones, fundaciones, el Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y diversas empresas. Al mismo tiempo ejerce ocasionalmente como profesor y tallerista de diseño industrial, principalmente en la Escuela IED de Barcelona. Actualmente, forma parte de la Junta Directiva del FAD (Foment de les Arts i el Disseny). Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos y ha recibido numerosas distinciones y premios. Su trabajo se distingue por ser fruto de una reflexión constante sobre el papel del diseñador en la sociedad y la inclusión del usuario en los procesos de creación. Al mismo tiempo su diseño se puede considerar social en tanto que a menudo es una herramienta para generar procesos de inclusión, colaboración y codiseño con colectivos de personas en situación de fragilidad.
Conversación polifónica sobre diseño y otras cosas
Retrato imperfecto de Curro Claret. Óscar Guayabero y Ramón Úbeda
Ed. Guistavo Gili. 14x21 cm. 150 páginas. Castellano
Curro Claret nace en Barcelona en 1968. Estudia diseño industrial en Elisava y en Central Saint Martins de Londres. Desde 1998 trabaja como diseñador freelance, en proyectos muy diferentes (objetos, instalaciones, interiorismo, eventos-happening...), para familia, amigos, galerías, instituciones, fundaciones, el Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y diversas empresas. Al mismo tiempo ejerce ocasionalmente como profesor y tallerista de diseño industrial, principalmente en la Escuela IED de Barcelona. Actualmente, forma parte de la Junta Directiva del FAD (Foment de les Arts i el Disseny). Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos y ha recibido numerosas distinciones y premios. Su trabajo se distingue por ser fruto de una reflexión constante sobre el papel del diseñador en la sociedad y la inclusión del usuario en los procesos de creación. Al mismo tiempo su diseño se puede considerar social en tanto que a menudo es una herramienta para generar procesos de inclusión, colaboración y codiseño con colectivos de personas en situación de fragilidad.
Conversación polifónica sobre diseño y otras cosas
Retrato imperfecto de Curro Claret. Óscar Guayabero y Ramón Úbeda
Ed. Guistavo Gili. 14x21 cm. 150 páginas. Castellano
viernes, 30 de septiembre de 2016
El diseño se ha convertido en una herramienta indispensable para la sociedad industrial. Es una de las fuentes creadoras de la cultura contemporánea que, hoy en día, requiere con más insistencia una argumentación teórica que facilite la comprensión de su actividad y de sus productos. "Breviario de diseño industrial: función, estética y gusto" arranca con una reflexión sobre la noción de diseño y la permeabilidad de sus fronteras con otros territorios de creación colindantes, para continuar con el estudio de las dimensiones funcional, simbólica, emocional y formal de los productos industriales. El libro se detiene especialmente en el uso que el diseño hace, o puede hacer, de las categorías estéticas: la belleza y la gracia, la fealdad y sus aledaños, o las variedades del humor; y en los tipos de gusto que el ser humano manifiesta ante los objetos que le rodean. La elegancia, su antítesis del kitsch y los estratos intermedios del gusto aparecen contemplados siempre en relación con el mundo objetual en un texto que, en su último capítulo, no elude abordar las encrucijadas y los desafíos a los que se enfrenta el diseño en la actualidad.
Breviario de diseño industrial. Joan M. Marín; Rosalía Torrent
Ed. Cátedra. 15,5x21 cm. 228 páginas. Castellano
Breviario de diseño industrial. Joan M. Marín; Rosalía Torrent
Ed. Cátedra. 15,5x21 cm. 228 páginas. Castellano
jueves, 22 de septiembre de 2016
Desde que Vasari en la primera edición de sus "Vite" (1550) denominase Renacimiento al periodo artístico que comienza al despuntar el siglo XV en Florencia, y posteriormente en otras partes de Italia, el término ha sido sinónimo de "buen arte". Incluso en nuestros días, el Renacimiento permanece como un hito que se erige sobre otros momentos, estilos, alejados de sus principios. No obstante, con frecuencia se sigue el rígido planteamiento vasariano que no ve más allá del arte italiano. Sin duda fue excepcional, pero los Alpes no definen la frontera del Renacimiento. El arte de la época en los Países Bajos y en otros estados no es ni la continuación de lo medieval ni un mero sucedáneo de lo italiano. Este libro, abierto a diferentes interpretaciones más allá de la italocéntrica, resalta las principales obras, los grandes creadores, los comitentes y las teorías que sustentaron el arte de un periodo que hoy sigue siendo considerado excepcional, y que cuanto más se profundiza en su estudio parece engrandecerse.
El Renacimiento. Miguel Ángel Zalama
Ed. Cátedra. 15,5x21 cm. 228 páginas. Castellano
El Renacimiento. Miguel Ángel Zalama
Ed. Cátedra. 15,5x21 cm. 228 páginas. Castellano
lunes, 19 de septiembre de 2016
La exposición “Magiciens de la Terre” en el Centre Georges Pompidou en 1989, descubrió una profunda falla en el mundo del arte contemporáneo, limitado hasta entonces, con escasas matizaciones o excepciones, a las fronteras de Europa y América del Norte. Veinticinco años después, la mirada occidental ha dejado de ser imperante, tal como se puso de manifiesto en el remake de “Magiciens de la Terre” que tuvo lugar en el mismo lugar, en julio de 2014, y que elevó la exposición de 1989 a la categoría de “muestra de culto”. En dicho remake, fue edificante repensar a través de documentos, epistolarios, publicaciones, filmes y fotografías la aventura conceptual de Magiciens de la Terre, pero sobre todo fueron estimulantes los debates llevados a cabo en la Bibliothèque Kandinsky del propio Pompidou sobre la genealogía de la exposición, su recepción crítica y los desplazamientos teóricos que implicó.
Los años que median entre “Magiciens de la Terre” de 1989 y su recreación documental en 2014 constituyen el territorio temporal que escanea y cuestiona este libro, un territorio de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, pero también por una economía en crisis que pone en entredicho el desarrollo basado en el crecimiento o por una política de sociedades pospolíticas que generan tanto utopías de no-fronteras como radicales procesos de carácter religioso y territorial.
El arte en la era de lo global. Anna María Guasch
Ed. Alianza. 17,5x23 cm. 454 páginas. Castellano
Los años que median entre “Magiciens de la Terre” de 1989 y su recreación documental en 2014 constituyen el territorio temporal que escanea y cuestiona este libro, un territorio de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, pero también por una economía en crisis que pone en entredicho el desarrollo basado en el crecimiento o por una política de sociedades pospolíticas que generan tanto utopías de no-fronteras como radicales procesos de carácter religioso y territorial.
El arte en la era de lo global. Anna María Guasch
Ed. Alianza. 17,5x23 cm. 454 páginas. Castellano
miércoles, 14 de septiembre de 2016
Hijo del pintor Jacques Pajak, Frédéric (1955, Altos del Sena, Francia) es dibujante, escritor y editor. Ha sido redactor jefe de varios periódicos y suplementos culturales y satíricos. En 1987 publica su primera novela, Le bon larron. Con la publicación de La inmensa soledad, inventa un nuevo y original género: el texto y el dibujo están íntimamente unidos, pero no se trata de un cómic, de una novela gráfica o de un libro ilustrado, sino de una suerte de «ensayo gráfico» en el que imagen y texto se reflejan como en un espejo.
A través de la vida de Walter Benjamin, este libro nos habla sobre la prefiguración del horror absoluto y la victoria del nazismo; pero a través de la propia vida de Frédéric Pajak, magistralmente entreverada en estas páginas con la del filósofo alemán, nos habla también sobre la insospechada infiltración del fascismo en nuestros días y sobre nuestra caída en otras formas de totalitarismo. Novela meditativa o ensayo gráfico, esta nueva obra de Pajak es un aullido contra las ideologías, contra el espíritu de nuestro tiempo y contra el propio tiempo en su marcha incontenible, un auténtico viaje a la belleza, el furor, la idiotez, la ilusión, el desencanto y la lucha.
Manifiesto Incierto. Frédéric Pajak. Ed. Errata Naturae
17,5x24 cm. 187 páginas. Castellano
A través de la vida de Walter Benjamin, este libro nos habla sobre la prefiguración del horror absoluto y la victoria del nazismo; pero a través de la propia vida de Frédéric Pajak, magistralmente entreverada en estas páginas con la del filósofo alemán, nos habla también sobre la insospechada infiltración del fascismo en nuestros días y sobre nuestra caída en otras formas de totalitarismo. Novela meditativa o ensayo gráfico, esta nueva obra de Pajak es un aullido contra las ideologías, contra el espíritu de nuestro tiempo y contra el propio tiempo en su marcha incontenible, un auténtico viaje a la belleza, el furor, la idiotez, la ilusión, el desencanto y la lucha.
Manifiesto Incierto. Frédéric Pajak. Ed. Errata Naturae
17,5x24 cm. 187 páginas. Castellano
domingo, 11 de septiembre de 2016
Igort (Cagliari, 1958) Considerado como uno de los autores más refinados de la vanguardia de la ilustración, fue uno de los fundadores del grupo Valvoline, a la vez que su obra llegaba a América y Japón. Inmerso en una frenética actividad, funda numerosas revistas: como Dolce vita, Fuego, Due, Black. Durante los años noventa publicó en Japón de forma regular, creando la serie Amore, ambientada en Sicilia, y Yuri, ambas editadas por la editorial Kodansha. En el año 1994 expone su creación en la Bienal de Venecia y en el 2000 funda y dirige la editorial Coconino Press.
Japón se había convertido para Igort en el cofre de los deseos y, sobre todo, en un paraíso para los artistas. Embriagado por las viejas estampas japonesas, En Cuadernos Japoneses se adentra en aquel mundo de símbolos aparentemente sencillos que ocultaba una sabiduría misteriosa.
Cuadernos japoneses. Igort. Ed. Salamandra
17,5x24 cm. 180 páginas. Castellano
Japón se había convertido para Igort en el cofre de los deseos y, sobre todo, en un paraíso para los artistas. Embriagado por las viejas estampas japonesas, En Cuadernos Japoneses se adentra en aquel mundo de símbolos aparentemente sencillos que ocultaba una sabiduría misteriosa.
Cuadernos japoneses. Igort. Ed. Salamandra
17,5x24 cm. 180 páginas. Castellano
jueves, 8 de septiembre de 2016
Puerto de Hamburgo, año de 1914. Acaba de desatarse la I Guerra Mundial y los barcos alemanes parten hacia el frente. Hans, un soldado de la Armada teutona, se despide de Ada, la chica con la que acaba de iniciar una relación. Antes de partir, él le hace seis promesas que, aun en su ausencia, mantendrán vivas en el cuerpo de Ada las huellas de su amor. A partir del texto de Matz Mainka, Ana Juan realiza un trabajo de ilustración íntima y preciosista. Es autora e ilustradora en varias publicaciones en todo el mundo – desde España hasta Estados Unidos, pasando por Japón – es conocida por sus interpretaciones insólitas, melancólicas, románticas y a veces un poco despiadadas de la realidad y de sus historias. Es famosa por sus portadas del New Yorker, por sus ilustraciones en El País y por ilustrar todas las cubiertas de las novelas de Isabel Allende.
Promesas. Matz Mainka y Ana Juan. Ed. Contempla
22,5x30 cm. 50 páginas. Castellano
Promesas. Matz Mainka y Ana Juan. Ed. Contempla
22,5x30 cm. 50 páginas. Castellano
domingo, 4 de septiembre de 2016
El papel es una materia prima excelente para trabajar la creatividad. Además de soporte tradicional para la escritura, el dibujo y la impresión, gracias a su ligereza, flexibilidad y versatilidad puede manipularse de infinitas maneras. Este llibro presenta veinte proyectos creativos que exploran las posibilidades del papel, desde ornamentos y arreglos florales, hasta cuadernos personalizados o estampación artesanal de papel de pared. The Papered Parlour, fundada en 2009 por Claire Heafford y Louise Hall, es una comunidad creativa, un taller y una agrupación de estudios de artistas y diseñadores que trabaja desde Londres para fomentar la cultura de la artesanía y el diseño.
Solo papel. The Papered Parlour. Ed. Gustavo Gili.
19x24.5 cm. 110 páginas. Castellano
Solo papel. The Papered Parlour. Ed. Gustavo Gili.
19x24.5 cm. 110 páginas. Castellano
miércoles, 31 de agosto de 2016
Por fin en castellano esta desenfadada aproximación a la tipografía, a través de tres personajes nos guiará por algunos de los aspectos fundamentales de la tipografía, su historia, la anatomía de la letra, los estándares de codificación, todo ello desde el humor. Alessio Leonardi es diseñador gráfico y tipógrafo. Dirige el estudio de diseño Leonardi y es profesor de comunicación visual en la University of Applied Science and Art de Hildesheim (HAWK). Escribe habitualmente en diversas revistas internacionales de tipografía y diseño y muchas de sus tipografías han sido publicadas por FontShop Internacional y Linotype.
Sr. Tipo. Una novela tipográfica. Alessio Leonardi
Editorial Gustavo Gili. 17,5x24.5 cm. 100 páginas. Castellano
Sr. Tipo. Una novela tipográfica. Alessio Leonardi
Editorial Gustavo Gili. 17,5x24.5 cm. 100 páginas. Castellano
lunes, 29 de agosto de 2016
Dustin Nguyen (Vietnam, 1976) es un guionista y dibujante cuya carrera incluye numerosas colaboraciones para DC, Marvel, Dark Horse, Boom, IDW e Image. Ha colaborado con Scott Snyder, Paul Dini, Judd Winick y Ed Brubaker, entre otros. Aparte de los cómics, Nguyen también es conocido como artista conceptual de juguetes y productos de consumo, juegos y animación. Jeff Lemire (Essex County, Ontario, Canadá, 1976) ha ganado numerosos premios, y su trilogía Essex County fue destacada en 2011 como la mejor novela canadiense de la década. Ha adquirido una gran popularidad como guionista para DC y en 2015 ha recibido el encargo del relanzamiento de tres de los personajes más populares de Marvel: Hawkeye, X-Men y Old Man Logan (Lobezno). Antes de que el primer número de la edición en inglés de Descender se pusiera a la venta, Lemire y Nguyen tuvieron que lidiar con las múltiples ofertas que empezaron a recibir de los estudios de Hollywood para adquirir los derechos cinematográficos que, finalmente, fueron comprados por Sony. Relata la historia de TIM-21, un joven androide despierta de un largo sueño para descubrir que unos extraños robots alienígenas han atacado a la humanidad, al tiempo que se prohíbe la mera existencia de todos los autómatas.
Descender 1. Estrella de hojalata. Dustin Nguyen, Jeff Lemire
Ed. Astiberry. 144 páginas, 17,5x27cm. Castellano
Descender 1. Estrella de hojalata. Dustin Nguyen, Jeff Lemire
Ed. Astiberry. 144 páginas, 17,5x27cm. Castellano
miércoles, 24 de agosto de 2016
Eddie Campbell (Glasgow, 1955) ha dejado su huella durante más de veinticinco años en el mundo de la novela gráfica, y su obra ha ganado casi todos los galardones del medio, incluyendo los premios Eisner, Ignatz y Harvey. Junto a Alan Moore creó la célebre obra From Hell, que posteriormente sería adaptada al cine, así como El amnios natal y Serpientes y escaleras. Entre la multitud de sus trabajos en solitario, destacan Alec y El destino del artista (Astiberri, 2010), que ofrece una compleja meditación sobre las solitarias exigencias del arte entre las realidades de la vida cotidiana. En esta serie de Baco, publicada originalmente entre 1986 y 1999 y que se edita en castellano por vez primera de forma completa en cinco volúmenes, Eddie Campbell se apropia de los mitos griegos y sus dioses para convertirlos en protagonistas de una trama llena de intriga y suspense. Baco 4 recoge The 1,001 Nights of Bacchus y The Eyeball Kid in the Picture of Doreen Gray, publicados originalmente entre 1990 y 2000 en formato comic-book y en los años 2000 y 2002 en tomos.
Baco 4. Eddie Campbell. Ed. Astiberri
208 páginas. 17,3x24 cm.
Baco 4. Eddie Campbell. Ed. Astiberri
208 páginas. 17,3x24 cm.
martes, 16 de agosto de 2016
Una (Yorkshire, 1965) es artista, académica y autora de cómics. Sus narraciones gráficas autopublicadas han explorado la discapacidad, la psicosis, el activismo político y la violencia contra las mujeres y las niñas. Vive actualmente en Yorkshire. Una entre muchas explora la violencia de género, la vergüenza y la responsabilidad social, con un suceso nacional como telón de fondo y desde la perspectiva de una experiencia personal traumática. Una se pregunta qué significa educarse en una sociedad en la que la agresión machista no es cuestionada, y denuncia una cultura mundial que exige que las víctimas de la violencia paguen su precio. “La idea de que hay algo incrustado profundamente en la cultura que produce erupciones de violencia de género y permite que florezcan, en lugar de ser algo aleatorio y sin móvil, se está haciendo más popular, y es lo que impulsa a este libro”, afirma la autora.
Una entre muchas. Una. Ed. Astiberri
206 páginas. 17x23 cm. Castellano
Una entre muchas. Una. Ed. Astiberri
206 páginas. 17x23 cm. Castellano
miércoles, 10 de agosto de 2016
“Abre Puertas – Cómo vender a empresas” es una obra práctica pensada para ayudar a vender en este nuevo escenario en el que, nos guste o no, estamos todos metidos hasta el cuello. Las nuevas tecnologías no solo han supuesto el acceso a nuevas herramientas, sino que han modificado profundamente la manera de relacionarnos. Gonzalo Osés, vinculado desde hace años al diseño y a actividades relacionadas con su proyección, propone trucos, metodologías y recursos para alcanzar objetivos en las relaciones con otras empresas o profesionales.
Abre Puertas – Cómo vender a empresas. Gonzalo Osés
136 páginas. 15x21,5 cm. Castellano
Abre Puertas – Cómo vender a empresas. Gonzalo Osés
136 páginas. 15x21,5 cm. Castellano
martes, 2 de agosto de 2016
¿Quién compra un rinoceronte?” es un clásico de 1964 que, con una propuesta estética muy sencilla a base de dibujos sin colorear, sorprende y cautiva por su sentido del humor, su frescura y la habilidad de Shel Silverstein para plantear argumentos divertidos y disparatados bajo una aparente seriedad. Comparado con el promotor del limerick, Edward Lear, el escritor y caricaturista Theodor Seuss, o el creador de Winnie the Pooh, Alan Alexander Milne, Silverstein desarrolló un estilo propio elaborando obras enfocadas a la reflexión, al sentido crítico, o que invitan a soñar sin más y atreverse a imaginar sin límites. Su minimalismo y economía de medios a nivel gráfico, la expresividad de sus ilustraciones en blanco y negro, y el recurso ocasional a la secuenciación propia de las viñetas, son algunas de las cualidades siempre presentes en las obras del polifacético artista estadounidense.
¿Quién compra un rinoceronte?. Shel Silverstein
Ed. Calandrata. 48 páginas. 25,5x21,5 cm.. Casstellano
¿Quién compra un rinoceronte?. Shel Silverstein
Ed. Calandrata. 48 páginas. 25,5x21,5 cm.. Casstellano
miércoles, 27 de julio de 2016
Estamos de enhorabuena. Si en Visual nos habíamos quedado solos en lo que se refiere a revistas en papel dedicadas a la comunicación gráfica y el diseño, hoy tenemos un nuevo compañero de viaje. Es una buena noticia. Si además están dentrás nuestros amigos Víctor Palau y Ana Gea, la alegría es doble. Un producto reposado que complementa el digital, en el que los diseñadores son los protagonistas.
Gráffica. Ed. PalauGea
110 páginas. 20x26,50 cm. Castellano.
Gráffica. Ed. PalauGea
110 páginas. 20x26,50 cm. Castellano.
miércoles, 20 de julio de 2016
1862. En los Estados Unidos de América la guerra de Secesión causa estragos, y el médico Thomas Murrait muere durante la toma de Nueva Orleans por parte de las tropas nordistas. Su hija mayor, la rebelde y provocadora Zabo, decide partir en busca de su hermano pequeño, que se ha refugiado en casa de su bisabuela Isa. Treinta años después de la creación de Los pasajeros del viento, Bourgeon concluye su serie de culto con el volumen integral de La niña Bois-Caïman, donde la esclavitud y el camino hacia la emancipación y la libertad están en el centro del relato. Si Los pasajeros del viento contaba las aventuras de Isabel de Marnaye, una joven rebelde y atrevida que embarca de incógnito en un buque de la Armada francesa a finales del siglo XVIII, con la trata de esclavos como telón de fondo, en La niña Bois-Caïman seguimos los pasos de Zabo, la biznieta de la protagonista de la saga, en plena guerra de Secesión. François Bourgeon transformó en su momento el cómic de aventuras en un producto cultural adulto y cuidado, donde la figura femenina desempeña un papel imprescindible, como es el caso de los personajes de Zabo y de Isa. También es el autor de la saga El ciclo de Cyann, en colaboración con Claude Lacroix, y Los compañeros del crepúsculo (Astiberri, 2015).
La niña Bois-Caïman. Edición integral. François Bourgeon
Ed. Astiberri. 146 páginas. 23x31 cm.. Castellano
La niña Bois-Caïman. Edición integral. François Bourgeon
Ed. Astiberri. 146 páginas. 23x31 cm.. Castellano
martes, 12 de julio de 2016
Reedición de esta interesante obra de Ambrose Bierce, autor de innumerables cuentos y piezas breves. Noventa y nueve de estas son las que se recogen en este volumen. Seleccionadas y traducidas por Marcial Souto. Estas 99 fábulas fantásticas destilan sarcasmo y cáustica crítica, siempre brillantes. Y bien hicieron en preocuparse quienes quedaron expuestos a su sátira: políticos corruptos, médicos santurrones, monarcas tiranos, banqueros sin escrúpulos y funcionarios envilecidos se vieron a la intemperie, azotados por su ingenio. Las ilustraciones de Carlos Nine descifran el contorno de los grotescos personajes de Bierce y encarnan su voluntad censora: fábula y caricatura se aúnan para retratar con fino trazo y humor corrosivo la comedia humana espejándose en la animal. Un reflejo que nos devuelve la eterna competición entre liebre y tortuga, los reproches de la hormiga laboriosa a la irreflexiva cigarra, la inevitable comparecencia del cordero ante el lobo.
99 fábulas fantásticas. Nueva edición. Ambrose Bierce. Ilustraciones de Carlos Nine
Ed. Libros del Zorro Rojo. 96 páginas. 14x21 cm. Castellano
99 fábulas fantásticas. Nueva edición. Ambrose Bierce. Ilustraciones de Carlos Nine
Ed. Libros del Zorro Rojo. 96 páginas. 14x21 cm. Castellano
miércoles, 6 de julio de 2016
La impresión 3D permite fabricar objetos por superposición de finas capas de materia. Si bien durante mucho tiempo esta tecnología de diseño y fabricación ha sido de uso exclusivo de las empresas más punteras, en los últimos años, con la llegada al mercado de impresoras menos costosas y más rápidas, su uso se está popularizando. La impresión 3D está en auge y todo apunta a que su impacto en nuestra sociedad va a ser extraordinario. Sus más convencidos defensores ya hablan de los nuevos artesanos del 3D digital: los profesionales individuales y las microempresas que sustituirán progresivamente la cultura del consumo y del despilfarro actual por una cultura de la creación, la innovación y la producción descentralizada. Este libro dibuja un panorama completo del mundo de la impresión 3D, desde las diferentes técnicas de impresión, los tipos de impresora y los materiales, hasta el desarrollo paso a paso de un proyecto de impresión 3D o el futuro y la gran variedad de campos de aplicación de esta tecnología, como el diseño, la arquitectura, la medicina o la electrónica.
La impresión 3D. Guía definitiva para makers, diseñadores, estudiantes, profesionales, artistas y manitas en general. Mathilde Berchon y Bertier Luyt
Ed. Gustavo Gili. 199 páginas. 17x23 cm. Castellano
La impresión 3D. Guía definitiva para makers, diseñadores, estudiantes, profesionales, artistas y manitas en general. Mathilde Berchon y Bertier Luyt
Ed. Gustavo Gili. 199 páginas. 17x23 cm. Castellano
lunes, 4 de julio de 2016
La momia misteriosa recopila numerosas historias cortas de Jason aparecidas en distintos medios, en las que el autor noruego hace gala de un humor absurdo absolutamente personal. Fatalista pero rebosante de ironía, Jason sabe divertir al lector encadenando situaciones que rápidamente se vuelven coherentes. Maestro del minimalismo y admirador de Hergé, Jason homenajea al autor de Tintín con guiños a Los cigarros del faraón o incluso a La oreja rota, sus policías nos recuerdan a Hernández y Fernández, pero el propósito es ácido y los personajes tan perturbados como si estuvieran en una película de Tarantino. John Arne Sæterøy, Jason, nació en Molde (Noruega) en 1965. Tras realizar estudios secundarios y pasar un año en el Ejército, entró en una escuela artística de Oslo. En 2002 obtuvo el premio Harvey al autor revelación. La historieta y la ilustración han sido sus principales ocupaciones en los últimos años. Sus cómics se han publicado en Noruega, Suecia, Dinamarca, Finlandia, Francia, Alemania, Holanda, Eslovaquia, Suiza, Estados Unidos y España.
La momia misteriosa. Jason. Ed. Astiberri
142 páginas. 17x24 cm. Castellano
La momia misteriosa. Jason. Ed. Astiberri
142 páginas. 17x24 cm. Castellano
miércoles, 29 de junio de 2016
En Wonderland, una autobiografía fruto de diez años de trabajo, Tom Tirabosco trata de identificar momentos claves, fijar recuerdos y reconstruir una memoria de lo íntimo, para esbozar un retrato familiar y sus peculiares relaciones, sobre todo la que le une con su hermano Michel, intensa y dolorosa. Muestra la infancia como el lugar de la despreocupación, de la fantasía, pero también como la cuna de todas las neurosis futuras.Tirabosco también da en su nueva obra una visión personal, lúcida y crítica de la Suiza actual, al plantear el poder devastador de las leyes de mercado del capitalismo, e incidir concretamente en la postura activa de su madre en favor de facilitar el acceso a las viviendas sociales. Todo ello ha convertido a Wonderland en un cómic de inmediato éxito de crítica y ventas en el país helvético.
Tom Tirabosco (Roma, 1966) estudia en la Escuela Superior de Artes Visuales de Ginebra, ciudad donde reside actualmente. Asiste a clases de la Academia de Bellas Artes de Venecia y es becado por la Cité Internationale de París. Empieza su carrera profesional publicando ilustraciones en revistas y periódicos franceses como Libération y Les Inrockuptibles. Es el autor de Los ojos del bosque (Sins entido, 2004), El fin del mundo (La Cúpula, 2009) y Kongo (Dibbuks, 2014).
Wonderland. Tom Tirabosco. Ed. Astiberri
136 páginas. 17x24 cm. Castellano
miércoles, 22 de junio de 2016
Marcos Prior, con una trayectoria de dos décadas escribiendo guiones y dibujando cómics, compone Necrópolis, un nuevo trabajo donde se puede apreciar el rastro de una mirada fijada en los temas que le preocupan para reflejar las costuras de la realidad socioeconómica de las urbes del Primer Mundo.
En New Poole (“la ciudad que nunca duerme, auténtico crisol de culturas y telón de fondo de miles de blockbusters”) el departamento de policía parece incapacitado para resolver y atajar los terribles crímenes que se cometen durante unos muy frecuentes e inexplicables apagones. Son también habituales los enfrentamientos entre bandas callejeras por demarcaciones territoriales imaginarias y los robos de baja estofa magnificados por la prensa.
Con todo ello tenemos el cóctel perfecto para transformar a apacibles ciudadanos de New Poole en fieros miembros de patrullas urbanas que, con sus acciones, multiplican esa inseguridad que forma parte del tuétano de los discursos de los candidatos a la muy disputada alcaldía de la ciudad.
Marcos Prior (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 1975) ha realizado ilustraciones para editoriales como Cruïlla/SM, Ediciones Rockdelux y Editorial Sol 90. También ha contribuido a la realización de storyboards para campañas de empresas de publicidad como Ogilvy Bassat, Vinizius Young & Rubicam, McCann, Shackleton Group y Adding-Targis. A finales de 2013 se puso a la venta Potlatch (Norma Editorial), novela gráfica realizada al alimón con Danide. En 2012 apareció publicada la novela gráfica El año de los 4 emperadores (Diábolo Ediciones), de la que es autor tanto del guión como del dibujo. En 2011 apareció Fagocitosis (Glénat) con guión suyo y dibujos de Danide.
Durante 2009 se encargó de la realización del guión y dibujos de la novela gráfica Maria Callas, la ilusión biográfica para Discmedi, que todavía sigue inédita.
En la actualidad se encuentra preparando Gran Hotel Abismo junto con David Rubín, que se publicará en Astiberri en 2016.
Necrópolis. Marcos Prior. Ed. Astiberri
120 páginas. 16x26 cm. Castellano
En New Poole (“la ciudad que nunca duerme, auténtico crisol de culturas y telón de fondo de miles de blockbusters”) el departamento de policía parece incapacitado para resolver y atajar los terribles crímenes que se cometen durante unos muy frecuentes e inexplicables apagones. Son también habituales los enfrentamientos entre bandas callejeras por demarcaciones territoriales imaginarias y los robos de baja estofa magnificados por la prensa.
Con todo ello tenemos el cóctel perfecto para transformar a apacibles ciudadanos de New Poole en fieros miembros de patrullas urbanas que, con sus acciones, multiplican esa inseguridad que forma parte del tuétano de los discursos de los candidatos a la muy disputada alcaldía de la ciudad.
Marcos Prior (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 1975) ha realizado ilustraciones para editoriales como Cruïlla/SM, Ediciones Rockdelux y Editorial Sol 90. También ha contribuido a la realización de storyboards para campañas de empresas de publicidad como Ogilvy Bassat, Vinizius Young & Rubicam, McCann, Shackleton Group y Adding-Targis. A finales de 2013 se puso a la venta Potlatch (Norma Editorial), novela gráfica realizada al alimón con Danide. En 2012 apareció publicada la novela gráfica El año de los 4 emperadores (Diábolo Ediciones), de la que es autor tanto del guión como del dibujo. En 2011 apareció Fagocitosis (Glénat) con guión suyo y dibujos de Danide.
Durante 2009 se encargó de la realización del guión y dibujos de la novela gráfica Maria Callas, la ilusión biográfica para Discmedi, que todavía sigue inédita.
En la actualidad se encuentra preparando Gran Hotel Abismo junto con David Rubín, que se publicará en Astiberri en 2016.
Necrópolis. Marcos Prior. Ed. Astiberri
120 páginas. 16x26 cm. Castellano
miércoles, 15 de junio de 2016
Colores / Formas. Aún hoy, la vida de John J. Reiss está rodeada de misterio. Se sabe que vivió en Wisconsin, donde fue un miembro activo de la comunidad artística. Cursó los estudios de Bellas Artes en el Black Mountain College a medidados de la década de 1940, bajo la batuta de uno de los mejores maestros de la forma y el color del siglo XX, y renovador de la pedagogía del arte: Josef Albers, a quien Reiss homenajea en su libros
"Colores". En el uso que hace Reiss de la geometría y la yuxtaposición de áreas y gamas cromáticas se percibe de manera incuestionable la imponta
de Albers, en especial se su obra más famosa, "Homenaje al cuadrado", uno de los máximos exponentes del expresionismo abstracto y la pintura de
contorno nítido. Reiss compiló, adaptó y reinterpretó las enseñanzas de su profesor en varios libros infantiles: en "Formas", en "Colores", y también en "Numbers", obras de prinicpios simples pero estéticamente espectaculares y perfectas herramientas didácticas. Como diseñador gráfico, Reiss también trabajó para el Museo Contemporáneo de Artesanía de Nueva York y para el Museo de Milwaukee, al que donó parte de su producción artística. Poco más se sabe de John J. Reiss, un creador al filo del anonimato cuyos libros infantiles son sin embargo la muestra todavía vigente de la revolución artística de una época y de la innovación en el aprendizaje temprano de los niños.
Los libros infantiles de John J. Reiss se convirtieron en obras de referencia para varias generaciones de niños a partir de la década de 1970. Blackie Books ha recuperado las ediciones originales de estos libros, y los publica por primera vez en español.
John J. Reiss. Ed. Blackie Books
32 páginas. 22x28,50 cm. Bilingüe
miércoles, 8 de junio de 2016
Joaquín Sorolla. La figura del pintor Joaquín Sorolla es una de las sobresalientes en la cultura que España ha producido a lo largo de su dilatada historia. Fue el representante más destacado de una corriente artística que admiraba los espacios abiertos y la luz. Pero fue él quien mejor consiguió trasladar a la superficie del lienzo esa nueva manera de ver la realidad. Los autores hacen un homenaje al pintor, ofreciendo a los lectores los resultados de una amplia y continuada investigación, que sigue abierta, sobre los aspectos personales, histórico – artísticos, teóricos y otros más prácticos como son la técnica pictórica o los materiales. De este modo, se presentan los datos científicos y documentales de que dispone este equipo de investigación pluridisciplinar, formado por especialistas de museos y profesionales integrados en distintos centros de conservación y restauración y de universidades, con el claro objetivo de ilustrar al estudioso y al público en general, sobre los usos de un artista, que fue tan prolífico, en lo que se refiere a su oficio de pintor, y la influencia que en ellos tuvieron ciertos aspectos de su vida y su carácter personal.
VV.AA. Mª Luisa Menéndez (coordinación). Ed. Tecnos
422 páginas. 17,5x24,5 cm. Castellano
miércoles, 1 de junio de 2016
García! Tomo 2. Con este segundo tomo –del primero publicamos una reseña hace unos meses– concluye la propuesta de Santiago García . Antonia sigue la pista del misterioso héroe del pasado con la intención de descubrir la verdad oculta que se esconde detrás de su figura. Pero lo que Antonia no imagina es que esa verdad oculta no sólo puede poner en cuestión todo el sistema político que mantiene el orden en España, sino que puede revelar dolorosos secretos íntimos que les afectan a ella y a su familia.
Luis Bustos (Madrid, 1973). Dibujante de cómics, ilustrador y grafista. Comienza su carrera en 1996 con Rayos y centellas (Camaleón Ediciones) junto al guionista David Muñoz. De un estilo gráfico versátil, ha realizado trabajos en varios géneros y formatos que van desde el comic book, el álbum europeo, el humor para prensa o la novela gráfica. Como autor completo destacan Endurance (Planeta DeAgostini, 2009), un relato de aventuras sobre la expedición antártica de Ernest Shackleton; el cómic juvenil Zorgo (Dibbuks, 2012) o Versus (Entrecómics Cómics, 2014), adaptación libre del relato de Jack London Por un bistec. También ha colaborado en el semanario humorístico El Jueves (2012-2014) y actualmente en la revista digital Orgullo y Satisfacción. Otros trabajos como dibujante son Residuos (Glénat, 2005) junto a David Muñoz y Antonio Trashorras o ¡Infiernos! (¡Caramba!, 2015) con guión de John Tones.
Santiago García (Madrid, 1968) licenciado en periodismo e historia del arte, escribe cómics y escribe sobre cómics desde hace más de veinte años. Formó parte de los equipos fundadores de las revistas especializadas U y Volumen, las cuales dirigió durante una etapa, ha escrito sobre cómic en el suplemento cultural de ABC y es autor del ensayo La novela gráfica (Astiberri, 2010), traducido al portugués y al inglés. En 2011 recibió el premio a la divulgación en el Salón del Cómic de Barcelona.
Santiago García y Luis Bustos. Ed. Astiberri. 200 páginas.
16x21 cm. Castellano
Luis Bustos (Madrid, 1973). Dibujante de cómics, ilustrador y grafista. Comienza su carrera en 1996 con Rayos y centellas (Camaleón Ediciones) junto al guionista David Muñoz. De un estilo gráfico versátil, ha realizado trabajos en varios géneros y formatos que van desde el comic book, el álbum europeo, el humor para prensa o la novela gráfica. Como autor completo destacan Endurance (Planeta DeAgostini, 2009), un relato de aventuras sobre la expedición antártica de Ernest Shackleton; el cómic juvenil Zorgo (Dibbuks, 2012) o Versus (Entrecómics Cómics, 2014), adaptación libre del relato de Jack London Por un bistec. También ha colaborado en el semanario humorístico El Jueves (2012-2014) y actualmente en la revista digital Orgullo y Satisfacción. Otros trabajos como dibujante son Residuos (Glénat, 2005) junto a David Muñoz y Antonio Trashorras o ¡Infiernos! (¡Caramba!, 2015) con guión de John Tones.
Santiago García (Madrid, 1968) licenciado en periodismo e historia del arte, escribe cómics y escribe sobre cómics desde hace más de veinte años. Formó parte de los equipos fundadores de las revistas especializadas U y Volumen, las cuales dirigió durante una etapa, ha escrito sobre cómic en el suplemento cultural de ABC y es autor del ensayo La novela gráfica (Astiberri, 2010), traducido al portugués y al inglés. En 2011 recibió el premio a la divulgación en el Salón del Cómic de Barcelona.
Santiago García y Luis Bustos. Ed. Astiberri. 200 páginas.
16x21 cm. Castellano
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